Înfrumuseţare

Dezambiguizare - „grup mic” se referă aici. Dacă sunteți în căutarea termenului folosit în ciclism, consultați Gruppetto (ciclism) .

Dezambiguizare - Dacă sunteți în căutarea termenului de lexic filologic, consultați Îmbunătățirea (filologia) .

O înfrumusețare , în notație muzicală , este o notă sau un grup de note, numite accesorii , de înflorire , ornamentale sau auxiliare , inserate în linia melodică cu funcție nestructurală, dar decorativă și / sau expresivă. Termenul a continuat apoi să desemneze complexul de note adăugate pentru a varia o frază muzicală sub forma unei melisme , având toate înfrumusețările ca origine comună imitația vocii . Din „accente” (M. Marsenne, 1637) „inflexiuni sau modificări ale vocii sau cuvântului cu care pasiunile și afectele sunt exprimate în mod natural sau artificial”. Originile sunt foarte vechi și adesea nu au legătură cu documentația precisă. În 1700 au atins splendoarea maximă în muzică, în special în clavecin.

Este indicat în cea mai mare parte prin note mai mici decât cele care fac parte dintr-o piesă sau prin plasarea simbolurilor deasupra notei reale pe care se sprijină. Interpretarea înfrumusețărilor prezintă dificultăți în înțelegerea simbolurilor, a căror semnificație poate varia în raport cu diferitele epoci și diferiți autori , precum și cu caracter estetic, întrucât lasă interpretului o anumită marjă de discreție. ^[1]

De la utilizarea lor în epoca barocă în Italia, ei au fost numiți și floare și grație , în Franța agréments , în Germania ornamente . ^[2]

Principalele tipuri ornamentale sunt: acciaccatura , l ' support , gruppetto , mordente , trill , arpeggio , glissando , tremolo , cadenza și înflorire . ^[3]

Introducere

Majoritatea înfrumusețărilor menționate mai sus datează din perioada barocă ( secolele XVII și XVIII ), când au fost folosite cel mai copios. ^[4]

Din punct de vedere istoric, practica decorării notelor lungi ale melodiei cu triluri și mordante mai mult sau mai puțin lungi, în special în concluziile frazelor muzicale, are o funcție specifică în instrumentele cu coarde smulse sau lovite (cum ar fi clavecinul) sau clavicordul), unde amortizarea rapidă a notelor nu ar permite menținerea multă vreme a efectului „tensiunii emoționale” dat de disonanțele prelungite care se rezolvă asupra acordului de cadență (așa-numita întârziere armonică ). Cu toate acestea, practica înfrumusețărilor răspunde, de asemenea, unor nevoi stilistice mai generale, atât de mult încât aceleași formule pentru înfrumusețarea cadențelor se regăsesc și în literatura de organe și pentru instrumentele melodice precum vioara , flautul și oboiul , și chiar în muzica vocală.

Chiar mai mult decât semne de expresie, dinamică și formulare, înfrumusețările, datorită varietății și asocierii lor cu unul sau alt instrument muzical, scapă de orice încercare de clasificare exhaustivă. Fiecare semn poate avea interpretări diferite, care variază în funcție de epocă, compozitor sau forma compoziției. ^[1] Studiul fiecărui instrument muzical include în general cunoașterea principalelor semne de înfrumusețare asociate acestuia.

Ca o consecință a tuturor acestor lucruri, orice semnificație a semnelor de înfrumusețare nu are niciodată o valoare absolută , ci corespunde aproximativ convențiilor folosite acum predominant în edițiile muzicale, convenții care s-au stabilizat în a doua jumătate a secolului al XVIII-lea și în epocile ulterioare. Executarea fiecărei înfrumusețări este însă încredințată competenței și sensibilității interpretului și nu poate fi doar rezultatul unei traduceri mecanice. Indicațiile și propunerile de rezolvare a înfrumusețărilor, mai degrabă decât la practica executivă contemporană sau istorică, se referă în general la regulile impuse în cursurile conservatoarelor, care reprezintă o formă sintetică și simplificată a practicii perioadei clasic-romantice.

fundal

Nașterea primelor flori

Înfrumusețările (în sens larg) au existat încă din epoca elenico - romană . ^{[5] [6] [7]} Utilizarea lor se regăsește și în muzica din Asia ^[6] și în cântarea gregoriană ^[7] , precum și în muzica sacră din secolele XI și XII .

Epoca renascentistă și barocă

Între sfârșitul secolului al XIV-lea și începutul secolului al XV- lea , înfloririle foarte elaborate apar în polifonia vocală ( Ars subtilior ) și în transcrierile sale instrumentale (de ex. În Codexul de la Faenza ), atât melodic, cât și ritmic. În secolul al XVI-lea, capacitatea de a improviza flori de melodii preexistente a fost considerată o parte integrantă a fondului tehnic al fiecărui instrumentist: aceste flori, numite pasaje , au fost construite pornind de la un repertoriu de scheme de diminuare pentru fiecare interval melodic (de „ diminuare "înțelegem în acest context" umplerea unui interval melodic cu note de valoare mai mică "). Una dintre primele lucrări care abordează în mod sistematic, prin exemple, tehnica florilor pentru instrumentele de la tastatură este Fundamentum organisandi ( 1452 ) al lui Conrad Paumann.

Exemple de unele dintre posibilele scăderi ale unui al treilea interval ascendent (secolul al XVI-lea)

Difuzarea în continuă creștere a tehnicilor de înflorire în Europa se manifestă prin apariția, între mijlocul secolului al XVI-lea și începutul secolului al XVII-lea, a unor lucrări educaționale precum Fontegara ( 1535 ) și Regula rubertina ( 1542 ) de Silvestro Ganassi ( respectiv dedicat flautului și violei da gamba ); Tratado de glosas de Diego Ortiz (pentru viola da gamba , 1553 ); Transilvano ( 1593 ), tratat despre degetul organului de Girolamo Diruta ; pasajele Selva de ' varii de Francesco Rognoni Taeggio (pentru cântăreți și violoniști, 1620 ). ^[8]

Cu toate acestea, chiar și în primele sonate pentru instrument solo și bass continuu și în primele cantate solo, din zona italiană (în jurul anului 1630), înfrumusețările au fost indicate sporadic nota cu notă și altfel încredințate improvizației interpretului, fără indicaţie. În acea perioadă, semnele convenționale de înfrumusețare erau foarte puține: în muzica de la tastatură (de exemplu în colecțiile englezești pentru virginal) apar două semne cu o frecvență mare, constând dintr-una sau două bare oblice pe tulpina notei (similar cu cea modernă notația tremolului ), de semnificație univocă (prima ar putea reprezenta un fel de acciaccatura a două note ascendente, în ritm descendent; a doua un mordant inferior). În muzica italiană, pe de altă parte, găsim frecvent un „T” care indică tremolo , o înfrumusețare care constă atunci în repetarea mai mult sau mai puțin rapidă a aceleiași note: tremolo rapid reproduce înfrumusețarea vocală numită ribattuta di gorgia (sau pur și simplu gorgia ), dar există și un tremolo lent pe note lungi, de obicei vioară, care constă, în schimb, într-o modulație a intensității obținută prin variația ritmică a presiunii arcului în timpul arcului. La instrumentele de suflat, tremolo-ul rapid a fost obținut cu un fel de tril lung.

Abia spre sfârșitul secolului al XVII-lea a început codificarea minuțioasă a formelor „clasice” de înfrumusețare și introducerea notațiilor prescurtate, în special în zona franceză: vezi de exemplu L'Art de Toucher le Clavecin ( 1716 ) de François Couperin , Principes de la flûte à bec ou flûte d'Allemagne, de la flûte traversière et du hautbois ( 1707 ) și L'art de préluder sur la flûte traversière ( 1719 ), ambele de Jacques Hotteterre . Stilul baroc italian, pe de altă parte, continuă mai mult timp pentru a încredința utilizarea înfrumusețărilor creativității interpretului.

Conceptul de înfrumusețare, în perioadele renascentiste și baroce, include două categorii foarte distincte. Diminuările Renașterii, inclusiv formulele de cadență, se aplică la intervale melodice , nu la note simple. Deja în Renaștere erau încă folosite unele înfrumusețări, menționate galanterie (asemănătoare barocului mordant sau aplatizat ), care se aplică notelor individuale indiferent de contextul melodic. ^[9] În perioada barocă, formulele de înfrumusețare codificate au „migrat” progresiv de la prima categorie la a doua. De exemplu, înfrumusețarea acum cunoscută sub numele de tril (numită groppo sau grup - adică „nod” - în Renaștere și în barocul italian timpuriu, și pur și simplu cadență în barocul francez) s-a născut ca o formulă pentru scăderea unui cadență melodică (deci a unui ton descendent sau a unui semiton ascendent), dar în codificarea secolului al XVIII-lea tinde să se alinieze cu celelalte forme convenționale de înfrumusețare a unei note (de asemenea, deoarece utilizarea trilului se suprapune peste cea a tremolo ); același lucru este valabil și pentru grupul mic și pentru susținere (în stilul baroc francez al secolului al XVIII-lea încă mai rezistă unele excepții, precum înfrumusețarea numită tierce coulée , care se aplică descendenților al treilea). În schimb, florile libere prezente pe scară largă în practica barocă (în general improvizate de interpreți, dar uneori oferite ca „versiuni alternative” de aceiași autori, vezi Sarabanda din primele trei suite englezești de Johann Sebastian Bach ) păstrează conceptul renascentist de „ înfrumusețare „a unei succesiuni melodice” și nu a notelor singure. De asemenea, este interesant de observat că vibrato (fr. Flattement ) a fost considerat în perioada barocă o înfrumusețare, nu o tehnică sistematică de emisie. Dimpotrivă, la tastatură și la instrumentele cu coarde smulse (cum ar fi clavecinul sau teorema ) era o practică obișnuită arpar aproape toate acordurile pentru a gradua impactul sonor în scopuri dinamice și expresive, nu ca înfrumusețare: în literatura clavecinului, indicația explicită în loc de arpegiu pe o secvență de acorduri însemna că fiecare coardă trebuia divizată într-o succesiune de note rapide, conform unui model ales de interpret. Spre mijlocul secolului al XVIII-lea, practica înfrumusețărilor a fost tratată în profunzime, pentru instrumentele de tastatură, în Versuch über die wahre Art das Clavier zu spielen ( 1753 ) de Carl Philipp Emanuel Bach ; pentru vioară, în Regulile pentru cunoașterea cântării la vioară de Giuseppe Tartini - preluată de Leopold Mozart în Versuch einer gründlichen Violinschule of ( 1756 ) - și în Arta de a cânta la vioară ( 1751 ), de Francesco Geminiani ; pentru flaut, în Versuch einer Anweisung die Flöte traversiere zu spielen ( 1752 ) de Johann Joachim Quantz .

În muzica romantică

Începând cu secolul al XIX-lea , utilizarea înfrumusețărilor a devenit din ce în ce mai sporadică, de exemplu, notele care făceau parte din înfrumusețare devin din nou note obișnuite, inserate în melodie și în măsura barei, fără a dispărea însă complet. Utilizarea înfrumusețării ca tehnică de variație a unei melodii, încă prezentă pe scară largă în perioada clasică, este abandonată progresiv și în raport cu o nouă viziune a relației dintre compozitor, interpret și piesă muzicală. Mai mult, la nivel tehnic, motivele estetice și acustice legate de dimensiunea crescândă a sălilor de concert și a teatrelor de operă determină adaptarea tuturor instrumentelor muzicale (și a tehnicii vocale) în direcția unei lățimi dinamice mai mari, în detrimentul agilitatea și claritatea articulației necesare executării multor înfrumusețări.

Din cauza acestui declin, tehnica de înfrumusețare a avut un succes mixt printre marii compozitori din secolul al XIX-lea: în timp ce autori precum Paganini , Beethoven și Liszt au continuat să le folosească, alții precum Schumann și Mendelssohn și-au limitat utilizarea la cazuri sporadice.

Fryderyk Chopin merită un caz separat: compozitorul polonez a făcut o utilizare foarte largă a acestuia, chiar dacă strict „personal”: prin aceasta înțelegem că în scrierile sale melodice înfrumusețările au căpătat un sens pe care nimeni nu i-l dăduse până atunci. Valsurile , mazurcele , lustrurile și lucrările precum nocturnele au fost exemple de utilizare copioasă a înfrumusețărilor într-o perspectivă complet romantică .

Îmbunătățirile din operă

Începând cu secolul al XVII-lea , practica de a-și manifesta virtuozitatea și de a câștiga admirația publicului prin adăugarea de înfrumusețări (așa-numita „fioriture”), în special sub formă de aer cu da capo , s-a răspândit printre cântăreții de operă ., Care a domnit în timpul secolul al XVIII-lea . Broșura satirică Il teatro alla moda de Benedetto Marcello ( 1720 ) stigmatizează, printre altele, practica introducerii unor astfel de înfloriri („pași”, adică diminuări și „belle maniere”, adică înfrumusețări) fără a lua în considerare în niciun fel aer caracter și stil:

Între sfârșitul secolului al XVIII-lea și începutul secolului al XIX-lea, compozitorii înșiși au inclus lungi înfloriri și pasaje virtuozice în ariile de operă, tot în încercarea de a readuce cântecul agilității în cadrul criteriilor de coerență stilistică, scăzând spațiul. din improvizația cântăreților. A fost o tendință care s-a afirmat progresiv în lucrările lui Rossini , Bellini , Donizetti .

Mai târziu, înfrumusețările au fost folosite cu o parsimonie crescândă și au vizat tot mai mult să se concentreze asupra psihologiei personajelor. Astfel, de exemplu, în Boito lui Mefistofele , embellishments sunt rezervate pentru nebunia Margherita ( „Noaptea trecută la fundul mării“).

Din secolul XX până în zilele noastre

De la începutul secolului al XX-lea , înfrumusețările tradiționale au dispărut treptat din scrierea muzicală, cu unele excepții, cum ar fi unele sonate pentru pian ale lui Stravinsky , care, referindu-se la un stil neoclasic , și-au căutat folosirea.

În plus, în această perioadă, înfrumusețările au făcut obiectul unui studiu istoric realizat de muzicologie . ^[10]

Principalele tipuri de înfrumusețări

Acciaccatura

Acciaccaturas în-beat cu rezoluții

Accccatura (sau însoțirea scurtă ^[2] , deoarece poate fi definită și ca o colocație de foarte scurtă durată) este desenată cu una sau mai multe note de valoare scurtă. Când este o singură notă, este tăiată printr-o linie diagonală, pentru a o deosebi de suport. Mai multe Nell'acciaccatura în schimb, notele sunt două sau mai multe și sunt scrise cu notele al șaisprezecelea , al șaisprezecelea , demisemiquavers sau fuzionate fără Snick, legate de nota reală. Termenul acciaccatura derivă din verbul acciaccare ^[11] care înseamnă a zdrobi ; nota mică, de fapt, îndepărtează o fracțiune foarte scurtă din durata notei precedate sau urmate de aceasta, durata spectacolului este, prin urmare, foarte scurtă.

Este posibil să găsiți acciaccaturas simple , duble , triple sau intermediare ; în plus, semnele de backing sau acciaccaturas sunt adesea frecvente înainte de acorduri.

Acciaccatura a fost efectuată mai ales pe ritm în 1600 , în timp ce în principal pe optimist în 1800 . ^[12]

A sustine

Apoziția este o notă de expresie care precede nota reală și își ia valoarea din ea. Poate avea orice valoare atâta timp cât este mai mică decât nota reală. Dacă suportul este mai mare, poate fi un semiton sau un ton separat. Dacă este mai mic, doar la o distanță de un semiton. Valoarea duratei suportului corespunde exact cifrei cu care este marcat.

În timpurile compuse, când apoziția se află în fața unității de mișcare, este nevoie, în general, de 2/3 din valoarea notei punctate. O excepție este cazul în care într-o măsură compusă nota reală este alcătuită dintr-un minim cu un punct. În acest caz, apoziția ia jumătate din valoarea notei reale.

Suport superior pe Mi

Descriere

Appposiatura este un tip de înfrumusețare care constă dintr-o notă (de dimensiune redusă) plasată înaintea altei note sau a unei coarde. Suportul poate fi:

• superior : când este deasupra notei reale; în general se află la un interval secundar minor sau major;
• inferior : când se află la un interval secundar minor sau major sub nota reală.

Nota mică scade din nota următoare o valoare aproximativ egală cu a sa. Cu toate acestea, în cazul în care o apoziție se găsește în fața unei note punctate, care reprezintă unități de timp sau măsură, aceasta din urmă este în general scăzută cu 2/3 din valoarea sa. Apoziția este practic întotdeauna efectuată pe ritmul descendent ( legarea cu nota următoare); în acest fel, funcției sale ornamentale melodice evidente, se adaugă o funcție de îmbogățire armonică, deoarece constituie, în general, un element străin armoniei următoarei note. Acest lucru explică, de asemenea, motivul pentru care apoziția se desfășoară de cele mai multe ori în mod comun; aceasta este, de fapt, mișcarea melodică tipică pentru rezolvarea unei disonanțe. În multe cazuri, edițiile moderne ale partiturilor baroce sau chiar clasice (ca în cazul ediției pe scară largă a sonatelor pentru pian Mozart organizate de Box) prezentând direct rezoluția appoggiaturas originale, care, în timp ce ușurează partea citită , din cealaltă implică o pierdere clară de informații cu privire la structura liniei melodice.

Origine istorică

Originea foliei numită suport își trage originile din unele forme ornamentale care au fost introduse spre secolul al XI-lea de cântăreții medievali în cântările gregoriene, adesea dificil de interpretat. Din două dintre acestea, numite epifon și cefalic , a fost derivat pliul , care la rândul său a dat naștere suportului.

Micul grup

Semn convențional pentru grupul direct

Prima apariție a grupului datează din a doua jumătate a secolului al XIII-lea , în operele compozitorului francez Adam d'Arras .

Grupul mic este o înfrumusețare care alternează nota superioară și inferioară cu nota reală. Dacă nota superioară este redată mai întâi, grupul este numit drept sau direct , invers, dacă nota inferioară este redată mai întâi, grupul este numit inversat . Grupul poate începe de la nota reală sau de la notele adiacente, constând în cele două cazuri de cinci sau patru note. Simbolul pentru grupul inversat este reflectarea în oglindă a celui pentru grupul direct.

Grupul poate fi:

• pe o singură notă;
• între două note de același ton: se joacă în general ca triplet sau, prin amestecarea notei de rădăcină și a notelor de înfrumusețare, într-un catren;
• între două note de ton diferit: se joacă ca parte a valorii primei note și poate fi dezvoltată ca un catren sau un cvintet ;

Pe baza ritmului, grupul poate avea următoarele caracterizări:

• pe o notă punctată: se joacă ca un catren dacă este pe nota reală;
• pe o notă punctată cu ritm binar: se joacă de obicei ca o tripletă și nota reală cade pe punct;
• pe o notă punctată sau legată care indică unitatea de timp în măsuri ternare sau timp compus: se joacă în locul punctului sau notei legate;
• într-un ritm sincopat: se execută pe tempo-ul puternic;
• pe o notă a cărei înfrumusețare începe cu o notă de același ton ca nota reală: se execută cu nota reală pentru a nu întrerupe fluxul melodiei, înfrumusețarea este deci de cinci note;
• în timpuri rapide: este în general un catren sau cvintet care ocupă întreaga valoare a notei ornamentate;
• într-o coardă: se execută împreună cu coarda.

Mordant

Mușcături simple cu rezoluții.

Rezoluții cu notă pre-scrisă.

Mordantul este un înfrumusețare al cărui efect este alternarea rapidă a trei, patru sau cinci note, pe grad comun . Spectacolul este, în general, realizat cu figura care reprezintă unitatea de subdiviziune de gradul trei în tempo-ul piesei, acest lucru nu exclude faptul că poate fi interpretat și cu cel de gradul patru, mai ales în perioade lente. Trebuie să fie întotdeauna efectuat pe ritmuri.

Mușcătura poate fi:

• simplu : mordantul este simplu atunci când există trei note alternante. Poate fi mai mare sau mai mic:
  • superior : prima este nota reală, pe care este așezat chiar simbolul mușcăturii; se deplasează cu grad comun la nota următoare (conform aranjamentului diatonic) și apoi înapoi la nota reală. Acest tip de mușcătură nu a fost niciodată folosit în muzica barocă. ^[13]
  • mai jos : prima este nota reală, pe care este așezat chiar simbolul mușcăturii; se deplasează cu grade unite cu nota anterioară (conform aranjamentului diatonic) și apoi înapoi la nota reală.
• dublu : mordantul este dublu atunci când este constituit din unirea a doi mordanți, indiferent dacă sunt mai mici, mai mari sau de alt tip. Efectul va fi un catren sau cinci note efectuate cu subdiviziunea de gradul III pe prima subdiviziune a figurii pe care este plasat. Dacă figura în sine este o subdiviziune, mordantul o va ocupa în întregime (generând un tril )

Deasupra sau dedesubtul mordanților este posibil să se găsească accidentale (plat ${\displaystyle \mathrm{<span\; class="mwe-math-element"><span\; class="mwe-math-mathml-inline\; mwe-math-mathml-a11y"\; style="display:\; none;">♭</span></span>}}${\ displaystyle \ flat} , ascuțit ${\displaystyle \mathrm{<span\; class="mwe-math-element"><span\; class="mwe-math-mathml-inline\; mwe-math-mathml-a11y"\; style="display:\; none;">♯</span></span>}}${\ displaystyle \ sharp} sau natural ${\displaystyle \mathrm{<span\; class="mwe-math-element"><span\; class="mwe-math-mathml-inline\; mwe-math-mathml-a11y"\; style="display:\; none;">♮</span></span>}}${\ displaystyle \ natural} ) care se referă la a doua notă auxiliară a mordantului (și, de asemenea, la a patra în cazul dublului mordant).

Chiar înainte de mușcătură poate exista o notă auxiliară suplimentară superioară sau inferioară care servește în general pentru a se asigura că melodia nu se oprește. În funcție de durata acestei note inițiale și de stilul cu care este redată, există două variante:

• o mică linie verticală plasată în fața mordantului înseamnă că jucătorul va trebui să pună un accent mic sau cel puțin o pauză pe nota auxiliară: în funcție de dacă linia este plasată deasupra sau sub mordant, nota auxiliară va fi mai mare sau inferior;
• o mică linie exterioară verticală și curbată plasată în fața mordantului înseamnă că jucătorul va trebui să joace nota auxiliară fără a face o pauză prea mare dacă dorește o ușoară încetinire: în funcție de dacă linia curbată este plasată deasupra sau sub mordant nota auxiliară va fi mai mare sau mai mică.

În muzica modernă și romantică , mordantul simplu poate fi interpretat ca și cum ar fi un triplet .

Tril

Semne grafice ale trilului

Joacă un tril direct

Trilul este alternanța rapidă a notei reale cu auxiliarul superior (niciodată mai jos, spre deosebire de mordant), prin grad articular . ^[14] Durata fiecărei note a înfrumusețării corespunde cursului piesei (mai lentă dacă este într-un Adagio și mai rapidă într-un Allegro ).

Conform convențiilor moderne (în vigoare de la sfârșitul secolului al XVIII-lea), trilul poate fi ^[15] :

• direct : începe cu nota reală;
• inversat : începe cu o notă auxiliară (de obicei un indiciu) mai mare sau mai mică decât nota reală. În muzica barocă, un mordant era folosit ca semn grafic care în stânga avea un semn mic îndreptat în sus sau în jos, în funcție de dacă nota auxiliară era mai mare sau mai mică;
• dublu : când se execută simultan pe două sunete, în general la o distanță de o treime majoră sau minoră;
• cu pregătire : când are câteva note de valoare minimă înainte de începutul trilului din nota reală;
• cu închidere : când la sfârșitul trilului există câteva note înainte de nota următoare celei ornamentate;
• cu accidental : prezintă un simbol de accident (plat ${\displaystyle \mathrm{<span\; class="mwe-math-element"><span\; class="mwe-math-mathml-inline\; mwe-math-mathml-a11y"\; style="display:\; none;">♭</span></span>}}${\ displaystyle \ flat} , ascuțit ${\displaystyle \mathrm{<span\; class="mwe-math-element"><span\; class="mwe-math-mathml-inline\; mwe-math-mathml-a11y"\; style="display:\; none;">♯</span></span>}}${\ displaystyle \ sharp} sau natural ${\displaystyle \mathrm{<span\; class="mwe-math-element"><span\; class="mwe-math-mathml-inline\; mwe-math-mathml-a11y"\; style="display:\; none;">♮</span></span>}}${\ displaystyle \ natural} ) deasupra trilului și se referă la notele auxiliare;
• plasat pe o notă punctată : valoarea ei durează, în general, până la durata notei reale, cu excepția punctului;
• plasat pe două bancnote legate : valoarea sa durează, în general, până la durata bancnotei reale, excluzând cealaltă bancnotă legată;
• măsurat : se măsoară cu grupuri de note în funcție de performanța piesei care prezintă figuri ritmice prestabilite;
• gratuit : pe toată durata trilului este posibil să se facă variații atât asupra vitezei, a intensității sunetului, cât și a interpretării.

Dacă nota care urmează celei înfrumusețate are același nume și sunet ca cea precedentă, evitați repetarea notei reale înainte de nota următoare.

Trilul este înfrumusețarea cea mai frecvent utilizată în cadențele frazelor muzicale din toată muzica instrumentală și vocală din secolele XVII și XVIII. Interpreții neinformați istoric sunt adesea confruntați cu întrebarea dacă trilul, în muzica barocă, ar trebui să înceapă de la nota reală sau de la nota superioară. În prezent, se crede că, în stilul baroc, trilul ar trebui să înceapă de la nota de sus, dar întrebarea este mai subtilă. În prima jumătate a secolului al XVII-lea, trilul apare ca un mod de a juca tremolo și, prin urmare, începe de la nota reală. Formula cadenței care este afirmată în literatura barocă ulterioară constă totuși dintr-un tril precedat de o apoziție, în general mai mare (și încheiată cu una sau mai multe note de rezoluție ). Prin urmare, această formă de înfrumusețare începe în principal de la nota superioară (care este de fapt apoziția pregătitoare a trilului și poate fi, de asemenea, foarte lungă), sau mai rar de la nota inferioară, dar nu de la nota reală:

Arpegiu

Arpegiu

Arpegiu cu note menținute

Il termine arpeggio deriva dalla parola arpa , poiché è un abbellimento derivante dalla tecnica di questo strumento; ^[16] è utilizzato negli strumenti a tastiera.

L'arpeggio, anche noto come arpeggiato o arpeggiamento, ^[17] è un abbellimento che si applica a un accordo , detto quindi arpeggiato o spezzato , in cui le note vengono eseguite in successione più o meno rapida anziché simultaneamente. L'arpeggio viene suonato generalmente dalla nota più bassa a quella più alta; nel caso occorra suonarlo alla rovescia (viene allora detto rovesciato ), ciò può essere indicato da una lineetta trasversale sull'accordo. Nel caso in cui la lineetta sia dal basso verso l'alto, l'andamento dell'arpeggio va dalla nota più grave alla più acuta; viceversa nel caso in cui la lineetta sia dall'alto verso il basso l'andamento dell'arpeggio va dalla nota più acuta alla più grave. Nel caso in cui non sia posto questo segno l'arpeggio può essere eseguito a libera interpretazione di chi lo suona, seguendo generalmente l'andamento della melodia.

Nelle partiture pianistiche se il segno dell'arpeggio si trova su tutti e due i pentagrammi (in chiave di basso e di violino) alla stessa posizione di una certa battuta ci possono essere due tipi di esecuzioni:

• le note dell'arpeggio devono essere eseguite una dopo l'altra partendo dalla chiave di basso fino a quella di violino (o viceversa) nel caso in cui il segno di arpeggio abbracci tutti e due i pentagrammi senza interrompersi;
• le note dell'arpeggio devono essere eseguite contemporaneamente sia sulla chiave di basso che su quella di violino (in modo ascendente o discendente) nel caso in cui il segno di arpeggio si interrompa tra i due pentagrammi.

Tra le varianti di esecuzione di un accordo, ce ne sono anche alcune riguardanti la durata delle singole note facenti parte dell'accordo. Le note dell'accordo infatti, oltre ad essere eseguite in successione, possono essere anche pizzicate, legate (e quindi non mantenute), o mantenute una dopo l'altra per tutta la durata dell'accordo. In genere se quest'ultima risoluzione ha una certa importanza l'autore lo specifica realizzando le note dell'accordo con legature di valore che si trascinano fino all'ultima nota.

Glissando

Lo stesso argomento in dettaglio: Glissando .

Notazione del glissando

Il glissando o glissato (dal francese glisser , "slittare, scivolare" ^{[18] [19]} ) consiste nell'innalzamento o nell'abbassamento costante e progressivo dell' altezza di un suono, ottenuto a seconda dei vari strumenti in diversa maniera.

Il glissando viene segnato facendo seguire alla nota iniziale una linea nella direzione voluta e corredata spesso dall'abbreviazione gliss. ; a volte è utilizzata una linea a serpentina. Nella notazione per voce, inizialmente fu utilizzata una legatura non dissimile dalle legature di frase, ma limitata a due note adiacenti di altezze diverse.

Il glissando propriamente detto è quello che può produrre la voce umana, uno strumento ad arco come il violino (facendo strisciare il dito su una corda) ^[20] o il trombone a coulisse ; in questo caso, infatti, non si percepisce il passaggio fra le note perché la transizione avviene senza soluzione di continuità. ^[21] Spesso, però, il termine glissando si applica anche ad alcuni effetti che vi si avvicinano, come quelli ottenibili con gli ottoni o anche con l'arpa e con i cordofoni a tasto. In realtà, l'arpa o il pianoforte non permettono di eseguire un "vero" glissando, dato che essi possono produrre solo note con intervalli (toni e semitoni) predefiniti.

Tremolo

Lo stesso argomento in dettaglio: Tremolo (musica) e Tremolo (organo) .

Tremoli su note singole

Tremoli su coppie di note

Il nome tremolo è usato per abbellimenti diversi a seconda degli strumenti che ne fanno uso. Generalmente consiste nella ripetizione molto rapida di una nota per la durata della nota stessa (a differenza del trillo, in cui si alterna la nota reale con quella superiore).

Il segno grafico del tremolo è dato da tre strisce spesse e oblique. Se si tratta di un tremolo eseguito sulle stessa nota allora il segno sta sul gambo della nota stessa, se il tremolo è eseguito con due note allora il segno viene posto tra le due; la notazione antica riguardo al tremolo eseguito con due note prevedeva anche che si mettessero le due note sotto forma di bicordo e poi che si applicasse il segno del tremolo sopra di esso.

Negli strumenti ad arco consiste nella veloce ripetizione della stessa nota e si ottiene con movimenti molto rapidi dell'arco verso il basso e l'alto. Questa tecnica fu usata per la prima volta nel Seicento da Claudio Monteverdi ^{[22] [23]} nel Combattimento di Tancredi e Clorinda ( 1624 ). Sempre con gli archi è possibile applicare la tecnica del diteggiato , che consiste nel tremolo applicato a due diverse note ripetute su una stessa corda.

Gli strumenti a tastiera imitano il tremolo degli archi; fu molto usato nel XIX secolo . Il tremolo è simile al trillo e può essere anche qui eseguito su una singola nota o su due note che si ripetono ad un intervallo disgiunto (minimo una terza). Le note rapidamente alternate possono essere singole, bicordi o interi accordi. Il tremolo crea una sonorità piena ed è usato nei brani pianistici per imitare i massicci ripieni orchestrali (specie nelle riduzioni pianistiche e nelle trascrizioni, ma non solo) o per sostenere a lungo un'armonia. Già presenti nelle sonate di Beethoven , passaggi a tremolo furono molto usati nella musica pianistica romantica; un esercizio di tremolo pianistico è il brano n. 60 di " Hanon - Il pianista virtuoso". Celebri studi sul tremolo Franz Liszt sono lo studio n.1 dei 6 studi d'esecuzione trascendentale da Paganini e lo studio n.12 Chasse-neige dei12 Studi d'esecuzione trascendentale , entrambi di Franz Liszt . Il tremolo su due note è spesso utilizzato anche nella musica moderna, per esempio nel blues .

Anche gli strumenti a fiato usano il tremolo che, quando è indicato su una sola nota, viene eseguito tramite la tecnica del frullato : questa tecnica consiste nel soffiare pronunciando contemporaneamente le consonanti "tr", "dr" o "vr" per far vibrare la parte anteriore della lingua oppure la consonante "r" (pronunciata come la "r" moscia francese) per far vibrare la parte posteriore della lingua.

La figura del tremolo era caratteristica anche nella musica vocale del XVII - XVIII secolo .

Cadenza

Disambiguazione – Se stai cercando la formula armonico-melodica, vedi Cadenza .

Il termine cadenza, nella sua accezione di abbellimento, è usato per esprimere una successione veloce di note di uno o più accordi , dal carattere virtuosistico, che vengono eseguite solitamente prima della chiusura del brano.

La grafia delle note è a caratteri piccoli e l'esecuzione è liberamente interpretata dal suonatore. Può essere considerata simile alla fioritura in quanto rappresenta un riempimento tra una nota o un accordo e la nota o accordo successivo; può essere usata anche come abbellimento eseguito in contemporanea con un accordo alle ultime battute finali di un brano fino alla sua definitiva conclusione. Oltre che per mettere in risalto le doti tecniche di un cantante o di uno strumentista, la cadenza serviva anche per rallentare un brano, per creare una sorta di pausa all'interno di una composizione.

Nel XVIII secolo era rappresentata da un punto coronato : il cantante o il musicista poteva sbizzarrirsi per tutta la durata della cadenza conformemente alla sua capacità di improvvisazione. Jean-Jacques Rousseau nel suo Dictionnaire de musique " ( 1767 ) spiega così la cadenza: ^[24]

L'uso smodato che ne facevano gli esecutori portò ben presto ad una trascrizione su carta della cadenza scritta dal compositore e non più liberamente interpretabile dall'esecutore. Il primo fu Gioachino Rossini che obbligò i cantanti ad eseguire esattamente ciò che trovavano scritto, abolendo così l'improvvisazione di tale abbellimento. Lo stesso Rossini in una lettera del 1851 rivolta a Ferdinando Guidicini scrisse: ^[24]

Era raro trovare abusi da parte degli strumentisti nelle cadenza, poiché quasi sempre queste erano riservate a strumenti solistici, i quali erano suonati dagli autori stessi.

Fioritura

Fioritura dal concerto in Fa minore di Fryderyk Chopin

La fioritura è una successione di note veloci, che non di rado contengono passaggi cromatici, inserita in qualsiasi punto del brano. Le note della fioritura sono più piccole e sono eseguite quasi improvvisando, senza rigide regole ritmiche.

L'origine della parola deriva probabilmente da florificatio vocis , da cui derivano anche il contrappunto fiorito e lo stile fiorito. ^{[ senza fonte ]}

La fioritura può presentarsi come:

• una variazione alla melodia che la precede;
• una nuova melodia autonoma;
• un passaggio ornamentale tra la melodia precedente e quella successiva.

L'impiego della fioritura assunse il suo massimo tra il XVII e il XVIII secolo anche se precedentemente fu usata anche da altri compositori come Claudio Monteverdi ; durante questi due secoli la sua funzione era prevalentemente ornamentale e virtuosistica. Con il melodramma dell' Ottocento , in ambito vocale la fioritura assunse progressivamente una valenza drammaturgica, impiegata per marcare determinati stati psichici dei personaggi, quali l'euforia, la rabbia o la follia. ^{[ senza fonte ]} In ambito strumentale, l'uso della fioritura si incontra nel XIX secolo soprattutto nella letteratura pianistica.

Note

Bibliografia

• Grande Enciclopedia della Musica Classica . Roma, Curcio.
• Luigi Rossi. Teoria musicale . Bergamo, Edizioni Carrara, 1977.
• Nerina Poltronieri. Lezioni di teoria musicale . Roma, Edizioni Accord for Music.
• Marcello Oddo, La storia, la teoria e la pratica degli abbellimenti , Parisi, 2005, p. 64, ISBN 978-88-88602-53-0 .
• Walter Emery, Gli abbellimenti di bach , a cura di S. Romano, Edizioni scientifiche italiane, 1998, p. 179, ISBN 978-88-8114-559-1 .
• Pietro Lichtental, Dizionario e bibliografia della musica , Milano, Pier Antonio Fontana, 1826. URL consultato il 25 dicembre 2009 .
• Ottó Károly, La grammatica della musica , Torino, Einaudi, 2000, ISBN 88-06-15444-3 .

Voci correlate

• Notazione musicale

Altri progetti

• Wikizionario contiene il lemma di dizionario « abbellimento »
• Wikimedia Commons contiene immagini o altri file su abbellimento

Collegamenti esterni

• Abbellimento , su sapere.it , De Agostini .
• ( EN ) Abbellimento , su Enciclopedia Britannica , Encyclopædia Britannica, Inc.

Portale Musica : accedi alle voci di Wikipedia che trattano di musica