Expresivitate
Expresivitatea în artele figurative este calitatea de a arăta, prin gesturi și atitudini pe fețele figurilor, sentimentele și stările de spirit, într-un mod mai mult sau mai puțin marcat [1] .
Căutată sau evitată cu atenție, în diferitele perioade ale istoriei artei , expresivitatea este una dintre temele fundamentale în judecata operei, fie ea sculpturală sau picturală sau legată de alte forme de reprezentare.
Istorie
Antichitate
În antichitate , reprezentarea expresiilor era o temă în general puțin practicată. În sculptura greacă au predominat figuri compuse și hieratice, în ciuda unor indicii de zâmbete pe fețele lucrărilor din perioada arhaică (așa-numitul zâmbet arhaic ), totuși, simbolizând realizarea unui echilibru moral și fizic, mai degrabă decât o stare reală de minte.
De-a lungul perioadei clasice, căutarea idealului de frumusețe perfectă a exclus reprezentarea marcată a unei expresii, chiar și în scene entuziasmate precum cele ale luptelor mitologice, în care patosul era mai degrabă încredințat gesturilor și dinamicii.
Pe de altă parte, cu arta elenistică, a existat un interes tot mai mare pentru reprezentarea expresiilor, datorită schimbării clientului care nu mai era comunitatea (prin urmare, interesat de forme mai abstracte în care fiecare să se poată reflecta), ci individual principii și patroni , legate de interese mai personale, precum „realismul”, sentimentele și căutarea celor mai intime aspecte ale existenței [2] . Cel mai senzațional exemplu al noii reprezentări a sentimentului este probabil Grupul Laocoon , în care personajele își manifestă suferința fizică și spirituală cu cea mai mare intensitate dramatică [3] .
Teme și motive ale artei grecești au trecut apoi la cea romană . Reprezentarea unor sentimente precum durerea sau frenezia s-a dezvoltat mai presus de toate prin legarea la anumite teme, precum doliu funerar (cum ar fi tema Moartea Meleagerului ), rituri dionisiace sau menade furioase.
Evul Mediu
Biserica creștină din primele secole trebuie să fi simțit un anumit disconfort față de reprezentarea unor sentimente precum durerea și asta din mai multe motive: riscul evocării amintirilor păgâne, Scripturile care indicau o anumită rezervă în manifestarea sentimentelor, și în cele din urmă motivele dogmatice. Certitudinea învierii pentru un creștin a făcut, de fapt, expoziția de doliu zadarnică. Însuși Sfântul Ambrozie a scris cum Fecioara a contemplat martiriul singurului ei fiu născut fără să plângă. Prin urmare, reprezentarea durerii, cel puțin până la întregul secol al XII-lea, a fost încredințată doar unor gesturi rituale, cum ar fi aceea de a aduce mâinile la piept și de a ține încheietura unuia cu cealaltă [4] . O excepție a fost legată de reprezentarea condamnaților, în pierderea lor eternă [5] .
Odată cu noutățile devotiei moderne , care prevedeau o anumită identificare între durerile credincioșilor și cele ale martirilor, Hristos, în primul rând, au început să fie reprezentate figuri cu o expresivitate mai mare, precum Christus patiens pe cruce ( „Hristos suferind”), cu o grimasă dureroasă și ochii închiși.
Reprezentarea sentimentului a avut un accent deosebit în Italia în Evul Mediu târziu, legat de umanizarea treptată a figurilor sacre: dacă târzii Madone de la Cimabue și Duccio aluzie deja la primele zâmbete ușoare, cu Giotto și Simone Martini ajungem puternic explozii de durere, în scene cum ar fi lamentare a Capelei Scrovegni pentru prima, sau altarului Fericitului Agostino Novello pentru acesta din urmă.
După 1350, doar câțiva pictori au continuat calea expresivității dramatice, precum Giottino sau Giovanni da Milano .
Renaştere
Recuperarea calmului clasic al antichității într-un anumit sens a încetinit artiștii Renașterii timpurii în reprezentarea explicită a sentimentelor, cu excepția tocmai pentru acele teme preluate din exemple vechi foarte expresive: un exemplu este Depunerea de Donatello care reinterpretează tema ale furioaselor Menade.
Pe frontul pictural, mai presus de toate, artiștii din Europa de Nord au dezvoltat o intensitate expresivă în lucrările lor: Rogier van der Weyden , cu lucrări precum Depunerea Prado-ului (1435), a pictat personaje cu nuanțe psihologice multiple, în timp ce poziționează întotdeauna în limitele unui comportament demn.
Dacă în Italia, în a doua jumătate a secolului al XV-lea, a început să predomine un ton contemplativ mai suspendat în figuri (evident este succesul unor pictori precum Perugino ), care s-a transmis în principiu și generației următoare, în nordul Europei tremurăturile și anxietățile care au culminat cu Reforma luterană și- au găsit expresia în lucrări de expresivitate brutală, cum ar fi lucrările lui Matthias Grünewald .
Fiecare dintre cei mai mari maeștri era legat într-un mod special de un sentiment care se repeta în cele mai bune lucrări: ambiguitate enigmatică pentru Leonardo , „teribilitate” pentru Michelangelo , dulceață senină și familiaritate pentru Rafael .
Stil baroc
Căutarea unei veridicități tot mai încrezătoare în sine a imaginilor a condus în secolul al XVII-lea să caute o reprezentare din ce în ce mai marcată și virtuozică a celor mai variate expresii, care au fost deseori studiate în direct. Maestrul în acest sens a fost Gian Lorenzo Bernini , în lucrările căruia găsim întotdeauna un accent mai voalat sau foarte explicit pentru starea de spirit a protagoniștilor.
La artiștii contrareformației , reprezentarea sentimentului a devenit un element din ce în ce mai codificat, cu forme din ce în ce mai evidente și convenționale, alcătuit dintr-un repertoriu standard de gesturi elocvente, fețe jalnice, ochi rotitori și guri deschise.
Secolele al XVIII-lea și al XIX-lea
Depopularea Academiilor a însemnat adesea o repetare a modelelor convenționale care adesea au afectat și reprezentarea sentimentului. Unul dintre cei mai renumiți pictori ai secolului al XVIII-lea, Jacques-Louis David , își încărca adesea figurile cu o expresivitate teatrală și forțată, acum departe de viața de zi cu zi reală. Neoclasicismul , cu calmul său, a evitat cu atenție reprezentarea sentimentelor în afara sferei celebrative și curtenești.
Între timp, școlile mai inovatoare au început să caute imagini mai autentice și spontane, alcătuite din gesturi și expresii cotidiene, precum realiști și realiști .
Secolul douăzeci
În secolul al XX-lea tema expresivității a început să aibă un nou sens, jucând un rol din ce în ce mai important în reprezentarea artistică. Pe lângă sentimentele principalelor subiecte, artiștii au dorit acum să-și reprezinte propria viziune personală și interioară asupra lumii din jurul lor, aducându-și sentimentele la suprafață, care până acum au ajuns să deformeze ceea ce a fost pictat sau sculptat.
Această încărcătură emoțională a artistului s-a manifestat deja în lucrările impresioniștilor , dar mai ales în generația următoare se generează o rupere iremediabilă cu tradiția anterioară. Artiști precum Van Gogh , Egon Schiele sau întregul grup de expresioniști germani își aduc acum starea de rău interioară pe suprafața picturală, creând figuri chinuite care se învecinează acum cu halucinația .
Notă
- ^ AA.VV. , Great Garzanti dictionary of the italian language , 1987, entry "Expresivitate" și "Expresie".
- ^ Pierluigi De Vecchi și Elda Cerchiari , The times of art , volumul 1, Bompiani, Milano 1999, pag. 81.
- ^ Pierluigi De Vecchi și Elda Cerchiari, cit., P. 88.
- ^ Chiara Frugoni , Vocea imaginilor , Einaudi, Milano 2010, pp. 3-4.
- ^ idem.
Elemente conexe
Alte proiecte
-
Wikționarul conține lema dicționarului „ expresivitate ”
