Film de fantezie)

Fantezie
Titlul filmului
Limba originală	Engleză
Țara de producție	Statele Unite ale Americii
An	1940
Durată	124 min (versiunea originală) 118 min (versiune tăiată)
Relaţie	1.37: 1
Tip	animație , muzical
Direcţie	vezi secțiunea Credite
Subiect	Joe Grant , Dick Huemer
Scenariu de film	vezi secțiunea Credite
Producător	Walt Disney
Casa de producție	Walt Disney Productions
Distribuție în italiană	Poze RKO Radio
Fotografie	James Wong Howe
Muzică	vezi secțiunea Credite
Art Director	vezi secțiunea Credite
Animatori	vezi secțiunea Credite
Interpreti și personaje
Leopold Stokowski : el însuși Îl consideră pe Taylor : el însuși James MacDonald : percuționist Paul Smith : violonist
Actori vocali originali
Corey Burton : Deems Taylor (versiunea 2000) Walt Disney : Mickey Mouse Hugh Douglas: narator (versiunea 1982) Tim Matheson : narator (versiunea 1985) Julietta Novis : solist „Ave Maria”
Actori vocali italieni
Dublare originală (1946) Arrigo Colombo : Deems Taylor Prima re-dublare (1973) Pino Colizzi : Se pare că Taylor Sergio Fiorentini : Leopold Stokowski Vittorio Stagni : Mickey Mouse A doua re-dublare (1986) Germano Longo : Se pare că Taylor Franco Zucca : Leopold Stokowski Claudio Trionfi : Mickey Mouse A treia re-dublare (2010) Saverio Indrio : Deems Taylor Franco Zucca: Leopold Stokowski Claudio Trionfi: Mickey Mouse
Episoade
Toccata și Fugă în Re minor Spargatorul de nuci ucenicul vrajitor Festivalul primăverii Interval / Faceți cunoștință cu coloana sonoră Simfonia nr.6 („Pastorală”) Dansul orelor Într-o noapte pe Monte Calvo și Ave Maria

Fantasia este un film de animație din 1940 regizat de diverși regizori, produs de Walt Disney Productions și distribuit de Walt Disney Company ^[1] . Cu regia de poveste de la Joe Grant și Dick Huemer și supravegherea producției de la Ben Sharpsteen , este a treia cea mai lungă clasică Disney . Filmul este format din opt segmente animate reglate pe piese de muzică clasică în regia lui Leopold Stokowski , dintre care șapte sunt interpretate de Orchestra Philadelphia . Criticul și compozitorul muzical Deems Taylor acționează ca un maestru de ceremonii , introducând fiecare segment în scene de acțiune live interstițiale.

La fel ca prima albă de zăpadă Disney Classic și cei șapte pitici , Fantasia a fost, de asemenea, considerată un film care nu va reuși și nu va conduce compania la faliment. Spre deosebire de Albă ca Zăpada , totuși, Fantasia a fost de fapt un eșec în timpul primei sale lansări în cinematografe din SUA. Filmul nu a putut fi exportat în Europa și aproape a dat faliment companiei, dar și-a revenit un an mai târziu cu al patrulea Disney Classic, Dumbo - The Flying Elephant .

Disney a venit cu ideea de a face filmul pe măsură ce se apropia lucrarea Ucenicului vrăjitorului , un scurtmetraj al Simfoniilor vesele conceput ca o întoarcere a lui Mickey Mouse , a cărui popularitate scăzuse. Pe măsură ce costurile de producție au crescut, depășind posibilul câștig, Disney a decis să includă scurtmetrajul într-un lungmetraj cu alte segmente setate pe piese clasice. Coloana sonoră a fost înregistrată folosind un proces multi-canal și a fost redată în Fantasound, un sistem inovator de reproducere a sunetului care a făcut din Fantasia primul film comercial care a fost proiectat în stereo .

Fantasia a avut premiera într-un număr limitat de teatre din treisprezece orașe americane începând cu 13 noiembrie 1940. A primit reacții critice mixte și nu a putut obține profit. S-a datorat parțial celui de- al doilea război mondial , care a întrerupt profitabila piață europeană, dar și costurilor ridicate de producție ale filmului, costului închirierii cinematografelor și instalării echipamentelor Fantasound pentru proiecții limitate. În plus, o parte din public s-a îndepărtat de Disney, care devenise brusc „cult”, preferând animațiile standard. Filmul a fost relansat de mai multe ori, video și audio eliminate, restaurate și modificate începând cu 1945 imediat după sfârșitul celui de- al doilea război mondial , permițând redescoperirea filmului de către publicul european. Până în prezent, Fantasia a încasat 76 de milioane de dolari în venituri interne și este al 22-lea film cu cele mai mari încasări din toate timpurile din Statele Unite după inflație . ^[2] Nepotul lui Walt, Roy E. Disney, a coprodus o continuare lansată în 1999, intitulată Fantasia 2000 .

Complot

Episoade

Mickey Mouse într-o scenă din ucenicul vrăjitorului

Compozitorii ale căror melodii sunt prezentate în film: Bach , Ceaikovski , Dukas , Stravinskij , Beethoven , Ponchielli , Musorgskij și Schubert .

Fantasia se deschide cu scene de acțiune live ale membrilor orchestrei care își adună instrumentele. Maestrul de ceremonii consideră că Taylor intră în scenă și introduce programul:

• Toccata și fugă în Re minor de Johann Sebastian Bach . Imagini de acțiune live ale orchestrei iluminate în albastru și auriu, susținute de umbre suprapuse, se dizolvă în modele abstracte . Liniile, figurile și formațiunile animate reflectă sunetul și ritmul muzicii. ^[3]
• Spărgătorul de nuci de Pëtr Il'ič Ceaikovski . Selecțiile din baletul lui Ceaikovski evidențiază scene care înfățișează schimbarea anotimpurilor: primăvara, vara, toamna și iarna. Sunt prezentate o varietate de dansuri cu zane, ciuperci, pești, flori și frunze, inclusiv Dansul Zânei Confetto , reprezentat cu zâne care se luptă cu flori, dans chinezesc , cu ciuperci dansante, Dansul fluierelor cu nuferi cu capul în jos, dans arab cu pești mici care seamănă cu Cleo , pești mici ai clasicului Disney Pinocchio contemporan, dans rusesc , cu ciulini și panseluțe dansatoare și Vals de flori , cu zânele toamnei și iernii. ^[4]
• Vrăjitorul lui Ucenicul de Paul Dukas , pe baza 1797 balada de același nume scris de Goethe . Mickey Mouse , tânărul ucenic al puternicului vrăjitor Yen Sid , încearcă câteva dintre trucurile magice ale stăpânului său, dar nu știe cum să le controleze. ^[5]
• Festivalul de primăvară de Igor 'Fëdorovič Stravinskij . O istorie vizuală a originilor Pământului este descrisă pe secțiuni selectate ale baletului. Secvența continuă de la formarea planetei până la primele creaturi vii, urmată de domnia și dispariția dinozaurilor . ^[6]
• Interval / Faceți cunoștință cu coloana sonoră . Muzicienii orchestrei se îndepărtează și se afișează semnul titlului. După pauză, există o scurtă sesiune de jazz , condusă de un clarinetist, în timp ce membrii orchestrei se întorc. Apoi este prezentată o demonstrație stilizată umoristic a modului în care sunetul este redat într-un film. O coloană sonoră „personificată” animată, inițial o linie dreaptă albă, se transformă în diferite forme și culori în funcție de sunetele redate. ^[7]
• Simfonia n. 6 „Pastorale” de Ludwig Van Beethoven . O lume mitică a Greciei antice cu Pegasi , unicorni , cupidoni , centauri , fauni și alte figuri din mitologia clasică este reprezentată pe muzica lui Beethoven. O întâlnire pentru o petrecere în cinstea lui Bacchus , zeul vinului, este întreruptă de Zeus, care creează o furtună și aruncă fulgere asupra participanților. ^[8]
• Dansul orelor de Amilcare Ponchielli . Un balet comic în patru secțiuni: Madame Upanova și struții ei (dimineața); Jacinta hipopotamul și slujitorii ei (după-amiază); Elephanchine și compania ei de elefante care suflă bule de săpun (seara); Ben Ali Gator și grupul său de aligatori (noapte). Finalul arată toate personajele dansând împreună până când palatul lor se prăbușește. ^[9]
• O noapte pe Muntele Chel de Modest Petrovič Musorgskij și Ave Maria de Franz Schubert . La miezul nopții, demonul malefic Chernabog convocă duhuri rele și suflete neliniștite din mormintele lor. Spiritele dansează și zboară prin aer până când sunetul unui clopot îi aduce înapoi, în timp ce noaptea face loc zorilor. Un cor se aude cântând Ave Maria ca o linie de călugări cu torțe aprinse care se plimbă printr-o pădure și în ruinele unei catedrale. ^[10]

Producție

Origini

Leopold Stokowski.

În 1936, Walt Disney a simțit că Mickey Mouse , vedeta studioului Disney, are nevoie de o creștere a popularității și a decis să îl includă în The Sorcerer's Apprentice , un scurtmetraj de animație de lux bazat pe balada scrisă de Johann Wolfgang von Goethe și montată pe poemul.simfonic de Paul Dukas inspirat din povestea originală. ^[11] Conceptul de a combina animația cu muzica clasică fusese folosit încă din 1928 în seria de desene animate Disney’s Merry Symphonies , dar Walt a vrut să depășească farsa obișnuită și să producă filme scurte unde „fantezia pură se dezvăluie. controlat de un motiv muzical are un mare farmec în tărâmul irealității ”. ^{[12] [13]} După ce a primit drepturile de a folosi muzica la sfârșitul lunii iulie 1937, ^[14] Disney a luat în considerare utilizarea unui dirijor cunoscut pentru a înregistra muzica, adăugând prestigiu. S-a întâlnit întâmplător cu Leopold Stokowski , dirijorul Orchestrei Philadelphia din 1912, la restaurantul lui Chasen din Hollywood și i-a spus despre planurile sale pentru scurtmetraj. Stokowski și-a amintit că „îi place muzica”; a fost fericit să colaboreze la proiect și s-a oferit să dirijeze piesa fără costuri. ^[15]

După întâlnirea lor, reprezentantul Disney din New York a fugit cu Stokowski într-un tren care se îndrepta spre est. Scriind către Disney, el a raportat că Stokowski era "foarte serios în legătură cu oferta sa de a face muzică gratuit. Avea câteva idei foarte interesante despre colorarea instrumentală, care ar fi perfectă pentru un mediu de animație". ^[15] În răspunsul său entuziast din 26 octombrie 1937, Disney a scris că se simte „încântat de faptul că Stokowski lucrează cu noi ... Unirea lui Stokowski și muzica sa, împreună cu cele mai bune din mediul nostru, ar fi instrumentele succes și ar trebui să ducă la un nou stil de prezentare a filmului. " ^[16] El începuse deja să lucreze la o schiță a poveștii și dorea să folosească „cei mai buni bărbați ... de la culoare ... la animatori” ^[17] pe scurtmetraj. Ucenicul vrăjitorului urma să fie promovat ca „special” și vândut cinematografelor ca un film unic, în afaraseriei de desene animate Mickey Mouse . ^{[15] [18]}

Se pare că Taylor.

Un acord semnat de Disney și Stokowski la 16 decembrie 1937 a permis dirijorului să „selecteze și să utilizeze o orchestră simfonică completă” pentru înregistrare. ^[19] Disney a închiriat o scenă la studiourile Culver din California pentru sesiunea care a început la miezul nopții pe 9 ianuarie 1938 și a durat trei ore cu 85 de muzicieni de la Hollywood. ^[20] Întrucât costurile de producție ale ucenicului vrăjitorului au crescut la 125.000 de dolari, a devenit mai clar pentru Disney și fratele său Roy , care s-au ocupat de finanțele studioului, că scurtmetrajul nu ar putea recupera niciodată o astfel de sumă de la sine. ^[11] Roy și-a dorit ca fratele său să mențină la minimum orice cheltuieli suplimentare pentru film și a spus că „datorită naturii sale experimentale și fără precedent ... nu avem nicio idee la ce să ne așteptăm de la o astfel de producție”. ^[15] Ben Sharpsteen , un supraveghetor de producție pentru Fantasia , a observat că bugetul său era de trei până la patru ori mai mare decât o simfonie veselă normală, dar Disney "a văzut această problemă sub forma oportunității. A fost nașterea unui nou concept., un grup de numere separate - indiferent de lungimea lor - reunite într-o singură prezentare. Sa dovedit a fi un concert - ceva nou și de înaltă calitate. " ^[21]

Ideile pentru producerea unui film complet au fost căutate în februarie 1938, când s-au făcut cereri de prelungire a contractului lui Stokowski. ^[21] În august, Disney a cerut reprezentantului lui Stokowski să-l întoarcă la studiouri pentru a selecta materialul pentru noul film, care a fost inițial intitulat The Concert Feature . ^[15] Cuplul a planificat, de asemenea, să prezinte filmul cu o gazdă pe ecran care să prezinte fiecare număr al programului. Ambii au auzit compozitorul și criticul muzical, Deems Taylor, făcând comentarii la interludii la emisiunile de radio ale Filarmonicii din New York și au fost de acord că el va fi cel mai potrivit pentru rol. ^[16] Disney a luat legătura cu Taylor cu privire la proiect, dar apoi lucrările la Pinocchio , Bambi și dezvoltarea noului său studio Burbank l-au ținut prea ocupat pentru a lucra la noul film. ^[22] Într-o schimbare de planuri, Taylor a fost rugat, în timpul unui apel din 3 septembrie 1938, să plece pentru studii cât mai curând posibil. A plecat din New York spre Los Angeles cu trenul două zile mai târziu pentru o vizită de câteva luni. ^[16]

Dezvoltarea și alegerea secvenței

Când Taylor a ajuns în studio, a început să selecteze piese muzicale pentru The Concert Feature . Disney i-a pus pe scenariștii Joe Grant și Dick Huemer să colecteze o selecție preliminară de muzică și împreună cu Stokowski, Taylor și șefii diferitelor departamente au discutat ideile lor. ^[21] Fiecare întâlnire a fost înregistrată textual de către stenografi, iar participanții au primit o copie a conversației pentru examinare. Când au fost luate în considerare selecțiile, a fost găsită o înregistrare a melodiei și redată în următoarea întâlnire. ^[23] Disney nu a contribuit prea mult la discuțiile preliminare; a recunoscut că cunoștințele sale despre muzică erau instinctive și neexperimentate. ^[24] Într-o întâlnire, el a cerut un pasaj „pe care să construim ceva de o temă preistorică ... cu animale”. ^[25] Grupul se gândea să folosească The Firebird al lui Igor Stravinsky, dar Taylor a remarcat că „ Ritul său de primăvară ar fi ceva din această ordine”. Disney a răspuns după ce a auzit o casetă: "Este minunat! Ar fi perfect pentru animalele preistorice. Ar fi ceva terifiant la dinozauri, șopârle zburătoare și monștri preistorici. Ar putea fi frumusețe în decoruri." ^[26]

Numeroase alegeri au fost abandonate pe măsură ce discuțiile au continuat, inclusiv Mișcarea perpetuă a lui Niccolò Paganini cu „fotografii dinam, roți dințate, pistoane” și „roți pivotante” pentru a arăta producția unui buton de guler. Alte ștergeri au fost Preludiul în sol minor și Troica lui Serghei Rachmaninoff și o interpretare a Cântecului puricului al lui Musorgsky, care urma să fie cântat de Lawrence Tibbett . ^[27] La 29 septembrie 1938, aproximativ 60 de artiști Disney s-au adunat pentru un concert de pian de două ore și jumătate, în timp ce Walt a oferit o relatare a noului film muzical. De asemenea, a fost prezentată o versiune brută a Ucenicului vrăjitorului care, potrivit unui participant, a văzut mulțimea aplaudându-se „până când mâinile lor s-au înroșit”. ^[28]

Pre-producția a început aproximativ în septembrie 1938, când Stokowski, Disney și alți membri ai proiectului au ascultat numeroase piese muzicale pentru a decide dacă le includ sau nu în film și pentru a defini temele. ^[29] . Dacă la început părea evident să creezi un colaj de desene animate fără un adevărat protagonist (ca urmare a Simfoniilor vesele ) în octombrie Walt și-a exprimat dorința de a nu transforma filmul într-o simplă colecție de scurtmetraje ^[30] . Pe 26 septembrie, Disney a propus o difuzare pe ecran lat ^[30] pentru film (care se va face mai târziu cu CinemaScope ). Disney începuse deja să elaboreze detaliile pentru segmente și arăta mai mult entuziasm și dorință decât anxietatea sa când începea să lucreze la Pinocchio . ^[31]

Cele șapte opere muzicale alese în plus față de Ucenicul vrăjitorului au fost:

• Toccata și fugă în re minor de Johann-Sebastian Bach ;
• Diferite extrase din balet Spărgătorul de nuci de Pëtr Il'ič Ceaikovski ;
• Festivalul de primăvară de Igor 'Fëdorovič Stravinskij ;
• L ' Entrée des petits faunes de la Cydalise et le Chèvre-pied de Gabriel Pierné ;
• Dansul orelor , balet preluat din opera La Gioconda de Amilcare Ponchielli ;
• O noapte pe muntele chel al lui Modest Musorgskij ;
• Ave Maria de Franz Schubert .

Această listă a fost stabilită destul de devreme, la 13 septembrie 1938 conform lui Michael Barrier ^[30] , la 20 septembrie de Robin Allan ^[32] . Allan indică faptul că The Firebird (1910) și Petruška (1911) au fost numiți în timpul întâlnirii și ar putea face un final perfect conform lui Deems Taylor ^[32] . Lista din 20 septembrie adaugă Clair de lune , preluată din Bergamasque Suite a lui Claude Debussy ^[32] . Cântece de Beethoven, Paganini, Maurice Ravel Bolero , Richard Strauss' Till Eulenspiegel au fost luate în considerare.

Grant și Maltin citează următoarele lucrări ipotezate:

• Clair de lune din Bergamasque Suite a lui Claude Debussy;
• Invitația la dans a lui Carl Maria von Weber combinată cu Pegasus Peter din secvența Pastoral Symphony;
• Petru și lupul de Sergej Prokofiev ;
• Umoresca nr.7 de Antonín Dvořák cu ciuperci de la Spărgătorul de nuci;
• Lebada Tuonelei din suita Lemminkäinen a lui Jean Sibelius (1893);
• The Ride of Valkyries din opera lui Richard Wagner The Valkyries .

Cea mai cunoscută dintre secvențele aruncate este Clair de lune care nu a fost inclusă numai din motive de lungime excesivă^[33] . Această secvență a fost apoi utilizată cu muzica modernă în maestrul clasic Musica din 1946 , împreună cu Petru și lupul lui Prokofiev. Muzica a fost înregistrată între ianuarie și mai 1939 ^[34] . Ultimele șapte secvențe au fost stabilite odată pentru totdeauna în iulie 1939, când secvența Claire de Lune a fost abandonată. Această parte a fost îndepărtată în curând din programul Fantasia , dar Disney și scriitorii săi au avut probleme cu crearea unei povești concrete pe Cydalise . Marșul său de deschidere, Intrarea micilor fauni , a atras-o pe Disney către cântec, care la început a furnizat reprezentările adecvate ale faunilor pe care și-i dorea. La 5 ianuarie 1939, în urma unei căutări a unei piese puternice care să se potrivească temei mitologice, piesa a fost înlocuită de secțiuni din a șasea simfonie a lui Beethoven. Stokowski nu a fost de acord cu schimbul, crezând că ideea mitologiei Disney „nu este chiar tema despre care se referă această simfonie”. El a fost, de asemenea, îngrijorat de primirea din partea fanilor muzicii clasice, care ar critica Disney pentru că se aventurează prea departe de voința compozitorului. ^[35] Taylor a salutat schimbarea, descriind-o ca fiind „uimitoare” și nu a văzut „nicio obiecție posibilă față de aceasta”. ^[36]

Noul film a continuat să fie cunoscut sub numele de Concert Feature sau Musical Feature până în noiembrie 1938. Hal Horne, publicist pentru RKO Radio Pictures (distribuitor de filme Disney), a dorit un alt titlu și a sugerat Filmharmonic Concert . Stuart Buchanan a organizat astfel un concurs la studio pentru un titlu, care a produs aproape 1800 de propuneri, inclusiv Bach către Stravinsky și Bach și Highbrowski de Stokowski . Totuși, favoritul supervizorului filmului era Fantasia , un titlu de lucru care îi venise în minte lui Horne: „Nu este singurul cuvânt, ci sensul pe care l-am citit în el”. ^[37] Încă de la începutul dezvoltării sale, Disney a exprimat importanța mai mare a muzicii în Fantasia față de munca sa din trecut: „În materialul nostru obișnuit, muzica noastră este întotdeauna în spatele acțiunii, dar pe aceasta ... ar trebui să reprezentăm această muzică - nu-l adaptați la istoria noastră ”. ^[38] Disney spera că filmul va aduce muzică clasică oamenilor care, inclusiv el însuși, „au trecut peste acest gen de lucruri”.^[39]

Proiectare și animație

Peste o mie de artiști și tehnicieni au fost folosiți în realizarea Fantasia ^[40], care are peste 500 de personaje. ^[41] Segmentele au fost colorate scenă cu scenă, astfel încât culorile unei singure fotografii să se armonizeze cu precedentele și următoarele. ^[42] Înainte ca schema narativă a unui segment să fie completă, o schemă generală de culori a fost concepută pentru starea generală a muzicii și a fost modelată pentru a corespunde cu dezvoltarea obiectului. ^[42] Departamentul de modelare a personajelor ar sculpta și modele tridimensionale de lut, astfel încât animatorii să își poată vedea subiectul din toate unghiurile. ^[43]

Toccata și Fuga în Re minor : abstractizare vizuală

Disney a fost interesată de producția de animație abstractă de când a văzut în 1935 L Len Lye A Color Box . El a explicat că munca făcută în Toccata și Fugue "nu a fost o idee bruscă ... au fost ceva pe care l-am hrănit de-a lungul mai multor ani, dar nu am avut niciodată șansa de a încerca". ^[44] Printre proiectele preliminare se numărau cele ale animatorului de efecte Cy Young , care a produs modele influențate de motive pe marginea unei bucăți de film sonor. ^[45] La sfârșitul anului 1938 Disney l-a angajat pe Oskar Fischinger , un artist german care a produs mai multe filme de animație abstracte, inclusiv unele cu muzică clasică, pentru a lucra cu Young. După revizuirea a trei role Leica produse de cei doi, Disney le-a respins pe toate trei. Potrivit lui Huemer, tot Fischinger "a făcut au fost mici triunghiuri și desene ... nu a ieșit nimic din asta. Prea frumos, a spus Walt." ^[46]

Fischinger, ca și Disney, era obișnuit să aibă control deplin asupra muncii sale și nu era obișnuit să lucreze în grupuri. Simțind că desenele sale erau prea abstracte pentru publicul de masă, Fishinger a părăsit studioul cu disperare aparentă înainte ca segmentul să fie finalizat în octombrie 1939. ^[47] Disney a planificat să facă Toccata și un film experimental tridimensional a scăpat , iar publicul va fi li s-au oferit cadre stereoscopice din carton cu programele lor de suveniruri , dar ideea a fost abandonată. ^[44]

Dansurile Suitei Spărgătorul de Nuci

Această secvență fusese propusă în 1935 ca o Simfonie prostească intitulată Balletto dei Fiori ^{[32] [48]} . Grant amintește că secvența a fost împărțită în șase secțiuni, fiecare ilustrând un balet din suita lui Ceaikovski:

• Dansul Zânelor Confetto , care depun roua în tufiș, trezind toată natura. Dulceața și strălucirea personajelor au fost posibile datorită unei vopsele speciale transparente.
• Dansul chinezesc : un grup de ciuperci dansatoare evocă dansatorii chinezi în timp ce dansează o mișcare amuzantă. O ciupercă mai mică decât celelalte, numită oficial Hop Low și poreclită „ Cățelușul fanteziei ” de către un critic, nu reușește niciodată să se încadreze în grup ^[49] . Se spune că animatorul Art Babbitt s-a bazat pe Three Stooges ca un ghid pentru a anima ciupercile dansante în numărul de Dans chinezesc . A desenat cu o coloană sonoră fixată pe biroul său pentru a dezvolta coregrafia, conectând acțiunea la melodie și contrapunct, „acele mici note urâte din fundal ... așa că ceva trebuie să fie legat de ele”.
• Dansul zufolilor : dansatorii „Baletului Florilor” dansează pe apă și efectuează un dans care se încheie cu căderea într-o cascadă ^[49] .
• Dansul arab : într-o atmosferă exotică subacvatică, o școală de pești aurii cu aripioare lungi și diafane, efectuează un dans oriental lent ^[49] . Acești pești, așa cum am menționat deja, preiau stereotipul lui Cleo în Pinocchio . ^[32]
• Dansul rus : „ciulinii cazaci” ai „orhideelor ​​satului” evocă un dans slav ^[49] .
• Valsul florilor: zânele de toamnă fac frunzele să cadă ^[49] până iarna când gerul acoperă încet totul. Zânele de iarnă se succed și zânele fulgului de zăpadă dansând pe gheață. Efectele acestei secvențe au fost obținute datorită camerei multiplane . Zânele din această secvență, care arată ca libelule, sunt o creație a directorului artistic, de origine engleză, Sylvia Holland ^[50] . Studioul profesionist i-a filmat pe dansatorii Joyce Coles și Marjorie Belcher purtând tutuțe care semănau cu formele florilor de deasupra apei în Flute Dance . De asemenea, a fost adus un dansator arab pentru a studia mișcările peștelui auriu în dansul arab . ^[51]

ucenicul vrajitor

Disney nu a fost primul care a transportat povestea ucenicului vrăjitorului la cinema: Sidney Levee făcuse deja ucenicul vrăjitorului în 1930 ca o adaptare a lui Hugo Riesenfeld ; în anul următor, Oskar Fischinger a lansat Studie Nr.8, inclusiv versiunea Paul Dukas , iar câțiva ani mai târziu, compania franceză de film a lansat propria sa versiune Der Zauberlehrling . Această secvență este probabil cea mai cunoscută a filmului, mai ales pentru utilizarea unui personaj deja cunoscut publicului sub numele de Mickey Mouse . Filmul amintește foarte mult de Fanfara , în care Mickey Mouse poartă un costum foarte asemănător cu cel al Fantasiei și nu vorbește. Pentru acest rol, a fost necesar un tratament special pentru personaj. Începând din 1936, rolul lui Mickey Mouse devenise, în comparație cu personajele secundare, mai puțin potrivit pentru gaguri, de asemenea pentru caracterul său blând și înțelept ^[52] . Popularitatea sa a scăzut în avantajul altor personaje precum ^[52] Donald Duck și Goofy , care au devenit protagoniștii seriei lor omonime din 1938 ^[52] . Mickey Mouse a fost redesenat de animator ^[52] , care, pentru prima dată, i-a adăugat elevi pentru a atinge game mai mari de expresie. ^{[14] [53]} Animația a început pe 21 ianuarie 1938, când James Algar , directorul segmentului, i-a atribuit animatorului Preston Blair scena Mickey Mouse care s-a trezit din visul său. ^[43] Fiecare dintre cei șapte sute de membri ai personalului de la acea vreme au primit un rezumat al contului lui Goethe și li s-a cerut să completeze un formular de douăzeci de întrebări prin care să își ceară ideile despre acțiunile care ar fi putut avea loc. ^{[14] [20]} Artistul Layout Tom Codrick a creat ceea ce Dick Huemer a descris ca „miniaturi viu colorate” din schițe preliminare ale storyboard-urilor folosind vopsea cu guașă, care a fost caracterizată printr-o utilizare mai îndrăzneață a culorilor și a iluminatului decât orice alt scurtmetraj Disney anterior. ^[54]

La maggior parte del segmento venne girato in live action , compresa una scena in cui fu chiesto a un atleta dell' UCLA di correre e saltare in uno dei teatri di posa dello studio cosparso di barili, ripresa che venne utilizzata come riferimento quando Topolino cammina nell'acqua. ^[55] Gli effetti dell'acqua furono realizzati da Ugo D'Orsi . John Grant nota che in un'intervista del 1976 al magazine Millimeter Ben Sharpsteen , considerò, in contraddizione con gli elementi precedenti «che non vi fu una vera volontà di evolvere il personaggio di Topolino, si trattò piuttosto di una evoluzione naturale». Per farlo conferire meglio al nuovo ruolo, il volto di Topolino fu modificato rispetto alla classica immagine anni trenta dall'animatore Fred Moore . Questi creò il modello di Topolino in costume e aggiunse delle pupille al personaggio, apparse contemporaneamente nella versione a fumetti. Il Topolino di Fantasia, rispetto a quello di Stemaboat Willie, si muove con molta più leggerezza ma è allo stesso tempo più sicuro di sé e meglio definito graficamente. ^[56]

Per lo stregone, chiamato Yen , Sid o Yensid , gli animatori presero come modello l'attore Nigel De Brulier . Per Bob Perelman, la sua immagine è quella di «uno stregone con un lungo mantello decorato di simboli zodiacali che lancia incantesimi dalla sua potente bacchetta a sfera» ^[57] . Nonostante la sua presenza sullo schermo sia limitata essa viene ricordata per la profonda influenza e il timore che incute su Topolino e su tutto il pubblico.

La Sagra della Primavera : un corso sulla preistoria

In origine la musica di Stravinskij doveva accompagnare un ballo di riti paesani e danze tribali ma Disney lo trasformò in una lezione di geologia e paleontologia. L'idea di utilizzare quest'opera venne però inizialmente da Taylor e da Stokowski.

Un concetto iniziale fu quello di estendere la storia all'età dei mammiferi ai primi esseri umani alla scoperta del fuoco e al trionfo dell'uomo. John Hubley , direttore artistico del segmento, spiegò che fu in seguito ridotto da Disney per evitare polemiche dai creazionisti, che avevano promesso di metterlo in difficoltà se avesse collegato l'evoluzione con gli esseri umani. ^[58] Per ottenere una migliore comprensione della storia del pianeta lo studio ricevette la guida di Roy Chapman Andrews , direttore dell' American Museum of Natural History , del biologo inglese Julian Huxley , del paleontologo Barnum Brown e dell'astronomo Edwin Hubble . ^{[17] [59]} Gli animatori studiarono comete e nebulose all' Osservatorio di Monte Wilson , e osservarono un branco di iguane e un cucciolo di alligatore che erano stati portati in studio. ^[60] La macchina da presa venne tenuta in una posizione bassa in tutto il segmento per aumentare l'immensità dei dinosauri. ^[59] Contattato da Disney nel 1938, Stravinskij, il solo compositore vivente a comparire nel film, fu pressoché costretto a cedere diritti per cinquemila dollari poiché i produttori del film precisarono che un suo eventuale rifiuto non avrebbe impedito la realizzazione dell'opera, visto che i diritti della Sagra erano stati registrati in Russia e non valevano dunque negli Stati Uniti d'America ^[61] .

L'animazione rievoca le ere geologiche :

• l'adeano , la formazione delle terre e degli oceani;
• l' archeozoico e il proterozoico con i primi batteri ed esseri viventi;
• il cambriano con i primi esseri animali;
• il Siluriano , con le prime piante e animali terrestri;
• il Mesozoico , diviso in tre periodi, Triassico , Giurassico e Cretaceo , l'epoca dei dinosauri.

Sono rappresentati gli animali all'epoca più noti: il casmosauro , il triceratopo , l' anchisauro , il coritosauro , l' archéoptéryx , il diplodocus , il brachiosauro , lo psittacosauro , il compsognathus , l' ornitomimo , lo stegosauro , il plateosauro , l' anchilosauro , il brontosauro , il camarasauro , il tirannosauro , il parasaurolophus , l' edmontosauro , il griposauro , il troodonte , l' oviraptor e il ceratosauro assieme ad alcuni rettili terrestri come il dimetrodonte (ritenuto erroneamente come un dinosauro) e la kannemeyeria , rettili alati come lo pteranodonte e il dimorfodonte e rettili marini come il tylosauro , il notosauro , la placochelide e il plesiosauro . Sono stati riutilizzati per presentare i dinosauri nell'attrazione Universe of Energy nel parco EPCOT ^[62] .

Il combattimento fra stegosauro e tirannosauro fu animato da Wolfgang Reitherman . Joshua Meador , capo animatore degli effetti speciali assicurò la ricostruzione delle eruzioni vulcaniche con le colate laviche. Molte furono le influenze fantascientifiche, in particolare fu decisivo il film di Willis O'Brien Il mondo perduto ^[50] .

La versione scientifica fu influenzata da Charles R. Knight ^[32] , uno dei più influenti disegnatori americani degli animali del mondo preistorico ^[63] . Per le scene desertiche gli animatori s'ispirarono a Edward Hopper le cui illustrazioni erano allora pubblicate sul National Geographic ^[32] .

La Sinfonia Pastorale , una giornata fra gli dei greci

Mentre la sinfonia di Beethoven è una ballata campagnola nel senso nobile del termine, gli animatori Disney ne fecero una giornata nel regno degli dei greci ai piedi del monte Olimpo . La sequenza è, per Robin Allan, un repertorio d'immagini ispirate dall'arte europea, influenzate dall'artista svizzero Albert Hurter ^{[32] [64]} . Gli sfondi di Art Riley , Ray Huffine e Claude Coats s'ispirano all' Art nouveau . Per Allan, la rotondità del paesaggio e le sue stilizzazioni si devono a Gordon Legg ^[32] . Ward Kimball animò Bacco e secondo Allan la sequenza è di una qualità tecnica ed estetica innegabile ^[32] .

In origine, la sequenza d'animazione era prevista per Cydalise et le Chèvre-pied di Pierné ^[32] . La pre-produzione iniziò con quest'opera musicale. Il 26 settembre 1938 fu integrata la scena del volo e del nido di Pegaso, mentre il 13 ottobre George Stallings aggiunse degli elementi comici come la scena delle ninfe e dei fauni, seguito il 17 ottobre dal proseguimento della storia di Pegaso con la comparsa della sua famiglia ^[32] . Un'idea di Stallings del 29 settembre fu di far apparire le ninfe, e fu sviluppata il 13 ottobre successivo, le ninfe divennero poi delle centaurette in seguito alla decisione di ambientare la scena nell' Antica Grecia ^[32] .

Albert Hurter , che realizzò dei lavori preparatori per i centauri e le centaurette, s'ispirò a Franz Von Stuck ^[32] . Un altro artista a influenzare l'opera fu il tedesco Heinrich Kley ^[32]

La gran parte dei personaggi come i bambini ei fauni fu ispirata a precedenti Sinfonie allegre come Sognando fra le stelle (1938), Sirenette in festa (1938) e Il piccolo Hiawatha (1937) ^[32] . Il 2 novembre 1938, Disney decise di scartare la musica di Pierné perché non abbastanza espressiva ^[32] . L'idea di utilizzare la Pastorale di Beethoven sembra essere apparsa verso l'inizio di novembre ^[32] .

Dopo la decisione di adottare la musica di Beethoven, assai più energica di quella di Pierné, causò diversi problemi ^[32] . La sequenza musicale originaria fu tagliata dagli iniziali quaranta minuti a poco più di venti. Il primo movimento presenta gli unicorni , i satiri e la famiglia di Pegaso: è un invito al mondo mitologico ^[32] . Il secondo movimento vede l'incontro fra i centauri e le centaurette, attorniati dai cherubini , che favoriscono le relazioni amorose fra le coppie, una di queste è formata da Brudus e Melinda ^[65] e introduce molti elementi comici per far apprezzare al pubblico americano la musica seria di Beethoven ^[32] . La terza parte vede la produzione del vino con il dio Bacco (che in realtà sarebbe Dioniso , poiché Bacco è un dio romano, non greco) che governa la scena giocosa mentre è posto su un asinello detto Jacchus ^[65] . La quarta parte vede l'arrivo degli dei che causano scherzi ai terrestri: Zeus, aiutato da Vulcano (in realtà Efesto ), entrambi animati da Art Babbitt , lanciano lampi sui centauri, sulle centaurette e sui fauni ^[65] . Il quinto movimento vede l'apparizione delle altre divinità, Iris con il suo arcobaleno, Apollo sul suo carro solare, e infine la dea della Notte e Diana che porta la Luna ^[65] .

Come già precisato, benché la scena sia ambientata in Grecia molti nomi degli dei nella sequenza sono quelli dei corrispettivi romani.

Per questa sequenza la Commissione Hays impose per le centaurette dei reggiseni fioriti ^{[32] [65]} , per far risultare le scene meno impudiche. Secondo David Koenig, la commissione il 24 settembre del 1934 prevenne Disney ^[66] : «contro la possibilità di rappresentare con troppo realismo alcuni personaggi come quelli nel secondo movimento della sinfonia di Beethoven descritti come le centaurette femminili»

La Danza delle Ore : il balletto antropomorfo

Per Grant, la Danza delle Ore non è solo un balletto ma «anche un grande divertimento che la squadra di Disney trattò con leggerezza come uno scherzo», «la sequenza stessa è una parodia del balletto classico». Secondo una riunione del 29 settembre del 1938 la sequenza doveva essere trattata «come un balletto tipico e triviale» ^[32] . Lambert dichiara che essa è la parte più giocosa di Fantasia ^[67] . Nonostante la sua elevata verve comica, nella sequenza si riscontra anche molta tecnica nell'animare tutti gli animali come persone reali. I personaggi furono realizzati da Joe Grant ^[67] .

Il balletto è composto da quattro parti: la mattina con gli struzzi, il pomeriggio con gli ippopotami, la sera con gli elefanti e la notte con gli alligatori ^[32] . I personaggi principali furono chiamati come segue: Lo struzzo étoile si chiama Signorina Upanova (chiaro riferimento Tamara Toumanova ), la prima ballerina degli ippopotami Hyacynth Hippo, la prima elefantessa Elephanchine (parodie di George Balanchine ) e il primo alligatore Ben Ali Gator ^[65] . Quest'ultimo è opera di John Lounsbery ^[68] . La scena attorno alla fontana è ispirata al film The Goldwyn Follies (1938), con la stessa vasca, le stesse colonne e lo stesso movimento danzante di Vera Zorina che si eleva dal bacino ^[32] .

Per Lella Smith, questa sezione è influenzata dalle opere di un artista che raffigurava animali antropomorfi, Heinrich Kley, che affascinarono Walt Disney ^[64] . Il disegnatore Pat Sullivan influenzò la sequenza con i suoi frequenti disegni di ippopotami e alligatori ^[32] .

Per ispirazione, gli animatori studiarono delle vere ballerine, tra cui Marge Champion , Tatiana Riabouchinska e Irina Baronova . ^[53] All'animatore John Hench venne assegnato di lavorare sul segmento, ma si oppose poiché sapeva poco di balletto. Così Disney diede a Hench un abbonamento al Ballet Russe de Monte Carlo con accesso al backstage perché potesse saperne di più. ^[69] Marge Champion Belger aveva già collaborato a Biancaneve ei sette nani . Riabouchinska servì da modella per l'ippopotamo Hyacytnh ^[70] . Roman Jasinski fu utilizzato come modello per gli elefanti ^[65] . L'artista ungherese Jules Engel fu ingaggiato per le coreografie ^[64] , che realizzò anche per Lo schiaccianoci ^[32] .

Una Notte sul Monte Calvo e l'Ave Maria

John Grant nota che il finale di Fantasia , con il susseguirsi di Una Notte sul Monte Calvo e dell' Ave Maria di Schubert, è principalmente dominato dall'immagine del malvagio demone Chernobog ^[65] . Bela Lugosi , meglio conosciuto per il suo ruolo in Dracula , venne chiamato per fornire le pose di riferimento per il perfido diavolo. Poiché all'animatore Bill Tytla non piacquero i risultati, fece posare il collega Wilfred Jackson a torso nudo, il che gli diede le immagini di cui aveva bisogno. ^[11] L'animazione di questo personaggio valse a Tytla un'importante stima da parte di tutto lo staff Disney e la qualifica di "genio" ^[65] . Gli schizzi preparatori furono realizzati a pastello da Kay Nielsen assunto da Disney grazie all'animatore Grant ^[64] .

Tytla raccontò a John Canemaker nel 1976 che egli lesse semplicemente qualcosa riguardo a Moussorgski, termini ucraini come Chorni-bok , l'arte nera e che adottò queste letture per animare i personaggi. Secondo Lambert, la leggenda è questa: «tutti i 24 giugno, i maghi organizzano dei riti sulla montagna Triglav presso Kiev », ma questi riguardano il dio Svarog / Bělbog , antitesi di Chernobog . Allan indica che l'influenza dell'opera di Nielsen è visibile soprattutto nelle sequenze iniziali e finali del Monte Calvo - quelle del paesaggio - e nell' Ave Maria , ma si sente comunque l'influenza del film Faust (1926) di Friedrich Wilhelm Murnau ^[64] . I paesaggi evocano la grandezza di Hokusai o di Hiroshige , poiché Nielsen era affascinato dall'arte orientale ^[64] . La parte dell'Ave Maria s'ispira all'arte romantica europea, senza però attenersi troppo alla precisione di quest'ultima, in particolare le opere «austere e mistiche» di Caspar David Friedrich ^[64] .

Per Grant, è l'animazione di Chernabog a donare alla sequenza la sua qualità di capolavoro, in particolare con la sua apparizione sul monte ^[65] . D'altra canto questa parte del film portò Disney a cimentarsi su un tema allora ignoto o poco conosciuto al cinema, come quello demoniaco, che avrà poi tanta fortuna decenni più tardi con film come L'esorcista (1973) ^[65] . La sequenza unisce delle evocazioni erotiche fra cui ballerine nude nel fuoco, idolatri demoniaci, dei fantasmi, con dei simboli cristiani come il pellegrinaggio delle torce ^[65] in una foresta dall'aspetto gotico. Per lo spettatore medio la transizione fra il Monte Calvo e l'Ave Maria è «un perfetto contrasto per calmare l'influenza del demone» ma qualche critico sostiene che «proporre una tale giustapposizione con le implicazioni di questo dramma negromantico significa fare di due brani musicali una sola miscela mostruosa» ^[65] .

Ci furono idee di rilasciare profumi attraverso tutta la sala durante la proiezione di Fantasia , tra cui l'odore di incenso durante l'Ave Maria. ^[71] Come raccontato anche nel documentario Fantasia: La Creazione di un Capolavoro, l'Ave Maria fu terminato di girare solo quattro ore prima della presentazione del film a New York. Vi furono infatti diversi problemi nel girare l'ultima sequenza in multiplane camera , poiché si susseguirono delle scosse di terremoto.

Colonna sonora

Registrazione

La Philadelphia Academy of Music.

Per Fantasia Disney volle sperimentare tecniche di registrazione sonora e riproduzione più sofisticate. "La musica che emerge da un diffusore dietro lo schermo sembra sottile, tintinnante e distorta. Volevamo riprodurre quei bellissimi capolavori... in modo che gli spettatori si sentissero come se fossero stati in piedi sul podio con Stokowski". ^[72] Per la registrazione de L'apprendista stregone nel gennaio del 1938, ^[20] i tecnici Disney collaborarono con la RCA Corporation per l'utilizzo di più canali audio che permettessero di raggiungere qualsiasi equilibrio dinamico desiderato al momento della riproduzione. Il palco fu modificato acusticamente con partizioni semicircolari di compensato doppio che separassero l'orchestra in cinque sezioni per aumentare il riverbero . ^[73] Anche se, mentre la produzione di Fantasia procedeva, la configurazione utilizzata per L'apprendista stregone venne abbandonata in favore di diverse modalità di registrazione multicanale.

Il 18 gennaio 1939, Stokowski firmò un contratto di diciotto mesi con la Disney per condurre i brani rimanenti con l'Orchestra di Filadelfia. ^[19] La registrazione iniziò in aprile e durò per sette settimane presso l'edificio dell'Academy of Music, dove l'orchestra era stabile, scelto per la sua ottima acustica. ^{[72] [74]} Nelle sessioni di registrazione, 33 microfoni vennero collocati attorno all'orchestra; essi catturarono la musica su otto macchine di registrazione sonora ottica poste nel seminterrato della sala. Ognuna rappresentava un canale audio che si concentrava su una sezione diversa di strumenti: violoncelli e contrabbassi, violini, viole, ottoni e legni, e timpani. Il settimo canale era una combinazione dei primi sei, mentre l'ottavo forniva un suono complessivo dell'orchestra a distanza. ^{[72] [75] [76]} Un nono venne successivamente aggiunto per fornire una funzione di click track agli animatori per sincronizzare i loro disegni alla musica. ^{[75] [77]} Nei 42 giorni di registrazione vennero utilizzati circa 147.000 metri di pellicola. ^[72] Disney pagò tutte le spese che comprendevano i salari dei musicisti, il personale di scena, un bibliotecario musicale e il manager dell'orchestra, che costavano quasi 18.000 dollari. ^[19] Quando le registrazioni finite arrivarono in studio, venne tenuto un incontro il 14 luglio 1939 per consentire agli artisti che lavoravano su ogni segmento, di ascoltare gli arrangiamenti di Stokowski e suggerire alterazioni nel suono in modo da lavorare più efficacemente con i loro disegni. ^[78]

Fantasound

I fratelli Disney contattarono David Sarnoff della RCA riguardo alla fabbricazione di un nuovo sistema che avrebbe dovuto "creare l'illusione che la vera orchestra sinfonica stesse suonando nella sala". Sarnoff in un primo momento fece marcia indietro a causa di motivi finanziari, ma nel luglio 1939 accettò di produrre l'attrezzatura finché i Disney avrebbero potuto coprire il costo stimato di 200.000 dollari. ^[79] Anche se non sapevano esattamente come raggiungere il loro obiettivo, gli ingegneri della Disney e della RCA studiarono molte idee ed effettuarono prove con varie configurazioni delle attrezzature. ^[73] La collaborazione portò allo sviluppo di Fantasound, un innovativo sistema audio stereofonico surround che innovò alcuni processi ampiamente usati oggi, tra cui la registrazione multitraccia simultanea, l' overdubbing e la riduzione del rumore. ^[75]

Il Fantasound occupò due proiettori in esecuzione allo stesso tempo. Mentre uno conteneva il film con una colonna sonora mono a scopo di backup , l'altro riproduceva una pellicola sonora che mescolava gli otto brani registrati presso l'Academy facendoli diventare quattro. Tre di essi contenevano l'audio per gli altoparlanti a sinistra, al centro ea destra del palco, mentre il quarto diventò una traccia di controllo con toni di ampiezza e frequenza che portava l'amplificatore controllato in tensione a regolare il volume delle tre tracce audio. ^[73] Inoltre c'erano tre altoparlanti posti a sinistra, destra e al centro della sala, che derivavano dai canali sinistro e destro del palco e che fungevano da canali surround . ^[75] Il guadagno della registrazione originale era modulato automaticamente in modo da rasentare sempre la massima ampiezza a beneficio del rapporto segnale/rumore, pertanto la traccia di controllo serviva a ripristinare le dinamiche dove Stokowski pensava che avrebbero dovuto essere. Per questo, venne costruito un dispositivo di regolazione per controllare i livelli di ciascuna delle tre tracce audio attraverso gli amplificatori.

L'illusione del suono che viaggia attraverso gli altoparlanti fu ottenuta con un dispositivo chiamato pan pot , che dirigeva il movimento predeterminato di ciascun canale audio con la traccia di controllo. La miscelazione della colonna sonora richiese sei persone che operassero i vari pan pot in tempo reale, mentre Stokowski dirigeva ogni cambiamento di livello segnato sulla sua partitura musicale. Per monitorare i livelli di registrazione alle frequenze più basse, Disney ordinò otto a otto oscillatori tricolori dalla neo-costituita Hewlett-Packard , ^[80] predecessori dei VU meter utilizzati oggi. Tra le singole riprese, stampe e riesecuzioni, circa tre milioni di metri di pellicola sonora venne utilizzata per la produzione di Fantasia . ^[72] Quasi un quinto del budget del film venne speso per le sue tecniche di registrazione. ^[81]

Album

Disney considerò la pubblicazione di un set da tre LP della colonna sonora di Stokowski insieme con l'uscita del film nello spettacolo viaggiante del 1940, ma l'idea venne abbandonata. ^[19] Il set fu infine pubblicato in sedici Paesi ^[82] dalla Disneyland Records nel 1957 ^[83] con il numero di catalogo WDX-101. A Disney venne richiesto di ottenere il permesso da Stokowski, che inizialmente rifiutò l'accordo a meno che la Philadelphia Orchestra Association non ricevesse una quota dei diritti. ^[82] La colonna sonora venne rimasterizzata e pubblicata come doppio CD nel 1991 vendendo 100.000 copie, ^{[83] [84]} e fu ripubblicata nel 2006. Nel 1982 la Buena Vista Records pubblicò un'edizione a doppio disco della registrazione di Kostal. ^[85] Questo album venne edito su CD alcuni anni prima della pubblicazione in CD della colonna sonora originale di Stokowski.

Quello di Fantasia è il più lungo album di colonna sonora di un film Disney, poiché l'esecuzione dura quasi due ore. L'album contiene tutta la musica del film tranne le sezioni di "accordi" all'inizio ea metà del film. Inoltre mancano la jam session che si verifica circa a metà del film e tutti i commenti di Deems Taylor, così come la sezione "Incontra la Colonna Sonora".

Distribuzione

1940-1941: gli spettacoli con il Fantasound

Il Broadway Theatre.

La RKO esitò davanti all'idea di distribuire Fantasia , che descrisse come un "musical intellettualoide", ^[86] e credeva che la sua durata di due ore e cinque minuti più l'intermezzo fosse troppo lunga. ^{[87] [88]} Allentò il suo contratto di distribuzione esclusiva con Disney, che voleva una mostra più prestigiosa, sotto forma di uno spettacolo viaggiante. Un totale di tredici spettacoli si tennero in tutti gli Stati Uniti, ognuno dei quali coinvolse due proiezioni al giorno con prenotazione dei posti in anticipo a prezzi più alti e un quarto d'ora di intermezzo. Disney assunse l'impresario Irving Ludwig per la gestione dei primi undici impegni: ^[89] gli vennero date istruzioni specifiche riguardanti ogni aspetto della presentazione del film, tra cui l'installazione di tendoni cinematografici esterni, tende e fonti di illuminazione. I clienti venivano portati ai loro posti dal personale assunto e addestrato dalla Disney, ^[90] e venne loro dato un opuscolo sul programma, illustrato da Gyo Fujikawa. ^[83]

Il primo spettacolo si aprì al Broadway Theatre di New York il 13 novembre 1940. ^[83] I Disney avevano assicurato la locazione di un anno con il teatro completamente attrezzato con il Fantasound, alla cui installazione il personale lavorò per una settimana intera. ^[91] I proventi realizzati nella serata andarono alla British War Relief Society per gli sforzi nella Battaglia d'Inghilterra . ^[92] La domanda di biglietti era così alta che otto operatori telefonici furono impiegati per gestire le chiamate extra, mentre il negozio adiacente venne affittato per soddisfare le prenotazioni al botteghino. ^[93] Fantasia fu proiettato a Broadway per quarantanove settimane consecutive, il decorso più lungo raggiunto da un film a quei tempi. ^[94] Le proiezioni continuarono per un totale di cinquantasette settimane fino al 28 febbraio 1942. ^[95]

I dodici spettacoli rimanenti si svolsero lungo tutto il 1941, comprese 39 settimane di proiezioni ^[94] al Carthay Circle Theatre di Los Angeles dal 29 gennaio. ^{[96] [97]} Fantasia superò il record di decorso presso il teatro nella sua ventottesima settimana, un record precedentemente detenuto da Via col vento . ^[98] Le otto settimane di proiezioni al Fulton Theatre di Pittsburgh attirarono oltre 50.000 persone con prenotazioni operate da città situate a più di 160 km dal teatro. ^[99] Le proiezioni si svolsero anche presso il Geary Theatre di San Francisco per otto mesi, ^[83] all'Hanna Theatre di Cleveland per nove settimane, ^{[100] [101]} al Majestic Theatre di Boston , ^[83] all'Apollo Theatre di Chicago , ^[102] e in quelli di Filadelfia , Detroit , Buffalo , Minneapolis , Washington DC e Baltimora . ^[103]

Fantasia incassò più di 300.000 dollari nelle prime sedici settimane a New York, più di 20.000 nelle prime cinque settimane a San Francisco e quasi la stessa quantità nelle prime dieci settimane sia a Los Angeles sia a Boston. ^[93] I primi undici spettacoli incassarono un totale di 1,3 milioni all'aprile 1941, ^[94] ma gli 85.000 dollari dei costi di produzione e l'installazione di un'unica configurazione Fantasound, ^{[75] [104]} insieme con la locazione dei teatri, ^[105] costrinsero i Disney a superare i loro limiti di prestito. ^[106] L'inizio della seconda guerra mondiale terminò i piani per una potenziale distribuzione in Europa, che costituiva più del quarantacinque percento del reddito dello studio. ^[92] Fino a 88 spettacoli vennero proiettati in cinque anni, ma le richieste in tempo di guerra per le apparecchiature limitarono il numero di stampe in Fantasound a sedici. ^[94] Tutte le installazioni tranne una vennero smontate e donate allo sforzo bellico. ^[107] Dopo l'acquisizione dei diritti di distribuzione del film nell'aprile 1941, la RKO continuò la politica di prenotazione degli spettacoli, ma presentò il film in mono, essendo più facile da esporre. ^{[108] [109]} Gli incassi combinati di ogni spettacolo furono di circa 325 000 dollari, che portarono Fantasia a una perdita ancora maggiore di Pinocchio . ^[110]

Le uscite del 1942, 1946, 1956 e 1963

Disney permise alla RKO di gestire la distribuzione generale di Fantasia , ma combatté la loro decisione di tagliare il film. Si arrese, poiché lo studio necessitava del più alto incasso possibile per porre rimedio alle sue finanze, ma si rifiutò di tagliarlo lui stesso: "Potete ottenere chiunque vogliate per modificarlo... Io non ce la faccio". ^[111] In assenza di ordini da Disney, il direttore musicale Ed Plumb e Ben Sharpsteen ridussero Fantasia a un'ora e quaranta minuti in un primo momento, poi a un'ora e venti minuti, eliminando la maggior parte dei commenti di Taylor e la Toccata e fuga . ^{[106] [112]} Fantasia venne ridistribuito nel gennaio del 1942 a prezzi più popolari, con una colonna sonora mono, e venne collocato nella metà inferiore dei doppi spettacoli con il film western La valle degli uomini rossi . ^[113]

Il film uscì in Italia il 12 aprile 1946, prima di Pinocchio . Fu il primo Classico Disney ad arrivare dopo la seconda guerra mondiale: i Classici da Pinocchio ad Alice nel Paese delle Meraviglie , infatti, non furono distribuiti nel loro ordine cronologico.

La RKO ristampò Fantasia ancora una volta nel 1946 con la maggior parte delle sequenze animate lasciate intatte, mentre le scene di Taylor, Stokowski e l'orchestra erano accorciate, doppiate o rimosse. La sua durata fu riportata a un'ora e 55 minuti. Tale versione sarebbe diventata la base per le poche riedizioni successive e per la ristampa del 1990. ^[88]

Nel 1955 i negativi originali del suono avevano cominciato a deteriorarsi, anche se una copia a quattro tracce era sopravvissuta in buone condizioni. Utilizzando il sistema Fantasound rimanente in studio, una copia stereo a tre tracce venne trasferita attraverso cavi telefonici su pellicola magnetica presso una struttura RCA a Hollywood. ^[107] Questa copia venne utilizzata quando Fantasia venne ristampato in stereo dalla Buena Vista Distribution in SuperScope, un derivato del formato anamorfico widescreen CinemaScope , il 7 febbraio 1956 (in Italia il 31 agosto 1957). ^[88] Il proiettore era caratterizzato da un meccanismo di controllo automatico progettato dagli ingegneri della Disney unito a una lente anamorfica variabile, che permise all'immagine di passare dall' aspect ratio standard 1,33:1 al 2,35:1 in venti secondi senza interruzioni nel film. Questo fu ottenuto ponendo i segnali che controllano il meccanismo su una traccia separata in aggiunta ai tre canali audio. Solo talune sequenze animate furono allungate, mentre tutte le scene live action rimasero invariate. ^[114] Questa ristampa raccolse alcune critiche dagli spettatori, poiché il formato widescreen portò al reframing e al ritaglio delle immagini. ^[115]

Il 20 febbraio 1963 Fantasia venne riedito negli USA; apparentemente - benché i documenti d'epoca non siano chiari in proposito - in entrambe le versioni, standard e SuperScope, con audio stereo. Inspiegabilmente, la durata era allungata di 56 secondi rispetto all'edizione precedente. ^[88] Questa fu l'ultima versione proiettata prima della morte di Disney, avvenuta nel 1966. In Italia il film venne riedito nel gennaio del 1967.

Uscite del 1969, 1977, 1982, 1985, 1990 e 2010

Fantasia cominciò a realizzare un profitto dal suo budget di 2.280.000 dollari dopo il suo ritorno al cinema il 17 dicembre 1969 (in Italia il 23 novembre 1973 e poi nel novembre 1975). ^{[88] [107]} Il film venne promosso con una campagna pubblicitaria in stile psichedelico e raggiunse la popolarità tra gli adolescenti e gli studenti universitari che, secondo alcune fonti, erano adusi a fruirne quale esperienza psichedelica . ^[116] L'animatore Ollie Johnston ricordò che i giovani "pensavano che fossimo in un trip quando l'abbiamo fatto... ogni volta che andavamo a parlare in una scuola o qualcosa del genere, ci chiedevano cosa avevamo preso". ^[117] La riedizione è nota anche per la controversa rimozione di quattro scene dalla Pastorale per stereotipi razziali. Fantasia venne proiettato su regolarmente, in genere per le proiezioni d' essai nelle città universitarie, fino alla metà degli anni settanta. ^[88]

Il film venne riedito a livello nazionale ancora una volta il 15 aprile 1977 (in Italia il 13 ottobre 1978 e poi nell'ottobre 1981), questa volta con audio stereo simulato. ^{[92] [107]} In questa edizione il logo di distribuzione RKO venne sostituito con quello della Buena Vista Distribution, in quanto la RKO non aveva fatto parte della distribuzione dal 1946. Non venne rimosso in precedenza poiché la sequenza dei crediti avrebbe dovuto essere filmata di nuovo. Il motivo di una riduzione due minuti e mezzo della durata del film in questa versione non è chiaro nei documenti esistenti. ^[88]

Tim Matheson (a sinistra) fornì la narrazione nella riedizione del 1985.

Per le riedizioni del 1982 e 1985 la Disney presentò Fantasia con una colonna sonora completamente nuova registrata in Dolby Stereo . Uscita per la prima volta negli USA il 2 aprile 1982, ^[88] questa versione del film segnò la prima volta in cui la colonna sonora di un film fu digitalmente ri-registrata nella sua interezza. Per sostituire le registrazioni di Stokowski venne assunto il noto compositore cinematografico Irwin Kostal . Egli diresse un'orchestra di 121 elementi e un coro di 50 voci ^[85] per la registrazione, che ebbe luogo in più di diciotto sessioni e costò un milione di dollari. ^[118] Per mantenere la continuità con l'animazione, Kostal basò la sua performance sui ritmi e la stimolazione delle registrazioni di Stokowski, compresi i tagli e le revisioni per La sagra della primavera . Tuttavia, per Una notte sul Monte Calvo usò l'orchestrazione originale di Musorgskij invece dell'edizione di Leopold Stokowski che faceva parte della colonna sonora originale. La nuova registrazione corresse anche un ritardo di due fotogrammi nella proiezione causato dalle vecchie tecniche di registrazione utilizzate negli anni trenta. ^[119] Le scene di Deems Taylor furono cancellate e una voce narrante fuori campo molto più breve venne registrata da Hugh Douglas ^[88] poiché lo studio sentiva che il pubblico moderno "è più sofisticato e ben informato sulla musica". ^[119] In Italia la riedizione uscì nel novembre del 1984. Questa versione tornò in circa 400 cinema nel 1985 (in Italia il 7 novembre 1986), ^[120] questa volta con la narrazione fornita dall'attore Tim Matheson . ^[121]

Per il suo cinquantesimo anniversario, Fantasia tornò al cinema in tutto il mondo nel 1990 nella sua versione tradizionale del 1946 con le scene live action con Taylor e la partitura originale di Stokowski. Il film subì un processo biennale di restauro iniziato dopo sei mesi di ricerca per mettere insieme i negativi originali che erano rimasti in deposito dal 1946. Questo segnò la prima volta da allora che un'edizione del film era stata elaborata dall'originale e non da una copia. ^[122] Ciascuno dei suoi 535.680 fotogrammi venne restaurato presso gli YCM Laboratories, ^[123] e una stampa incontaminata del 1951 venne utilizzata come guida su colore e tono. ^[122] I cinema furono equipaggiati per l'installazione di attrezzature stereo specifiche, e per presentare il film nel suo formato originale 1,33:1 con bordi neri a lato dello schermo. ^{[117] [124]} La colonna sonora di Stokowski venne rimasterizzata in digitale utilizzando la traccia magnetica del 1955, con una stima di 3000 schiocchi e fischi rimossi nel processo. ^{[74] [75] [124]} La riedizione del 1990 di Fantasia incassò 25 milioni di dollari sul mercato interno. ^[125]

Per l'uscita del film in DVD e Blu-Ray dell'edizione Diamond, il film fu ulteriormente restaurato nel 2009-2010 dalla Reliance MediaWorks e fu per la prima volta presentato in home video nella sua edizione integrale, con il ripristino dei cartelloni cinematografici originari e delle sequenze introduttive di Deems Taylor, in cui quest'ultimo fu doppiato da Corey Burton , dato che molto materiale audio relativo a Taylor era andato perso negli anni non essendo mai stato più utilizzato nelle più recenti distribuzioni cinematografiche. Il film fu restaurato nell'audio e nel suono, e fu presentato in un maestoso DTS 7.1.

Data di uscita

Le date di uscita internazionali sono state:

• 21 luglio 1941 nel Regno Unito
• 21 agosto in Australia
• 11 settembre in Uruguay
• 25 dicembre in Messico ( Fantasía )
• 6 gennaio 1942 negli USA
• 16 marzo in Portogallo
• 10 aprile in Grecia
• 7 ottobre in Svezia
• 28 febbraio 1946 in Islanda
• 23 marzo in Spagna ( Fantasía )
• 12 aprile in Italia
• 1º maggio in Canada
• 1º novembre in Francia
• 15 dicembre in Belgio e Paesi Bassi
• 17 dicembre in Cecoslovacchia
• 16 ottobre 1947 a Hong Kong
• 31 ottobre 1948 in Norvegia
• 25 dicembre in Bulgaria , URSS e Svizzera
• 31 luglio 1949 in Jugoslavia
• 4 novembre in Finlandia
• 7 agosto 1950 in Polonia ( Fantazja )
• 12 gennaio 1951 in Austria
• 2 aprile in Danimarca
• 10 ottobre 1952 in Germania Ovest
• 23 febbraio 1953 nelle Filippine
• 13 giugno in Thailandia
• 25 dicembre in India
• 15 agosto 1954 in Turchia
• 23 settembre 1955 in Giappone ( Fantajia )
• 3 ottobre in Corea del Sud
• 31 luglio 1959 a Malta
• 29 giugno 1961 in Nuova Zelanda e Sudafrica
• 25 dicembre 1967 in Libano
• 16 marzo 1974 in Iran e Marocco
• 26 marzo in Egitto
• 17 giugno in Indonesia , Qatar e Singapore
• 26 aprile 1985 in Sri Lanka
• 4 giugno 1986 in Kuwait

Edizione italiana

A causa delle varie modifiche apportate al film nelle diverse riedizioni, esso fu doppiato per ben quattro volte in Italia. Il primo doppiaggio del 1946 fu eseguito in America con il brasiliano José Oliveira e in Italia dalla CDC negli stabilimenti Fono Roma con i dialoghi curati da Alberto Liberati per la società Titanus , e con la voce di Arrigo Colombo su Deems Taylor . In seguito il film fu doppiato nuovamente presso la Cooperativa Doppiatori per la riedizione del 1973: tale versione venne curata da Roberto De Leonardis . Un terzo doppiaggio venne eseguito nel 1986 ad opera della CVD in collaborazione con il Gruppo Trenta sotto la direzione di Rossella Izzo , a causa del cambiamento del narratore nell'edizione americana: tale doppiaggio venne utilizzato anche per la riedizione cinematografica del 1990 e per tutte le edizioni home video fino al 2000. Il quarto doppiaggio (con dialoghi basati su quelli del 1973 di De Leonardis) è stato eseguito nel 2010 dalla Royfilm per l'edizione speciale in home video , che ha ripristinato il film nella sua versione originale.

Principali redistribuzioni

• Stati Uniti: 1º settembre 1946 (versione estesa) , 7 febbraio 1956 (versione SuperScope) , 20 febbraio 1963, 17 dicembre 1969, 15 aprile 1977, 2 aprile 1982 (versione Stereo Digitale) , 8 febbraio 1985, 5 ottobre 1990 (versione del 1946 con il Fantasound in versione restaurata).
• Italia: 31 agosto 1957, 17 gennaio 1967, 23 novembre 1973, 13 ottobre 1978, 7 novembre 1986, 27 novembre 1990 (versione restaurata)
• Spagna: 23 settembre 1957, 25 marzo 1977, 17 settembre 1986
• Svezia : 29 febbraio 1960, 2 agosto 1977, 19 settembre 1986
• Francia: 7 giugno 1967, 16 maggio 1979, 8 agosto 1984, 17 ottobre 1990
• Finlandia: 29 settembre 1967, 9 marzo 1979
• Giappone: 5 agosto 1972, 15 ottobre 1977, 15 agosto 1981, 24 gennaio 1987, 15 dicembre 1990
• Germania Ovest : 28 ottobre 1977, 30 aprile 1989
• Australia: 9 dicembre 1982, 5 giugno 1986, 15 novembre 1990
• Regno Unito: 26 dicembre 1990

Accoglienza

Critica

Tra coloro che assistettero all'anteprima del film ci fu il critico cinematografico Bosley Crowther del New York Times , che osservò che "la storia del cinema è stata fatta ieri sera... Fantasia butta a mare le formule convenzionali e rivela la portata dei film per le escursioni immaginative... Fantasia ... è semplicemente fantastico". ^[92] Peyton Boswell, un editor di Art Digest , lo definì "un'esperienza estetica che non si dimentica". ^[104] La rivista TIME descrisse l'anteprima come "più strana e meravigliosa di qualsiasi altra di Hollywood" e l'esperienza del Fantasound "come se l'ascoltatore fosse nel bel mezzo della musica. Mentre la musica arriva al climax, spumeggia sul proscenio, bolle nella parte posteriore del teatro, quasi saltella su e giù per i corridoi". ^[60] Dance Magazine dedicò la storia di copertina al film, dicendo che "la cosa più straordinaria di Fantasia è, per una ballerina o ballettomane, non la miracolosa registrazione musicale, la gamma di colori o l'integrità dei collaboratori Disney, ma semplicemente la perfezione della sua danza". ^[92] Anche Variety elogiò Fantasia , definendolo "un esperimento riuscito per sollevare il rapporto del piano di intrattenimento popolare e di massa con gli strati più alti d'attrazione per gli amanti della musica classica". ^[126] Il Chicago Tribune assegnò tre scrittori a coprire l'anteprima del film a Chicago: l'editorialista di società Pribble, il critico cinematografico Mae Tinee e il critico musicale Edward Barry. Pribble rimase stupito dal "pubblico brillantemente attirato", mentre Tinee sentì che il film era "bello... ma è anche sconcertante. È stupendo. È colossale. Si tratta di una travolgente e ambiziosa orgia di colori, suoni e immaginazione." Barry fu soddisfatto del "programma di buona musica ben eseguita... e ben registrata" e si sentì "piacevolmente distratto" da ciò che veniva mostrato sullo schermo. ^[102] In una ripartizione delle recensioni di critici cinematografici e musicali, l'autore della Disney Paul Anderson trovò il 33% "molto positive", il 22% sia "positive" sia "positive e negative" e l'11% negative. ^[127]

Coloro che adottarono una visione più negativa al momento della distribuzione del film erano per lo più critici musicali che resistettero all'idea di presentare la musica classica con immagini visive, sostenendo che così facendo si derubavano i brani musicali della loro integrità. Il compositore e critico musicale Virgil Thomson elogiò il Fantasound, che pensava offrisse "una buona trasmissione della musica", ma non amava il "gusto musicale" di Stokowski, a eccezione di L'apprendista stregone e La sagra della primavera . ^[92] Anche Olin Downes del New York Times lodò la qualità del suono che il Fantasound presentava, ma ritenne che "gran parte di Fantasia distrae da o ferisce direttamente la colonna sonora". ^[92] Il critico cinematografico Pauline Kael respinse le parti di Fantasia perché "grottescamente kitsch". ^[128] Alcuni genitori resistettero al pagare i prezzi più alti degli spettacoli per i loro figli, e molti si lamentarono perché il segmento di Una notte sul Monte Calvo li aveva spaventati. ^[111]

Ci furono anche alcune reazioni negative di natura più politica, tanto più che l'uscita del film avvenne in un momento in cui la Germania nazista regnava sovrana in Europa. Una recensione del film di questo tipo, scritta da Dorothy Thompson per il New York Herald Tribune il 25 novembre 1940, fu particolarmente dura. La Thompson affermò di aver "lasciato il teatro in uno stato vicino alla crisi di nervi", perché il film era un "rimarchevole incubo". La Thompson continuò a paragonare il film al nazismo dilagante, che era "l'abuso di potere" e "il tradimento perverso dei migliori istinti". Soprattutto, secondo Thompson, il film raffigurava la natura come "titanica", mentre l'uomo era solo "un lichene in movimento sulla pietra del tempo" ed era una negativa "caricatura del tramonto dell'Occidente", perché il film era "crudele", "brutale e brutalizzante". Sostenne anche di esserne talmente sconvolta da essersene andata dal teatro prima di vedere gli ultimi due segmenti, Una notte sul Monte Calvo e Ave Maria , perché non voleva più essere oggetto della "brutalizzazione" del film. ^[129]

Fantasia possiede una valutazione "Fresh" su Rotten Tomatoes , un sito web che aggrega recensioni cinematografiche. Il suo consenso - "Un punto di riferimento nell'animazione e una grande influenza sullo strumento del videoclip , Fantasia di Disney è una miscela inesorabilmente inventiva dei classici con immagini fantasmagoriche". Il 98% dei critici ha dato al film una recensione positiva su un campione di 48 recensioni, con un voto medio di 8,6 su 10. Sulla "top critics" del sito detiene una valutazione positiva dell'86% da sette recensioni. ^[130] Roger Ebert del Chicago Sun-Times ha valutato il film con quattro stelle su quattro, e ha osservato che, con Fantasia , Disney "alzava l'asticella" della tecnica cinematografica. ^[131]

È stato anche fatto notare che Fantasia non è un film per bambini. In una segnalazione sul sito di cultura popolare Inside Pulse e nel quotidiano The Eagle , Robert Saucedo ha ricordato di "non essere l'unico... a essersi agitato nella sedia guardando il film da bambino, mentre esso offriva un'immagine astratta dopo l'altra", ^{[132] [133]} mentre il sito di notizie e gossip PopSugar ha incluso Fantasia nella sua lista "10 Movies That Scared Buzz Readers as Kids". ^[134]

Nel 1990, Fantasia è stato selezionato per la conservazione nel National Film Registry degli Stati Uniti dalla Biblioteca del Congresso per essere "culturalmente, storicamente o esteticamente significativo". ^[135] Nel 100º anniversario del cinema nel 1995, il Vaticano ha incluso Fantasia nella sua lista Alcuni film importanti nella categoria "Arte". ^[136] Fantasia è anche in tre liste che propongono i più grandi film americani secondo l' American Film Institute . Il film arrivò al cinquantottesimo posto nella lista AFI's 100 Years... 100 Movies nel 1998, ^[137] prima di venire abbandonato nella revisione del 2007, ^[138] anche se venne nominato per l'inclusione. ^[139] L' AFI's 10 Top 10 creata nel 2008 posiziona Fantasia quinto nella categoria animazione. ^[137]

Controversie

Alla fine del 1960, quattro brevi scene de La Pastorale vennero rimosse poiché raffiguravano due personaggi in modo razzialmente stereotipato. Una centauretta nera di nome Sunflower veniva raffigurata lucidare gli zoccoli di una centauretta bianca, e un'altra di nome Otika appariva brevemente durante le scene del corteo con Bacco e dai suoi seguaci. ^[140] Secondo l'archivista Disney David Smith, la sequenza andò in onda in televisione integralmente nel 1966, prima che il film venisse modificato per la riedizione del 1969. ^[141] John Carnochan, il redattore responsabile del cambiamento per la pubblicazione in VHS nel 1991, ha dichiarato: "Per me è un po' spaventoso che questi stereotipi fossero anche solo stati inseriti". ^[142] Il critico cinematografico Roger Ebert ha così commentato la modifica: "Mentre il film originale dovrebbe, ovviamente, essere conservato per scopi storici, non è necessario che la versione generale perpetri stereotipi razzisti in un film progettato principalmente per i bambini". ^[143] Le modifiche sono state mantenute in tutte le riedizioni cinematografiche successive e in tutte le edizioni home video.

Nel maggio 1992, la Philadelphia Orchestra Association intentò una causa contro la Walt Disney Company e la Buena Vista Home video. L'orchestra sostenne che, come co-creatore di Fantasia , il gruppo aveva diritto alla metà della cifra stimata di 120 milioni di dollari di profitti derivanti dalle vendite di VHS e laser disc. ^[84] L'orchestra abbandonò il caso nel 1994, quando le due parti raggiunsero un accordo riservato fuori dal tribunale. ^[144] L'editore di musica britannico Boosey & Hawkes intentò un'ulteriore causa nel 1993, sostenendo che la Disney non aveva i diritti di distribuzione in home video de La sagra della primavera nel 1991, perché il permesso ottenuto da Disney nel 1938 da Stravinskij, suo malgrado, era solo nel contesto di un film da proiettare nelle sale.^[145] La corte distrettuale degli Stati Uniti sostenne il caso Boosey & Hawkes nel 1996, ^[146] ma la Second Circuit Court of Appeals annullò la sentenza del 1998, affermando che la "licenza originale per i diritti di immagini in movimento si estende alla distribuzione in formato home video". ^[147]

Riconoscimenti

• 1940 - National Board of Review Awards
  • Migliori dieci film
• 1940 - New York Film Critics Circle Awards
  • Special Award a Walt Disney
• 1942 - Premio Oscar
  • Oscar alla carriera a Leopold Stokowski (e suoi associati)
  • Oscar alla carriera a Walt Disney, William E. Garity, JNA Hawkins (RCA Manufacturing Co.)

Edizioni home video

VHS

In Italia l'episodio dell'Apprendista Stregone è stato incluso anche separatamente all'interno della VHS Da Fantasia l'Apprendista Stregone e altre storie uscita nell'agosto 1987 e nello speciale in VHS I capolavori di Topolino dell'aprile 1997 . L'episodio della Sagra della Primavera fu inserito nella VHS Nasce un Nuovo Mondo, anch'esso del 1987 .

La prima edizione VHS del film uscì in Italia nel novembre 1991 , seguita da un'ulteriore edizione in videocassetta pubblicata nel 2003. Il film uscì nel 1991 anche in un'edizione in cofanetto comprendente una litografia, un libro sul film, due compact disc della colonna sonora e una vhs contenente il documentario Fantasia: la creazione di un capolavoro.

DVD

La prima edizione DVD del film è uscita il 6 dicembre 2000.

La seconda edizione DVD è uscita il 25 novembre 2010 , insieme con la prima edizione BD. Sia questa edizione sia quella BD erano disponibili anche insieme con l'edizione speciale del sequel Fantasia 2000 .

Blu-Ray

La prima edizione BD del film è uscita il 25 novembre 2010 insieme con la seconda edizione DVD. Il Blu-Ray, come pure il DVD, era disponibile anche insieme con l'edizione speciale del sequel Fantasia 2000 . Il BD contiene la stessa edizione del DVD, con un paio di contenuti speciali in più.

Altri media

Parodie e spin-off

Fantasia è parodiato in Rosicchio in si bemolle , un cartone animato della Warner Bros. del 1943 della serie Merrie Melodies . Il cortometraggio vede Taddeo ^[148] nel ruolo di Taylor, con indosso occhiali del suo stesso stile, che introduce due segmenti impostati su brani di Johann Strauss . Nel 1976 Bruno Bozzetto produsse Allegro non troppo , un lungometraggio parodia di Fantasia . ^[149] La Walt Disney Pictures ha usato la storia de L'apprendista stregone come base per il suo omonimo film fantasy nel 2010. ^[150]

La serie televisiva animata I Simpson cita Fantasia in alcuni episodi. Matt Groening , il creatore della serie, espresse il desiderio di fare un film parodia intitolato Simpstasia , ma non venne mai prodotto, anche perché sarebbe stato troppo difficile scrivere una sceneggiatura per un lungometraggio. ^[151] In La paura fa novanta IV , il regista David Silverman aveva ammirato l'animazione di Una notte sul Monte Calvo , e fece assomigliare a Chernabog la prima apparizione di Flanders Diavolo. ^[152] L'episodio "Grattachecca e Fichettolandia " cita L'apprendista stregone in un frammento dal titolo Scratchtasia che ne parodia esattamente la musica e diverse inquadrature. ^[153]

Fantasia è citato anche nella serie animata South Park nell'episodio Il dramma di Mr. Hankey , dove Mr. Hankey indossa un abito da mago e fa chiudere un festival di cinema indipendente evocando un'ondata di liquami, come quando Topolino sogna di evocare una tempesta in L'apprendista stregone .

Un ulteriore riferimento a Fantasia è presente nell'episodio Orgoglio di principessa della serie animata canadese A tutto reality - Azione! , in cui Chris assegna ai concorrenti i ruoli di personaggi delle favole; in particolare, egli dà a Harold il ruolo del "piccolo Apprendista Stegone", citando così il segmento L'apprendista stregone . Inoltre il cappello da mago che Chris gli dà è molto simile a quello indossato da Topolino nel suddetto segmento.

Parchi a tema

Il Cappello di Topolino Apprendista Stregone ai Disney's Hollywood Studios.

Il cappello de L'apprendista stregone è l'icona del Disney's Hollywood Studios , uno dei quattro parchi a tema situati a Walt Disney World Resort . ^[154] Sono situati presso il resort anche i Fantasia Gardens, un campo da minigolf, che integra i personaggi e gli oggetti del film in ogni foro. ^[155] Lo show di fuochi d'artificio e acqua Fantasmic! mostra scene de L'apprendista stregone e di altri segmenti di Fantasia su schermi di proiezione d'acqua, e coinvolge la trama di Topolino come apprendista che combatte contro i Cattivi Disney . ^[156]

Per il 20º anniversario di Disneyland Paris , Topolino è stato rappresentato in una versione speciale del suo abbigliamento de L'apprendista stregone . Anche i suoi amici hanno indossato abiti simili.

Videogiochi

Nel 1991 uscì per Sega Mega Drive un omonimo videogioco a scorrimento laterale sviluppato dalla Infogrames . ^[157] Il giocatore controlla Topolino, che deve trovare le note musicali mancanti sparse in quattro mondi elementari basati sui segmenti del film.

Ci sono diversi livelli di basati su L'apprendista stregone che appaiono in Epic Mickey , un gioco uscito nel 2010 per la console Wii . Anche Yen Sid e Chernabog fanno delle apparizioni nel gioco (con il primo che narra l'inizio e la fine del gioco, e il secondo come un quadro). ^[158]

La serie di videogiochi crossover Disney / Square Enix Kingdom Hearts caratterizza Chernabog come un boss nel primo episodio . ^[159] Il brano Una notte sul Monte Calvo viene riprodotto durante il combattimento. In Kingdom Hearts II a Yen Sid viene dato un ruolo parlante ed è doppiato in inglese da Corey Burton. Sinfonia stregata , un mondo basato sul film, appare in Kingdom Hearts 3D: Dream Drop Distance . Come il mondo Il Fiume senza Tempo in Kingdom Hearts II , è caratterizzato come un periodo del passato di Topolino. ^[160]

Nel gioco Disney Infinity è presente Topolino nei panni di Apprendista Stegone come uno dei personaggi giocabili.

Documentario

Nel 1990 , in occasione del cinquantesimo anniversario del film fu realizzato un documentario sulla sua realizzazione, presentato dall'attore Micheal Tucker con contributi di Leonard Maltin , Roy E. Disney , Ollie Johnston , Ward Kimball e molti altri artisti che lavorarono al film. Il documentario, prodotto dal canale americano ABC , fu distribuito allegato alla videocassetta del film nell'edizione de-luxe del 1991.

Sequel

Lo stesso argomento in dettaglio: Fantasia 2000 .

Nel 1980 il Los Angeles Times riferì che gli animatori Wolfgang Reitherman e Mel Shaw avevano iniziato a lavorare su Musicana , "un concetto ambizioso che mescola jazz, musica classica, mitologia, arte moderna e altro, seguendo il vecchio formato di Fantasia ". ^[161] Lo storico d'animazione Charles Solomon ha scritto che lo sviluppo ebbe luogo tra il 1982 e il 1983, e che unì "racconti etnici da tutto il mondo con la musica dei vari paesi". I segmenti proposti per il film includevano una battaglia tra un dio del ghiaccio e una dea del sole impostata sulla Finlandia di Sibelius, uno ambientato nelle Ande sulle canzoni di Yma Sumac , e un altro con caricature di Louis Armstrong e Ella Fitzgerald . Il progetto venne accantonato in favore del Canto di Natale di Topolino . ^[162]

Roy E. Disney , nipote di Walt, co-produsse Fantasia 2000 , che entrò in produzione nel 1990 e dispone di sette nuovi segmenti eseguiti dalla Chicago Symphony Orchestra diretta da James Levine . ^[163] L'apprendista stregone è l'unico segmento mantenuto dal film originale. Fantasia 2000 debuttò alla Carnegie Hall il 17 dicembre 1999 come parte di un tour di concerti live in cinque città, seguito da quattro mesi di impegno in cinema IMAX ^[164] e un'ampia distribuzione nei cinema regolari nel 2000. ^[165]

Crediti

Tutte le musiche sono state eseguite dalla Philadelphia Orchestra condotta da Leopold Stokowski , salvo diversa indicazione.

Note

Bibliografia

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Altri progetti

• Wikimedia Commons contiene immagini o altri file su Fantasia

Collegamenti esterni

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