Sandro Botticelli

De la Wikipedia, enciclopedia liberă.
Salt la navigare Salt la căutare
Presupus autoportret al lui Sandro Botticelli într-un detaliu al Adorației Magilor ( Galleria degli Uffizi , Florența , Italia )

Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi , cunoscut cu numele de scenă al lui Sandro Botticelli ( Florența , 1444 sau 1445 - Florența , 17 mai 1510 ), a fost un pictor italian care poate fi inclus în mișcarea artistică a Renașterii .

Într-o epocă de aur pentru lumea artei , pictorul a avut o pregătire în școala florentină sub Filippo Lippi și cu patronajul familiei Medici , reușind să dezvolte un stil elegant care să propună un nou model de frumusețe ideală și care să întruchipeze gusturile și sofisticarea societății de atunci. Arta sa a fost influențată și de Andrea del Verrocchio și de frații Antonio și Piero del Pollaiolo .

Un excelent portretist , Botticelli a fost un autor cu mai multe fațete și corpusul său variază de la subiecte mitologice - alegorice la subiecte religioase . Faima sa de astăzi este legată în principal de lucrările mitologice, dintre care două picturi în special sunt emblematice: acestea sunt două pânze mari ambele păstrate în Uffizi din Florența și sunt Nașterea lui Venus și Primăvara , care sunt astăzi printre cele mai faimoase picturi din lume, atât de mult încât sunt considerate două icoane ale Renașterii italiene și ale artei occidentale , datorită, de asemenea, profundelor semnificații filozofice și literare care pot fi găsite în ele. În timp ce în ceea ce privește cealaltă piatră de temelie a artei lui Botticelli, producția sacră, demnă de remarcat este producția vizibilă a Madonelor cu copilul , realizată de preferință în tur și pentru care el și atelierul său au devenit celebri; dar vârful acestui gen este cu siguranță reprezentat de frescele mari realizate pentru Capela Sixtină din Roma .

Cu toate acestea, în ultima parte a vieții sale, arta și spiritul lui Botticelli au suferit o criză care a culminat cu un misticism exasperat, datorită și influenței lui Savonarola . Astfel, pe lângă singurul moștenitor adevărat Filippino Lippi , elevul și colaboratorul său, după moartea lui Botticelli reputația sa a fost profund eclipsată și picturile sale au rămas aproape uitate în bisericile și palatele pentru care au fost create, precum și frescele sale din Sixtina. care au fost umbrite de extraordinarele lui Michelangelo . Abandonul îndelungat s-a încheiat în secolul al XIX-lea , fiind redescoperit de istoriografia artistică și datorită și mai ales influenței pe care a avut-o asupra prerafaeliților .

Stăpân al sacrului și al profanului, el a fost descris ca un străin în curentul principal al picturii italiene , având un interes limitat pentru multe dintre aspectele asociate picturii din secolul al XV-lea , precum inspirația directă pentru arta clasică și reprezentarea realistă a anatomiei. uman , perspectivă și peisaj . De fapt, pregătirea sa i-a permis să reprezinte aceste aspecte ale picturii, fără însă să se lase omologat de scenariul contemporan.

Biografie

Cetatea , prima lucrare documentată a lui Botticelli (1470)
( LA )

'Aequarique sibi non indignetur Apelles
Sandrum: iam notum est nomen ubique suum. "

 ( IT )

«Și Apelles nu disprețuiește să fie egalat
lui Sandro: numele său este deja cunoscut peste tot "

( Ugolino di Vieri , Epigrammata III, 23 )

Origini și familie

Sandro Botticelli s-a născut la Florența în 1445 în via Nuova (astăzi Via del Porcelain ), cel mai mic dintre cei patru fii și a crescut într-o familie modestă, dar nu săracă, susținută de tatăl său, Mariano di Vanni Filipepi, care era tăbăcitor și avea unul dintre magazinele sale din cartierul Santo Spirito din apropiere. De fapt, în zona Santa Maria Novella (unde se află Via del Porcelain) erau mulți locuitori dedicați acestei activități, facilitată de apropierea apelor Arno și Mugnone [1] .

Primele documente referitoare la artist constau în declarațiile cadastrale (denumite „aduse la cadastru”), declarații fiscale reale în care capii de familie erau obligați să comunice bilanțul lor, enumerând activele, veniturile și cheltuielile pe care le-au suportat în timpul anul. În cea a lui Mariano Filipepi și din 1458 , îi găsim menționați pe cei patru fii Giovanni, Antonio, Simone și Sandro: acesta din urmă, de treisprezece ani, este definit „nesănătos”, cu precizarea că „el citește”, din care unii cercetători am dorit să deduc o copilărie bolnăvicioasă care ar fi dus la un personaj introvertit, reflectat ulterior în unele dintre lucrările sale cu un ton melancolic și absorbit [1] .

Fratele său Antonio era de profesie aurar ( battiloro sau „battigello”), deci este foarte probabil ca tânărul Sandro să fi primit o educație timpurie la atelierul său de la care a derivat porecla, în timp ce ipoteza propriului stagiu a avut loc la acel moment. a unui prieten al tatălui său, un anume maestru Botticello , după cum a raportat Vasari în Viețile , deoarece nu există dovezi documentare care să confirme existența acestui meșter activ în oraș în acei ani.

Porecla, pe de altă parte, pare să fi fost atribuită inițial fratelui său Giovanni, care, prin meserie, a fost matchmaker del Monte (un oficial public) și care în cadastrul din 1458 a fost numit Botticello , extins apoi la toți membrii bărbați ai familia și deci adoptată.de asemenea de pictor [1] .

Ucenicie

Adevărata sa ucenicie a avut loc în atelierul lui Filippo Lippi din 1464 până în 1467 , cu care a lucrat la Prato la ultimele fresce ale Povestirilor Sfântului Ștefan și Sfântului Ioan Botezătorul din capela principală a Catedralei împreună cu numeroase alte elevi.

O serie întreagă de Madone datează din această perioadă, dezvăluind influența directă a maestrului asupra tânărului elev, uneori derivat fidel din Lippina la Uffizi (1465). Prima lucrare atribuită lui Botticelli este Madonna cu copilul și un înger (c. 1465) de Spedale degli Innocenti , în care asemănările cu panoul contemporan Lippi sunt foarte puternice, până la punctul de a sugera o copie sau un tribut; același lucru este valabil și pentru Madonna cu Pruncul și doi îngeri (în jurul anului 1465) de astăzi la Washington , dacă nu numai pentru varianta îngerului adăugată în spatele Copilului și pentru Madonna cu Pruncul și un înger de la Muzeul Fesch din Ajaccio .

Sandro Botticelli ,, Madonna cu Copilul și doi îngeri , c. 1468, Napoli, Galleria Nazionale di Capodimonte

Cu toate acestea, influențele primite de la Antonio del Pollaiolo și Andrea del Verrocchio , al căror atelier ar fi putut să-l frecventeze după plecarea lui Filippo Lippi la Spoleto, au fost , de asemenea, decisive în procesul progresiv de maturare a limbajului său pictural.

De fapt, componenta Verrocchiesque apare în mod clar într-un al doilea grup de Madone realizate între 1468 și 1469 , precum Madonna del Roseto , Madonna in Glory of Serafim , ambele în Uffizi , și Madonna cu Pruncul și doi îngeri (în jurul 1468).) La Muzeul Național din Capodimonte din Napoli , unde personajele sunt aranjate în perspectivă în fața limitei frontale a picturii, destinată ca o „fereastră”, în timp ce arhitectura din fundal definește volumul spațiului ideal în cadrul căruia este inserată imaginea; compoziția se dezvoltă deci prin planuri scalare, realizând o mediere între spațiul teoretic redat de planul de perspectivă și cel real constituit de personajele din prim-plan.

Liniarismul accentuat, înțeles ca expresie a mișcării, este la fel de evident, precum și meditațiile asupra concepției matematice a picturii, de mare relevanță în acei ani, cu studiile lui Piero della Francesca ; aceeași soluție a fost repropusă în alte lucrări din aceeași perioadă, cu doar variația termenilor arhitecturali și naturalisti.

Începând propria carieră

Adormirea Maicii Domnului cu Sfinții Benedict, Apostolul Toma și Iulian , Galeria Națională din Parma

În 1469 Botticelli lucra deja singur, după cum reiese din domeniul de aplicare al Cadastrului din 1469 , în care este raportat că lucrează în propria sa casă. La 9 octombrie 1469, Filippo Lippi a murit la Spoleto, iar în 1470 Sandro și-a înființat singur un magazin [1] .

În perioada 18 iunie - 18 august a acelui an a lucrat la prima sa comisie publică, de un prestigiu și rezonanță considerabile [1] . Este un dos alegoric, realizat pentru Curtea de mărfuri din Florența, care descrie Cetatea . Panoul urma să fie inserat într-un ciclu comandat lui Piero Pollaiolo, care, de fapt, a interpretat șase din cele șapte virtuți [1] . Botticelli a acceptat schema prezentată de Pollaiolo în liniile sale generale, dar a configurat imaginea într-un mod complet diferit; în locul scaunului auster de marmură folosit de Piero, a pictat un tron ​​bogat decorat cu forme fantastice care constituie o referință precisă la calitățile morale inerente exercitării sistemului judiciar, în practică o aluzie simbolică la „comoara” care însoțea posesia acestei virtuti. Arhitectura vie și reală se alătură figurii unei femei așezate pe ea, solidă, plastică, dar mai presus de toate de o frumusețe extremă; tocmai căutarea continuă a frumuseții absolute, dincolo de timp și spațiu, a condus-o apoi pe Botticelli să se detașeze treptat de modelele inițiale și să dezvolte un stil substanțial diferit de cel al contemporanilor săi, ceea ce l-a făcut un caz practic unic în domeniul artistic panorama florentină a vremii.

Botticelli a ales să exalteze harul , adică eleganța intelectuală și reprezentarea rafinată a sentimentelor și tocmai din acest motiv cele mai faimoase lucrări ale sale s-au caracterizat printr-un liniarism marcat și un lirism intens, dar mai presus de toate echilibrul ideal între naturalism și artificialitatea formele.

Cu toate acestea, înainte de a produce acele capodopere autentice ale istoriei artei, el a reușit să-și lărgească experiența cu alte picturi, care constituie pasajul intermediar necesar între lucrările din primele sale zile și cele ale maturității sale.

Lucrările de la începutul anilor șaptezeci

Portretul lui Giuliano de 'Medici , 1478, Washington, National Gallery

În 1472 Botticelli s-a alăturat Companiei di San Luca , frăția artiștilor din Florența și l-a împins pe prietenul său de cincisprezece ani, Filippino Lippi , fiul profesorului său Filippo, să facă același lucru. Filippino, precum și un prieten drag, a devenit în scurt timp primul său colaborator [1] .

San Sebastiano , aflat deja în Santa Maria Maggiore , aparține acestei prime perioade, o lucrare în care Botticelli arată deja o abordare a filosofiei Academiei Neoplatonice , pe care trebuie să o fi abordat încă de pe vremea Cetății [1] . În cercurile culturale culturale apropiate de familia Medici , animate de Marsilio Ficino și Agnolo Poliziano , realitatea a fost privită ca o combinație a două mari principii, divinul pe de o parte și materia inertă pe de altă parte; omul ocupa astfel un loc privilegiat în lume, deoarece prin rațiune putea ajunge la contemplarea divinului, dar și retrage la cele mai joase niveluri ale condiției sale, dacă este ghidat doar de materialitatea propriilor sale instincte. Prin urmare, în această lucrare, Botticelli, pe lângă faptul că exaltă frumusețea trupească ca întotdeauna, dorește ca ambele să desprindă figura suspendată în aerul sfântului de lumesc, evidențiind-o cu acea lumină de la marginile care îl apropie de cer și transcendență. , și pentru a evidenția, așa cum a făcut Piero del Pollaiolo mai explicit în pictura analogă , melancolia care se desprinde din ofensa pe care lumea de neînțeles a acestor idealuri a săvârșit-o împotriva Sfântului Sebastian.

Dipticul cu Poveștile lui Judith ( 1472 ), alcătuit din două tăblițe, probabil inițial unite, poate reprezenta un compendiu suplimentar al lecției asimilate de Botticelli de la maeștrii săi; în prima, cu Descoperirea cadavrului lui Holofern , de fapt, trimiterea la stilul lui Pollaiolo este încă puternică, pentru modelarea incisivă a figurilor, cromatismul strălucitor și expresionismul marcat al scenei. Toată drama și violența care caracterizează acest prim episod dispar total în al doilea, cu o atmosferă aproape idilică mai potrivită limbajului „lippesco”; este Întoarcerea lui Judith la Betulia , inserată într-un peisaj delicat, în care cele două femei se mișcă cu un pas aproape nesigur. Cu toate acestea, acesta nu este cel de-al unsprezecelea citat al maestrului, deoarece draperiile vibrante ale hainelor sugerează un sentiment de neliniște străin lui Philip, precum și expresia melancolică de pe chipul lui Judith.

Din tradiționalul parto desco derivă formatul panoului cu Adorația Magilor executat între 1473 și 1474 , păstrat la National Gallery din Londra , este un exemplu de anamorfism (sau anamorfoză) [2] , din moment ce pentru a-l vedea tu trebuie să-l puneți în poziție orizontală. Acesta este unul dintre primele sale experimente menite să distorsioneze perspectiva așa cum ajunsese să se configureze odată cu secolul al XV-lea .

În anii șaptezeci, stilul lui Botticelli apare acum complet conturat. Lucrările sale ulterioare vor fi apoi îmbogățite cu teme umaniste și filozofice în mari comisii care i-au fost încredințate de membri importanți ai familiei Medici, deschizându-și sezonul de mari capodopere [3] .

Influența neoplatonică

Venus și cele trei grații oferă cadouri unei tinere , din Villa Lemmi , acum în Luvru

Neoplatooniștii au oferit cea mai convingătoare reevaluare a culturii antice date până în acel moment, reușind să pună capăt decalajului care apăruse între primii susținători ai mișcării umaniste și religia creștină, care condamna antichitatea ca fiind păgână ; nu numai că au repropus cu forță „ virtuțile strămoșilor ca model etic ” al vieții civile, ci au ajuns să reconcilieze idealurile creștine cu cele ale culturii clasice, inspirându-se din Platon și din diferitele curente ale misticismului târziu-păgân care atestau la religiozitatea profundă a comunităților precreștine.

Influența acestor teorii asupra artelor figurative a fost profundă; temele frumuseții și iubirii au devenit centrale în sistemul neoplatonic, deoarece omul, condus de iubire, putea să se ridice de pe tărâmul inferior al materiei la cel mai înalt al spiritului. În acest fel, mitologia a fost complet reabilitată și i s-a atribuit aceeași demnitate ca temele unui subiect sacru, iar acest lucru explică și motivul pentru care decorațiunile de natură profană erau atât de răspândite.

Venus , cea mai păcătoasă zeiță a Olimpului păgân, a fost reinterpretată în totalitate de filosofii neoplatonici și a devenit unul dintre subiectele cel mai frecvent descrise de artiști conform unei duble tipologii: Venusul celest , simbol al iubirii spirituale care l-a împins pe om spre ascendent. , și Venusul pământesc , simbol al instinctului și pasiunii care l-au dus în jos.

O altă temă reprezentată adesea a fost lupta dintre un principiu superior și unul inferior (de exemplu Marte îmblânzit de Venus sau monștrii uciși de Hercule ), conform ideii unei tensiuni continue a sufletului uman, suspendată între virtuți și vicii ; în practică, omul se îndrepta spre bine, dar incapabil să realizeze perfecțiunea și deseori amenințat de pericolul căderii înapoi către iraționalitatea dictată de instinct ; din această conștientizare a propriilor limite derivă drama existențială a omului neoplatonic, conștient că trebuie să alerge pentru întreaga sa viață o condiție care nu poate fi atinsă într-un mod definitiv.

Botticelli a devenit prieten cu filozofii neoplatonici, le-a salutat pe deplin ideile și a reușit să facă vizibilă acea frumusețe teoretizată de ei, conform interpretării sale personale cu un caracter melancolic și contemplativ, care de multe ori nu coincide cu cea propusă de alți artiști legați de acest lucru. același mediu cultural.

Pisa

În 1474 Botticelli a fost chemat la Pisa pentru a fresca Cimitirul Monumental cu un ciclu. Ca dovadă a priceperii sale, i s-a cerut o altară cu Adormirea Maicii Domnului , dar niciuna dintre cele două comisii nu a fost finalizată vreodată, din motive necunoscute [4] .

La slujba medicilor

Arc
Sfântul Augustin în studio , pictat pentru familia Vespucci , aliați ai Medici

Cunoștințele lui Botticelli din cercul familiei Medici au fost, fără îndoială, utile pentru a-i garanta protecția și numeroasele comisioane desfășurate pe parcursul a aproximativ douăzeci de ani. În 1475 a pictat stindardul pentru juca organizată în Piazza Santa Croce înfățișând-o pe Simonetta Vespucci , muza frumuseții epice de-a lungul carierei artistului, care a fost câștigată de Giuliano de 'Medici [4] . În 1478 , după conspirația lui Pazzi, în care Giuliano însuși a murit, lui Botticelli i s-a cerut să-i înfățișeze pe cei condamnați în lipsă ca atârnați pe pancarte care să fie atașate pe Palazzo della Signoria , partea Porta della Dogana, așa cum făcuse Andrea del Castagno cu ani mai devreme. în 1440 pentru complotul anti-Medici al Albizilor , care îi câștigase artistului porecla „Andrea degli Impiccati” [4] .

Este clar cum Sandro a îmbrățișat pe deplin cauza medicilor , care l-au primit sub aripa lor, oferindu-i posibilitatea de a crea opere de mare prestigiu [4] .

Deosebit de interesantă pentru această perioadă este Adorația Magilor ( 1475 ), pictată pentru capela funerară a lui Gaspare Zanobi del Lama din Santa Maria Novella . Este o lucrare foarte importantă deoarece a introdus o mare noutate la nivel formal, și anume vederea frontală a scenei, cu figurile sacre în centru și celelalte personaje dispuse în perspectivă pe laturi; înainte de aceasta, de fapt, se obișnuia să se aranjeze cei trei regi și toți ceilalți membri ai cortegiei lateral, la dreapta sau la stânga, astfel încât personajele să creeze un fel de cortegie, care să amintească de cavalcada anuală a magilor , o reprezentare sacră păstrată pe străzile florentine.

Botticelli a inserat, tot la cererea clientului, un curtez al medicilor, portretele membrilor familiei, pentru care sunt recunoscuți Cosimo cel Bătrân și fiii săi Piero și Giovanni , în timp ce Lorenzo Magnificul , Giuliano de 'Medici și alte personaje ale curții Medici sunt portretizate printre spectatori, dispuși pe laturi pentru a forma două aripi, conectate prin figurile celor doi magi din prim-planul din centru. Dar cel mai inovator motiv iconografic este cel al colibei în care se află sfânta familie, așezat pe o clădire dărăpănată, în timp ce în fundal puteți vedea arcadele unei alte clădiri semi-distruse pe care a crescut iarba acum; această temă va avea mai târziu o răspândire largă și va fi preluată și de Leonardo pentru Adorația Magilor și a avut la bază un episod din Legenda de Aur , potrivit căruia împăratul Augustus , care se lăuda că a pacificat lumea, s-a întâlnit într-o zi o sibilă care a prezis sosirea unui nou rege, care avea să-l poată învinge și să aibă o putere mult mai mare decât a lui. Clădirile ruinate din fundal reprezintă, prin urmare, simbolic lumea antică și păgânismul , în timp ce creștinismul descris în scena Nașterii Domnului este în prim-plan, deoarece constituie prezentul și viitorul lumii; pictura constituie, de asemenea, o justificare excepțională, atât în ​​termeni filozofici, cât și religioși, a principatului Medici din Florența, cu o reprezentare dinastică a principalilor exponenți ai familiei în masca magilor și a celorlalți spectatori.

Portretul unui om cu medalia Cosimo cel Bătrân

Alte lucrări pot fi, de asemenea, urmărite în această perioadă care, pe lângă confirmarea relației dintre Botticelli și cercul neoplatonic, dezvăluie influențe flamande precise asupra pictorului în genul portret . În prima, Portretul unui bărbat cu medalie de Cosimo cel Bătrân (1474-1475), personajul este descris într-o poză de trei sferturi și este îmbrăcat în rochia tipică a burgheziei florentine a vremii; după diverse ipoteze, astăzi se crede că este aproape sigur fratele aurar al lui Botticelli, Antonio Filipepi, citat tocmai în unele documente ale arhivei Medici pentru aurirea unor medalii (cel aplicat în stuc pe pictură a fost inventat între 1465 și 1469 ). Singurul exemplu cunoscut al acestui tip de portret până atunci a fost cel executat de pictorul flamand Hans Memling în jurul anului 1470, cu care există asemănări notabile.

Așa cum s-a întâmplat deja în alte cazuri, totuși, referirea la modelele flamande a constituit simplul punct de plecare pentru artistul care mai târziu a avut tendința de a extrage din ce în ce mai mult figurile din contextul lor.

În Portretul lui Giuliano de 'Medici ( 1478 ), mai pot fi văzute anumite influențe flamande, cum ar fi ușa întredeschisă în fundal și poza subiectului, o referință la cromatismul și liniarismul energetic al lui Pollaiolo, dar noutatea este reprezentată de porumbelul în prim-plan sugerând o mai mare introspecție psihologică.

Calea stilistică a lui Botticelli în acest gen pictural apare încheiată în următoarele portrete, dovadă fiind Portretul unui tânăr , realizată după 1478 și dominată de linearismul formal care nu ezită să sacrifice cucerirea istorică a Renașterii florentine timpurii: fundalul este complet absentă și „imaginea complet transfigurată de orice context deoarece a treia dimensiune nu mai este considerată indispensabilă pentru a da realism scenei.

În declarația de la Cadastru din 1480 este menționat un număr mare de elevi și asistenți, care demonstrează modul în care magazinul său era acum în plină desfășurare. Sant'Agostino din studiul bisericii Ognissanti datează din acel an, comandat de importanta familie florentină Vespucci și caracterizat de o forță expresivă care amintește cele mai bune lucrări ale lui Andrea del Castagno [4] . Într-o carte deschisă plasată în spatele figurii sfântului puteți citi câteva propoziții despre un frate care astăzi sunt interpretate în mare parte ca o glumă pe care pictorul a vrut să o imortalizeze. Buna Vestire a lui San Martino alla Scala datează din anul următor.

Frescele Capelei Sixtine

Evidence of Moses , 1481-82, Capela Sixtină
Ispitațiile lui Hristos , 1481-82, Capela Sixtină
Pedeapsa Qorah, Dathan și Abiram , 1481-82, Capela Sixtină

Politica de reconciliere a lui Lorenzo de Medici față de aliații conspirației Pazzi (în special Sixtus IV și Ferrante d'Aragona ) a fost realizată în mod eficient și prin schimburi culturale, cu trimiterea celor mai mari artiști florentini la alte curți italiene, precum ambasadorii de frumusețe, armonie și întâietate culturală florentină [4] .

La 27 octombrie 1480 Botticelli, Cosimo Rosselli , Domenico Ghirlandaio , Pietro Perugino și colaboratorii lor respectivi au plecat la Roma pentru a fresca pereții Capelei Sixtine [4] . Ciclul a inclus crearea a zece scene care înfățișează Poveștile vieții lui Hristos și a lui Moise, iar pictorii au urmat convenții reprezentative comune pentru a face opera omogenă ca utilizarea aceleiași scări dimensionale, a structurii ritmice și a reprezentării peisajului; au folosit, de asemenea, garnituri de aur alături de o singură gamă cromatică pentru a face picturile să strălucească cu strălucirea torților și lumânărilor. Conform programului iconografic dorit de Sixtus IV , diferitele episoade au fost aranjate simetric pentru a permite comparația conceptuală între viața lui Hristos și cea a lui Moise , într-un continuu paralelism care tinde să afirme superioritatea Noului Testament asupra Vechiului și să demonstreze continuitatea legii divine care a fost transfigurată din tăblițele Legii în mesajul evanghelic creștin și a fost în cele din urmă transmisă de la Iisus la Sfântul Petru și de la aceștia la urmașii săi, adică pontifii înșiși.

Lui Botticelli i s-au atribuit trei episoade și la 17 februarie 1482 i s-a reînnoit contractul pentru picturi, dar pe 20 din aceeași lună a murit tatăl său, obligându-l să se întoarcă la Florența, de unde nu a plecat.

Cele trei fresce executate de Botticelli, cu recurgerea la ajutoarele necesare unei lucrări de o asemenea vastitate, sunt Încercările lui Moise , Încercările lui Hristos și Pedeapsa Qorah, Dathan și Abiram , precum și unele figuri ale papilor de pe laturi a ferestrelor (inclusiv Sixtus II ) astăzi foarte deteriorate și revopsite [5] .

În general, în frescele Sixtine Botticelli a fost mai slab și mai dispersiv, cu dificultăți în coordonarea formelor și a narațiunii, generând un întreg adesea fragmentar, probabil din cauza dezorientării pictorului în lucrul la dimensiuni și teme non-congeniale și într-un mediu de el străin [5] .

Întoarcerea la Florența

Întorcându-se la Florența, Botticelli a trebuit să-și exprime decizia de a nu se întoarce la Roma, angajându-se la noi comisii pentru orașul său. La 5 octombrie 1482 i s-a însărcinat să decoreze Sala dei Gigli din Palazzo Vecchio cu unii dintre cei mai calificați artiști ai vremii, precum Domenico Ghirlandaio , Perugino și Piero del Pollaiolo . În cele din urmă, Ghirlandaio a fost singurul care s-a ocupat de muncă și, din motive necunoscute, ceilalți au ajuns să nu participe [4] .

În orice caz, șederea romană a avut o influență sigură asupra evoluției stilului său, stimulând un interes reînnoit pentru motivele clasice (derivate din viziunea directă a sarcofagelor antice) și o utilizare mai conștientă a elementelor arhitecturale de modă veche din fundal.

Seria Nastagio degli Onesti

În anul următor, în 1483 , Botticelli a primit comisia Medici pentru patru CASSONE panouri cu poveștile Nastagio degli Onești , luate dintr - o nuvelă a Decameronul . Poate comandate direct de Lorenzo Magnificul , au fost un cadou pentru nunta celebrată între Giannozzo Pucci și Lucrezia Bini în același an.

Intriga romanului, bogată în elemente supranaturale, i-a permis lui Botticelli să amestece vivacitatea narativă a poveștii cu un registru fantastic care nu era obișnuit pentru el și, în ciuda faptului că mâna asistenților de magazine poate fi găsită în mare parte din execuție , rezultatul este una dintre cele mai originale și interesante lucrări ale producției sale artistice.

Cele patru episoade ale romanului sunt:

  • Primo episodio : Nastagio vaga solo e addolorato in una pineta di Ravenna perché è stato respinto dalla figlia di Paolo Traversari , quando improvvisamente gli appare una donna inseguita da un cavaliere e dai suoi cani che la azzannano nonostante i suoi tentativi per difenderla.
  • Secondo episodio : Nastagio (a sinistra) rimane inorridito quando vede che il cavaliere le strappa il cuore dal petto e lo dà in pasto ai suoi cani. Subito dopo miracolosamente la donna resuscita e l'inseguimento riprende (sullo sfondo al centro), finché non si ripete la stessa scena vista alcuni minuti prima. Nastagio chiede al cavaliere chi sia e lui gli rivela di essere un suo avo, Guido, suicidatosi dopo essere stato respinto dalla donna che amava; la punizione divina lo costringe pertanto insieme all'antica amata a riapparire nello stesso luogo per tanti anni quanti mesi la donna ne aveva deriso il sentimento.
  • Terzo episodio : Nastagio decide di invitare ad un banchetto nel luogo dell'apparizione i Traversari con la figlia; alla solita ora appaiono nuovamente il cavaliere e la donna e tutti gli ospiti inorridiscono davanti alla scena. Nastagio ne spiega i motivi e la figlia del Traversari , impaurita dalle conseguenze del suo rifiuto, acconsente finalmente a sposarlo.
  • Quarto episodio : raffigura il ricco banchetto nuziale e sopra i capitelli si vedono gli stemmi della famiglia Pucci , dei Medici e dei Bini .
  • La serie di Nastagio degli Onesti
  • Botticelli Prado 103.jpg
  • Nastagio Degli Onesti II.jpg
  • Botticelli Prado 49.jpg
  • Botticelli, nastagio4.jpg

La Villa di Spedaletto

Nel 1483 partecipò al più ambizioso programma decorativo avviato da Lorenzo il Magnifico , la decorazione della villa di Spedaletto , presso Volterra , dove vennero radunati i migliori artisti sulla scena fiorentina dell'epoca: Pietro Perugino , Domenico Ghirlandaio , Filippino Lippi e Botticelli. Gli affreschi, che avevano un carattere squisitamente mitologico, come è noto, andarono completamente perduti [4] .

La serie mitologica

Primavera

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Primavera (Botticelli) .

La Primavera è l'opera più famosa di Botticelli. Non è chiaro se i due grandi dipinti, il primo su tavola, il secondo su tela, facessero pendant , come li vide Vasari verso il 1550 nella villa medicea di Castello .

Almeno per la Primavera pare assodato che fu commissionata da Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici , cugino di secondo grado del Magnifico, che pure era stato allievo di Marsilio Ficino e che in seguito fece realizzare all'artista anche un ciclo di affreschi (perduto) nella villa. La Primavera ha un soggetto non pienamente chiarito, in cui i personaggi mitologici sottintendono varie teorie dell' Accademia neoplatonica e, probabilmente, anche alcuni riferimenti al committente e al suo matrimonio ( 1482 ).

Una delle interpretazioni più verosimili vede il gruppo di figure come una rappresentazione dell'amor carnale istintivo (del gruppo di destra), che pure innesca il cambiamento in natura (la trasformazione in Flora -Primavera) e viene poi sublimato, sotto lo sguardo di Venere ed Eros al centro, in qualcosa di più perfetto (le Grazie, simbolo dell'Amore perfetto), mentre a destra Mercurio scaccia le nubi col caduceo per una primavera senza fine. Venere sarebbe dunque l'ideale umanistico dell'amore spirituale, in una prospettiva purificatoria ascendente [6] .

Il mito viene descritto in termini moderni, con una scena idilliaca dominata da ritmi ed equilibri formali sapientemente calibrati, come la linea armonica che definisce i panneggi, i gesti, i profili elegantissimi, fino ad esaurirsi nel gesto di Mercurio. Le figure spiccano con nitidezza sullo sfondo scuro, con una spazialità semplificata che ricorda gli arazzi, nella quale si colgono i primi segni della crisi del mondo prospettico-razionale del primo Quattrocento verso un più libero inserimento delle figure nello spazio [7] .

Nascita di Venere

La Nascita di Venere
Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Nascita di Venere .

Risale a un momento immediatamente successivo una delle opere più celebri dell'artista e del Rinascimento italiano in generale, la Nascita di Venere , databile, come la Primavera , nell'arco che va dal 1477 al 1485 circa. Le teorie più recenti rendono le due opere praticamente contemporanee, anche se è difficile che Botticelli abbia concepito i due dipinti entro il medesimo programma figurativo, anche per le differenze nella tecnica e nello stile. Contrariamente alla Primavera , la Nascita di Venere non è citato negli inventari medicei del 1498 , 1503 e 1516 , ma sempre grazie alla testimonianza del Vasari nelle Vite sappiamo che si trovava nella Villa di Castello nel 1550 , quando egli vide le due opere esposte insieme nella residenza di campagna del ramo cadetto della famiglia.

Per quanto riguarda l'interpretazione, la scena rappresenterebbe il momento appena precedente a quello della Primavera (l'insediamento di Venere nel giardino di Amore), cioè quello dell'approdo dopo la nascita dalla spuma del mare alle coste dell' Isola di Cipro , sospinta dall'unione dei venti Zefiro e Aura , e accolta da una delle Ore che le sta stendendo un ricco mantello intessuto di fiori addosso [8] . Molti storici sembrano concordare sul legame strettissimo tra il dipinto ed un passo delle Stanze del Poliziano : la coincidenza quasi assoluta tra il racconto e la tela confermerebbe che si tratti di un'illustrazione relativa al poema del filosofo neoplatonico, con gli impliciti richiami agli ideali sull'amore che caratterizzavano questa corrente di pensiero [8] .

La nascita di Venere sarebbe pertanto la venuta alla luce dell' Humanitas , intesa come allegoria dell'amore quale forza motrice della Natura. La figura della dea, rappresentata nella posa di Venus pudica (ossia mentre copre la sua nudità con le mani ed i lunghi capelli biondi), è la personificazione della Venere celeste , simbolo di purezza, semplicità e bellezza disadorna dell'anima. Si tratta di uno dei concetti fondamentali dell'umanesimo neoplatonico, che ritorna sotto diversi aspetti anche in altri due dipinti del Botticelli realizzati all'incirca nello stesso periodo: la Pallade e il centauro e Venere e Marte .

La composizione è estremamente bilanciata e simmetrica, il disegno è basato su le linee elegantissime che creano giochi decorativi sinuosi e aggraziati. In ogni caso l'attenzione al disegno non si risolve mai in effetti puramente decorativi, ma mantiene un riguardo verso la volumetria e la resa veritiera dei vari materiali, soprattutto nelle leggerissime vesti [9] . Il colore chiaro e nitido, derivato dalla particolare tecnica che imita l'affresco, intride di luce le figure, facendone risaltare la purezza penetrante della bellezza. Ancora più che nella Primavera , la spazialità dello sfondo è piatta, bloccando le figure in una magica sospensione. La progressiva perdita dei valori prospettici fa collocare quest'opera dopo la Primavera , in una fase in cui la "crisi" che investirà Firenze alla fine del secolo, è già più che mai avviata [10] .

Pallade che doma il Centauro

Pallade e il centauro

Anche Pallade che doma il centauro ( 1482 - 84 ) è citata tra le opere presenti nel palazzo di Via Larga negli inventari medicei insieme alla Primavera ; in base al pensiero neoplatonico, supportato da alcuni scritti di Marsilio Ficino , la scena potrebbe essere considerata come l' Allegoria della Ragione , di cui è simbolo la dea che vince sull'istintualità raffigurata dal centauro , creatura mitologica per metà uomo e per metà bestia.

È stata però proposta anche un'altra lettura in chiave politica del dipinto, che rappresenterebbe sempre in modo simbolico l'azione diplomatica svolta da Lorenzo il Magnifico in quegli anni, impegnato a negoziare una pace separata con il Regno di Napoli per scongiurare la sua adesione alla lega antifiorentina promossa da Sisto IV ; in questo caso, il centauro sarebbe Roma e la dea la personificazione di Firenze (va notato infatti che essa porta l' alabarda ed ha la veste decorata con l' insegna personale di Lorenzo), mentre sullo sfondo si dovrebbe riconoscere il Golfo di Napoli.

Venere e Marte

Venere e Marte

È una lettura essenzialmente in chiave filosofica quella invece proposta per un'altra allegoria raffigurante Venere e Marte , distesi su un prato e circondati da un gruppetto di satiri giocherelloni; la fonte d'ispirazione di Botticelli sembra ragionevolmente essere il Symposium di Ficino, in cui si sosteneva la superiorità della dea Venere, simbolo di amore e di concordia, sul dio Marte, simbolo di odio e discordia (era infatti il dio della guerra per gli antichi).

I satiri sembrano tormentare Marte disturbando il suo sonno, mentre ignorano del tutto Venere, vigile e cosciente; questa scena sarebbe la figurazione di un altro degli ideali cardine del pensiero neoplatonico, ossia l'armonia dei contrari, costituita dal dualismo Marte-Venere, anche se il critico Plunkett ha messo in evidenza come il dipinto riprenda puntualmente un passo dello scrittore greco Luciano di Samosata , in cui viene descritto un altro dipinto raffigurante Le nozze di Alessandro e Rossane . L'opera potrebbe dunque essere stata realizzata per il matrimonio di un membro della famiglia Vespucci , protettrice dei Filipepi (come dimostrerebbe l'inconsueto motivo delle api in alto a destra) e quindi questa iconografia sarebbe stata scelta come augurio nei confronti della sposa.

La Madonna del Magnificat

Madonna del Magnificat

Lo spirito filosofico che pare avvolgere tutte le opere di Botticelli nella prima metà degli anni ottanta , si estese anche a quelle di carattere religioso; ne è un significativo esempio il tondo con la Madonna del Magnificat , eseguita tra il 1483 e il 1485 e dove secondo André Chastel egli cercò di coniugare il naturalismo classico con lo spiritualismo cristiano.

La Vergine è al centro, riccamente abbigliata, con la testa coperta da veli trasparenti e stoffe preziose ed i suoi capelli biondi si intrecciano con la sciarpa annodata sul petto; il nome del dipinto deriva dalla parola "Magnificat" che compare su un libro retto da due angeli, abbigliati come paggi che porgono alla Madonna il calamaio, mentre il Bambino osserva la madre e con la mano sinistra afferra una melagrana , simbolo della resurrezione.

Sullo sfondo si intravede un paesaggio attraverso una finestra di forma circolare; la cornice di pietra dipinta schiaccia le figure in primo piano, che assecondano il movimento circolare della tavola in modo da far emergere le figure dalla superficie del dipinto, come se l'immagine fosse riflessa in uno specchio convesso ed allo stesso tempo la composizione è resa ariosa grazie alla disposizione dei due angeli reggilibro in primo piano che conducono attraverso un'ideale diagonale verso il paesaggio sullo sfondo.

Un'altra committenza pubblica lo tenne occupato fino al 1487 : si tratta di un tondo per la sala delle Udienze della Magistratura dei Massai di Camera in Palazzo Vecchio , forse la Madonna della melagrana [4] .

La crisi irreversibile

Incoronazione della Vergine ( Pala di San Marco )

A partire da questo periodo la produzione del pittore iniziò a rivelare i primi segni di una crisi interiore che culminò nell'ultima fase della sua carriera in un esasperato misticismo, volto a rinnegare lo stile per il quale egli si era contraddistinto nel panorama artistico fiorentino dell'epoca. La comparsa sulla scena politico-religiosa del predicatore ferrarese Savonarola determinò, soprattutto dopo la morte di Lorenzo il Magnifico (1492), un profondo ripensamento della cultura precedente, condannando i temi mitologici e pagani, la libertà nei costumi, l'ostentazione del lusso [4] . Il frate attaccò duramente i costumi e la cultura del tempo, predicendo morte e l'arrivo del giudizio divino, e imponendo penitenza ed espiazione dei propri peccati. La discesa di Carlo VIII di Francia ( 1494 ) sembrò far avverare le sue profezie, per cui, al culmine del prestigio personale, Savonarola riuscì a fomentare la sommossa che scacciò Piero il Fatuo restaurando la Repubblica fiorentina , nella cui organizzazione pare che il frate diede un contributo sostanziale.

Botticelli fu, insieme a molti altri artisti come Fra' Bartolomeo e il giovane Michelangelo , profondamente influenzato dal nuovo clima. Si infransero le sicurezze fornite dall'umanesimo quattrocentesco, a causa del nuovo e turbato clima politico e sociale. Nel 1497 e 1498 i seguaci di Savonarola organizzarono diversi " roghi delle vanità ", che non solo dovettero impressionare molto il pittore, ma innescarono in lui grossi sensi di colpa per aver dato volto a quel magistero artistico così aspramente condannato dal frate.

L'avversità del Vaticano con il papa Alessandro VI e di altri stati italiani misero in crisi la popolarità del frate che, abbandonato dai suoi stessi concittadini, finì per essere scomunicato e poi condannato all'impiccagione e al rogo dopo un processo fortemente pilotato, subendo il supplizio in piazza della Signoria il 23 maggio 1498 .

Annunciazione di Cestello

Che Botticelli fosse seguace militante del frate domenicano non è documentato, ma si trova un accenno della sua perorazione della causa savonaroliana nella Cronaca di Simone Filipepi in cui l'artista è rappresentato in un dialogo in cui trova ingiusta la condanna del frate. Alcune tematiche del frate domenicano si trovano dopotutto in sue opere più tarde, come la Natività mistica e la Crocifissione simbolica , che testimoniano almeno una sua forte ammirazione verso tale personalità. Non dovette essere un caso che dopo il 1490 Botticelli cambiò le tematiche della sua arte dedicandosi esclusivamente a temi sacri.

Le Madonne acquistano una fisionomia più che mai alta e longilinea, con lineamenti più affilati che danno loro un carattere ascetico ( Madonna Bardi , Pala di San Barnaba , 1485 circa), che dimostrano un più marcato plasticismo e uso del chiaroscuro oltre all'accentuata espressività dei personaggi. In altri casi il pittore arriva a ripristinare un arcaico fondo oro, come nella Pala di San Marco (1488-1490). A questi anni è sicuramente datata l' Annunciazione di Cestello ( 1489 - 1490 ) [4] . Il 13 ottobre 1490 fu multato dagli Ufficiali di Notte e Monasteri, specializzati nel sanzionare i reati contro la moralità, per un'infrazione "contra ordinamenta" non specificata [4] . Tra gli incarichi pubblici di quegli anni ci furono la decorazione a mosaico della Cappella di San Zanobi in Santa Maria del Fiore , eseguita poi da David Ghirlandaio , Gherardo e Monte di Giovanni , e la partecipazione alla commissione, con Lorenzo di Credi , Ghirlandaio , Perugino e Alesso Baldovinetti , per valutare i progetti per la facciata del Duomo, mai realizzata fino al XIX secolo [4] .

La Calunnia

La Calunnia

Il vero "spartiacque" tra le due maniere però è la cosiddetta Calunnia eseguita tra il 1490 e il 1495 , un dipinto allegorico tratto da Luciano , e riportato nel trattato dell' Alberti che alludeva alla falsa accusa rivolta da un rivale al pittore antico Apelle , di aver cospirato contro Tolomeo Filopatore .

La complessa iconografia riprende anche stavolta fedelmente l'episodio originale e la scena viene inserita all'interno di una grandiosa aula, riccamente decorata di marmi e rilievi e affollata di personaggi; il quadro va letto da destra verso sinistra: il re Mida (riconoscibile dalle orecchie d'asino), nelle vesti del cattivo giudice, è seduto sul trono, consigliato da Ignoranza e Sospetto ; davanti a lui sta il Livore , l'uomo con il cappuccio nero e la torcia in mano; dietro a lui è la Calunnia , donna molto bella e che si fa acconciare i capelli da Perfidia e Frode , mentre trascina a terra il Calunniato impotente; la vecchia sulla sinistra è la Penitenza e l'ultima figura di donna sempre a sinistra è la Verità , con lo sguardo rivolto al cielo, come a indicare l'unica vera fonte di giustizia.

Nonostante la perfezione formale del dipinto, la scena si caratterizza innanzitutto per un forte senso di drammaticità; l'ambientazione fastosa concorre a creare una sorta di "tribunale" della storia, in cui la vera accusa sembra essere rivolta proprio al mondo antico, dal quale pare essere assente la giustizia, uno dei valori fondamentali della vita civile.

È una constatazione amara, che rivela tutti i limiti della saggezza umana e dei principi etici del classicismo, non del tutto estranea alla filosofia neoplatonica, ma che qui viene espressa con toni violenti e patetici, che vanno ben oltre la semplice espressione di malinconia notata sui volti dei personaggi delle opere giovanili di Botticelli.

Natività mistica , 1501, Londra, National Gallery

Il Compianto e la Natività mistica

Compianto sul Cristo morto , 1495 ca., Milano, Museo Poldi Pezzoli

Savonarola venne giustiziato il 23 maggio 1498 , ma la sua esperienza aveva inferto dei colpi così duri alla vita pubblica e culturale fiorentina, che la città non si riprese mai del tutto.

Dopo la morte del Savonarola Botticelli non era più lo stesso e non poteva certamente tornare ad abbracciare i miti pagani come se nulla fosse successo. Il suo punto di vista è registrato nella Cronaca di Simone Filipepi (1499) in cui il pittore è descritto a colloquio con Dolfo Spini, uno dei giudici che aveva partecipato al processo di Savonarola, a proposito delle vicende che portarono alla condanna del frate. Le parole di Botticelli suonano come un rimprovero per una sentenza ritenuta ingiusta.

Le opere degli anni successivi appaiono sempre più isolate nel contesto cittadino e animate da una fantasia visionaria. Botticelli si rifugiò in un desolato ed acceso misticismo come attestano il Compianto sul Cristo morto di Milano , praticamente contemporaneo alla Calunnia , con figure dai gesti patetici e il corpo di Cristo al centro che si arcua a semicerchio, e la Natività mistica del 1501 : Botticelli eseguì una scena dai toni apocalittici e dall'impianto arcaizzante, compiendo una consapevole regressione che arriva a rinnegare la costruzione prospettica, rifacendosi all'iconografia medievale che ordinava le figure in base alla gerarchia religiosa. La scritta in greco in alto (un unicum nella sua produzione), la danza degli angeli al di sopra della capanna e l'inedito motivo dell'abbraccio tra le creature celesti e gli uomini, costituiscono gli elementi di questa visione profetica sull'avvento dell' Anticristo .

Botticelli voleva far entrare il dolore ed il pathos nelle sue composizioni, in modo da coinvolgere maggiormente lo spettatore, ma il suo tentativo di percorre a ritroso il cammino della vita e della storia, non incontrò né il favore, né la comprensione dei suoi contemporanei, che passata la "tempesta" savonaroliana, tentarono lentamente di tornare alla normalità. Del resto è solo nella produzione di Botticelli che le influenze del frate ebbero un effetto così duraturo.

Ultimi anni

La lapide in Ognissanti, dove figura con il suo vero nome Filipepi
Natività di Botticelli, Museo Abbazia di Montecassino

Nel 1493 morì suo fratello Giovanni e nel 1495 concluse alcuni lavori per i Medici del ramo "Popolano", dipingendo per loro alcune opere per la villa del Trebbio . Nel 1498 i beni denunciati al catasto testimoniano un cospicuo patrimonio: una casa nel quartiere di Santa Maria Novella e un reddito garantito dalla villa di Bellosguardo nei dintorni di Firenze [4] . Del 1502 è un suo celebre scritto relativo alla realizzazione di un giornaletto denominato beceri , di carattere prevalentemente satirico, destinato ad allietare la lettura delle frange nobiliari della società rinascimentale. Tale progetto, tuttavia, restò tale, non essendo mai stato portato a compimento. [ senza fonte ]

Nel 1502 una denuncia anonima lo accusò di sodomia . Nel registro degli Ufficiali di Notte, al 16 novembre di quell'anno, è riportato come il pittore "si tiene un garzone"... In ogni caso sia quest'episodio che quello di dodici anni prima si risolsero apparentemente senza danni per l'artista [11] .

La sua fama era ormai in pieno declino anche perché l'ambiente artistico, non solamente fiorentino, era dominato dal già affermato Leonardo e dal giovane astro nascente Michelangelo . Dopo la Natività mistica Botticelli sembra rimanere inattivo. Nel 1502 scrisse una lettera a Isabella d'Este offrendosi, libero da impegni, per lavorare alla decorazione del suo studiolo [12] .

Nonostante fosse anziano e piuttosto in disparte il suo parere artistico doveva essere ancora tenuto in considerazione se nel 1504 venne incluso tra i membri della commissione incaricata di scegliere la collocazione più idonea per il David di Michelangelo [12] .

Il pittore ormai anziano e quasi inattivo trascorse gli ultimi anni di vita isolato e in povertà, morendo il 17 maggio 1510 . Fu sepolto nella tomba di famiglia nella chiesa di Ognissanti a Firenze [12] .

L'unico suo vero erede fu Filippino Lippi , che condivise con lui l'inquietudine presente nella sua ultima produzione.

Stile

Lo stile di Botticelli subì diverse evoluzioni nel tempo, ma fondamentalmente mantenne alcuni tratti comuni che lo rendono tutt'oggi ben riconoscibile, anche nel vasto pubblico. Gli input fondamentali della sua formazione artistica furono sostanzialmente tre: Filippo Lippi , Andrea del Verrocchio e Antonio del Pollaiolo [12] .

Dal Lippi, suo primo vero maestro, apprese a dipingere fisionomie eleganti e di una rarefatta bellezza ideale, il gusto per la predominanza del disegno e della linea di contorno, le forme sciolte, i colori delicatamente intonati, il calore domestico delle figure sacre [12] . Dal Pollaiolo ricavò la linea dinamica e energetica, capace di costruire forme espressive e vitali con la forza del contorno e del movimento. Dal Verrocchio imparò a dipingere forme solenni e monumentali, fuse con l'atmosfera grazie ai fini giochi luministici, e dotate di effetti materici nella resa dei diversi materiali [13] .

Dalla sintesi di questi motivi Botticelli trasse un'espressione originale e autonoma del proprio stile, caratterizzato dalla particolare fisionomia dei personaggi, impostati a una bellezza senza tempo sottilmente velata di malinconia, dal maggiore interesse riservato alla figura umana rispetto agli sfondi e l'ambiente, e dal linearismo che talvolta modifica le forme a seconda del sentimento desiderato ("espressionismo"), quest'ultimo soprattutto nella fase tarda dell'attività.

Di volta in volta, a seconda dei soggetti e del periodo, prevalgono poi le componenti lineari o coloristiche o, infine, espressionistiche.

Nell'ultima produzione si affacciò il dilemma nel contrasto tra il mondo della cultura umanistica, con le sue componenti cortesi e paganeggianti, e quello del rigore ascetico e riformatore di Savonarola , che portò l'artista a un ripensamento ea una crisi mistica che si legge anche nelle sue opere. I soggetti si fanno sempre più introspettivi, quasi esclusivamente religiosi, e le scene diventano più irreali, con la ripresa consapevole di arcaicismi quali il fondo oro o le proporzioni gerarchiche . In questa crisi però si trova anche il seme della rottura dell'ideale di razionalità geometrica del primo Rinascimento, in favore di una più libera disposizione dei soggetti nello spazio che prelude la sensibilità di tipo cinquecentesco [14] . La pittura di Botticelli s'ispirò anche alla filosofia del neoplatonismo rinascimentale fiorentino il cui fondatore fu Marsilio Ficino .

Disegni

Di Botticelli resta anche una cospicua produzione di disegni. Spesso si tratta di opere preparatorie a dipinti, mentre altre volte furono opere indipendenti. L'esempio più celebre è dato dai disegni per la Divina Commedia , realizzati su pergamena tra il 1490 e il 1496 per Lorenzo il Popolano e oggi dispersi tra la Biblioteca Apostolica Vaticana e il Kupferstichkabinett di Berlino. In queste opere il linearismo è accentuato e il gusto è arcaizzante, con le figure che si muovono tra pochissimi dati ambientali [14] .

A Botticelli sono anche attribuiti i cartoni di varie tarsie, come quelle delle porte della Sala dei Gigli in Palazzo Vecchio ( 1478 ) o alcune per lo studiolo di Federico da Montefeltro ( 1476 ) [15] . Gli Uffizi conservano la Lunetta con tre angeli volteggianti e al British Museum c'è lo schizzo a penna Allegoria dell'Abbondanza .

Onorificenze

A Botticelli è stato intitolato il cratere Botticelli , sulla superficie di Mercurio .

È stato dedicato alla sua figura il lungometraggio Botticelli, il suo tempo, i suoi amici artisti di Guido Arata (1993).

L'artista appare anche nella seconda stagione della serie televisiva I Medici , in cui è interpretato da Sebastian de Souza .

Nell'espansione videoludica Hearts Of Stone , si fa riferimento a lui sotto falso nome di "Votticelli".

Opere

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Opere di Sandro Botticelli .

Fase giovanile

Prima fase medicea

Roma

Seconda fase medicea

Ultima fase

Note

  1. ^ a b c d e f g h Santi, cit., pag. 85.
  2. ^ Carlo Montresor, Monografia d'arte. Botticelli , Ats Italia Editrice, 2010, p. 62.
  3. ^ Santi, cit., pag. 92.
  4. ^ a b c d e f g h i j k l m n o Santi, cit., pag. 86.
  5. ^ a b Santi, cit., pag. 120.
  6. ^ Santi, cit., pag. 107
  7. ^ Santi, cit., pag. 114
  8. ^ a b Santi, cit., pag. 114.
  9. ^ De Vecchi-Cerchiari, cit., pag. 141.
  10. ^ Galleria degli Uffizi, cit., pag. 131.
  11. ^ Stefano Sieni, La sporca storia di Firenze , Le Lettere, Firenze 2002, pag. 52.
  12. ^ a b c d e Santi, cit., pag. 88.
  13. ^ Santi, cit., pag. 89.
  14. ^ a b Santi, cit., pag. 158.
  15. ^ Santi, cit., pag. 159.
  16. ^ Arte: 'La Madonna con bambino e sei angeli' di Botticelli in trasferta in Cile , su www.adnkronos.com . URL consultato il 10 aprile 2018 .

Bibliografia

  • Giorgio Vasari , Vite de' più eccellenti architetti, pittori, et scultori italiani, da Cimabue insino a' tempi nostri , Giunti , Firenze 1568.
  • Bruno Santi, Botticelli , in I protagonisti dell'arte italiana , Scala Group, Firenze 2001. ISBN 88-8117-091-4
  • G. Cornini, Botticelli , in Art e Dossier, n. 49, settembre 1990, pp. 3–47.
  • F. Strano, Botticelli , in Gedea Le Muse, VI, Novara, Ist. Geografico De Agostini, 2004.
  • Sandro Botticelli e la cultura della cerchia medicea , Storia dell'arte italiana, II, diretta da Carlo Bertelli, Giuliano Briganti e Antonio Giuliano, Milano, Electa, 1990, pp. 292–299.
  • Ilaria Taddei, Botticelli , Firenze, Ministero per i Beni e le Attività culturali, 2001.
  • AA.VV., Galleria degli Uffizi , collana I Grandi Musei del Mondo , Roma 2003.
  • Chiara Garzya," 'Zephiro torna, e 'l bel tempo rimena'; a proposito della Primavera di Botticelli", in " Critica letteraria ", 130, anno XXXIII, fasc. II, N.127/2005.
  • L'opera completa del Botticelli , Classici dell'Arte Rizzoli, Milano, 1978.
  • M. Horak, "Piacenzia, è terra di passo come Fiorenza", Leonardo da Vinci, Codice Atlantico, f.887 rv, Il Tondo di Botticelli e la Madonna dei fusi, ambasciatori piacentini d'arte e cultura in Giappone, LI.R. - Piacenza, 2015, ISIN 978-88-95153-53-7.

Altri progetti

Collegamenti esterni

Controllo di autorità VIAF ( EN ) 19686406 · ISNI ( EN ) 0000 0001 2099 4768 · SBN IT\ICCU\CFIV\034976 · Europeana agent/base/60753 · LCCN ( EN ) n79022942 · GND ( DE ) 118514008 · BNF ( FR ) cb119585037 (data) · BNE ( ES ) XX1036706 (data) · ULAN ( EN ) 500015254 · NLA ( EN ) 35020599 · BAV ( EN ) 495/8285 · CERL cnp00394321 · NDL ( EN , JA ) 00433953 · WorldCat Identities ( EN ) lccn-n79022942
Estratto da " https://it.wikipedia.org/w/index.php?title=Sandro_Botticelli&oldid=122174119 "