Chitara clasica
| Chitara clasica | |||||
|---|---|---|---|---|---|
 | |||||
| Informații generale | |||||
| Origine | Europa | ||||
| Invenţie | sfârșitul secolului al XVIII-lea / Franța | ||||
| Clasificare | 321322-5 Acordofoane compuse, cu corzi paralele cu caseta de sunet, smulse | ||||
| Familie | Laute cu gât lung | ||||
| Utilizare | |||||
| Muzică medievală Muzica renascentista Muzică barocă Muzică galantă și clasică Muzica europeană a secolului al XIX-lea Muzică contemporană Muzica folk | |||||
| Extensie | |||||
 | |||||
| Genealogie | |||||
| |||||
| ascult | |||||
Chitara clasică este un tip de chitară utilizată pentru interpretarea pieselor de muzică clasică sau populară (cum ar fi muzica latino-americană sau flamenco ). Forma chitarei clasice, pe care o cunoaștem și o folosim astăzi, datează din a doua jumătate a secolului al XIX-lea .
Morfologia chitara
Se compune din două părți principale:
- gâtul, pe care este amplasată tastatura și care se termină cu capul, cunoscut și sub numele de știft, care găzduiește aparatele de reglare;
- cutia de rezonanță sau placa de sunet, din lemn, cu o gaură centrală, care servește la amplificarea sunetului produs de corzi .
Chitara clasică este de obicei realizată cu diferite tipuri de lemn pentru fiecare parte a corpului. Cadrul sonor este realizat din lemn de brad (picea abies), cedru sau sequoia . În interior, partea superioară este întărită cu benzi de molid (așa-numita întărire) în funcție de experiența lutierului, astfel încât diferite paranteze să corespundă caracteristicilor sonore diferite. Aranjamentul lanțurilor de evantai, deja prezent în unele chitare de la începutul secolului al XIX-lea, a fost perfecționat de lutierul spaniol Antonio de Torres. Laturile și spatele sunt construite în diferite esențe, de obicei lemn tare și compact, în funcție de tonul pe care lutierul dorește să-l dea. Esențele de lemn de trandafir (în special cea braziliană), mahon , chiparos , abanos makassar și arțar sunt foarte căutate. Gâtul este construit cu păduri care nu sunt foarte sensibile la umiditate și nu sunt foarte predispuse la deformare, de obicei cedru spaniol sau mahon. Tastatura este de culoare abanos . Podul sau podul de care sunt legate corzile poate fi din lemn de trandafir, abanos, nuc sau alte esențe. Piulița și osicul sunt în os sau fildeș .
Corzile sunt realizate în principal din nailon , ceea ce conferă sunetului un timbru înăbușit și dulce, sau din materiale compozite pe bază de carbon sau fibră de sticlă cu un timbru mai clar și mai luminos și o rezistență mai mare la sunet; rareori de intestin .
Tastatura
Tehnica chitara
Postura
Poziția tipică a chitaristului clasic prevede că instrumentul, sprijinit pe picioare, este înclinat în sus din partea tastaturii. Pentru a face acest lucru este obișnuit să folosiți suportul pentru picioare, cu care să țineți piciorul stâng ridicat; unii interpreți ai repertoriului contemporan folosesc uneori un suport care, așezat pe coapsa stângă, permite menținerea înclinației chitarei în timp ce se odihnesc ambele picioare pe pământ. Uneori se folosesc și două piese care, plasate între coapse și cele două puncte de sprijin ale chitarei, asigură că instrumentul nu alunecă și nu se mișcă în timpul interpretării piesei.
Mâna dreaptă
Tehnica chitară clasică implică atingerea directă a vârfurilor degetelor pe corzi pentru a le face să vibreze. Până în prima jumătate a secolului al XX-lea a existat un contrast puternic între cele două „abordări” existente: așa-numita școală „Tárrega” susține utilizarea doar vârfului degetului fără unghie, în timp ce școala mai modernă implică utilizarea unghiilor și vârful degetelor împreună (coarda este „agățată” la punctul de întâlnire dintre vârful degetului și interiorul cuiului). Atacul doar cu vârful degetului, susținut de exemplu de Fernando Sor și Francesco Molino , a fost reluat apoi de spaniolul Francisco Tárrega și unii dintre studenții săi (printre care ar trebui amintit în special Emilio Pujol ). Această tehnică din a doua jumătate a secolului al XX-lea a căzut aproape în totalitate în desuetudine, iar învățătura din Conservatoare prevede acum în mod normal utilizarea atașamentului pentru frânghie.
Susținătorii utilizării cuiului au fost, de exemplu, Mauro Giuliani și Ferdinando Carulli . Dionisio Aguado a susținut și dezvoltat această tehnică cu convingere; în metoda sa pentru chitară (1825) a declarat:
- « Puteți pulsa cu sau fără unghie: fără unghie veți avea nevoie de o curbură mai mare a falangelor mâinii drepte. Prietenul meu Sor, care joacă fără, m-a convins să nu folosesc niciodată unghia degetului mare; Îi sunt foarte recunoscător pentru acest sfat. În ceea ce mă privește, consider de preferat să joc cu unghiile și vârfurile degetelor, deoarece din coardă obținem un sunet care nu seamănă cu cel al niciunui alt instrument și conferă chitarei un caracter particular, dulce, armonios și melancolic care, chiar dacă nu oferă măreția pianului sau harpei, dă un sentiment de sunet plin de grație și delicatețe susceptibil de modificări și combinații care conferă instrumentului un caracter misterios. " [1]
Degetele mâinii drepte folosite pentru a smulge corzile (degetul mare, indexul, degetul mijlociu, inelul și degetul mic) sunt indicate în degetele scorurilor cu inițialele p , i , m , a , c (c = chiquito) . În trecut, degetul mic era absolut exclus din procesul de producție a sunetului; în tehnica modernă de chitară este utilizată aproape exclusiv pentru executarea de acorduri sau arpegii care implică utilizarea a 5 sau 6 coarde sau ca parte a unui rasgueados. Unii chitariști din secolul al XIX-lea au folosit uneori acest deget ca „suport” pentru mână, îndreptându-l spre placa de sunet a instrumentului în timp ce celelalte patru degete smulg corzile, dar și această utilizare a fost abandonată treptat. Importanța degetului inelar a fost discutată pe larg în secolul al XIX-lea: unii compozitori, precum Fernando Sor , au avut tendința să-l excludă de la solzi și de la conduita liniilor melodice și să-l folosească în arpegii și acorduri numai atunci când este indispensabil; începând cu Giulio Regondi , și cu atât mai mult cu Tárrega și alți chitaristi de la sfârșitul secolului al XIX-lea (așa cum se poate vedea din degetele compozițiilor), utilizarea sa a fost reevaluată pe scară largă, cum ar fi degetul arătător și mijlociu, rămânând în mod inevitabil „degetul slab” ”al mâinii drepte.
Mâna stângă
Degetele mâinii stângi sunt folosite pentru a apăsa corzile pe gât, ceea ce permite obținerea tuturor înălțimilor în extensia corzii. Se folosesc indicele, mijlocul, inelul și degetele mici (în degetele scorurilor sunt indicate cu numere, în ordine, de la 1 la 4). Rolul degetului mare este de a echilibra mâna apăsând - fără o forță specială - pe suprafața din spate a mânerului. Folosirea sa la apăsarea corzilor inferioare, uneori adoptată în unele genuri muzicale populare, a fost definitiv abandonată în tehnica clasică, după ce a făcut obiectul unei dispute îndelungate; în favoarea acestei utilizări - întotdeauna foarte sporadice - au fost marii exponenți ai școlii italiene Ferdinando Carulli , Mauro Giuliani și Matteo Carcassi , în timp ce Francesco Molino s-a opus puternic, iar spaniolii Fernando Sor și Dionisio Aguado l-au sfătuit.
Efecte și tehnici
Tremolo
Atingere acceptată
Tambora
Rasgueado
Pizzicato
Repertoriu și literatură pentru chitară
Vechea chitară
Chitara barocă , progenitoarea chitarei clasice dezvoltată la sfârșitul secolului al XVIII-lea și de dimensiuni foarte modeste, a avut o difuziune considerabilă în secolul al XVII-lea , continuând prețioasa tendință muzicală a lutei și vihuela ; aceste două instrumente au cunoscut ultima lor splendoare în perioada muzicii baroce , înainte de a cădea în definitiv în uz (recuperat în ultima vreme exclusiv pentru execuția filologică a compozițiilor vremii). În special în Italia , Spania și Franța , chitara barocă a consolidat o bogată tradiție instrumentală: chitariști precum Francesco Corbetta , Gaspar Sanz și Robert de Visée au reprezentat, pentru validitate tehnică și gust compozițional, un omolog semnificativ pentru marii protagoniști ai lăuta ( John Dowland , Sylvius Leopold Weiss ) și vihuela ( Luis de Milán , Luis de Narváez , Alonso Mudarra ). Deja la sfârșitul secolului al XVII-lea și pentru o bună parte a secolului următor, atenția față de chitară s-a dizolvat și, odată cu aceasta, conștientizarea tehnică și dezvoltarea unui repertoriu al instrumentului au fost întunecate pentru o lungă perioadă de timp.
Prima jumătate a secolului al XIX-lea
În paralel cu dezvoltarea acelui instrument pe care - din punct de vedere organologic - îl numim acum „ chitara modernă ”, avem prima mare înflorire a culturii chitarei în muzica europeană și nașterea unui repertoriu substanțial original pentru chitară. Perioada dintre ultimii ani ai secolului al XVIII-lea și primele decenii ale secolului al XIX-lea este amintită ca fiind cea a marilor „chitariști-compozitori”. Aceste personaje au fost primele care au luat chitara, de la un instrument aproape exclusiv popular, la rolul unui instrument de concert. Tehnica s-a dezvoltat enorm, iar funcția de însoțire simplă a cedat, la unii autori, vârfuri memorabile de virtuozitate. O primă generație a acestor mari muzicieni a văzut în Italia numele lui Ferdinando Carulli , Mauro Giuliani , Francesco Molino , Matteo Carcassi , în Spania cele ale lui Fernando Sor și Dionisio Aguado ; o mențiune importantă ar trebui făcută și pentru celebrul violonist Niccolò Paganini , care, ca chitarist talentat, a lăsat câteva pagini importante în repertoriu, la fel ca și austriecii Anton Diabelli și Simon Molitor . Următoarea generație datează de la mijlocul secolului al XIX-lea , când interesul pentru chitară scădea progresiv pe continent; cele mai reprezentative nume ale acestei epoci sunt cele ale italienilor Luigi Legnani și Giulio Regondi , ale slovacului Johann Kaspar Mertz și ale francezului Napoléon Coste .
Din punct de vedere educațional, fiecare dintre aceste nume - unele mai mult decât altele - are o importanță capitală în istoria chitarei. La începutul secolului al XIX-lea a cunoscut o proliferare a metodelor autoritare de predare a chitarei. În aceste tratate sunt prezentate pentru prima dată numeroase principii fundamentale ale tehnicii muzicale și instrumentale, în special în ceea ce privește utilizarea mâinilor drepte și stângi (vezi în acest sens secțiunea „Tehnica chitară”). Printre metodele care au marcat cel mai mult dezvoltarea tehnicii chitarei ar trebui să menționăm Méthode op.27 al lui Carulli, Nuevo para guitarra de Aguado, Metoda lui Giuliani în special pentru colectarea a 120 de formule arpegioase pentru mâna dreaptă și Méthode pour la Guitare de Sor, care se remarcă prin studiul său aprofundat al temelor teoretice / muzicale în ceea ce privește instrumentul și sunetul pe care îl produce. Vaste au fost, de asemenea, colecțiile de studii , de diferite niveluri și valori, publicate în această perioadă; printre numeroasele piese de rutină, nu foarte inspirate, în unele cazuri se pot găsi și compoziții care, deși au o funcție preeminent didactică, prezintă calități muzicale valoroase. Printre cele mai cunoscute colecții putem menționa cele 25 de studii melodice și progresive op.60 de Carcassi și Etudes op.35 de Fernando Sor, o parte din care a fost colectată într-o ediție celebră de 20 de studii publicate de Andrés Segovia în 1945.
Repertoriul pieselor de „concert”, datând din această perioadă, este, de asemenea, foarte vast. Principalele canoane de referință în cele mai exigente compoziții au fost, pe de o parte, modelele de pian ale clasicismului de Mozart , Beethoven , Clementi și Haydn , iar pe de altă parte așa-numitul stil operistic și vocal „rossinian”. Primul stil reprezintă în cea mai mare parte autorii tipului de Carulli și Aguado, în timp ce al doilea este mai reprezentativ pentru gustul compozitorilor precum Giuliani și Carcassi. Câteva exemple de mai multe caracteristici personale observabile în anumite compozitori sunt: în Mertz, adeziunea la romantic , mai degraba decat modelele clasice de pian, în special , Liszt și Chopin ; la Sor, o atenție fără precedent în contemporanii săi la posibilitățile polifonice oferite de chitară; la Legnani, pe lângă influența formelor operice legate de pasiunea pentru cânt, se adaugă un stil inspirat de vioară care se referă la ispravile virtuozice ale lui Paganini, de care era prieten. În sonate , Rondos și menuete compus la momentul respectiv , un stil muzical mai tradițional se reflectă de obicei, și , uneori , evoca un pic atmosfera din saloanele nobile - în care spectacole de chitară au avut loc de fapt , nu de puține ori. În fantezii , în temele cu variații , în pot-pourri și în capricci , se acordă mai multă libertate exprimării particularităților instrumentale ale chitarei, iar acestea sunt de obicei piesele în care compozitorul obișnuia să dea cel mai mare afișarea (și ventilarea) tehnicienilor în virtuozitate. Ca exemplu, pot fi citate următoarele: Fantasia op.30 și Variațiile pe o temă de Mozart op.9 de Sor; 36 capricci op.20 de Legnani; Rossiniane op.119-124 de Giuliani; Hongroise Fantasia de la Mertz; Regondi's Reverie nocturne op.19.
În cadrul repertoriului chitarei clasice, o resursă specifică acestei perioade istorice și artistice este cea a muzicii de cameră cu chitară. Printre cei mai reprezentativi autori în acest domeniu s-a numărat italianul Filippo Gragnani , pe lângă mai faimoșii Carulli, Molino, Giuliani și Sor. Pe lângă duo-ul de chitară și, uneori, trio-ul, cele mai tipice formațiuni sunt vioara și chitara, flautul și chitara, pianul și chitara; la Gragnani observăm formațiuni de extensii inedite, care includ chiar șase interpreți (flaut, clarinet , vioară, 2 chitare, violoncel ). O mențiune importantă ar trebui făcută și pentru cvintetele pentru coarde și chitară de Luigi Boccherini (1743 - 1805) și pentru diverse compoziții ale lui Anton Diabelli, care, spre deosebire de denumirile anterioare, nu erau specialiști în chitară.
Primele compoziții de concert pentru chitară și orchestră datează și ele din această perioadă. Acest tip de compoziție, dată fiind capacitatea sonică considerabil mai mică a chitarelor în comparație cu cele moderne, a prezentat dificultăți considerabile de orchestrare pentru acea vreme. Dintre puținele concerte compuse și care au supraviețuit, singurul care sa bucurat de o reevaluare muzicală atentă în timpurile moderne a fost Concertul n. 1 op.30 de Mauro Giuliani, în timp ce ceilalți (Carulli: Concerto op.8 în la major și Concerto op.140 în mi minor . Molino: Concerto op.56 în mi minor ) au jucat un rol istoric marginal în repertoriul de chitară : arta concertului pentru chitară și orchestră își va găsi împlinirea maximă și cei mai renumiți interpreți abia în secolul al XX-lea.
A doua jumătate a secolului al XIX-lea
Perioada care acoperă a doua jumătate a secolului al XIX-lea a cunoscut un declin lent, dar progresiv, al culturii chitarelor; acel interes fără precedent pentru instrument, pe care interpreți precum Giuliani au reușit să-l impună scenelor muzicale ale unor importante capitale europene, s-a estompat. Continuarea tradiției instrumentale a supraviețuit totuși în zone mai restrânse, prin munca câtorva maeștri foarte importanți.
Figura dominantă, prin reputație, în această panoramă a fost cu siguranță cea a spaniolului Francisco Tárrega . Opera sa a avut o importanță capitală: dincolo de meritele dezbătute în dezvoltarea tehnicii, cu „școala” sa a păstrat în viață una dintre cele mai importante tradiții de chitară din Europa - cea spaniolă - și mulți dintre elevii săi, precum Emilio Pujol , Miguel Llobet și Daniel Fortea vor fi după el figuri centrale ale scenei chitarei mondiale. Pe lângă asta, a fost un concertist genial. Tarrega a compus multe piese, dintre care unele constituie astăzi pietre de temelie esențiale în repertoriul chitarelor. Printre toate, Recuerdos de la Alhambra se remarcă prin faima sa, scrisă pentru tehnica tremolo și care reflectă legătura puternică a compozitorului cu tradiția muzicală spaniolă. Pe de altă parte, celebrele sale Variații despre Carnavalul de la Veneția sunt destul de diferite , care, cu un virtuozism exuberant și uneori frivol, amintesc cu distracție de gloriile trecute ale chitarei clasicismului. Contribuția sa la îmbogățirea repertoriului de chitară s-a extins și într-o direcție destinată să aibă un mare succes: cea a transcrierilor pentru chitară. Printre cele mai „potrivite” transcrieri trebuie cu siguranță să menționăm adaptările pieselor de pian ale compozitorilor catalani Enrique Granados și Isaac Albéniz ; în mod paradoxal, unele dintre aceste piese vor întâlni în timp, în versiunea lor de chitară, o reputație mult mai mare decât versiunea originală.
De asemenea, în Spania , alte figuri importante - cum ar fi chitaristii și compozitorii - ale perioadei au fost cele ale lui Julián Arcas , care a fost aproape un mentor al lui Tárrega, și al lui José Ferrer . În restul Europei, este important să menționăm opera lui Jacques Tessarech (1862-1929) în Franța , Luigi Mozzani (1869-1943) în Italia și Heinrich Albert (1870-1950) în Germania : nume mai puțin cunoscute, dar și ele decisive în maturizarea condițiilor pentru ceea ce va fi marea renaștere a chitarei în secolul al XX-lea . Dintre compozițiile lui Mozzani predomină cele de interes educațional (se remarcă colecția Studi per la chitarra, publicată la New York începând cu 1896), dar există și piese de concert importante.
"... Acum, că am făcut niște viori, violonceluri, lire, mandoline, |
| ( Luigi Mozzani [2] ) |
Principalul exponent al secolului al XX-lea a fost Andrés Segovia , care a asimilat cel mai bine lecția lui Francisco Tárrega .
Stiluri muzicale
Chitara clasică poate fi cântată în diferite moduri: prin folosirea degetelor sau a mâinii în general (stilul tipic „clasic”), sau printr-un pick, utilizat în prezent în muzica modernă sau de derivare afro-americană. Efectele tonale particulare se datorează utilizării unghiilor mâinii drepte, variației unghiului de atac al degetelor pe corzi, utilizării percutante a mâinii, pizzicato-ului etc. Unele dintre aceste efecte, cum ar fi rasgueado , provin din tehnica de chitară utilizată în flamenco .
O mare parte din repertoriul de chitară clasică existent este scris pentru instrument solo, pentru duo sau, mai rar, pentru trio, cvartet sau orchestră de chitară. Repertoriul de cameră este, de asemenea, foarte bogat, în timp ce utilizarea sa în orchestră este destul de rară.
Dimpotrivă, chitara a fost folosită ca instrument solo cu orchestră. Printre diferiții autori care au scris concerte pentru una sau mai multe chitare și orchestră se numără: Ferdinando Carulli , Mauro Giuliani ( Concertele op.30 , 36 și 70), Joaquín Rodrigo ( Concierto de Aranjuez , Fantasía para un gentilhombre , Concierto Madrigal, Concierto para una Fiesta ), Mario Castelnuovo-Tedesco ( Concert în Re op. 99 , Concert în Do op. 160 , Concert pentru două chitare și orchestră op. 201), Heitor Villa-Lobos ( Fantasia-Concert pentru chitară și mică orchestră ), Manuel Maria Ponce ( Concierto del Sur ), Alexandre Tansman (Concertino pentru chitară și orchestră), Leo Brouwer, Stephen Dodgson.
În ceea ce privește chitaristii și compozitorii contemporani, așa-numita „școală romană de chitară” este deosebit de activă, condusă de Mario Gangi ( Venti Studi , La Ronde Folle , Sonatina ) și Carlo Carfagna ( Fragment , Return to Kythera , Scene Gentili , Orione ).
Chitara clasică este folosită pe scară largă pentru a cânta la bossa nova de chitariști și autori precum (printre cei mai renumiți) João Gilberto , Gilberto Gil , Toquinho , Caetano Veloso și mulți alții.
Este uneori folosit în muzica de jazz ; un exemplu proeminent este cel al duetului Pat Metheny și Charlie Haden .
În ceea ce privește domeniul transcriptiv, chitara clasică se mândrește cu un repertoriu bogat. Numeroși au fost chitaristii-transcriptori care, începând din zorii instrumentului în sine, au extins repertoriul prin transcripții și aranjamente. Printre cei mai renumiți Mauro Giuliani , Fernando Sor , Francisco Tárrega , Miguel Llobet , Andrés Segovia , Agustín Barrios , Kazuhito Yamashita .
Transcrierile la chitară sunt considerate printre cele mai frumoase și complete, există o corespondență absolută între cererea timbrală tipică transcrierilor și răspunsul instrumental [3] , printre cele mai mari din gama instrumentală modernă. "Chitara este o mică orchestră. Fiecare coardă are o culoare diferită, o voce diferită [4] ". Transcrierile lui Francisco Trarrega despre compozitorul iberic Isaac Albèniz erau celebre . Când Albéniz și-a auzit muzica transcrisă și interpretată de Tárrega, în special Serenada , a fost atât de emoționat și mișcat încât nu s-a putut opri din a striga că așa și-a conceput muzica [5] . Un alt exemplu celebru a fost transcrierile lui Mauro Giuliani despre uvertura de operă a lui Gioacchino Rossini (și cele ale lui Ferdinando Carulli pentru Fortepiano și chitară), transcrise pentru chitară solo și duo de chitară, interpretate încă în multe scene din întreaga lume. Mauro Giuliani a avut relații strânse cu Rossini , care deseori i-a dat partituri chitaristului italian, permițând astfel nașterea unor transcripții uimitoare.
Transcrierile de chitară sunt considerate adevărate opere de artă, caracterizate printr-un rafinament unic de acest gen. Faimoasa piesă Asturias , stâlpul repertoriului chitaristului, este ea însăși o transcriere de la pian, la fel ca celebrele Valses Poeticos și Chopin's Waltzes . Chiar și cea mai mare parte a repertoriului bacchian înregistrat și interpretat de chitariști clasici din întreaga lume este rezultatul transcrierilor meticuloase. Nu întâmplător cei mai mari chitariști ai timpului lor au fost toți transcriptori, Andrès Segovia a înregistrat și interpretat propriile transcrieri ale lui JSBach pe cele mai importante scene din întreaga lume și multe altele.
Transcrierea favorizează, de asemenea, dezvoltarea unor tehnici instrumentale inovatoare, cum ar fi tremolo și armonici , cererea, precum și timbrul, armonica muzicală au forțat chitaristii-transcriptori la o explorare a noului instrument, ceea ce a condus la consolidarea scordărilor celebre de astăzi, cum ar fi Drop D , folosit în majoritatea repertoriului lui Miguel Llobet [3]
Notă
- ^ Mangore.com | Unghiile chitaristului, pagina 2
- ^ Citat în: Lauta și chitara Maria Rita Brondi la pagina 128
- ^ a b Michele Masin, Chitară clasică, tehnici de transcriere, Italia, 7 ianuarie 2021, ISBN 9798589455670 .
- ^ Andrés Segovia , pe Associazioneguitarartium.com .
- ^ Emilio Pujol, Tárrega, ensayo biográfico, Lisabona, 1960 .
Bibliografie
- Mario Dell'Ara , Manual de istorie a chitarei. Volumul 1 °: chitara veche, clasică și romantică , Ancona, Bèrben, 1988
- Gianni Nuti (cu contribuții de Sergio Sorrentino), Manual de istorie a chitarei. Volumul 2 °: chitara în secolul al XX-lea , Ancona, Bèrben, 2009
- E. Allorto , Ruggero Chiesa , Mario Dell'Ara , Angelo Gilardino Chitara , Torino, EDT, 1990
- Carlo Carfagna , Roberto Fabbri , Michele Greci , Istoria chitarei , Milano, Carisch, 2007
- Angelo Gilardino , Chitara , Milano, Curci, 2010
- Harvey Turnbull, Chitara de la Renaștere până în prezent , Edizioni Curci, 2010.
Elemente conexe
Alte proiecte
-
Wikibooks conține un curs de chitară clasică -
Wikționarul conține dicționarul lemă « chitară clasică » -
Wikiversitatea conține resurse pentru chitara clasică -
Wikimedia Commons conține imagini sau alte fișiere pe chitara clasică
linkuri externe
- Chitarraclassica.org . Adus pe 5 iulie 2019 .
