Arta romană
Prin artă romană înțelegem arta civilizației din Roma , de la întemeierea până lacăderea Imperiului de Vest , atât în oraș , cât și în restul Italiei și în provinciile de est și de vest. Arta din partea de est a Imperiului, după căderea Occidentului, deși în continuitate cu Roma imperială, este denumită artă bizantină .
Formele artistice autohtone, în faza originilor și a primei republici, sunt mai degrabă elementare și nu foarte rafinate. Odată cu contactul cu civilizația greacă Roma va avea o atitudine ambivalentă față de arta greacă „superioară”: își va aprecia progresiv formele, în timp ce va simți dispreț pentru autori, artiști greci social inferiori față de cuceritorii romani (aceeași atitudine era ținută față de filozofii și poeții eleni). Odată cu trecerea secolelor, arta greacă va avea o apreciere din ce în ce mai mare, chiar dacă vor exista tendințe „anticlassice” autohtone care vor constitui un element de continuitate cu arta romanică .
 Füssli , artist mișcat de un fragment roman |
Elemente de artă romană
Arta Romei sau arta Imperiului Roman?
A vorbi de artă romană implică tratarea producției artistice pe o perioadă de aproximativ un mileniu, cu limite geografice care sunt mai extinse din când în când.
La începutul acestei dezvoltări, problema asupra căreia s-au concentrat studiile este aceea de a identifica un moment de detașare între producția generic italică (înțeleasă ca koinè între arta Campaniei, Etrusca și Lazio) și nașterea unui accent specific legat la așezarea Romei, diferită de celelalte și dotată cu specificul propriu [1] .
Pe măsură ce teritoriul administrat de Roma s-a extins, o altă întrebare apare la savanți și anume dacă trebuie să înțeleagă sau nu toate formele artistice ale popoarelor supuse Romei. Acest lucru ar duce la înțelegerea celor mai vechi civilizații artistice, precum cele legate de elenism ( Grecia , Asia Mică , Egipt ), și producții mai necultivate, aduse în contact cu elenismul de către romani (precum peninsula iberică, Galia , Bretania etc.) [1] .
Cele două orizonturi (arta orașului Roma și arta antică în epoca romană) trebuie amintite amândouă, datorită și împletirii continue a experiențelor legate de producția artistică de la Roma la provincii și invers. Toată arta romană este de fapt împletită de un schimb continuu între centru și periferie: indicațiile ideologice și de conținut care au influențat producția s-au îndepărtat de Roma, fără a interzice totuși o anumită diversitate și autonomie de exprimare legate de tradițiile preexistente. În special, romanii au ajuns să influențeze și centrele elenistice printr-un nou concept de artă, destinat sărbătoririi individului „în stat” și al statului ca elice a bunăstării colective [1] .
Paul Zanker adaugă că elenizarea Romei a venit odată cu cucerirea orașelor și monarhiilor grecești, ceea ce a schimbat radical structurile politice și sociale ale Republicii Romane și ale aliaților italici ai acesteia. Cu această premisă, el ar dori să înceapă perioada artei romane cu epoca marilor victorii ale Romei asupra Siracuzei (212 î.Hr.), Taranto (209 î.Hr.) și Perseu , regele Macedoniei (168 î.Hr.), până la distrugerea Cartagina și Corintul (146 î.Hr.). [1]
Diferențe cu arta greacă
| ( LA ) "Graeca res nihil velare, at contra Romani ac militaris thoracis addere." | ( IT ) „Este obiceiul grecesc să nu acopere corpul [statuilor], în timp ce romanii, ca soldați, adaugă armuri”. |
| ( Pliniu cel Bătrân , Naturalis Historia , XXXIV, 18 ) | |
Victoriile romane din Sicilia asupra siracuzanilor în 212 î.Hr. , în Asia Mică asupra seleucidelor din Magnesia în 189 î.Hr. și cucerirea Greciei în 146 î.Hr., cu capturarea Corintului și a Cartaginei , sunt două date fundamentale pentru evoluția artistică a Romani.
«[ Marco Claudio Marcello ] a transportat lucrurile prețioase ale orașului la Roma , statuile, picturile în care Siracuza era bogată, obiecte considerate prada inamicilor și aparținând legii războiului. Chiar din acest moment a început admirația pentru lucrurile grecești și lipsa de dorință de a îndepărta lucrurile sacre și profane de pretutindeni ". |
| ( Livy , XXV, 40.1-2 . ) |
Până în prezent, contactul cu arta greacă a avut un caracter episodic, sau mai des mediat de arta etruscă și italică. Acum, Roma deținea direct locurile în care se originase și se dezvolta arta elenistică, iar operele de artă grecești au fost aduse drept pradă la Roma. Superioritatea militară a romanilor s-a ciocnit cu superioritatea culturală a grecilor. Acest contrast a fost exprimat efectiv de Horace , când a scris că Grecia învinsă l-a supus pe mândrul învingător ( Graecia capta ferum victorem cepit ). De ceva timp, cultura oficială romană a disprețuit public arta grecilor învinși, dar progresiv fascinația acestei arte rafinate a cucerit, cel puțin în sfera privată, clasele dominante romane, favorizând o formă de bucurie artistică bazată pe colecționare și eclecticism . Într-un anumit sens, romanii s-au definit ulterior ca continuatori ai artei grecești într-un arc de la Alexandru cel Mare la împărați.
Dar, după cum recunosc numeroși cercetători [2] , există unele diferențe substanțiale între arta greacă și cea romană, începând în primul rând cu tema principală a reprezentării artistice în sine: grecii reprezentau un logos imanent, romanii res . Cu cuvinte mai simple, grecii au transfigurat și istoria contemporană în mitologie (victoriile asupra perșilor sau galatenilor au devenit astfel centauromahii sau lupte între zei și giganți sau chiar amazonomahi ), în timp ce romanii reprezentau evenimentele actuale și evenimentele istorice din realitatea lor.
Puterea morală și simțul etic al reprezentărilor miturilor grecești se epuizaseră însă deja în cele trei secole ale elenismului , când de la o expresie comunitară arta era „subiectivizată”, adică devenind din când în când o expresie economică și economică. puterea politică a unui suveran, a rafinamentului unui colecționar sau a ingeniozității unui meșter. În această brazdă, romanii au procedat apoi și mai adânc, ajungând să reprezinte actualitatea concretă a unui eveniment istoric: în fața lor doar unele popoare din Orientul Apropiat practicaseră această cale, respinsă de greci.
Utilizarea „personală” a artei în arta romană a permis înflorirea artei portretului , care a înlocuit abstractizarea formală a capetelor din statuile grecești. Adăugarea de capete realiste la corpurile idealizate (ca înstatuia unui personaj roman din Delos ), care ar fi făcut un fior clasic grecesc, a fost însă practicată acum de artiștii neo-mansardă de la sfârșitul secolului al II-lea î.Hr., în principal pentru Clienți romani.
Utilizarea artei romane
Producția artistică romană nu a fost niciodată „gratuită”, adică nu a vizat niciodată o bucurie estetică abstractă, tipică artei grecești. În spatele operelor de artă a existat întotdeauna un scop politic, social, practic. Chiar și în cazul celor mai bune meșteșuguri de lux (vaze de metale prețioase și ceramică, camee, pietre prețioase, statuete, sticlă, frize arhitecturale de plante etc.) frumusețea a fost legată de conceptul de fast, înțeles ca auto-celebrarea de către client a lui putere economică proprie și socială.
Sculpturile oficiale, deși valabile din punct de vedere estetic, au avut întotdeauna intenții de sărbătoare sau chiar de propagandă , care într-un anumit sens au cântărit mai mult decât interesul formal abstract. Rămâne faptul că arta romană era încă o artă „frumoasă” și atentă la calitate: sărbătoarea necesita alegeri estetice atente, care au fost canalizate în urma elenismului de origine greacă.
Cu toate acestea, modelele grecești, după ce și-au pierdut concepția abstractă și obiectivă, au suferit un fel de „golire”, iar aceasta a alimentat mult timp o așa-numită abordare „neoclasică”, care a încadrat producția artistică romană pe orbita unei decadențe a Elenismul. Școala vieneză de istorie a artei a depășit concepția „neoclasică” demonstrând că în realitate modelele grecești, după ce au pierdut un sens original, au căpătat un altul concret și subiectiv; iar această libertate în reinterpretarea schemelor iconografice din trecut va duce apoi, în era creștină, la reciclare și, prin urmare, la continuitatea acestor modele: Nike înaripat care devine înger , filosoful cu barbă care devine apostol etc. .
Inovație în arta romană
Fără a lua în considerare arhitectura și să ne gândim doar la artele mai strict figurative ( pictură și sculptură ), este clar că în arta romană creația de la zero , în afară de unele rare excepții (cum ar fi Coloana lui Traian ), nu există, sau cel puțin este limitat la nivelul cel mai superficial al meșterului. Aproape întotdeauna se caută conștient idealul estetic, tipic culturii grecești. Chiar și momentul creativ care a văzut nașterea unei adevărate arte „romane”, între mijlocul secolului al II-lea î.Hr. și al doilea triumvirat , s-a datorat în mare măsură ultimilor muncitori greci și italieni, hrăniți de elenism.
În acest sens, romanii au urmat urmele cursurilor italice , cu care producția artistică a rămas întotdeauna ceva artizanal, instinctiv, condiționat de factori practici externi.
Însă prospețimea artei romane este încă dată de adeziunea extraordinară la teme și de admirabila abilitate tehnică, chiar și în tipare repetate de nenumărate ori.
Producerea de copii
Un fenomen tipic roman a fost producerea în masă a copiilor artei grecești, în special din perioada clasică databilă între secolele V și IV î.Hr. Acest fenomen a început în secolul II î.Hr. când un grup de colecționari pasionați de artă a crescut la Roma. care prada războiului și originalele din Grecia și Asia Mică nu mai erau suficiente. Fenomenul copiilor a ajuns la noi în cea mai mare parte pentru sculptură, dar cu siguranță trebuie să fi implicat și pictura, elementele arhitecturale și așa-numitele arte aplicate. Copii ale statuilor grecești din epoca romană au permis reconstituirea principalelor personalități și curente artistice grecești, dar au perpetuat, de asemenea, câteva idei eronate la erudiții moderni pentru mult timp, precum credința că tipologiile artei grecești s-au caracterizat prin frig. academicismul copiilor sau că arta romană în sine era o artă dedicată în principal copierii, denaturând perspectiva sa istorică.
Pentru romani, istoricismul nu a existat și în nici o sursă antică nu există ecouri ale unei aprecieri diferite între opera originală și copie, care au fost evident considerate pe deplin echivalente. Cu toate acestea, nu au lipsit exemple de patch-uri, mizerie și modificări arbitrare, ca în cazul unui Pothos de la Skopas , din care există copii simetrice utilizate pentru a completa decorul arhitectural.
Eclectism
 Ara di Domizio Enobarbus , lustrum censorio | |
 Thiasos elenistic |  Thiasos elenistic |
Odată cu afluxul de opere grecești către Roma din multe epoci și zone geografice, este firesc să se formeze un gust eclectic , adică un iubitor al combinației mai multor stiluri diferite, cu o anumită înclinație pentru rare și curioase, fără o adevărata înțelegere a formelor artistice și a semnificațiilor acestora.
Dar eclecticismul romanilor se referea și la prezența tradiției italice, care intrase într-un strat foarte profund al societății. Pentru romani, nu numai că era natural să combine opere de artă în diferite stiluri, dar eclecticismul se găsea adesea în aceeași lucrare, absorbind iconografii diferite, limbaje formale diferite și teme diferite din mai multe surse.
Importanța eclecticismului în istoria artistică romană este dată și de faptul că, spre deosebire de alte culturi, nu a apărut, ca o tendință, la sfârșitul și decăderea culturală, ci la începutul sezonului artistic roman. Unul dintre cele mai vechi exemple ale acestei tendințe se află în altarul lui Domizio Enobarbus , din care se păstrează o parte a frontonului din Luvru (prezentarea animalelor pentru sacrificiu, cu un stil de derivare clar realist și plebeu) și două plăci din frieze un München (stil elenistic, o procesiune de zeități marine). Eclecticismul s-a manifestat de asemenea precoce în lucrările celei mai înalte comisii publice, cum ar fi în Ara Pacis de Augustus .
La rădăcinile artei romane: relieful istoric
Pasul decisiv care a marcat o ruptură între arta greacă și cea romană a fost, fără îndoială, apariția reliefului istoric, destinat ca narațiunea unui eveniment de interes public, de natură civilă sau militară. Sondajul istoric roman nu este niciodată un instantaneu al unui eveniment sau ceremonie, ci prezintă întotdeauna o selecție didactică de evenimente și personaje, compusă în așa fel încât să recreeze o narațiune simbolică, dar ușor de citit.
Prima dovadă a acestui tip de reprezentare care a ajuns până la noi este fresca din necropola esquilină (începutul secolului al III-lea î.Hr.) sau picturile din mormintele Tarquiniei de la mijlocul secolului al II-lea î.Hr. (acum sub dominația romană). Dar inițial reprezentarea istorică a fost întotdeauna o exaltare nobilă a unei familii angajate în acele întreprinderi, cum ar fi Gens Fabia din exemplul citat al Esquiline.
Treptat, subiectul istoric se va cristaliza în unele teme, în cadrul cărora artistul avea un motiv limitat de a insera variante, în afară de acele particularizări legate de locurile, timpurile și personajele prezentate. De exemplu, pentru a sărbători un război victorios, modelul fix al:
- Profectio , plecare
- Construcția de drumuri, poduri sau fortificații
- Lustratio , jertfă zeilor
- Adlocutio , incitare a trupelor (discurs)
- Proelium , luptă
- Obside , asediu
- Submissio , act de depunere a învinșilor
- Reditus , întoarce-te
- Triumf , procesiune triumfală
- Liberalitas , act de caritate.
Prin aceste scheme fixe reprezentarea a devenit imediat explicită și ușor de înțeles pentru oricine.
Arta nobilă și arta plebeiană, arta provincială
Societatea romană a fost caracterizată încă de la origini printr-un dualism, care s-a manifestat pe deplin și în producția artistică: cea dintre patricieni și plebei și deci între arta patriciană (sau „curte”) și arta plebeiană (sau „populară” care, după secolul I D.Hr., a găsit evoluții în producția artistică a provinciilor occidentale). Aceste două curente, a căror importanță istorică a fost recunoscută abia în a doua jumătate a secolului al XX-lea, au coexistat încă de la începuturile artei romane și s-au apropiat treptat, până când s-au contopit în antichitatea târzie .
Ar fi greșit să dorim să impunem o ierarhie absolută în aceste două curente, fiind animată, la nivel generic, de interese și scopuri foarte diferite: arta plebeiană avea scopul sărbătoririi neechivoce a clientului, a clarității imediate, a simplificării, de abstractizare intuitivă, pe care o vor intra în arta oficială a monumentelor publice romane abia din secolul al treilea-începutul secolului al IV-lea d.Hr. (în urma unor schimbări ideale și sociologice profunde), provocând acea ruptură cu elenismul care va curge în arta medievală . Arta plebeiană nu a urmat calea naturalismului elenistic , dimpotrivă a reprezentat prima depășire reală a elenismului „lipsită acum de impuls și de posibilități de noi dezvoltări artistice” [3] .
Curentul mai curtenitor a supraviețuit în noua capitală Constantinopol , doar pentru a fi sublimat, prin contactul cu centrele artistice de origine străină iraniană ( Hatra , Palmyra , Doura ), în arta bizantină , cu o atenție reînnoită asupra liniarismului.
Istoria artei romane
Arta originilor și a monarhiei
Potrivit legendei, orașul Roma a fost fondat la 21 aprilie în anul 753 î.Hr. La originile orașului, a avut o mare importanță vadul de pe Tibru , care a format mult timp granița dintre etruscii și latinii. , în apropierea insulei Tibru și a debarcării râului Emporium , între Palatin și Aventin .
În epoca protohistorică și regală nu putem vorbi încă despre arta „romană” (adică cu caracteristici proprii), ci doar despre producția artistică „la Roma”, cu caracteristici italice , cu influențe etrusce notabile.
La emporiul de lângă trecerea râului, Foro Boario , a fost excavat un templu arhaic, în zona Sant'Omobono , datând de la sfârșitul secolului al VII -lea - mijlocul -al șaselea î.Hr. , cu rămășițe din epoca apeninică documentând o continuitate de așezare pe tot parcursul erei regale.
Sub Tarquinio Priscus , templul dedicat triadei capitoliene , Jupiter , Juno și Minerva , a fost construit pe dealul Capitolin , la data tradițională din 509 î.Hr. , aceeași în care sunt expulzarea regelui și începutul listelor magistraților. plasat. Data înființării templului ar fi putut fi, de asemenea, verificată de către istoricii romani de mai târziu, grație clavilor și unghiilor anuale introduse în peretele interior al templului. Rămășițele podiumului templului sunt încă parțial vizibile sub Palazzo dei Conservatori și în subsolul Muzeelor Capitoline .
Sculpturile din teracotă care au împodobit-o, o altă caracteristică a artei etrusce , s-au pierdut, dar nu trebuie să fi fost foarte diferite de cea mai faimoasă sculptură etruscă din aceeași epocă, Apollo de la Veii de către sculptorul Vulca , care face parte, de asemenea, dintr-o decorație templieră. ( Sanctuarul Portonaccio din Veio ). Tipologia arhitecturală a templului de pe dealul Capitolin este, de asemenea, de tip etrusc: un podium înalt cu o colonadă dublă pe partea din față pe care se deschid trei celule .
Printre cele mai impresionante lucrări ale Romei arhaice s-au numărat Cloaca Maxima , care a permis așezarea în valea Forumului și Zidurile Serviene , din care rămân diverse zone.
Trebuie să așteptăm perioada cuprinsă între sfârșitul secolului al IV-lea și începutul secolului al III-lea î.Hr. pentru a găsi o operă de artă figurativă produsă cu siguranță la Roma: este binecunoscuta Cista Ficoroni , un recipient de bronz fin cizelat cu mitul. al Argonauților (din inscripția Novios Plautios med Romai fecid , „Novio Plautius m-a făcut la Roma”). Dar tipologia containerului este prenestină , creatorul originilor osco -campaniene (judecând după nume), decorul burin al matricei clasice grecești, cu părți în relief care pot fi încadrate pe deplin în producția italic-mijlocie.
Arta republicană
Prima perioadă a artei republicane a fost o continuare a stilului arhaic (ca în vremurile gemene din zona Sant'Omobono sau cele din Largo Argentina ). O revoluție substanțială a avut loc atunci când romanii au intrat în contact din ce în ce mai strâns cu grecii, care au culminat cu cucerirea Magnei Grecia , a Greciei elene, a Macedoniei și a Asia Mică . Prădarea războiului a adus un flux enorm de opere de artă în patria lor, ceea ce i-a pus pe romani în problema jenantă a acceptării drept superioare a unei culturi pe care o învinseseră. S-au născut două partide, unul pro-elen, un bun iubitor al artei grecești, condus de cercul Scipioni , și un partid tradiționalist și pro-roman condus de Cato Cenzorul și adepții săi. Afluența uriașă de lucrări grecești nu s-a oprit, într-adevăr atunci când cererea din partea colecționarilor pasionați a depășit oferta de lucrări originale, s-a născut piața gigantică de copii și opere inspirate din modelele clasice ale secolelor V și IV î.Hr. ( neo-aticism ).
Abia după o anumită perioadă, romanii, după ce au „digerat” invazia operelor grecești de multe stiluri diferite (în funcție de vârstă și de regiunea geografică), au început să dezvolte o artă specific „romană”, chiar dacă acest lucru s-a datorat în mare parte muncitorilor greci și eleni.
În special, sub guvernarea Silla s -au remarcat primele începuturi ale artei romane, care inițial s-au dezvoltat în principal în trei domenii: arhitectură, portret fizionomic și pictură.
Arhitectură
În timpul Silla, structurile din lemn cu placare de teracotă de origine etruscă sau cele din tuf stucat au cedat definitiv clădirilor din travertin sau alt calcar , conform formelor derivate din arhitectura elenistică , dar adaptate unui gust mai simplu cu forme mai modeste . La Roma, arhitecții au procedat cu mare libertate folosind elementele clasice ca figuri pur decorative, eliberate de nevoi statice, care au fost în schimb compensate prin tehnica revoluționară a zidăriei . Deși nu lipsesc clădirile sacre din perioada republicană la Roma, în marile lucrări publice „infrastructurale” s-a exprimat geniul constructiv al romanilor. A fost construită marea rețea rutieră , care există și astăzi, la care trebuie adăugate lucrările colaterale precum poduri, tuneluri și apeducte. Orașele nou înființate sunt construite după o schemă ortogonală, bazată pe trasarea celor două axe principale ale cardo și decumanus .
Pe vremea lui Hermodore din Salamis și a războaielor macedonene, primele clădiri de marmură au fost construite la Roma, ceea ce cu siguranță nu s-a remarcat prin măreția lor. După incendiul din 83 î.Hr. , templul lui Jupiter Capitolin a fost reconstruit în piatră, cu coloane de marmură din Atena și un nou simulacru crizelefantin al lui Jupiter , poate opera lui Apollonius din Nestor . Construcția Tabulariumului , fundalul pitoresc al Forului Roman, care l-a legat de Capitol și a servit drept arhivă de stat , datează din 78 î.Hr. Semi-coloanele erau folosite sprijinindu-se de stâlpii de la care pleacă arcurile, schemă folosită și în sanctuarul Ercole Vincitore din Tivoli .
Templele romane din Silla care au supraviețuit sunt destul de modeste (templul lui San Nicola din Carcere , templul B al Largo Argentina ), în timp ce mărturii mai importante se găsesc în acele orașe care au suferit mai puține transformări ulterior: Pompei , Terracina , Fondi , Cori , Tivoli , Palestrina și Canosa di Puglia . Deosebit de semnificativ este sanctuarul Fortuna Primigenia din Palestrina, unde structurile interne sunt în opus incertum și acoperișurile boltite obținute cu ajutorul pietrei zdrobite și mortar pozzolan : aceste tehnici din Campania-Lazio au definit structurile de susținere ale marii mase arhitecturale, în timp ce fațadele erau decorate cu structuri arhitecturale în stil elenistic, care ascundeau restul. Abia mai târziu, tehnicile de construcție romane au avut și o formă stilistică care nu mai necesită „masca” externă, permițând o dezvoltare autonomă și grandioasă a arhitecturii romane .
La vremea lui Cezar a avut loc crearea somptuosului Forum și templul lui Venus Genetrix , dar numai odată cu restaurarea templului lui Apollo Sosiano în 32 î.Hr. Roma a avut pentru prima dată o clădire de cult la culmea eleganței elenistice.
Portret
Cealaltă etapă importantă atinsă de arta romană începând din perioada Silla este așa-numitul portret „realist”, inspirat de concepția specială „ catoniană ” a virtuților omului patrician roman: un personaj forjat de asprimea vieții și a războiului , mândrie de clasă, inflexibilitate etc. Cu toate acestea, contextul diferit al valorilor din societatea romană a dus la divergența de la modelele elenistice cu fețe reduse la măști dure, cu o redare uscată și minuțioasă a suprafeței, care nu cruță semnele timpului și ale vieții grele.
Printre cele mai semnificative exemple de „realism patrician” se numără capul 535 al Muzeului Torlonia (replică tiberiană), vălul Vaticanului (replică de la începutul epocii augustene), portretul unei persoane necunoscute de Osimo , bustul 329 din Albertinum din Dresda etc. Realismul grosolan al acestor lucrări este atenuat în alte exemple ( 70-50 î.Hr. ) de un plasticism mai bogat și o reprezentare mai organică și mai puțin mohorâtă, cu rigiditatea atenuată de o expresie mai senină: acesta este cazul șefului din 1332 al Muzeului Nuovo dei Conservatori (databil 60-50 î.Hr. ) sau portretul lui Pompei la Ny Carlsberg Glyptotek din Copenhaga .
În ciuda relevanței sale doar în contextul urban și a scurtei durate a timpului, portretul republican roman a avut o reflectare notabilă și a urmărit în timp, în special în monumentele funerare ale claselor inferioare care priveau la patriciat cu aspirație, cum ar fi liberii .
Pictura
Stabilirea unei tradiții picturale romane are loc și în această perioadă. Essa viene detta anche " pompeiana ", perché studiata nei cospicui ritrovamenti di Pompei e delle altre città vesuviane sommerse dall' eruzione del Vesuvio del 79 , anche se il centro della produzione artistica fu sicuramente Roma.
Era tipico per una casa signorile avere ogni angolo di parete dipinta, da cui deriva una straordinaria ricchezza quantitativa di decorazioni pittoriche. Tali opere però non erano frutto dell'inventiva romana, ma erano un ultimo prodotto, per molti versi banalizzato, dell'altissima civiltà pittorica greca.
Si individuano quattro " stili " per la pittura romana, anche se sarebbe più corretto parlare di schemi decorativi. Il primo stile ebbe una documentata diffusione in tutta l'area ellenistica (incrostazioni architettoniche dipinte) dal III-II secolo aC Il secondo stile (finte architetture) non ha invece lasciato tracce fuori da Roma e le città vesuviane, databile dal 120 aC per le proposte più antiche, fino agli esempi più tardi del 50 aC circa; è forse un'invenzione romana. Il terzo stile ( ornamentale ) si sovrappose al secondo stile ed arrivò fino alla metà del I secolo, all'epoca diClaudio ( 41 - 54 ). Il quarto stile ( dell'illusionismo prospettico ), documentato a Pompei dal 60 dC, è molto ricco, ma non ripropone niente di nuovo che non fosse già stato sperimentato nel passato. In seguito la pittura, a giudicare da quanto ci è pervenuto, si inaridì gradualmente, con elementi sempre più triti e con una tecnica sempre più sciatta; bisogna però anche sottolineare che per il periodo successivo 79 non abbiamo più l'unico e straordinario catalogo pittorico delle città vesuviane sepolte.
Arte imperiale classica
La prima fase dell'impero e il classicismo augusteo
Architettura
Con il principato di Augusto ebbe inizio una radicale trasformazione urbanistica di Roma in senso monumentale. Nel periodo da Augusto ai Flavi si nota un irrobustirsi di tutti quegli edifici privi dell'influenza del tempio greco : archi trionfali, terme, anfiteatri, ecc. Nell' arco partico del Foro Romano ( 20 aC circa) nacque una forma ancora embrionale dell'arco a tre fornici . Risalgono a questo periodo i più spettacolari edifici per spettacoli: il teatro di Marcello ( 11 aC ), l' anfiteatro di Pola , l' Arena di Verona , il teatro di Orange e poco dopo il Colosseo (inaugurato da Tito nell' 80 e poi completato da Domiziano ).
Scultura
Anche nelle arti figurative si ebbe una grande produzione artistica, improntata ad un classicismo finalizzato a costruire un'immagine solida e idealizzata dell'impero. Si recuperò, in particolare, la scultura greca del V secolo aC, Fidia e Policleto , nella rappresentazione delle divinità e dei personaggi illustri romani, fra cui emblematici sono alcuni ritratti di Augusto come pontefice massimo e l' Augusto loricato , quest'ultimo rielaborato dal Doriforo di Policleto . L'uso di creare opere nello stile greco classico va sotto il nome di neoatticismo , ed è improntato a un raffinato equilibrio, che però non è esente da una certa freddezza di stampo "accademico", legata cioè alla riproduzione dell'arte greca classica idealizzata e priva di slanci vitali. Solo durante la dinastia giulio-claudia si ebbe un graduale attenuarsi dell'influenza neoattica permettendo la ricomparsa di un certo colore e calore nella produzione scultorea.
Pittura
Tra il 30 e il 25 aC poteva dirsi pienamente compiuto lo sviluppo del secondo stile pompeiano . Ascrivibile al terzo stile è la decorazione della Casa della Farnesina o la Casa del Criptoportico a Pompei . A cavallo tra la fine del regno di Augusto e l'epoca claudia si collocano gli affreschi della grande sala della villa di Prima Porta di Livia , con la veduta di un folto giardino, culmine della pittura di giardini illusionistici . Forse risale all'epoca di Augusto anche la famosa sala della villa dei Misteri , dove sono mescolate copie di pitture greche e inserzioni romane.
Le ricostruzioni dopo il terremoto di Pompei del 62 videro nuove decorazioni, per la prima volta nel cosiddetto quarto stile , forse nato durante la decorazione della Domus Transitoria e della Domus Aurea .
Toreutica e glittica
Nel periodo di Augusto anche la toreutica e la glittica ebbero la migliore fioritura, con un notevole livello sia tecnico che artistico, con più naturalezza rispetto all'arte in grande formato. Tra i pezzi più pregiati il tesoro di Hildesheim , la Gemma Augustea ( 29 aC ), il cammeo di Augusto e Roma e il Grande cammeo di Francia (di epoca tiberiana).
I Flavi
Gli imperatori della dinastia flavia proseguirono nell'edificazione di opere di grande impegno. Fra queste spicca il Colosseo , il simbolo più famoso di Roma. In quell'epoca l'arte romana si sviluppò superando la pesante tutela dell'arte neoattica , generando nuovi traguardi artistici. Nel campo della scultura non è ancora chiaro quanto fu determinante l'ispirazione al mondo ellenistico per superare la parentesi neoattica. In ogni caso nei rilievi nell' Arco di Tito ( 81 o 90 dC) si nota un maggiore addensamento di figure e, soprattutto, una consapevole disposizione coerente dei soggetti nello spazio, con la variazione dell'altezza dei rilievi (dalle teste dei cavalli a tutto tondo alle teste e le lance sagomate sullo sfondo), che crea l'illusione di uno spazio atmosferico reale.
Inoltre per la prima volta si trova portata a compimento la disposizione delle figure su una linea curva convessa (piuttosto che retta), come dimostra il rilievo della processione dove a sinistra le figure sono viste di tre quarti e di faccia, e all'estrema destra di dorso mentre entrano sotto il fornice della Porta Triumphalis . Lo spettatore ha così la sensazione di essere circondato e quasi sfiorato dal corteo, secondo un tendenza che verrà ulteriormente sviluppata nel "barocco" antoniniano dal III secolo in poi.
In architettura quest'epoca fu fondamentale per lo sviluppo di tecniche nuove, che permisero ulteriori sviluppi delle articolazioni spaziali. Lo stesso arco di Tito è impostato secondo uno schema più pesante e compatto dei precedenti augustei, che si allontana sempre di più dall'eleganza di matrice ellenistica. Ma fu soprattutto con la diffusione delle cupole emisferiche ( Domus Transitoria , Domus Aurea e ninfeo di Domiziano a Albano Laziale ) e la volta a crociera ( Colosseo ), aiutata dall'uso di archi trasversali in laterizio che creano le nervature e dall'uso di materiale leggero per le volte (anfore). Inoltre venne perfezionata la tecnica della volta a botte , arrivando a poter coprire aree di grandi dimensioni, come la vasta sala (33 metri di diametro) del vestibolo domizianeo del Foro Romano .
Il tempo di Traiano
Sotto Traiano ( 98 - 117 dC) l'impero conobbe il suo apogeo, ed anche l'arte riuscì, per la prima volta (stando a quanto ci è pervenuto) a staccarsi dall'influenza ellenistica, portando un proprio, nuovo prodotto artistico (il rilievo storico) ai livelli dei grandi capolavori dell'arte antica: i rilievi della Colonna Traiana . In questa opera, dove confluisce tutta la perizia tecnica ellenistica e la scorrevole narrazione romana, si svolge per circa duecento metri continui la narrazione delle campagne in Dacia di Traiano, priva, come scrive Ranuccio Bianchi Bandinelli , "di un momento di stanchezza ripetitiva, di una ripetizione, insomma, di un vuoto nel contesto narrativo" [4] .
Vi sono molte innovazioni stilistiche, ma è straordinario come anche il contenuto, per la prima volta in un rilievo storico, riesca a superare la barriera del freddo distacco un po' compassato delle opere augustee e ancora flavie: le battaglie sono veementi, gli assalti impetuosi, i vinti ammantati di umana pietà. Scene dure, come i suicidi di massa o la deportazione di intere famiglie, sono rappresentati con drammatica e pietosa partecipazione e la ricchezza di dettagli e accenti narrativi fu probabilmente dovuta a un'esperienza diretta negli avvenimenti [5] .
I rilievi della Colonna, come anche la nuova tipologia di ritratto imperiale (il " ritratto del decennale "), sono caratterizzati da un senso di umana dignità e forza morale, che non ha niente di sovrumano, di teatrale, di retorico. Traiano è l' optimus princeps (il "primo funzionario" dello Stato) e amministra con la disciplina e la razionalità, senza richiami trascendeti o aloni augurali e religiosi.
In architettura Apollodoro di Damasco completò la serie dei Fori imperiali di Roma, con il vastissimo Foro di Traiano , dalla pianta innovativa, priva di tempio all'estremità. Ancora più originale fu la sistemazione del fianco del colle Quirinale con i cosiddetti Mercati di Traiano , un complesso amministrativo e commerciale che si componeva di sei livelli articolati organicamente in uffici, botteghe e altro. La ricchezza ottenuta con le campagne militari vittoriose permise il rafforzarsi di una classe media, che diede origine a una nuova tipologia abitativa, con più abitazioni raggruppate in un unico edificio, sempre più simili alle ricche case patrizie.
Un'altra novità, per ragioni ancora non chiarite, fu la massiccia ripresa dell'inumazione e quindi della produzione di sarcofagi , che tanta importanza rivestirono nella produzione artistica dei secoli successivi.
Lo sviluppo toccò anche le province, come dimostrano le cospicue pitture decorative di questo periodo ritrovate nelle zone più varie dell'impero.
Il tempo di Adriano
Il successore, l'imperatoreAdriano , era appassionato di cultura ellenistica . Fece edificare, prendendo parte alla progettazione, Villa Adriana a Tivoli , grandioso complesso architettonico e paesaggistico le cui architetture riprendono ecletticamente modelli orientali ed ellenistici. Fece inoltre ricostruire il Pantheon di Roma , con la cupola perfettamente emisferica appoggiata ad un cilindro di altezza pari al raggio e pronao corinzio, uno degli edifici romani meglio conservati e il suo mausoleo, ora Castel Sant'Angelo , al Vaticano . In scultura tipici della sua epoca sono i ritratti di Antinoo , suo giovane amante morto in circostanze misteriose e da lui divinizzato con un culto ufficiale per tutto l'Impero.
Il classicismo adrianeo si discostò abbastanza da quello dell' arte augustea ( neoatticismo ), più freddo e accademico, essendo anche ormai la società romana profondamente cambiata dai tempi del primo imperatore. Facendo un paragone con l'arte moderna si potrebbe affermare che l'arte augustea era stata una sorta di neoclassicismo , quella adrianea di romanticismo . Sotto Adriano Roma aveva ormai consolidato una società articolata, una cultura propria e un livello artistico notevole e indipendente, non era più ai primi passi e non aveva quindi più bisogno del rigido sostegno degli artisti ateniesi come era avvenuto a cavallo tra il I secolo aC e il I secolo dC L'amore verso la Grecia classica di Adriano va comunque collocato nell'ambito dell'interesse privato del princeps , non fu un evento di largo raggio che suscitò una vera e propria problematica artistica (un "rinascenza" o "rinascimento"), e svanì con la scomparsa del protagonista. Questa forma artistica era però espressione anche di un preciso programma politico, legato a un avvicinamento del sovrano (e quindi di Roma) alle province di cultura ellenica, come documentano anche i suoi frequenti viaggi.
Gli Antonini
Sotto la dinastia degli Antonini , la produzione artistica ufficiale continuò nel solco del classicismo adrianea, con alcune tendenze che si svilupparono ulteriormente. Il gusto per il contrasto tra superfici lisce e mosse (come nel ritratto di Adriano ), trasposto su una composizione d'insieme produsse il rilievo estremamente originale della decursio nella base della colonna Antonina . Conseguenza fu anche l'accentuazione del chiaroscuro.
Sotto Commodo si assistette a una svolta artistica, legata alla scultura . Nelle opere ufficiali, dal punto di vista formale si ottenne una dimensione spaziale pienamente compiuta, con figure ben collocate nello spazio tra le quali sembra "circolare l'atmosfera" (come negli otto rilievi riciclati poi nell' Arco di Costantino ). Dal punto di vista del contenuto si assiste alla comparsa di sfumature simbolico-religiosi nella figura del sovrano e alla rappresentazione di fatti irrazionali. Questa tendenza è evidente nella Colonna di Marco Aurelio che, sebbene ispirata a quella Traiana , presenta molte novità: scene più affollate, figure più scavate, con un chiaroscuro più netto e, soprattutto, la comparsa di elementi irrazionali ( Miracolo della pioggia , Miracolo del fulmine ), prima avvisaglia di una società ormai in cerca di evasione da una realtà difficile, che di lì a poco, durante il successivo sfacelo economico e politico dell'impero, sarebbe sfociata nell'irrazionalismo anti-classico.
Il Basso Impero
La tumultuosa successione di Commodo mise in luce, nel 192 , tutte le debolezze istituzionali dell'Impero, dando il via a un periodo di grave instabilità politica, economica e sociale che portò alla crisi del III secolo . L'Impero romano entrò nella sua fase discendente, chiamata anche "Basso Impero". L'arte prese una direzione anti-ellenistica, cercando forme meno organiche, razionali e naturalistiche. Più che un momento di crisi artistica (o "decadenza", secondo l'impostazione storica agli studi di matrice neoclassica ), fu un fenomeno di più ampio raggio, che corrispondeva a nuove esigenze sociali e culturali del mutato contesto, che non si riconosceva più nel naturismo, la razionalità e la coerenza formale dell'arte di derivazione greca: le necessità di evasione, di isolamento, di fuga dalla realtà portarono a nuove concezioni filosofiche religiose, dominate dall'irrazionalità e dall'astrazione metafisica, che si riflessero in maniera profonda nella produzione artistica.
Inoltre il confluire nella capitale un numero sempre maggiore di persone dalle province (funzionari, mercanti, artisti, ma anche gli stessi imperatori), contrapposto alla perdita di autorità e di importanza del Senato e dell'antica aristocrazia romana, portò nella capitale i modi dell' arte cosiddetta provinciale e plebea che già da secoli era orientata verso un maggiore espressionismo opposto alla rappresentazione fedele della natura.
Il periodo dei Severi
Già nei rilievi dell' Arco di Settimio Severo (202-203), si infittisce l'uso dello scalpello che crea solchi profondi e quindi toni più chiaroscurali; inoltre si afferma una rappresentazione della figura umana nuova, in scene di massa che annullano la rappresentazione individuale di matrice greca; anche la plasticità è diminuita. L'imperatore appare su un piedistallo circondato dai generali mentre recita l' adlocutio e sovrasta la massa dei soldati come un'apparizione divina.
Il-III secolo
L'ultima fase dell'impero, a partire da Diocleziano , Costantino fino alla caduta della parte occidentale, è caratterizzata dalla perdita delle certezze e dall'insinuarsi di una sensibilità nuova. In architettura si affermarono costruzioni per scopi difensivi, come le mura aureliane o il Palazzo di Diocleziano (293-305 circa) a Spalato , provvisto di solide fortificazioni.
I ritratti imperiali in quegli anni divennero innaturali, con attenzione al dettaglio minuto piuttosto che all'armonia dell'insieme (come nella Testa di Gordiano III ), idealizzati, con sguardi laconici dai grandi occhi (come nella Statua colossale di Costantino I ). Non interessava più la rappresentazione della fisionomia, ma ormai il volto imperiale doveva esprimere un concetto, quello della santità del potere, inteso come emanazione divina.
Il IV secolo
Ancora più emblematico di questa progressiva perdita della forma classica è l' arco di Costantino (312-315), dove sono scolpiti bassorilievi con figure dalle forme tozze e antinaturalistiche, affiancate a materiale di spoglio dalle forme ancora classiche del II secolo. Nell' Adlocutio l'imperatore si erge seduto al centro in posizione rialzata sulla tribuna, l'unico girato frontalmente assieme alle due statue ai lati del palco imperiale, raffiguranti (piuttosto grezzamente)Adriano a destra e Marco Aurelio a sinistra. La posizione dell'Imperatore acquista una valenza sacrale, come di una divinità che si mostri ai fedeli isolata nella sua dimensione trascendente, sottolineata anche dalle dimensioni leggermente maggiori della sua figura. Si tratta infatti di uno dei primissimi casi a Roma nell'arte ufficiale di proporzioni tra le figure organizzate secondo gerarchia : la grandezza delle figure non dipende più dalla loro posizione nello spazio, ma dalla loro importanza. Un altro elemento interessante dei rilievi dell'arco di Costantino è la perdita dei rapporti spaziali: lo sfondo mostra i monumenti del Foro romano visibili all'epoca ( basilica Giulia , arco di Settimio Severo , arco di Tiberio e colonne dei vicennalia della tetrarchia - gli ultimi due oggi scomparsi), ma la loro collocazione non è realistica rispetto al sito sul quale si svolge la scena (i rostra ), anzi sono allineati parallelamente alla superficie del rilievo. Ancora più inconsueta è rappresentazione in "prospettiva ribaltata" dei due gruppi laterali di popolani, che dovrebbero stare teoricamente davanti alla tribuna ed invece sono ruotati e schiacciati ai due lati.
Queste tendenze sono riscontrabili anche nel celebre gruppo dei tetrarchi , già a Costantinopoli e ora murato nella basilica di San Marco a Venezia .
L'allontanamento dalle ricerche naturalistiche dell'arte greca portava d'altro canto una lettura più immediata ed una più facile interpretazione delle immagini. Per lungo tempo questo tipo di produzione artistica venne vista come chiaro esempio di decadenza, anche se oggi studi più ad ampio raggio hanno dimostrato come queste tendenze non fossero delle novità, ma fossero invece già presenti da secoli nei territori delle province e che il loro emergere nell'arte ufficiale fu il rovescio di un processo di irradiazione artistica dal centro verso la periferia, con il sempre presente (anche in altre epoche storiche) ritorno anche in senso opposto di tendenze dalle periferie al centro.
Con l' editto del 313 con il quale Costantino permise la libertà di culto ai cristiani si ebbe la formazione di un'arte pubblica del Cristianesimo, che si espresse nell'edificazione delle grandiose basiliche a Roma, in Terra Santa ea Costantinopoli : nacque l' arte paleocristiana .
Verso l'arte medievale
 Leone da un sarcofago dalle catacombe di San Sebastiano (il rilievo è ancora composto plasticamente) |  Leone da un sarcofago a palazzo Giustiniani (il rilievo è suggerito in maniera pittorica scavando solchi nelle parti in ombra) |
La forma antica di produrre arte non venne distrutta, come si sarebbe portati a pensare, né dalle invasioni barbariche , né dal Cristianesimo . Soprattutto in campo artistico questi nuovi poteri si dimostrarono rispettosi dei modi precedenti: Courtois [6] dimostrò bene come i barbari, pur senza comprenderla, rispettarono la maniera romana di derivazione ellenistica, permettendo la sua sopravvivenza per almeno tutto il secolo V e, in parte, VI, anche se ormai svuotata di qualsiasi contenuto originario.
La maniera antica si estinse definitivamente solo ad opera degli imperatori bizantini, per i propri fermenti interni che irradiarono una cultura nuova, su basi completamente diverse da quelle antiche, dai centri di Costantinopoli , di Antiochia , di Tessalonica e di Alessandria , con notevoli influenze anche dai vicini centri dell'oriente sasanide .
Le forme artistiche
La scultura
Già nei periodi imperiali la scultura romana era in continuo progresso: i volti sono rappresentati con realismo al contrario dell'arte greca basata soprattutto sul corpo. Ancora a differenza dell'arte greca classica la scultura romana non rappresenta solo la bellezza ideale ma anche le virtù morali.
Il rilievo storico
Il rilievo storico fu la prima vera e propria forma d'arte romana. Si sviluppò nel tardo periodo repubblicano, nel I secolo aC e, come per il ritratto romano, si formò dalla congiunzione del naturalismo ellenistico nella sua forma oggettiva, con i rilievi dell' arte plebea , una corrente legata sia alla mentalità civile e al rito religioso dei romani, e si ha così il suo sviluppo.
Di questo stile i primi esempi che lo descrivono sono ben riassumibili nel piccolo fregio trionfale del tempio di Apollo Sosiano , semplice ed incisivo, riferito appunto al trionfo di Sosio del 34 aC , ma forse di esecuzione più tarda del 20 - 17 aC , simile anche a quello successivo dell'altare al centro dell' Ara Pacis . Per questo stile è buon uso ricordare la formula ogni genere letterario per metro diverso , quindi ogni genere corrisponde ad uno stile diverso, causa la sua equità strutturale nel tempo.
Interessante è anche il fregio che doveva adornare un altare molto simile a quello dell'Ara Pacis, trovato sotto al "Palazzo della Cancelleria" e ora Musei Vaticani , la cosiddetta base dei Vicomagistri ( 30 - 50 dC): vi si legge una processioni per un sacrificio, dove si vedono gli animali, gli assistenti sacerdoti ei musicanti. Qui con lo scorcio delle trombe e la posizione dei suonatori di dorso, si ha uno dei pochi esempi di dilatazione spaziale : il fondo non esiste, è uno spazio libero, entro al quale le figure si muovono.
Il ritratto
Il ritratto, col rilievo storico , è la forma più caratteristica dell'arte romana. Entrambi erano frutto della manifestazione di un forte legame oggettivo e pratico dei Romani, lontano da ogni astrazione metafisica. Il rilievo storico però ha le sue radici nell'arte plebea di tradizione medio-italica, il secondo è stato invece creato dall'ambiente patrizio a partire dal ritratto ellenistico .
Vi sono precedenti del ritratto sia nella medio-italica ( testa di Giunio Bruto ), e in quella etrusca seppur non prima del IV secolo aC; ma il ritratto tipico romano è tutt'altra cosa, si rifà al culto familiare piuttosto che alla sfera onoraria e funerale, anche se poi queste lo assorbiranno. Direttamente collegato alla tradizione patrizia dello ius imaginum , la sua nascita è strettamente connessa allo sviluppo nella età Sillana del patriziato, e si svilupperà fino al secondo triumvirato; per esempio nellastatua di personaggio romano da Delos si notano le fattezze ben individualizzate della testa ritratta impostata su un corpo in posizione eroica di classica idealizzazione.
A partire da queste esperienze i mercanti romani tornati in patria, divenuti nel frattempo "aristocrazia del denaro", impostarono le premesse per l'arte del ritratto. In quell'epoca si definì quindi una committenza alta e aristocratica, interessata a ritratti idealizzati e psicologici, nel ricco stile ellenistico "barocco" , e una committenza "borghese", interessata a ritratti fedeli nella fisionomia, anche a scapito dell'armonia dell'insieme e della valenza psicologica, nello stile cosiddetto "verista" (come nel ritratto di ignoto di Osimo ).
Dalla prima età imperiale avrà una stasi date le nuove richieste della classe dirigente, ma rimane statico fra le classi medie ed emergenti. Il ritratto è dotato di un minuzioso realismo, che ama descrivere le accidentalità della epidermide, una attenzione non all'effetto di insieme tipico del realismo ellenistico, ma alla minuziosità e alla estrema analisi descrittiva; tutto è celebrazione di austerità della vecchia stirpe di contadini forse in realtà mai esistita. Tutto è per la fierezza della propria stirpe. Proprio per queste caratteristiche tende ad adattarsi ad una sola classe sociale, e non è espressione di una società.
Il I secolo è stato un secolo di varie aggregazioni stilistiche, un puro momento di formazione e quindi di incertezze e di varie convivenze prima di un completo assorbimento di ogni carattere, di ogni sfumatura di importazione, un fondo che incarna vari elementi culturali italici e ellenistici.
Il ritratto romano quindi, come tutta l'arte romana, si esprimeva con diversi linguaggi formali.
Retaggio dell'arte romana
 Officina romana, Statua di Marco Aurelio , Roma |
L'arte romana fu per la prima volta nel mondo europeo e mediterraneo, un'arte universale, capace di unificare in un linguaggio dai tratti comuni una vastissima area geografica, che travalica anche i meri confini dell' impero .
Ciò implicò che l'arte romana, grazie alla sua diffusione, fosse nelle generazioni future il diretto tramite con l'arte antica. Per gli artisti europei la produzione romana venne sempre considerata come "una seconda e più perfetta Natura dalla quale trarre insegnamento [7] "; e grazie proprio ai monumenti ed alle opere d'arte romane si possono spiegare le rifioriture "classiche" di civiltà come quella carolingia , gotica o rinascimentale .
L'arte greca rimase infatti oscura fino alla fine del XVIII secolo, quando avvenne il suo riconoscimento teorico, mentre la sua conquista documentata si data al XIX secolo. L'arte romana invece rimase sempre nota durante i secoli successivi, influenzando profondamente le generazione successivi di artisti e committenti.
Note
- ^ a b c d Zanker 2008 , p. 3 .
- ^ Rodenwaldt, 1942; Scweitzer, 1950.
- ^ Bianchi Bandinelli-Torelli, cit., pag. 75.
- ^ Bianchi Bandinelli-Torelli, cit., apg. 92.
- ^ O forse alla lettura dei commentari di Traiano stesso a proposito delle guerre daciche, non pervenutici.
- ^ 1955
- ^ Bianchi Bandinelli-Torelli, cit., pag. 66.
Bibliografia
- ( IT ) Ranuccio Bianchi Bandinelli e Mario Torelli , L'arte dell'antichità classica, Etruria-Roma , Torino, Utet, 1976, pp. 480, ISBN 978-8860080530 .
- Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte , volume 1, Bompiani, Milano 1999
- ( IT ) Paul Zanker , Arte romana , Bari, Economica Laterza, 2008, pp. 220, ISBN 978-8842098713 .
Voci correlate
Altri progetti
-
Wikimedia Commons contiene immagini o altri file sull' arte romana
| Controllo di autorità | Thesaurus BNCF 3831 · LCCN ( EN ) sh85007869 · BNF ( FR ) cb119309766 (data) · BNE ( ES ) XX525354 (data) · NDL ( EN , JA ) 00560765 |
|---|
