Concert (compoziție muzicală)
Concertul este o formă muzicală care implică interpretarea unuia sau mai multor instrumente solo care sunt însoțite de orchestră . Era deja la modă în perioada clasică și este și astăzi.
Etimologie
Originea termenului „concert” a stârnit întotdeauna discuții în rândul muzicologilor . Deja în secolul al XVI-lea cuvântul a fost trasat înapoi la două cuvinte latine diferite: primul concertatum (de la verbul concertare , adică a lupta, concura) și al doilea de la consertum (de la verbul conserere , care poate fi tradus ca împletit, înnodare, dar și în unele contexte, cu a argumenta). În 1619, Michael Praetorius a susținut etimologia care a dat ideea de luptă , a ciocnirii dintre două entități instrumentale distincte, atât ca număr, cât și ca sonoritate.
În vremurile moderne, compozitorul german Hugo Daffner a susținut în schimb primul sens al verbului conserere , evidențiind astfel caracterul dialogului, al împletirii, care caracterizează efectiv stilul concertant.
În general, prima ipoteză este considerată ca fiind cea mai valabilă, găsind și astăzi cele mai mari rezultate.
Istorie
Concertul, ca majoritatea formelor muzicale , s-a născut în Italia, ca o derivare directă a unor forme muzicale [ neclar ] . Inițial, primele forme instrumentale au fost definite ca Canzoni da Sonare și au fost compoziții de stil polifonic destinate organului și provenind din formele vocale antice. Așa cum Sonata de cameră a ieșit din suită (gruparea de cântece și arii de dansuri), tot din Canzoni da Sonare s-a născut Sonata Bisericii.
Sonata Bisericii
Sonata bisericii s-a născut spre sfârșitul secolului al XVI-lea , în contextul „capelelor instrumentale” ecleziastice care se dezvoltau alături de cele pur vocale. Această nevoie s-a născut cu ideea de a acorda o mai mare solemnitate practicilor de cult, contribuind considerabil la dezvoltarea muzicii instrumentale: de fapt, cu ocazia unor funcții particulare, personalul normal al interpreților a fost sporit, oferind compozitorilor a timpului posibilitatea utilizării a numeroase complexe. Inițial, a fost realizată (la fel ca sonata de cameră ) pentru două viori și bas, era, de asemenea, polifonică și se caracteriza prin numărul și definiția tempo-urilor: în general, consta din trei mișcări, un Allegro, adesea precedat de o mormânt inițial. , un Adagio și un Vivace pentru finală.
Când Sonata Bisericii s-a extins, folosind instrumente dublate (în special instrumente de suflat) în vremurile pline de viață, a fost numită Sinfonia sau indiferent Sonata . La acești doi termeni trebuie să adăugăm un al treilea, Concerto grosso , care în realitate nu era altceva decât un mod de a interpreta sonata bisericii prin împărțirea părții instrumentale între două grupuri de jucători: Concertino și Concerto Grosso .
Concertul baroc
Forma marelui concert a fost adusă la maximă expresie de compozitori precum Arcangelo Corelli , Giuseppe Torelli , Tommaso Albinoni , Georg Friedrich Händel , Evaristo Felice Dall'Abaco și Giuseppe Valentini . Alessandro Stradella adoptase în anii 60 ai secolului al XVII-lea forma marelui concert atât în „Sonata di violas”, cât și, mai ales, în lucrări cu un ansamblu vocal-instrumental larg, precum oratoriul , San Giovanni Battista , în pe care Acompaniamentul ariilor întregi este susținut de combinațiile de greutate sonică create de contrastul dintre cele două părți instrumentale.
Forma marelui concert, elaborată în concertul solo și în concertul cu multe instrumente, a fost stabilită mai ales la Veneția, unde, mai ales datorită lui Antonio Vivaldi, a dobândit o definiție mai mare în formă.
Forma de „refren” folosită de Vivaldi a fost luată ca model mult timp în Italia și în străinătate: Johann Sebastian Bach însuși a studiat-o în profunzime, transcriind multe concerte pentru orgă sau clavecin și reluându-și structura în Concertul său în stil italian .
Concert mare
Concert de grup
Concertul de grup este o compoziție muzicală în care toate instrumentele au aceeași importanță și formează un grup compact. Nu există părți solo cu o importanță mai mare, dar compozitorul formează efectele sonore cu timbrele diferitelor instrumente. Simfonia clasică din 700 derivă de fapt din concertul de grup.
Concert umplut
Concertul ripieno este o compoziție în care există un dialog între orchestră și un număr mic de instrumente numite ripieno (de obicei un cvartet de coarde). Această tipologie a fost ulterior înlocuită cu dinamica terasată din timpul barocului, care a simulat alternanța dintre cele două grupuri instrumentale prin intermediul fortei și pianului, dar fără nici o diviziune reală a orchestrei.
Concert de cameră
Un concert de cameră, în engleză concert de cameră în German Chamber Concerto, a fost inițial unul dintre cele două tipuri de concerto grosso cu concertul bisericii . Concertul de cameră a fost format din 4 instrumente: două viori, o viola și un violoncel, aveau caracterul unei suite , având ca introducere un preludiu și cuprinzând diferite forme de dans preluate din repertoriul popular. Antonio Vivaldi și Georg Philipp Telemann au fost mari exponenți ai acestei forme muzicale. Mai târziu a continuat să definească mai general un concert de muzică de cameră sau scris pentru o orchestră de cameră .
Concert dublu, triplu, multiplu
Evoluţie
Transformările ulterioare ale concertului merg mână în mână cu cele care au avut loc în simfonie , ceea ce a contribuit foarte mult la creșterea semnificației simfonice a concertului. De fapt, la fel cum sonata bisericii a luat treptat o formă definitivă odată cu adoptarea formei ternare, la fel și simfonia și concertul ar fi folosit acest sistem. De asemenea, trebuie spus că Concerto s-a născut mai presus de toate cu vioara , ca instrument solo: sunt puține cazuri în care clavecinul apare ca instrument principal, deși la acea vreme a cunoscut o mare difuzie.
Clavecinul a fost folosit pentru prima dată, ca solist, în concertele lui Johann Sebastian Bach , care, mai ales cu Concertul în re minor BWV 1063 conceput pentru trei clavecini , se referă încă o dată la modelele italiene, încredințându-le soliștilor un rol proeminent. rolul și asigurându-se că orchestra este o parte integrantă a interpretării compoziției.
Tipologie
Concert pentru pian
Ca și în epoca barocă, genul concertului a marcat ascensiunea viorii la rangul de instrument solo prin excelență, așa că, în a doua jumătate a secolului al XVIII-lea, este din nou concertul care decretează ascensiunea și afirmarea pianului . Mulțumesc, de fapt, unei puteri sonore necunoscute altor instrumente de la tastatură, cu excepția orgii, și capacității sale de a crea cele mai variate sunete dinamice și expresive, începând din 1770, pianul a devenit încet protagonistul genului. , la începutul secolului al XIX-lea, este acum capabil să lupte cu vioara pentru supremație, în domeniul solo.
Structura
Structura concertului, care a fost consolidată în epoca barocă, a fost definită de celebrele concerte ale lui Antonio Vivaldi , bine cunoscute și interpretate în toată Europa. Au fost împărțite în trei tempo-uri sau mișcări: Allegro, Adagio, Allegro. Cele două tempo-uri rapide aveau aceeași arhitectură compozițională, constând din patru secțiuni orchestrale ( toate ) care cuprindeau trei paranteze solitare lungi ( solo - urile ).
În a doua jumătate a secolului al XVIII-lea, afirmarea principiilor compoziționale ale formei sonatei a influențat toate genurile instrumentale, dar nu cu aceeași forță: concertul solo a oferit mai multă rezistență la schimbare, deoarece structura sa nu s-a bazat atât pe opoziție a temelor sau a tonalității (așa cum se întâmplă în stilul sonatistic), precum și a contrastului sonorității dintre toți și solo (adică orchestra și solistul).
Concertul clasic a fost, prin urmare, prezentat ca o fuziune între structurile baroce formale și personajele sonatismului modern: părțile orchestrale ale mișcărilor rapide conțineau, prin urmare, trei secțiuni solo care ar putea fi identificate cu secțiunile de expunere , dezvoltare și repetare tipice mișcărilor principale. fiecare formă instrumentală a timpului, de la sonată la simfonie .
Carl Philipp Emanuel și Johann Christian Bach
Printre primii protagoniști ai Concertului clasic, au fost inițial doi dintre fiii lui Johann Sebastian Bach , primul compozitor care a conceput concerte pentru instrument de tastatură și orchestră: Carl Philipp Emanuel și Johann Christian .
Primul a scris 52 de concerte, inclusiv multe pentru clavecin, unele și pentru fortepiano, cu acompaniament orchestral redus, aproape apropiat de structura concertului baroc, dar deja orientat spre un stil dialogic. Producția celui de-al doilea este destul de diferită, ceea ce, cu cele 40 de concerte pentru clavecin sau pian forte , continuând în genul fratelui său, a stabilizat țesătura muzicală cu utilizarea bitematismului.
Școala vieneză
În mediul muzical vienez, concertul de pian a găsit un teren fertil. La Viena, de fapt, a dominat figura lui Franz Joseph Haydn , de fapt mai interesată de evoluțiile structurale ale simfoniei și ale cvartetului decât de concert; dar și cea a lui Georg Christoph Wagenseil , care în peste o sută și mai multe concerte pentru clavecin și orchestră a reprezentat mai mult cerințele clasicismului. Pe lângă acești doi autori, putem menționa producția lui Giuseppe Cambini , Jan Ladislav Dussek și Școala Mannheim .
Dar cel care a contribuit foarte mult la evoluția a ceea ce va fi concertul modern pentru pian și orchestră este, fără îndoială, Wolfgang Amadeus Mozart . Cu el, de fapt, acest gen instrumental iese din „leagănul” concertului baroc pentru a deveni locul unde are loc o adevărată dramă muzicală: în numeroasa sa producție de concert, pianul găsește un adevărat antagonist în orchestră, dând viață la o „ciocnire” de sunete diferite de fiecare dată.
Entuziasmul publicului pentru producția de concerte Mozart a dispărut treptat pe măsură ce timpul a trecut, deoarece lucrările sale s-au îndepărtat de la an la an de gustul actual pentru divertisment și ascultare dezangajată. De fapt, în aceiași ani de la Viena, lucrările lui Vanhal, Kozeluch, Hoffmeister și Krommer au avut mult mai mult succes cu publicul, toate bazate pe un caracter formal destul de simplu, lipsit de acea varietate de armonii și melodii tipice producției lui Mozart.
Beethoven și alții
Printre muzicienii generației următoare, doar Ludwig van Beethoven , a continuat pe urmele lui Mozart: printre cele cinci concerte notabile pentru pian și orchestră, cel puțin trei (cele în Do minor, Sol major și Mi bemol major) vor constitui repere în istoria genului concertelor, la care vor privi toți compozitorii din epoca romantică.
Condus de moda rampantă a virtuozității instrumentale, concertul capătă ulterior personaje din ce în ce mai strălucitoare, pentru a satisface nevoile publicului vremii, ridicând solistul la rolul de protagonist absolut. Printre compozitorii care s-au apropiat cel mai mult de gustul publicului ne putem aminti: Daniel Steibelt , Johann Nepomuk Hummel , Ignaz Moscheles , Ferdinand Ries și Carl Czerny . O tendință separată, mai legată de moștenirea lui Mozart, de la care vor exista apoi evoluții semnificative în era romantică, este reprezentată de compozitorii așa-numitei London Piano School: Muzio Clementi , Johann Baptist Cramer și John Field .
Romantism
Revoltele profunde politice, sociale, artistice și culturale care au caracterizat secolul al XIX-lea au repercusiuni în domeniul muzical și asupra concertului , a cărui evoluție, după inovațiile făcute de Beethoven , suferă o fază de arestare. Este o perioadă în care compozitorii, conduși de impulsul inovator al lui Sturm und Drang , resping regulile impuse de tradiție, în favoarea unei concepții mai libere a muzicii și a formelor muzicale mai libere și mai mici ( bruste , nocturne , balade ). Concertul începe astfel să piardă acel sentiment de unitate, tipic în locul perioadei clasice, chiar dacă, pe de altă parte, stilul romantic îi conferă un caracter mai liber, caracterizat de un spirit poetic și sentimental care, în parte, depășește și ascunde compoziționalul. incertitudini ( Carl Maria von Weber ). Chiar și cei mai mari compozitori ai vremii s-au refugiat în piese cu un domeniu mai limitat, pentru care personaje precum Felix Mendelssohn , Fryderyk Chopin , Robert Schumann , Franz Liszt , care au părăsit o vastă producție în domeniul muzicii, ca parte a concertului de pian și orchestra se limitează la a produce doar câteva exemple, care fac modificări mici, dar semnificative ale tipului. În aceste noi compoziții, de fapt, instrumentul solo este privilegiat, în raport cu orchestra, care, prin urmare, se supune sunetelor cristaline ale pianului.
În plus, utilizarea concatenării mișcărilor este avansată, abordând tipul de concert într-o singură mișcare. Începem să pierdem utilizarea diviziunii canonice în cele trei mișcări, precum și succesiunea riguroasă a temelor, expunerea, reformularea etc. La Chopin exaltarea solistului este maximă: compozitorul polonez folosește de fapt mai puțin sunetele orchestrale care erau predominante în Beethoven . Cu Liszt , pe de altă parte, ruptura cu schemele din trecut este mai clară: în cele două concerte ale sale îmbrățișează noi idealuri, printr-o mai mare libertate în formă, nu numai cu utilizarea frecventă a revenirilor tematice, ci cu legături abile între mișcări, care duc la discuții concertate la un moment dat .
Secolul al XIX-lea este și secolul interpreților , al virtuozilor pianului: această atitudine culturală a vremii afectează și concertul care devine teren fertil pentru evoluția muzicală, în detrimentul unei forme mai pure și mai bogate din punct de vedere tematic, în favoarea unei simple căutări externe.
Era modernă
Concertul modern se dezvoltă din forma ciclică deja cunoscută de romantici, reluând totuși utilizarea acelor proceduri complexe care au fost în schimb abandonate de aceștia. Mai mult, stilul modern se amestecă cu noile nevoi naționaliste, care se reflectă în muzică în utilizarea ariilor și motivelor populare, pierzând acel caracter de universalitate care a caracterizat perioada clasică, în favoarea unei mai mari interpretări personale a formelor muzicale. Alături de concert, de fapt, sunt dezvoltate și alte forme muzicale pentru instrument solo și orchestră (variații simfonice, poezii simfonice ale lui Franck ), cu o arhitectură muzicală diferită, care se extinde la ansamblul concertului formele destinate inițial orchestrei numai sau instrumentului unic.
În ceea ce privește echilibrul dintre inovație și tradiție, Johannes Brahms , pe de altă parte, combină respectul pentru forme cu utilizarea transformărilor ciclice și schimbări tematice frecvente (bazate pe „metamorfozarea tematică” reală, mai degrabă decât pe referințe recurente). De asemenea, Brahms renunță la virtuozitatea romantică a solistului, în favoarea unei concepții mai simfonice a instrumentului, nu mai opusă orchestrei, ci legată armonios de aceasta, recuperând aproape spiritul care caracterizase marele concert . În acest sens, Concertul pentru vioară, violoncel și orchestră este renumit, marcând un punct de cotitură în evoluția stilistică a concertului, înaintea evoluțiilor muzicii contemporane.
Sub influența directă a lui Brahms, Giovanni Sgambati și Giuseppe Martucci au elaborat o notabilă reînnoire a pianului în contextul italian. Ambii autori ai unui singur concert pentru pian și orchestră își dezvoltă lucrările conform dictatelor tradiționale, însă se confruntă cu o libertate mai mare decât contemporanii lor. De fapt, ele se desfășoară în conformitate cu cele trei tempo-uri clasice și, la fel ca în Brahms, împletirea dintre solist și orchestră este de așa natură încât să obțină o omogenitate puternică în unele puncte.
De asemenea, merită menționate: Camille Saint-Saëns , Pëtr Il'ič Čajkovskij , Edvard Grieg , în lucrările cărora pot fi văzute diferite tendințe, rezultatul unei cercetări constante pentru noi mijloace de expresie.
Concertul de la începutul secolului al XX-lea
Evoluția contemporană a formei compoziționale a Concertului este strâns legată de îmbunătățirile aduse în secolul al XIX-lea de așa-numitele școli naționale , care s-au dezvoltat alături de curentul mai romantic , derivat de la marii compozitori germani. Forma muzicală, din ce în ce mai irizantă și mai fațetată, își asumă deja cele mai diverse apariții de la începutul secolului, uneori privind spre trecut, uneori îndepărtându-se de el.
În ceea ce privește școala italiană , o primă contribuție majoră vine de la Ferruccio Busoni : într-o perioadă în care toate forțele muzicale erau destinate melodramei , Busoni a reluat interesul pe care Sgambati și Martucci l-au avut pentru simfonia germană.
Cele opt Concerte pentru orchestră de Goffredo Petrassi , Sonar pentru muzicieni (Concert pentru coarde și clavecin) de Ennio Porrino și Concert pentru Ajunul Crăciunului 1956 de Luigi Dallapiccola sunt, la mijlocul secolului, o importantă contribuție compozițională italiană cu reminiscențe în douăsprezece tonuri. .
În contextul concertului solo, în special cel pentru pian și orchestră, școala „rusă” a apărut într-o măsură mai mare. Relevantă a fost opera lui Sergej Vasil'evič Rachmaninov , al cărui succes este strâns legat de remarcabilul răspuns public al lucrărilor sale. În general alcătuite din diferite episoade, concertele lui Rachmaninoff sunt concepute pentru exaltarea instrumentului solo și, din punct de vedere compozițional, nu oferă nicio particularitate particulară.
Maurice Ravel , pe de altă parte, în cele două concerte ale sale, pe de o parte revine la stilul mozartian, pe de altă parte, experimentează noi forme ( Concert pentru pian pentru mâna stângă ), cu ecouri de jazz și utilizarea unui solo tempo.
De menționat și în secolul al XX-lea caleidoscopic: Ottorino Respighi cu Concertul său într-un mod mixt , Alfredo Casella , Manuel de Falla , Béla Bartók , Gian Francesco Malipiero , Sergej Sergeevič Prokof'ev , Igor 'Fëdorovič Stravinskij , Francis Poulenc , Paul Hindemith , toți autorii concertelor pentru pian și orchestră.
De asemenea, demnă de remarcat este contribuția lui John Serry Sr., al cărui Concert pentru acordeon de bas gratuit , compus în 1966 ilustrează tonalitele orchestrale ale acordeonului și potențialul său ca membru legitim al ansamblului orchestral.
Concert pentru vioară
Concert pentru violoncel
Concert pentru acordeon
În timpul dezvoltării sale ca instrument muzical, acordeonul a fost strâns asociat cu muzica populară și tradițiile orale. Acest lucru a împiedicat o tranziție lină către sala de concerte. În consecință, concertele nu au fost scrise pentru acordeon până în 1937 [1] . Mai mulți compozitori compun un concert de acordeon, printre care: Feodosly Rubtsov (1937), Hugo Hermann (1940), Anthony Galla-Rini (1941), Pietro Deiro (1946), Alan Hovhaness (1959), Paul Creston (1960), Niels Viggo Bentzon ( 1963), John Serry Sr. (1964), Per Nørgård (1968), Carmine Coppola (1973) și alții.
Notă
- ^ (EN) Helena Simmonett, Acordeonul în America: klezmer, polka, Zydeco Tango și multe altele! , Urbana, University of Illinois Press, 2012, pp. 33-34, ISBN 978-0-252-03720-7 .
Alte proiecte
-
Wikționarul conține dicționarul lema „ concert ” -
Wikimedia Commons conține imagini sau alte fișiere de concert
linkuri externe
- ( EN ) Concert , în Encyclopedia Britannica , Encyclopædia Britannica, Inc.
- ( EN , FR ) Concert , pe Enciclopedia canadiană .
| Controlul autorității | Tezaur BNCF 8728 · LCCN (EN) sh85029646 · GND (DE) 4032359-6 · BNF (FR) cb122405229 (dată) · NDL (EN, JA) 00.567.288 |
|---|
