Arta barocă

De la Wikipedia, enciclopedia liberă.
Salt la navigare Salt la căutare
Roma, biserica Sant'Ivo alla Sapienza (1642), proiectată de Francesco Borromini

Baroc este termenul folosit de istoricii de artă pentru a indica stilul artistic și arhitectural dominant al secolului al XVII-lea . Stilul baroc are fundații în ultimii ani ai secolului al XVI-lea , dar s-a născut la Roma în jurul celui de-al treilea deceniu al secolului al XVII-lea .

Origini și semnificație a termenului

Portughez Barroco termen sau spaniolă barrueco indicat perla neregulate (în italiană scaramazza ), și a fost folosit cu referire la arta pentru prima dată la sfârșitul secolului al XVII - lea , în Dicționarul Academiei Franceze și în următorul secol în Dictionnaire de Trevoux desemnând, cu un ton negativ, tot ceea ce este „neregulat, răsucit, grotesc și bizar”. În acest sens, arta barocă a fost și este considerată un stil „anticlasic” prin excelență, unde aderarea la regulile rigide ale stilurilor a fost înlocuită de capriciul artistului [1] .

Această judecată negativă intrinsecă, foarte bine înrădăcinată atât în ​​timpul neoclasicismului, cât și în timpul gustului romantic ulterior care a favorizat Evul Mediu și Renașterea, deși a fost în mod hotărât depășită în domeniul studiilor istorico-artistice, nu se poate spune încă că s-a dizolvat complet prin publicul larg. În orice caz, astăzi avem tendința de a sublinia virtuozitatea producției artistice baroce, teatralitatea acesteia, implicarea activă a privitorului, bogăția extraordinară de forme și culori [1] .

Descriere

Interiorul bisericii Gesù , Roma (bolta este de Baciccio )
Alessandro Algardi , Întâlnire între Papa Leon cel Mare și Attila (1646-53), Bazilica Sf. Petru din Vatican , Roma

„Barocul” nu poate fi redus, așa cum se pretinde uneori, la un simplu stil de artă al Contrareformei . Mai presus de toate, ar trebui evitate evaluările unidirecționale, având în vedere că arta barocă conține în interior tendințe foarte variate și uneori contrastante. Barocul devine într-un timp foarte scurt, datorită exuberanței sale, teatralității sale, efectelor sale grandioase și magnilocuinței profunde pe fiecare suprafață și cu fiecare material, stilul atât al Bisericii Catolice, cât și al monarhiilor europene , tindând spre un absolutism care trebuie să-și exprime puterea cu toată pompa posibilă. Acestea fiind spuse, influența Contrareformei asupra nașterii și dezvoltării artei și culturii baroce este o achiziție critică aproape universală. Este un stil îndrăzneț.

Așa cum se întâmplase deja în era goticului internațional , un singur stil informează aproape toată Europa și devine limba cu care clasa conducătoare își rescrie propria istorie trecută (ca în cazul marilor familii genoveze ) și atrage linii pentru victorii viitoare, posibile. La Roma, reînnoirea centrului urban a fost mai întâi pentru papalitatea lui Urban VIII , apoi a lui Alexandru VII , o expresie de prestigiu: Roma devine astfel primul oraș care, în structura sa urbană, reflectă rolul său politic ca principală capitală europeană. Piața , un element arhitectural care fusese deja reproiectat într-o cheie monumentală în secolul al XVI-lea de Michelangelo Buonarroti (cu formidabila reamenajare a Piazza del Campidoglio ), devine acum cheia oricărei reînnoiri. San Pietro in Vaticano cu completările berniniene ale pieței, Piazza Navona cu biserica lui Borromini și fântâna lui Bernini, Piazza del Popolo cu cele trei străzi (Ripetta, Lata, del Babbuino) și obeliscul său, devin prototipurile noii idei de un oraș care va radia de aici către toate marile capitale europene.

Anxietățile existențiale ale secolului al XVII-lea s-au tradus în mobilitate și instabilitate: liniile curbe, serpentine, spirale, răsuciri, au dominat sculptura și arhitectura vremii, precum și îndrăznețele metafore ale operei au caracterizat literatura vremii. Monumentalitatea , efectele dramatice și contrastele luminoase erau privilegiate. S-a căutat în special iluzionismul , un efect înșelător care a tradus pierderea certitudinilor dominante la acea vreme în artă. Iluzionismul, adică suprapunerea dintre realitate, reprezentare și ficțiune, s-a manifestat în pictură cu perspective imposibile și jocuri de oglinzi care au făcut o imagine deformată a realității [2] .

Arhitectura barocă

Pictogramă lupă mgx2.svg Același subiect în detaliu: arhitectura barocă .

În arhitectură, unde nevoile constructive au prioritate față de cele expresive, gustul baroc se manifestă prin monumentalitatea clădirilor.

Artiștii, sensibili la noile ere, nu mai erau mulțumiți de perfecțiunea modelelor clasice. De aici depășirea figurilor liniare și perfecte și preferința pentru forme mai complexe și elaborate. Barocul este definit de Heinrich Wölfflin ( 1888 ) ca acea perioadă în care cercul cedează ovalului, schimbând echilibrul compozițional și generând efecte picturale mai vii.

Arhitectura barocă dezvoltă unele tendințe deja evidente în manierismul secolului al XVI-lea , care, la rândul său, rupsese rigoarea formală a Renașterii . Dacă arhitecții manieristi modifică aspectul riguros al fațadelor renascentiste prin adăugarea de teme și decorațiuni caracterizate de un intelectualism rafinat și obscur, fără a modifica logica planimetrică și structurală a fațadelor din clădiri, arhitecții baroc modifică acea arhitectură atât în ​​planuri, cât și în planuri. în fațada scorurilor, conform unui nou concept spațial. Fațadele bisericilor nu mai constituie încheierea logică a secțiunii interne, ci devin un organism plastic care marchează trecerea de la spațiul intern la scena urbană.

Forma utilizată în principal este linia curbată ; totul trebuia să ia linii sinuoase, chiar și picioarele unui scaun sau ale unei mese . Curbele nu trebuiau să fie simple, ci complexe, cum ar fi elipse , spirale sau curbe policentrice. Sensul puternic al teatralității din acea perioadă este cel care îl conduce pe artist către exuberanță decorativă, efect surpriză și dramă expresivă. Statuile devin dramă, reprezentare, punere în scenă care implică publicul. Printre principalii arhitecți ai acestei perioade se numără genialul Gian Lorenzo Bernini și omologul său lombard-milanez Francesco Borromini , Pietro da Cortona , Carlo Maderno cu aranjamentul său controversat al fațadei bazilicii Vaticanului , Carlo Rainaldi , Baldassare Longhena din Veneția , Guarino Guarini la Torino, Bartolomeo Bianco la Genova , Cosimo Fanzago la Napoli , protagonistul barocului milanez Francesco Maria Richini , Rosario Gagliardi și Vincenzo Sinatra din Sicilia .

În afara Italiei, barocul a fost reînviat prin forme derivate din arhitectura Renașterii și antice. În Franța, lucrările lui Salomon de Brosse , François Mansart , Jules Hardouin Mansart , Jacques Lemercier și Louis Le Vau sunt demne de remarcat ; în Anglia, unde arhitectura Andrea Palladio s-a bucurat de un succes intens în secolul al XVII-lea, principalul exponent al clasicismului baroc a fost Christopher Wren , în timp ce în Europa Centrală numeroși arhitecți italieni și elvețieni au pus bazele afirmării arhitecturii barocului târziu.

Pictura barocă

Pictogramă lupă mgx2.svg Același subiect în detaliu: pictura barocă .

Sculptură barocă

Pictogramă lupă mgx2.svg Același subiect în detaliu: sculptura barocă .

Dezvoltarea teritorială

Juan Gómez de Mora , Plaza Mayor din Madrid, 1619

Spania și domeniile sale

Fiind cea mai mare putere mondială, Spania în secolul al XVII-lea a trecut printr-un proces lent de declin, care a văzut obligată să renunțe la unele dintre posesiunile sale (cum ar fi Olanda, în 1648) și să retragă orice pretenție de influență în Franța ( Pace din Vervins , 1698). Dacă, pe de o parte, coloniile bogate din America Centrală și de Sud au continuat să fie exploatate profitabil, pe de altă parte, posesiunile europene (începând din sudul Italiei , statul Milano și statul Presidi ) se confruntau cu o recesiune economică care a cauzat mizerie, revolte de rebeliune și represiuni consecutive. În ciuda situației dificile, secolul al XVII-lea a reprezentat Siglo de Oro al artei spaniole.

Sediul curții regale din Madrid a atras cei mai buni artiști din toată regatul, al doilea ca pol atractiv în Europa, doar la Roma . Gustul suveranilor se potrivea Contrareformei , sub steagul unei devoțiuni religioase exuberante. Au convergit Rubens , El Greco , Luca Giordano , Pompeo Leoni , dar pe lângă străini, s-au remarcat artiști locali, dând viață unui sezon de vitalitate irepetabilă: Diego Velázquez , Francisco de Zurbarán , Bartolomé Esteban Murillo .

Arhitectura s-a căsătorit cu stilul plateresc , cu o bogată ornamentație inspirată de argintari ( plata înseamnă argint în spaniolă) care a devenit din ce în ce mai exuberantă de-a lungul secolului.

Printre celelalte centre iberice, Sevilla (capitala maritimă a Spaniei), unde naturalismul a prins rădăcini devreme, și Toledo , unde El Greco a lucrat mult timp.

Lombardia

Il Cerano , Giulio Cesare Procaccini , Il Morazzone , Tabloul celor trei mâini , 1625 ( Pinacoteca di Brera )
Pictogramă lupă mgx2.svg Același subiect în detaliu: Barocul din Milano .

La Milano , deși guvernanții spanioli nu erau interesați de creșterea culturală și artistică, o dezbatere plină de viață s-a dezvoltat de la sfârșitul secolului al XVI-lea, alimentată de figurile arhiepiscopilor Carlo și Federico Borromeo (care au fondat Accademia Ambrosiana în ultimii ani) și de către artiști din care au protejat, precum Cerano , Daniele Crespi , Morazzone și Procaccini . A fost o artă marcată de o religiozitate severă, dar și capabilă de salturi spectaculoase în realizări precum Sacri Monti .

Regatul Napoli

Cosimo Fanzago , turnul lui San Gennaro (1636)
Pictogramă lupă mgx2.svg Același subiect în detaliu: Barocul napolitan .

Napoli, pe de altă parte, și-a menținut rolul de ghid artistic, favorizat de centralizarea puterii viceregale, care a cerut ca nobilimea să fie prezentă în capitală și a favorizat creșterea demografică și crearea unei vaste clase de profesioniști artistici. Construcția a prosperat, atât cu restaurarea clădirilor existente, cât și cu construcția de noi, cu prezența unor arhitecți precum Cosimo Fanzago sau Giovanni Antonio Dosio . În pictura din 1606 , trecerea lui Caravaggio în oraș a determinat o puternică aderență la naturalismul său, accentuat chiar mai mult decât la maestru, în operele unor artiști precum Battistello Caracciolo , Mattia Preti , José de Ribera și Massimo Stanzione . Această influență a fost, de asemenea, alăturată timpuriu de exemplul neo-venețian și clasicist al lui Guido Reni , Domenichino , Orazio Gentileschi și Nicolas Poussin .

Pictogramă lupă mgx2.svg Același subiect în detaliu: Barocul Lecce și Barocul sicilian .

În alte centre ale regatului, influența arhitecturii baroce spaniole a produs variații locale exuberante, cum ar fi în Salento și în Val di Noto , adesea ca răspuns la plăgi și cutremure.

Coloniile Lumii Noi

Catedrala din Mexico City

În cele din urmă, în coloniile americane, diferitele ordine religioase au importat formele artistice din Europa, care au fost treptat adaptate nevoilor locale. În marile centre (cum ar fi Mexico City , Puebla , Bogota , Guadalajara etc.) s-au distins cel puțin trei faze principale: o platerescă sobră, de la aproximativ 1580 la 1630, o „ salomonică ” (de la 1630 la aproximativ 1710) caracterizată prin un decorativism foarte decisiv, cu o utilizare extinsă a coloanelor elicoidale de inspirație berniniană și, în cele din urmă, unul în cursul secolului al XVIII-lea caracterizat prin proeminența decorului și o utilizare extinsă a auririi. În Cuzco s-a dezvoltat o pictură de imagini devoționale, simplificată în design, dar caracterizată printr-o bogată ornamentare și utilizarea unei scheme de culori strălucitoare.

Olanda

Rembrandt , The Night Watch, 1642 (Rijksmuseum, Amsterdam)
Johannes Vermeer , Vedere din Delft , c.1660-61 (Mauritshuis, Haga)

Eliberate de stăpânirea habsburgică , Olanda și-a propus să devină una dintre cele mai importante puteri comerciale din Europa. Dintre cele șaptesprezece provincii, sectele din nord și-au bazat economia pe o activitate mercantilă foarte dezvoltată și au îmbrățișat credința calvinistă ; cele din sud, pe de altă parte, erau în principal agricole și de credință catolică. Cele două zone s-au remarcat și din punct de vedere artistic, cu sudul legat de o artă sacră tradițională, iar nordul a văzut în schimb nașterea genurilor destinate burgheziei: peisaje, naturi moarte, interioare domestice, scene moralizatoare, marine

Centrul dominant a devenit în curând Amsterdam , ca sediu al celor mai importante activități comerciale și industriale. Aici s-a produs o puternică expansiune urbană și o reînnoire arhitecturală generală, inspirată de un clasicism de origine italiană, din care Jacob van Campen , autor al primăriei (1655) în stil baroc ornamentat, a fost interpretul major, în timp ce succesorul său Pieter Jansz. Post , pe de altă parte, s-a exprimat într-un stil mai sobru, mai tipic olandez. În a doua jumătate a secolului al XVII-lea, s-au răspândit idealurile de esențialitate decorativă, uniformitate în culori și fațade. Printre pictori, Rembrandt și adepții săi ( Jacob Adriaensz Backer , Ferdinand Bol , Govert Flinck etc.) au dominat scena, autori de scene religioase intense pentru devoțiune domestică și portrete cu o puternică conotație psihologică.

O școală dezvoltată în jurul personalității lui Carel Fabritius din Delft , al treilea oraș din Olanda, îmbogățit, printre altele, cu producția vizibilă de ceramică, cu rezultate foarte diferite de suferința lui Tembrism a lui Rembrandt. Compozițiile măsurate s-au bazat pe o paletă predominant clară, cu un interes în redarea spațială a obiectelor și mediilor. În acest context s-a dezvoltat pictura interioarelor bisericilor fără ornamente , cu exponenți precum Gerrit Houkgeest , Willem van der Vliet și Emanuel de Witte . Cea mai faimoasă figură a școlii Delft a fost, cu toate acestea, Johannes Vermeer , creatorul de interioare domestice delicate, în care subiectul genului implica adesea o interpretare în sens moral.

Frans Hals a lucrat în Haarlem , care a investigat temeinic posibilitățile expresive și psihologice ale portretului, în special într-o serie de portrete de grup pentru instituțiile locale.

Anversul a devenit în schimb principalul centru al Olandei de Sud, cu o scenă artistică vibrantă inspirată de principiile Contrareformei. Nevoia de a restabili decorațiunile din biserici după tulburările religioase din 1566 a dat naștere unei generații de pictori foarte confortabili cu pictura monumentală, printre care s-au remarcat figurile lui Pieter Paul Rubens și Jacob Jordaens , de asemenea autori de scene rafinate. , istorice și portrete pentru curte. Pictura redescoperită alegorie politică, ca decor pentru scaunele funcțiilor publice, de la primării la scaunele breslelor de artă. Alături de această pictură monumentală, Anversul a propus și o producție bogată de mici scene inserate în peisaje luxuriante, cu un gust aproape miniaturistic, în care s-au remarcat artiști precum Jan Brueghel cel Bătrân și Frans Francken .

Utrecht , o puternică episcopie, și-a menținut rolul de centru cheie pentru producția de artă religioasă. Trăise un remarcabil secol al XVI-lea cu figura lui Jan van Scorel , a cărui producție manieristă târzie s-a uitat la Abraham Bloemaert . Inspirat și de Bartholomaeus Spranger , Federico Barocci , Caravaggio și Rubens , el a dezvoltat un stil sofisticat „arcadian”. Alături de aceasta, un grup de artiști s- au adunat în Utrecht și în jurul său, care au văzut lucrările lui Caravaggio la Roma, inclusiv Hendrick Terbruggen și Gerrit van Honthorst , care s-au concentrat pe redarea scenelor nocturne aprinse de lumânări și animate de un realism popular.

Roma și statul Bisericii

Gian Lorenzo Bernini , Fântâna celor patru râuri , 1648-1651

Roma a continuat să fie polul de cea mai mare atracție pentru orice artist în căutare de avere de-a lungul secolului al XVII-lea. Politica largă de patronaj promovată de Urban VIII , Inocențiu X și Alexandru al VII-lea a avut ca scop restabilirea rolului central al Bisericii Romei în panorama europeană, printr-o extinsă reînnoire urbană. La aceasta trebuie adăugată imensa bogăție a cardinalilor și a înalților prelați, care adesea au încredințat artiștilor rolul de a-și promova imaginea față de contemporani și posteritate. Arhitecții, sculptorii și decoratorii au reconstruit fațadele clădirilor sacre și civile, și-au modernizat interiorul, au creat piețe și fântâni monumentale. Dintre toate lucrările, centrul principal al întregii epoci a fost noua Bazilică Sf . Petru .

Într-o concurență acerbă unul cu celălalt, artiștii au dezvoltat o nouă sensibilitate „barocă” la Roma, alcătuită din exuberanță decorativă, teatralitate, iluzii optice și îndrăznețe experimente virtuozice. Printre protagoniștii absoluti Francesco Borromini și Gian Lorenzo Bernini , Pietro da Cortona și Pieter Paul Rubens , Alessandro Algardi și François Duquesnoy .

Cea mai mare parte din Emilia și Romagna făceau parte, de asemenea, din statele papale , unde la sfârșitul secolului al XVI-lea se dezvoltase una dintre cele mai originale forje artistice, Accademia dei Carracci , unde a fost instruit și Guido Reni . Dacă decorarea marilor complexe nobiliare a fost încredințată unor pictori virtuosi, dar „liniștitori” precum Agostino Mitelli și Angelo Michele Colonna , s-au născut noi tendințe energetice cu artiști precum Guercino sau Algardi însuși, formați la Bologna. Printre elevii lui Guido Reni se remarcă și o femeie: Elisabetta Sirani . În Marche, un alt teritoriu aflat sub stăpânirea papală, lucrează artiști clasicisti precum Sassoferrato și Simone Cantarini . În Umbria domină Contrareforma, cu mari lucrări create pentru reînnoirea altarelor bisericilor.

Veneția

Bazilica Santa Maria della Salute

În secolul al XVII-lea, Veneția a suferit o criză din cauza deplasării centrului de greutate al traficului comercial, de la Marea Mediterană la Oceanul Atlantic . Stagnarea s-a manifestat într-o disponibilitate mai limitată pentru comisioanele artistice, cu excepția unor șantiere de construcții precum Basilica della Salute de Baldassare Longhena , autor ancorat până atunci la exemplul maeștrilor din secolul anterior, precum Jacopo Sansovino , Palladio și Vincenzo Scamozzi (ca la Fondamente Nove ). Decorul suprasolicitat al noii fațade din San Moisè , de Alessandro Tremignon (1688), arată cum stilul baroc s-a străduit să-și găsească declinul complet în lagună.

Chiar și pictura părea să fie afectată de moștenirea secolului precedent, discipolii lui Titian , Jacopo Tintoretto și Veronese încă activi în prima jumătate a secolului (cum ar fi Padovanino , Domenico Tintoretto etc.). Din școala Bassano , pe lângă altarele complexe inspirate din Titian, s-a născut și un stil atent la realitate, mai ales în redarea figurilor animalelor, adesea inserate în compoziții nocturne. Domenico Fetti , Pietro Della Vecchia , Sebastiano Mazzoni , precum și străinul Johann Liss , au adus un pic de reînnoire într-o panoramă de multe ori nu până în secolul anterior. Trecerea lui Luca Giordano și opera lui Sebastiano Ricci au aprins noi perspective largi care vor înflori pe deplin în secolul al XVIII-lea; la fel ca accentul reînnoit pe peisajul operelor lui Marco Ricci va sta la baza renașterii picturii peisagistice .

Genova

Van Dyck, marțesa Elena Grimaldi , aproximativ 1623 (National Gallery of Art, Washington)
Pictogramă lupă mgx2.svg Același subiect în detaliu: barocul genovez .

Și Genova a fost afectată de criza legată de comerțul din Mediterana, dar secolul al XVII-lea s-a deschis în semnul continuității cu perioada de aur a secolului precedent. Deschiderea Via Balbi a dus la construirea de clădiri fabuloase, de sobrietate măsurată la exterior și de exuberanță somptuoasă la interior. În pictură, trecerea lui Rubens și, mai presus de toate, a lui Van Dyck a adus limfa vitală școlii locale, elaborându-și obiectivele atinse până acum. De exemplu, Van Dyck a pictat la Genova câteva portrete complete ale aristocraților genovezi care se numără printre cele mai fericite realizări ale întregului secol european. Grechetto , Bernardo Strozzi , Domenico Piola au fost printre cei mai originali pictori genovezi.

În sculptură, Pierre Puget , Anton Maria Maragliano și Filippo Parodi au reușit să combine monumentalitatea și virtuozitatea, cu o modelare extrem de moale și o accentuare a patetismului.

Ducatul Este și Ducatul Farnese

La Modena și Reggio Emilia , principalele orașe ale Ducatului Este, Bartolomeo Schedoni , Nicolò dell'Abate și Jean Boulanger au lucrat în lucrări precum Madonna della Ghiara .

La Parma , capitala Ducatului Farnese , el a fost numit Agostino Carracci . Sub figura sa s-au format artiști renovați precum Giovanni Lanfranco , Alessandro Tiarini și Sisto Badalocchio . La Piacenza , în schimb, în ​​renovarea catedralei , artiștii străini (precum Guercino ) au ieșit treptat în prim plan , dar nu se poate spune că s-a născut acolo o adevărată școală locală.

Toscana

Pietro da Cortona , Alegoria Casei Medici (1643-44, Palazzo Pitti, Florența).

Florența, ca și Veneția, a suferit influența artiștilor din secolul anterior în secolul al XVII-lea. Emblematic în acest sens este exemplul din sculptura lui Giambologna și a elevilor săi ( Pietro și Ferdinando Tacca , Clemente și Giovanni Francesco Susini ), care au continuat un gust manierist în prima jumătate a secolului, cel puțin până când Cosimo al III-lea l-a trimis pe Giovan Battista Foggini la se actualizează la Roma. Nu întâmplător cei mai originali sculptori, precum Pietro Bernini sau Francesco Mochi , au găsit spațiu în altă parte.

În pictură, prima jumătate a secolului a văzut apariția unui gust contrareformat foarte măsurat, sub îndrumarea lui Santi di Tito , și cu artiști precum Passignano și Cigoli care au introdus și un anumit colorism de inspirație venețiană. Încă din 1637, opera lui Pietro da Cortona de la Palazzo Pitti a dat un exemplu de teatralitate mai mare și dinamism vibrant, care a fost colectat doar de unii artiști excentrici, precum Giovanni da San Giovanni și apoi Volterrano . În a doua jumătate a secolului, Carlo Dolci a continuat lecția clasicistă cu lucrări de religiozitate intensă și culori emailate.

În arhitectură, artiștii de la curte au continuat calea unui manierism uneori exuberant și uneori clasicist ( Bernardo Buontalenti , Gherardo Silvani , Giulio și Alfonso Parigi ), păstrând un adevărat fler baroc în afara regiunii. Doar câteva vile legate de gustul cardinalilor și aristocraților care cunoșteau bine scena romană au reprezentat o excepție: printre cele mai importante Cetinale de lângă Siena , vila Rospigliosi din Pistoia, vila Torrigiani lângă Lucca . De fapt, Lucca , o republică independentă, s-a dovedit a fi mai dispusă să primească gustul baroc, în special în clădirile private: Palazzo Mansi sau Palazzo Pfanner sunt un exemplu în acest sens.

Ducatul de Savoia

Pictogramă lupă mgx2.svg Același subiect în detaliu: arhitectura barocă § Torino .
Torino, Palazzo Carignano

Familia Savoy și-a combinat programul de ascensiune politică pe tabla de șah europeană cu o reînnoire a capitalei lor, Torino . Dincolo de zidurile romane, orașul s-a extins și dotat cu clădiri moderne, grație unui studiu realizat de Ascanio Vittozzi . în prima jumătate a secolului noile clădiri reflectau influența Franței vecine (cum ar fi Piazza San Carlo cu bisericile sale gemene, Palatul Regal sau castelul Valentino ).

După mijlocul secolului, Guarino Guarini , deja elev al lui Borromini, a reușit să transforme orașul într-un laborator de idei noi, cu îndrăznețele construcții ale cupolelor San Lorenzo și capelei Sfântului Giulgiu sau cu creația de Palazzo Carignano .

Franţa

Versailles, Marele Trianon

În secolul al XVII-lea, deși frământată de războaie continue și certuri interne, Franța și-a consolidat puterea, iar odată cu statul absolut a devenit cel mai important centru politic european. Curtea de la Versailles a devenit, mai ales cu Ludovic al XIV-lea , simbolul măreției regelui și a Franței. Gradualmente Parigi andava assumendo il ruolo di guida culturale, creatrice di gusti e mode, e "capitale del mondo", un primato che avrebbe mantenuto fino alla seconda guerra mondiale .

Già al tempo di Enrico IV l'architettura ebbe un nuovo impulso dopo un lungo periodo di immobilità causato dalle guerre di religione . Guardando oltre lo stile manierista, si seguirono più strade: da un lato l'ordine monumentale, caratterizzato da simmetria e decorativismo barocco (con capofila l'architetto François Mansart ), dall'altro uno stile più semplice caratterizzato dall'uso dei mattoni combinati alla pietra. Nel periodo successivo dominerà poi la scena Jules Hardouin Mansart , con l'importante cantiere della reggia .

Già nel 1648, l' Accademia divenne uno strumento di dominio sull'arte, che impose i principi del classicismo e dell'esaltazione del potere regale. In pittura spiccarono Charles Le Brun , Philippe de Champaigne , Claude Lorrain , Nicolas Poussin , Valentin de Boulogne , Nicolas Mignard e Pierre Mignard . Al naturalismo e allo stile caravaggesco guardarono Georges de La Tour , Simon Vouet ei fratelli Antoine , Louis e Mathieu Le Nain . In scultura si distinsero Antoine Coysevox , François Girardon e, attivi anche in Italia, Pierre Puget e François Duquesnoy .

Inghilterra

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Barocco inglese .
Greenwich Queen's House

Nonostante i turbolenti rivolgimenti politici, nel corso del XVII secolo l'Inghilterra si avviò a diventare quella potenza internazionale su larghi orizzonti, grazie alla sua vantaggiosa politica coloniale su nuove rotte. In campo artistico, la corte reale orientava il gusto e le scelte, convergendo verso una politica di esaltazione della casa regnante. Lo stile puramente barocco veniva però visto come troppo legato al cattolicesimo romano, per cui si privilegiò un misurato classicismo, di derivazione palladiana , che con architetti come Inigo Jones e Christopher Wren superarono (ma mai del tutto) la continua ripetizione delle formule gotiche . Se però Carlo I cercò di aprire il paese dall'isolamento artistico, avviando il dibattito sulle arti e l'approfondimento teorico, in pittura e scultura è solo grazie all'apporto di artisti stranieri (quali Rubens e Van Dyck ), che il paese respira le novità continentali. Soltanto nel secolo seguente l'Inghilterra svilupperà una scuola artistica di primissimo piano, beneficiando dell'apertura verso i paesi vicini quali la Francia ei Paesi Bassi.

Svezia

Stoccolma, Riddarhuset

Aumentando il proprio peso politico in Europa, la Svezia poté promuovere anche una crescita culturale ed artistica, aperta alle novità provenienti dall'estero. Nella prima metà del Seicento gli architetti guardarono soprattutto alla Germania e all'Olanda, mentre successivamente, grazie soprattutto all'opera di Simon de la Vallée , si adottò soprattutto il classicismo di ispirazione francese. Contemporaneamente si guardò allo stile palladiano in edifici come il Riddarhuset di Stoccolma , opera dell'olandese Justus Vingboons . Ma il paese seppe mantenere un proprio stile architettonico, ad esempio con il persistere del säteritak , il tipico tetto a due spioventi separati da un breve rialzo verticale.

Con l'incoronazione di Cristina (1644) si assistette a un grande fermento, grazie ai contatti della regina con molti dei maggiori centri culturali europei. Specialmente tra il 1660 e il 1680 la corte e l'aristocrazia fecero costruire numerosi castelli e dimore signorili, ad architetti quali Jean de la Vallée e Nicodemus Tessin il Vecchio . In campo sacro vennero costruite nuove chiese in sontuoso stile barocco, a cui facevano da contraltare le semplici chiese luterane della località periferiche. Sotto Gustavo Adolfo fu soprattutto la pittura a beneficiare dell'apertura verso l'estero, con l'arrivo di numerosi maestri stranieri.

Praga

Praga, castello di Troja .

All'inizio del XVII secolo Praga era la capitale del Sacro Romano Impero , ospitando l'imperatore Rodolfo II che ne fece uno dei centri più significativi del tardo manierismo . Con la morte dell'imperatore (1612), la corte tornò a Vienna , città ormai salva dalla minaccia ottomana. Dopo un periodo di stagnazione, a metà del secolo la capitale boema visse una stagione di ripresa, grazie alla fine della guerra dei trent'anni e al fervore della Controriforma , che stimolò il rinnovo dell'architettura religiosa, spesso aiutato dalla presenza di maestri stranieri. Tra gli anni sessanta e ottanta si definì uno stile pecualiare, nato dalla commistione di influenze italiane (soprattutto romane e lombarde), austriache e francesi. La successiva generazione di architetti locali beneficiò di questi esempi portando avanti un autonomo linguaggio barocco cecoslovacco ( Jean Baptiste Mathey , Jan Santini Aichel , Christoph e Kilian Ignaz Dientzenhofer ).

In pittura invece non si ebbe una chiara scuola locale, ma la scena fu animata da un unico maestro di rilievo: Karel Škréta .

Protagonisti

Guido Reni , Strage degli innocenti , 1611, (Pinacoteca nazionale, Bologna)
Cecco del Caravaggio , Resurrezione , 1619-20 (Art Institute, Chicago)

Architetti

Pittori

Arrows-folder-categorize.svg Le singole voci sono elencate nella Categoria:Pittori (Barocco)

Scultori

Note

  1. ^ a b Giorgi, cit., p. 8.
  2. ^ L' illusionismo è presente anche nella letteratura barocca. Un celebre esempio è il romanzo Don Chisciotte della Mancia di Miguel de Cervantes .

Bibliografia

Altri progetti

Collegamenti esterni

Controllo di autorità Thesaurus BNCF 26129 · LCCN ( EN ) sh85007566 · BNF ( FR ) cb11930960t (data) · BNE ( ES ) XX525322 (data) · NDL ( EN , JA ) 00560529
Estratto da " https://it.wikipedia.org/w/index.php?title=Arte_barocca&oldid=121897050 "