Arta greacă

De la Wikipedia, enciclopedia liberă.
Salt la navigare Salt la căutare
Istoria artei
occidental

SaintPierre1.JPG
Istoria arhitecturii
Istoria picturii
Istoria sculpturii
Arta antică
Arta preistorică
Arta egipteană
Arta mezopotamiană

( Arta sumeriană Arta babiloniană Arta asiriană )

Arta minoică-miceniană
Arta greacă
Arta italica
Arta etruscă
Arta romană
Arta antică târzie
Arta medievală
Vezi articole de artă medievală
Artă Modernă
Vedeți articole de artă modernă
Artă contemporană
Vedeți articole de artă contemporană
Categorie: Istoria artei
modificare

Prin artă greacă înțelegem arta Greciei antice , adică a acelor populații de limbă elenă care locuiau într-o zonă vastă, inclusiv peninsula elenă , insulele Egee și Ionii și coloniile fondate în Asia Mică , pe Marea Neagră , în Italia, sudică și insulară și, în faza ulterioară, în regiunile cucerite de Alexandru cel Mare (cunoscut și ca Alexandru Macedoneanul), în special în Fenicia , în Egipt și în Anatolia [1] ( Turcia de azi).

A exercitat o influență culturală enormă în unele zone geografice, din lumea antică până în prezent. În Occident a avut o puternică influență asupra artei romane imperiale, iar în Est cuceririle lui Alexandru cel Mare au început o lungă perioadă de schimburi între culturile din Grecia, Asia Centrală și India ( arta greco-budistă din Gandhāra ), cu ramuri chiar în Japonia . [2] [3] [4] [5] Începând cu Renașterea , în Europa estetica și capacitatea tehnică ridicată a artei clasice (arta greacă și continuarea sa în arta romană) au inspirat generații de artiști și au dominat arta occidentală până în secolul al XIX-lea secol .

Odată cu neoclasicismul , născut dintr-o serie de norocoase descoperiri arheologice, contribuțiile clasice grecești au început să se distingă de cele romane, recreând mitul artei elenice ca un scop incomparabil al perfecțiunii formale. Grecii au acordat întotdeauna cea mai mare atenție cercetării estetice, încercând să găsească cel mai înalt grad de armonie și perfecțiune formală în fiecare manifestare artistică. Caracteristicile care au deosebit producția lor față de civilizațiile antice precedente și contemporane, au fost: atenția și aderarea la realism, care în sculptură s-a tradus într-o observație particulară a anatomiei umane, iar în pictură s- a rezolvat atât în ​​căutarea reprezentarea în perspectivă a spațiului, atât în ​​cea a redării volumelor; în arhitectură , corespondența strânsă dintre formă și funcție, o consecință directă a unei abordări raționale a înțelegerii lumii și a cunoașterii. Astfel de realizări formale, care sunt la originea clasicismului european , au influențat dezvoltarea ulterioară a lumii occidentale la un nivel care depășește cu mult istoria artei.

Definiții

Erechtheum, Acropola Atenei.

Arta minoică și miceniană (sau arta Egee ) care a înflorit între 1500 și 1200 î.Hr. Deși aceasta din urmă aparținea deja unei civilizații vorbitoare de elen (vezi Liniar B ), nu există o continuitate adevărată între arta acestor culturi și arta greacă ulterioară. , dacă nu cel care derivă, de exemplu, din circulația suporturilor iconografice, cum ar fi atelierele "cartoane" sau ceramică. Arta greacă ca formă artistică dotată cu o semnificație istorică autonomă s-a născut după sfârșitul civilizației miceniene, deci în secolul trecut al mileniului al II-lea î.Hr. și se încheie cu stabilirea progresivă a stăpânirii romane asupra lumii vorbitoare de greacă în jurul anului 100 î.Hr. .

În limba greacă cuvântul τεχνη ( tekhnê ), care este tradus în mod obișnuit ca artă, indică mai corect abilități manuale și artizanale : de fapt, cuvântul „ tehnică ” derivă din acest termen; sculptorii și pictorii greci erau meșteșugari, au învățat meseria în atelier, adesea cu tatăl lor, și puteau fi sclavii oamenilor bogați. Deși unii dintre ei s-au îmbogățit și au fost admirați, nu aveau aceeași poziție socială ca poeții sau dramaturgii ; abia în perioada elenistică (după aproximativ 320 î.Hr. ), artiștii au devenit o categorie socială recunoscută, pierzând în același timp legătura cu comunitatea care le caracterizase opera în perioadele arhaice și clasice. Richter scrie despre construcția Erechtheion pe Acropola din Atena : „Rămâne o inscripție referitoare la a doua perioadă de lucru, adică după 409, cu numele a aproximativ o sută treizeci de muncitori, inclusiv sclavi, străini care locuiesc acolo și cetățeni liberi; toată lumea, inclusiv arhitectul, a primit salariul zilnic al unei drachme . " [6]

În Grecia, artiștii erau pe deplin conștienți de rolul lor: semnăturile olarilor apar pe vaze încă din secolul al VI-lea î.Hr. , încă în perioada arhaică și Pliniu povestește despre cum Zeusi și Parrasio au iubit să-și arate bogăția și să-și etaleze activitatea ca eminamente intelectual. În mod evident, aceste eforturi nu au reușit să submineze convenția conform căreia orice lucrare manuală ar trebui considerată la un nivel inferior. Pe de altă parte, în perioada elenistică, interesul pentru artă a devenit un semn distinctiv pentru oamenii educați, iar desenul și modelarea au fost considerate o distracție nepotrivită; în consecință, au început să se formeze colecții private și a început piața de artă. Acest moment de cotitură a fost concomitent cu noua tendință subiectivistă a filosofiei antice, care a dus la luarea în considerare a poeților și a artiștilor supuși aceleiași experiențe [7] .

Cuprins

Centauromachia în metopele Partenonului de Fidia

«Conținutul fundamental al artei clasice este„ mitul ”. Imaginile zeilor și eroilor greci [...]. Noii zei, pe care îi vedem adesea descriși luptând împotriva unei generații anterioare formate din giganți și monștri ( Gorgonele , Furiile , Giganții , Titanii etc.), sunt imaginile ideale ale activității sau virtuților umane: înțelepciune și cultură ( Atena ), poezie ( Febo ), frumusețe ( Afrodita ), pricepere în comerț ( Ermes ), vitejie războinică ( Ares ), autoritate ( Zeus ); și o legiune strălucitoare de semizei , nimfe și eroi ” [8] .

Realismul artei grecești care a fost deja menționat este detașat de orice experiență anterioară, deoarece nu are limite, nu este menținut la nivel uman așa cum se întâmplă în alte civilizații antice ( Egipt , Mesopotamia etc.), dar pătrunde în lumea zeilor. Acesta este singurul element care unește arta greacă cu arta minoică [9] și care derivă, pentru ambele civilizații, dintr-o concepție a artei ca expresie a întregii comunități și nu a unei entități superioare, umane sau divine care este. Nu mai există nimic „magic”, apotropaic sau simbolic în arta clasică; în civilizația elenă lumea zeilor și a eroilor este o imagine în oglindă a lumii oamenilor care, prin mit și artă, ajung la o înțelegere a lor și a lumii: „Nimic nu este în realitate care să nu se definească pe sine sau să prindă contur în conștiința umană " [10] . Despre această funcție a artei - întrucât în ​​această căutare a unei relații armonioase cu lumea, cu natura și cu divinul, arta a avut un rol activ și nereprezentativ - artistul și civilizația sunt conștiente; momentul în care comunitatea greacă atinge conștientizarea maximă a afirmării omului în lume este domnia lui Pericles care coincide cu epoca clasică.

Conștientizarea artistului se exprimă în interesul teoretic; artistul grec din secolul al V-lea î.Hr. scrie și reflectă asupra operei sale, știe de unde vine, își cunoaște trecutul și lucrează pentru a ajunge la un set de reguli, abstracte de contingență, modele, datorită cărora poate comunica, transmite cunoștințe , rezultând în înțelegere pentru oricine. Arta ceramică nu este exclusă din îmbunătățirea progresivă a „ canonului ”, nu are o valoare mai mică decât sculptura monumentală, are o funcție diferită și poate mai importantă, precum și implicații economice deloc neglijabile. La fel cum evoluțiile formale traversează fiecare formă de artă, arta nu este apanajul unor teme specifice, ci se ocupă de fiecare aspect al realității: poate fi sărbătorească, istorică sau documentară; va înceta să fie o expresie și o mărturie a societății și a valorilor ei într-un mod atât de strâns începând cu secolul al IV-lea î.Hr. , când o serie de schimbări sociale și politice vor duce la afirmarea monarhiei macedonene, la criza poleisului ei înșiși și către afirmarea unei elite culturale departe de valorile tradiționale și comunitare.

Arta greacă ca artă „clasică”

Angelika Kauffmann , Portretul lui Johann Joachim Winckelmann

De-a lungul timpului, mărturiile artistice grecești au jucat un rol absolut unic în istoria culturală a Occidentului. În Renaștere , când încă nu exista o distincție între modelele grecești și evoluțiile romane ulterioare, s-a format termenul „clasic” care însemna acel model antic de valoare ideală, adică căruia i-a fost recunoscut meritul de a fi atins o perfecțiune formală [ 1] . Cuvântul „clasic” provine din latinescul „classicus”

Mai mult, termenul are un sens mai restrâns în mod specific în arta greacă, deoarece indică faza cuprinsă între secolele V și IV î.Hr., când producția artistică a atins un anumit nivel considerat a fi de excelență. Tratatele pierdute de pictură și sculptură de către Xenocrate din Sicyon , sculptor al școlii din Lisip și de Antigon din Caristo , ambele de la mijlocul secolului al III-lea î.Hr., au contribuit la această definiție deja în perioada elenistică [11] în timp ce Pliniu Vechiul , Cicero și Quintilian au divulgat imaginea artei grecești între secolele V și IV î.Hr. ca epoca unui apogeu estetic și cultural care a fost urmat de o perioadă de declin progresiv [1] [12] . O serie de neînțelegeri estetice și istorice străbate istoria studiilor referitoare la arta Greciei antice, din care, printre altele (gândiți-vă la antinomia dintre formă și culoare), s-a născut o concepție evolutivă despre artă, care va continua să să fie aplicat și artei perioadelor ulterioare. Această concepție a fost reluată din nou în secolul al XVIII-lea de Winckelmann , arheolog și figură fundamentală pentru studiile ulterioare în acest domeniu istorico-artistic; el și-a făcut propriile judecăți elenistice asupra artei secolelor V și IV î.Hr., indicând-o ca un model perfect și irepetabil pentru a fi adoptat ca un ideal atemporal. Ideile lui Winckelmann au fost aplicate în mișcarea neoclasică [13], iar studiile sale au stat la baza periodizării convenționale a artei grecești în faza arhaică , severă , clasică și elenistică . Abia în secolul al XIX-lea, grație și noilor descoperiri arheologice, am început să avem o abordare diferită, dedicând mai multă atenție fazelor anterioare și următoare ale artei clasice și recunoscând în fiecare valorile lor estetice respective, capabile să redea, chiar din început, artă greacă unică în cadrul lumii antice [13] .

Clasicul este folosit și astăzi într-un mod mai generic, chiar și pentru expresiile artistice moderne sau contemporane, în care manifestarea emoțiilor și sentimentelor este conținută în forme de raționalitate controlată și dotată cu armonie, capabilă să fie luată ca modele [13] .

Stiluri și perioade

Atena, oferind , la mijlocul secolului al V-lea, stil arhaic. În stânga Athena, în dreapta bufniță și ΑΘΕ ( ath ) pentru Athenaiōn (al atenienilor)
Atena, tetradrahma , prima jumătate a secolului al IV-lea, stil clasic. În stânga Athena, în dreapta bufniță și ΑΘΕ ( ath ) pentru Athenaiōn (al atenienilor)

Arta Greciei antice este împărțită din punct de vedere al stilului în patru perioade principale care, deși sunt insuficiente pentru definirea și înțelegerea istorică, sunt utilizate în mod obișnuit și util în scopuri educaționale.

Prima perioadă apare ca urmare a migrației dorice (prima colonizare , în jurul anului 1100 î.Hr.), traversează perioada cunoscută în mod tradițional sub numele de evul mediu elen și se încheie cu primele manifestări ale dedicării statuare din secolul VII î.Hr. Statuetele din teracotă, piatra și metalul și ceramica proto- corintiană și proto-atică sunt producțiile prin care este posibilă identificarea formării lente a unui stil grec autonom capabil să absoarbă și să reinterpreteze influențele orientalizante . Expansiunea colonială care a avut loc între secolele VIII și VII î.Hr. (a doua colonizare) a introdus elemente noi în arta greacă. Templul, care își asumă treptat formele monumentale ale doricului și ionicului, înlocuiește lăcașul de cult domestic tipic civilizației miceniene; în același timp se dezvoltă marea statuară. Trecerea de la perioada Dedalică la arhaica matură are loc împreună cu transformările sociale și politice din Atena (pornind aproximativ de la reforma lui Solon ) care vor face din oraș centrul activității politice și financiare din lumea greacă.

Războaiele persane marchează tranziția între perioadele arhaice și clasice și domnia lui Alexandru cel Mare ( 336 - 323 î.Hr. ) între perioadele clasice și elenistice , care se încheie oficial cu cucerirea romană a Egiptului ( bătălia de la Actium din 31 î.Hr.) ). În realitate nu au existat tranziții clare între o perioadă și alta: unii artiști au lucrat într-un mod mai inovator decât contemporanii lor, rezultând în descărcări progresive și progrese formale în cadrul unei tradiții artizanale consolidate și recunoscute social. Evenimentele istorice de care sunt legate marile transformări în lumea artei arată, de asemenea, modul în care acestea din urmă au avut loc în întâlnirea dintre personalități artistice excepționale și schimbări substanțiale de natură socială, politică sau economică; referința se referă, de exemplu, la acea generație de artiști care au dus sculptura greacă de la faza arhaică târzie la clasicism deplin ( Mirone , Policlet , Fidias ). Pe de altă parte, în afară de aceste schimbări, puternicele tradiții locale de natură conservatoare, legate de nevoile cultelor, au condus la o diferențiere stilistică pe zone geografice, recunoscută dincolo de schimburi și influențe reciproce: stilul doric implică zone din nordul Greciei, Peloponez și Magna Grecia; stilul ionic este tipic Atenei (cum ar fi sculptura mansardată, ușor de distins de sculptura dorică), a coastelor din Asia Mică și Insulele Egee , în timp ce corinticul poate fi considerat ca fiind evoluția stilului ionic în toată Grecia începând cu sfârșitul secolul V î.Hr.

Arhitectură

Pictogramă lupă mgx2.svg Același subiect în detaliu: Templul grecesc, Arhitectura greacă arhaică și Arhitectura greacă clasică .
Heraionul Olimpiei, 1877-1878.
Propileele acropolei ateniene. Jean-Baptiste Louis Gros, daguerreotip , 1850

Un exemplu de arhitectură greacă este templul pe care structurile conceptuale și formale ale arhitecturii grecești sunt dezvoltate tematic. La început, un simplu „baldachin” pentru a proteja imaginea divinității și destinat colectării de ofrande, templul își va păstra funcția de „casă a zeilor”: separarea naosului (celula) de mobilierul și ofrandele sacre, se introduce distincția între prònao și opisthodomus , respectiv pe partea din față și pe cea din spate a celulei (este inutil să încercăm să distingem în cadrul acestor modificări între originile funcționale și originile formale), în timp ce conținem și protejăm celula în sine dezvoltă colonada externă ( peristoză ). Ritul colectiv va continua să aibă loc în afara templului, într-o incintă sau sanctuar sacru unde altarul a fost amplasat și destinat în timp să găzduiască alte clădiri publice precum cele necesare desfășurării jocurilor panhelenice și, inițial, a teatrului . Înainte de 700 î.Hr., însă, clădirile grecești erau construite cu materiale nu foarte durabile, cum ar fi cărămizi, lemn și paie, iar impulsul spre arhitectură monumentală pentru o anumită perioadă depășea abilitățile tehnice reale ale grecilor, care trebuiau să se dezvolte de-a lungul secolului al VII-lea până în la începutul secolului al VI-lea î.Hr. De la mijlocul secolului al VIII-lea până la mijlocul secolului al VII-lea î.Hr., o serie de inovații tehnice în prelucrarea pietrei vor permite creșterea dimensiunii clădirilor, în timp ce distincția dintre structurile portante și structurile de umplere va să fie din ce în ce mai clarificate, acestea din urmă sunt singurele care primesc o decorație ornamentală. Primul templu mare cu pereți din blocuri moi de calcar a fost construit în Corint între anii 700 și 660 î.Hr. La scurt timp după aceea, templul peripterian al lui Poseidon a fost construit în Isthmia, iar pereții acestuia au fost acoperiți cu picturi policrome. Cele mai vechi temple din Corint și Isthmia au avut țiglă de teracotă și acestea au fost o invenție indigenă, nu există precedente în afara Greciei. Nu există dovezi ale existenței doricului înainte de 660 î.Hr .; primele dovezi ale unui capitel doric apar pe un fragment proto-corintic din 650 î.Hr. și templul căruia îi aparțin metopele Thermo (630 î.Hr.) este cel mai vechi templu doric cunoscut. La sfârșitul secolului al VII-lea î.Hr., arhitectura dorică are deja propriile forme și reguli: „Este cea mai pură și mai autentică expresie a arhitecturii grecești”, [14] dar regulile și proporțiile nu pot fi dogme, iar corecțiile optice vor interveni în curând la încălcați regulile în funcție de o mai mare armonie a clădirilor. Templul doric a apărut din nou (și pe o scară mai mare) în Heraion din Olympia datat în jurul anului 600 î.Hr., unde utilizarea limitată a pietrei s-a datorat probabil nu abilităților constructorilor, care porțiuni din ziduri atestă că au fost considerabile, ci către dotările economice rare. Primul templu doric în întregime din piatră a fost templul lui Artemis din Corfu construit probabil în jurul anului 580 î.Hr. după moartea lui Periandro . Conform dovezilor, se pare că grecii au avut impulsul de a construi temple de piatră înainte de marea influență egipteană și că tehnicile arhitecturale din piatră (Isthmia și Corint) erau în mare parte autodidactă. Evident, grecii au avut ocazia să observe constructorii egipteni extragând, transportând și plasând pietre mai greu decât porii folosiți în Corint și Istmia, dar tehnica egipteană a fost importantă pentru greci doar din 600 î.Hr. (Olympia și Corfu) în sensul unei îmbunătățiri de cunoștințe deja dobândite. Arhitectura ionică , pe de altă parte, îi datorează foarte puțin egiptenilor și începând doar cu al treilea Heraion din Samos (570 î.Hr.) și pare să prefere mai degrabă formele din Orientul Apropiat . Mai mult, se pare că doricul a fost inventat aproape brusc în jurul anului 650 î.Hr. de către arhitecții care au lucrat în Corint sub Cypselus pentru o utilizare specifică în programul de construcție al Cypselidelor; rezultatul acestui nou mod de construire a fost vizibil pentru toate orașele grecești prin tezaurele construite de Cipselo în sanctuarul din Delphi . [15]

După 480 î.Hr. (după așa-numitele colmate persane ) se deschide acea perioadă de intensă creativitate la Atena în timpul căreia există complexul excepțional al Acropolei construit de Pericles ca expresie a supremației ateniene; dar în Occident, clasicismul realizat este primit pasiv (în Segesta și Agrigento ) în timp ce în Est, într-o fază de mare creștere economică și culturală între secolele al VII-lea și al VI-lea, asistată de reconstrucția Heraionului din Samo și de către noua Artemiziune din Efes, ambele atribuite lui Rhoikos , după o perioadă de stagnare până în secolul al IV-lea î.Hr., în pragul perioadei elenistice, sofisticarea implicită în modelele clasice se accelerează și este, de asemenea, evidentă odată cu răspândirea capitalei corintice (pentru Iktinos , arhitectul Parthenonului , Pausanias atribuie și Templul lui Apollo Epicurius ), precum și cu interesul reînnoit pentru forma thòlos și pentru ordinea ionică.

În sanctuarul perioadei arhaice, fiecare clădire a fost concepută inițial în sine, construită fără a lua în considerare o armonizare cu celelalte spații. În perioada elenistică această izolare conceptuală a clădirii va fi abandonată în favoarea unui sistem mai scenografic care are drept consecință o importanță mai mare atribuită fațadei, de asemenea ca punct din care privește, din care este posibil să observăm spațiile înconjurătoare. În epoca romană, această concepție va fi extinsă și la statuia care se va îndepărta astfel de ideea tipic elenistică a figurii scufundate în spațiu și care a condus în schimb arhitectura greacă în această perioadă la dezvoltarea precisă a clădirilor cu un plan circular sau stelar, dar întotdeauna conceput să pornească de la spațiul cosmic. În epoca elenistică, ordinul doric a fost rar folosit pentru temple, în timp ce a fost folosit în principal pentru arcadele orașului. „Stilul doric își manifestase adevăratul sens în arhaism [...]: sunt forme ale unei greutăți pământești, primitive, megalitice, expresie a unei religiozități care simte pe deplin frica de mister”. [16] Arhitectura elenistică exprimă o civilizație complet reînnoită în care arhitectura civilă dobândește un spațiu pe care nu l-a mai avut până acum, care dă naștere unor noi teme asumându-și rolul jucat de templu în perioada arhaică.

Sculptură

Pictogramă lupă mgx2.svg Același subiect în detaliu: sculptura greacă .
Statuia unui războinic căzut, realizată de Pierre-Étienne Monnot (1658-1733) ca pandantiv al Galiei pe moarte prin refolosirea unui trunchi antic, o copie imperială timpurie a Discobolului lui Mirone . Roma, Muzeele Capitoline , Palazzo Nuovo, Galeria, S 241.

Originile statuarului grecesc datează din al doilea sfert al secolului al VII-lea î.Hr. Are figura umană ca subiect privilegiat și poate fi urmărită, în dezvoltarea sa, de la sculptura de dedicație la statuile Gemenilor din Argos și de aici la sculptura din interiorul grecesc. De la originile sale și încă în epoca clasică, statuaria greacă nu reprezenta oameni specifici, ci mai degrabă o schemă sau un model realizat în conformitate cu convenții precise. Aristotel a scris: „Pentru fiecare producție din artă preexistă ideea creativă care este identică cu ea: de exemplu, ideea creativă a sculptorului preexistă statuia. Nu există nicio generație aleatorie în acest domeniu. Arta este motivul operei, rațiunea fără materie " [17] . În trecerea de la sculptura arhaică la sculptura clasică, statuia își pierde conotațiile simbolice și substitutive (vezi intrarea Kouros ) și se dezvoltă conceptul de mimesis conform căruia figura este sculptată abordând ideea înțeleasă ca un model universal și perfect. Momentul tranziției, crucial pentru evoluția tradiției sculpturale grecești, este ceea ce se numește stil auster , o perioadă de mare experimentare în timpul căreia sunt elaborate noi metode de reprezentare, iar schematismele erei arhaice au devenit acum impracticabile. Din stilul protoclasic, stilul clasic încorporează și salută ceea ce este adecvat nevoilor sociale care au rămas substanțial neschimbate dincolo de sfera pur politică, respingând punctele naturalismului cel mai extrem. Mișcarea este asigurată de vibrația draperiei în cele mai statice ipostaze, în compozițiile complexe cu modele dominate de curbe fluide mari (Fidia), în statuar este echilibrată într-un calm echilibrat și neutru, capabil să readucă ideea , universal și perfect (Policlet). Așa se formează imaginea eroului grec, făcută canonică prin poza policleteană: un tânăr gol, în picioare, deja reprezentat în acest fel în epoca arhaică, cu un picior ferm și unul ușor avansat de care se sprijină brațul , pe aceeași parte, iar cea angajată într-un gest măsurat pe cealaltă, de exemplu în susținerea unui aparat de exerciții. Este un ritm ordonat de acțiune și odihnă, dar din moment ce este invers, se numește „chiasmo” (intersecție) din forma literei grecești „χ” ( chi ). În epoca elenistică, sculptura, participând la secularizarea generală a artei, dobândește, în schimb, o dimensiune predominant privată, care o îndepărtează de funcțiile religioase și sociale tradiționale, permițându-i să revină la naturalism cu un accent reînnoit care o va conduce la portret și gen. scenă.

În ciuda rezistenței materialelor, doar o mică parte din producția sculpturală greacă a ajuns la noi. Multe dintre capodoperele descrise în literatura antică sunt acum pierdute, grav mutilate sau ne sunt cunoscute doar prin copii romane . De la Renaștere , multe sculpturi au fost restaurate și de artiști moderni, modificând uneori aspectul și semnificația operei originale. În cele din urmă, viziunea sculpturii antice asumată în secolele trecute a fost distorsionată, deoarece descoperirile și studiile științifice începând din secolul al XIX-lea au arătat cum policromia statuilor și arhitecturii a fost o trăsătură esențială a lucrărilor, deși numai în cazuri foarte rare a fost păstrat până la noi: reconstrucțiile moderne cu piese care reproduc culorile sculpturilor, reconstituite pe baza analizelor științifice, pot fi deconcertante.

În Italia, deja în secolul al XV-lea, s-au format câteva mari colecții de statui antice, dar numai odată cu descoperirile de la sfârșitul secolului al XVIII-lea și începutul secolului al XIX-lea, Europa de Vest și-a deschis ochii asupra artei grecești adevărate. La Munchen, sculpturile Athenei Afaia au ajuns în Aegina , în 1816 Muzeul Britanic a achiziționat marmura Elgin, CR Cockerell a adus la rândul său reliefurile sculpturale ale Templului lui Apollo Epicurius din Basse la Londra. [18]

Pictură și ceramografie

Pictogramă lupă mgx2.svg Același subiect în detaliu: pictura greacă și ceramica greacă .
Pelike negru atenian, în jurul anilor 510-500 î.Hr. Partea A: negustor de petrol cu ​​amforă. Florența, Muzeul Arheologic Etrusc 72732.

Scrierile teoretice și lucrările marilor pictori greci sunt pierdute. Pictura greacă a fost studiată prin puținele descoperiri rămase, prin ceramografie și prin ceea ce ne-a fost raportat din surse literare ulterioare. Documentație suplimentară este furnizată de picturile mormintelor etrusce din Orvieto , Chiusi , Vulci , Veio și mai ales din Tarquinia . Pe baza acestor câteva elemente a fost posibil să descriem pictura greacă ca o mare pictură de șevalet interesată de problemele perspectivei , scurtarea , gradarea tonurilor și clarobscurului, probleme care au rămas necunoscute altor civilizații mediteraneene. În mod frecvent, redarea spațială a figurii așa cum a fost confruntată cu sculptura este readusă la influența aceleiași probleme deja puse în pictură. Unii autori, de exemplu Ranuccio Bianchi Bandinelli , tind să descrie pictura greacă ca un fel de artă călăuzitoare, aducând la ea multe dintre realizările spațiale trasabile în celelalte arte. [19] Alți autori, cum ar fi François Villard, preferă să descrie relația dintre ceramografia arhaică și pictura excelentă ca pe o procedură paralelă a unei singure arte picturale care în jurul anului 640-620 î.Hr. decorează atât vaze mici de lut ( Olpe Chigi ), cât și panouri mari fixate la pereți ( Thermo metope ). Diferența funcțională și socială care a investit ceramica, însă, o pune în raport cu probleme mai complexe (multiplicitate de ateliere, valoare inegală a meșterilor, permeabilitate mai mare la influențe externe etc.) care a atenuat acest paralelism, favorizând formarea și prevalența tehnica figurii negre care este o tehnică ceramografică corespunzătoare. [20] In Grecia la ceramica dipinta era un lusso per il discreto numero di appartenenti alla classe benestante, così essa poteva essere non solo una proficua industria e un'opportunità lavorativa, ma anche un ottimo campo di esercizio per artisti di primo rango. Durante i periodi protogeometrico e geometrico fu una delle poche forme d'arte praticate; nel VII secolo aC nacquero la scultura e la pittura monumentali, ma a quest'epoca la pittura differiva dalla ceramografia solo nelle dimensioni e in una più larga possibilità di scelta cromatica. La frattura tra grande pittura e ceramografia si verificò solo a partire dal V secolo aC

La ceramica greca è un capitolo importante dell'arte e anche dell'economia greca. La parola ceramica deriva dal nome del quartiere di Atene specializzato nella produzione di vasi, il Ceramico , e molta produzione era destinata all'esportazione. Le forme della ceramica greca erano disegnate per essere utili ed erano costruite con precisione di contorno; la decorazione generalmente tendeva ad enfatizzare la struttura del vaso mantenendosi sul piano della superficie; tra i motivi decorativi la figura umana acquisì col tempo posizione predominante. Gli esiti manifestano una logica pianificazione dell'organizzazione spaziale e narrativa, improntata a una stretta disciplina che lascia scarsi margini ai virtuosismi. Durante il periodo protogeometrico i vasai ateniesi restituirono alle poche forme e decorazioni ereditate una certa precisione e dignità; non si sa con esattezza cosa abbia causato tale rivoluzione, ma l'esito fu un forte senso dell'ordine antitetico alla spontaneità micenea e questo nuovo spirito determinò il corso dell'arte greca fino alla sua decadenza. All'evoluzione dello stile protogeometrico in geometrico seguì la nuova fase orientalizzante che ampliò le differenze tra le scuole locali. Corinto diede vita alla nuova tecnica a figure nere, mentre ad Atene per due generazioni si preferì la più spontanea tecnica a contorno. Dalla fine del VII secolo aC l'espansione commerciale della ceramica corinzia rese la tecnica a figure nere praticamente ubiquitaria, ma alla metà del VI secolo aC Corinto e molte delle altre scuole locali cedettero all'espansione del nuovo stile attico. Gli ambiziosi ceramografi attici crearono la tecnica a figure rosse che permetteva maggiori possibilità nella rappresentazione dell'espressione e dell'anatomia umana, tornando ad un più libero metodo di raffigurazione pittorica e lineare. Verso la metà del V secolo aC, stando a ciò che dicono le fonti, iniziò l'avventura esplorativa della grande pittura nel campo della rappresentazione spaziale e della prospettiva mentre per la ceramografia iniziò un periodo di progressivo declino e perdita di creatività. [21]

Mosaico pavimentale dalla "casa di Dioniso" a Pella, fine IV secolo aC Pella, Museo archeologico.

Lo sviluppo della pittura greca nei suoi momenti cruciali è descritto da Plinio in due passaggi notissimi del libro XXXV della Naturalis historia i quali, pur con le loro contraddizioni cronologiche, si integrano mostrando un'evoluzione che nelle sue linee essenziali si riscontra parallelamente nello sviluppo della ceramografia. La funzione del pittore in Grecia non era meno importante di quella dello scultore: grandi quadri con rappresentazioni mitologiche decoravano edifici pubblici e pinacoteche . Tra i nomi dei più grandi pittori greci, ricordati dalle fonti, troviamo Polignoto di Taso , attivo alla metà del V secolo aC , Parrasio , Zeusi (che lavorò alla fine del V secolo) e Apelle , forse il pittore greco più noto, artista prediletto di Alessandro Magno . Con la prima metà del V secolo si interrompe la tradizione del disegno colorato e si introducono nuove istanze di tipo spaziale, approfondite da Agatarco e Apollodoro anche su basi matematiche. La tradizione della pittura lineare, giunta con Parrasio alle sue possibilità espressive massime cede il passo a una pittura in cui prendono il sopravvento l'impostazione prospettica e luministica, una linea portata avanti da Zeusi e che attraverso Apelle, capace di fondere entrambe le grandi tradizioni della pittura greca, giungerà alla pittura ellenistica .

La pittura ellenistica, per la scarsezza di fonti antiche sull'argomento, monumentali e letterarie, viene studiata attraverso un'analisi parallela dei documenti minori di epoca ellenistica e delle opere maggiori di epoca romana , nel tentativo di ricostruire le problematiche affrontate dalla pittura greca tra la fine del IV secolo aC e la prima metà del I secolo aC , le quali si delineano così come una maggiore importanza attribuita allo spazio costruito geometricamente, l'impiego di cornici architettoniche e paesistiche, lo studio degli effetti luministici e coloristici. Malgrado il dominio economico e politico di Roma, la cultura e l'arte di cui usufruiscono le classi privilegiate hanno origine in questo periodo ancora nel mondo greco; la decorazione parietale delle ville romane riceve apporti ellenistici fino al terzo stile , esemplificato dalla Villa di Boscotrecase . [22]

Già nel IV secolo aC si cominciarono ad ornare alcuni ambienti dei palazzi e delle case signorili con figurazioni pavimentali a mosaico . La documentazione più importante per le fasi più antiche della tecnica è quella fornita dai mosaici di Olinto , che venne distrutta da Filippo II di Macedonia nel 348 aC Mosaici di epoca ellenistica eseguiti con una tecnica già raffinata di cui non è dato rintracciare precedenti stadi evolutivi sono quelli rinvenuti a Pergamo , Pella e Delos . [23]

Note

  1. ^ a b c De Vecchi; Cerchiari , p. 28 .
  2. ^ Bussagli , pp. 7-21 .
  3. ^ Enciclopedia dell'Arte Antica, Treccani .
  4. ^ Massimo Ciccotti, Perché il Buddha è così bello? Semplice, si è rifatto il look in Grecia! , in La Stampa , Torino, 19 ottobre 2012. URL consultato il 16 marzo 2014 (archiviato dall' url originale l'8 dicembre 2013) .
  5. ^ L'arte greco-buddista distrutta dopo secoli di storia , su La Nuova Italia . URL consultato il 16 marzo 2014 .
  6. ^ Richter, 1969 , pp. 32-33 .
  7. ^ Wittkower, 1967 , pp. 10-16 .
  8. ^ Argan, 1988 , p. 31 .
  9. ^ Bianchi Bandinelli, 1986 , p. 12 .
  10. ^ Argan, 1988 , p. 29 .
  11. ^ I filologi dell'Ottocento riconobbero questi autori quali fonti di Plinio per quanto riguarda le notizie circa pittura e scultura. Gli aneddoti sulla vita degli artisti invece derivano a Plinio da Duride di Samo , vissuto nella seconda metà del IV secolo aC, in un periodo di completo disinteresse storiografico nei riguardi della produzione artistica contemporanea. È a Duride che dobbiamo una delle interpretazioni più famose e durature dell'idealismo greco: l'idea cioè che gli artisti scegliessero e unissero le parti più belle dei corpi i quali mancherebbero di perfezione se presi singolarmente. Venturi, 1964 , pp. 47-49 .
  12. ^ I testi di Cicerone e Quintiliano, interessano perché riflettono l'orientamento della "critica" a loro contemporanea; la moda delle collezioni d'arte e la reazione all'arte contemporanea sentita come decadente facilitarono il sorgere di "conoscitori" che in questi anni riscoprirono il valore degli artisti anteriori al IV secolo aC e di Fidia in particolare. Venturi, 1964 , pp. 59-61 .
  13. ^ a b c De Vecchi; Cerchiari , p. 29 .
  14. ^ Bianchi Bandinelli, 1986 , p. 53 .
  15. ^ Hurwit, 1985 , pp. 179-186 .
  16. ^ Bianchi Bandinelli, 1986 , p. 64 .
  17. ^ Aristotele, IV secolo aC , Sulle parti degli animali , 640, 30. Nell'ambito della produzione scultorea il parallelo del concetto di arte e di mimesi quale si sviluppa in Aristotele è l'opera di Lisippo.
  18. ^ Boardman, 1995 , pp. 9-18 .
  19. ^ Bianchi Bandinelli, 1986 , passim.
  20. ^ Charbonneaux, Martin, Villard 1978 , passim.
  21. ^ Cook, 1997 , pp. 1-3 .
  22. ^ Bianchi Bandinelli, 1986 , pp. 92-95 .
  23. ^ Giuliano 1987 , pp. 1069-1074 .

Bibliografia

  • Lionello Venturi , Storia della critica d'arte , Torino, Einaudi, 1964, ISBN 88-06-15709-4 .
  • Rudolf Wittkower , Margot Wittkower, Nati sotto Saturno : la figura dell'artista dall'antichità alla rivoluzione francese , Torino, Einaudi, 1967. ISBN non esistente
  • Gisela MA Richter, L'arte greca , Torino, Einaudi, 1969. ISBN non esistente
  • Jean Charbonneaux , Roland Martin; François Villard, La Grecia arcaica : (620-480 aC) , Milano, Rizzoli, 1978. ISBN non esistente
  • Jeffrey Mark Hurwit,The art and culture of early Greece : 1100-480 bC , Londra, Cornell University Press, 1985, ISBN 0-8014-1767-8 .
  • Ranuccio Bianchi Bandinelli , Enrico Paribeni, L'arte dell'antichità classica. Grecia , Torino, UTET Libreria, 1986, ISBN 88-7750-183-9 .
  • Antonio Giuliano, Arte greca : Dall'età classica all'età ellenistica , Milano, Il saggiatore, 1987. ISBN non esistente
  • Marco Bussagli, La via dell'arte tra Oriente e Occidente , Dossier d'art , Firenze, Giunti, 1986, ISBN 88-09-01724-2 .
  • Giulio Carlo Argan , Storia dell'arte italiana : 1. Dall'antichità a Duccio , Firenze, Sansoni, 1988.
  • M. Spagnoli e L. Caterina, Buddha , in Enciclopedia dell'Arte Antica , Roma, Istituto dell'Enciclopedia Italiana, 1994. URL consultato il 16 marzo 2014 .
  • John Boardman , L'arte greca , Milano, Rusconi, 1995, ISBN 88-18-91033-7 .
  • Robert Manuel Cook, Greek painted pottery , Londra - New York, Routledge, 1997, ISBN 0-415-13860-4 .
  • Antonio Giuliano, Storia dell'arte greca , Roma, Carocci, 1998, ISBN 88-430-1096-4 .
  • Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte , vol. 1, Milano, Bompiani, 1999, ISBN 88-451-7107-8 .

Voci correlate

Altri progetti

Collegamenti esterni

Controllo di autorità Thesaurus BNCF 3792 · LCCN ( EN ) sh85007690 · GND ( DE ) 4002833-1 · BNF ( FR ) cb11930972t (data) · BNE ( ES ) XX525331 (data)