teatru

De la Wikipedia, enciclopedia liberă.
Salt la navigare Salt la căutare
Notă despre dezambiguizare.svg Dezambiguizare - Dacă sunteți în căutarea altor semnificații, consultați Teatru (dezambiguizare) .
Măștile teatrale care înfățișează tragedia și comedia : constituie și astăzi unul dintre simbolurile artei teatrale în ansamblu

Teatrul (din grecescul θέατρον, théatron , „locul spectacolului public”, de la verbul θεάομαι, theàomai , „observ”, „privesc” [1] , aceeași rădăcină ca theoreo , din care „teoria” [2] ] ) este un set de discipline diferite, care se reunesc și concretizează execuția unui eveniment live spectaculos.

Istorie

Pictogramă lupă mgx2.svg Același subiect în detaliu: Istoria teatrului .

La originile teatrului există aspirația umană de a face tangibilă relația cu divinitățile, prin reprezentarea sacrului în rituri și dansuri și, în același timp, necesitatea de a distra și defini relațiile sociale, prin forma petrecerii și ficțiune jucăușă. Descoperirea unui papirus , în 1928 , de către Kurt Sethe , a arătat cum, cu o mie de ani înainte de nașterea tragediei grecești , teatrul se practica în Egiptul antic sub forma cultului „Misterelor lui Osiris ”. Din arheologie se știe, de asemenea, cum civilizația minoică știa utilizarea instrumentelor muzicale, cum ar fi cetara și flautul , și cum arta dansului era deja practicată ca mimică a acțiunilor de vânătoare sau de război.

Descriere generala

Teatrul include artele prin care o poveste (o dramă , un cuvânt derivat din verbul grecesc δραω drao = act ) este reprezentată sub forma unui text recitat sau a unei dramatizări scenice. Un spectacol teatral are loc în fața unui public, utilizând o combinație variabilă de cuvinte, gesturi, muzică , dans , vocalitate, sunet și, eventual, orice alt element provenit din celelalte arte spectacol .

Prezența unui text nu este întotdeauna necesară: mișcarea corpului într-un spațiu cu scopuri artistice și ilustrative, efectuată în fața unui spectator , este definită în sine ca teatru. Pe lângă teatrul de proză în care cuvântul (scris sau improvizat) este cel mai important element, teatrul poate avea diferite forme - operă chineză , teatru de păpuși , pantomimă , care diferă nu numai în funcție de zona nașterii, ci și pentru utilizarea diferită atât a componentelor care alcătuiesc reprezentarea, cât și în scopurile artistice pe care le definesc.

Arta specială de a reprezenta o poveste prin intermediul unui text sau al unei acțiuni scenice este actoria sau arta dramatică . În multe limbi precum franceză ( jouer ), engleză ( a juca ), rusă (играть - pron. Igrat ' ), germană ( spielen ), maghiară ( játszik ) verbul „a recita” coincide cu verbul „a juca” ". Termenul italian , pe de altă parte, pune accentul pe ficțiune, pe repetarea gestului sau cuvântului sau, conform altor explicații etimologice, derivă dintr-un termen folosit pentru a indica retorica și, prin urmare, capacitatea de a convinge publicul.

La fel ca orice altă formă artistică și culturală, teatrul a evoluat și de la origini până în zilele noastre, în diferite epoci și locuri. Istoria teatrului occidental plasează reprezentarea teatrală în cultura Greciei antice ca origine a acestei discipline: exemplele teatrale anterioare ( Egipt , Etruria și altele) ne ajută să înțelegem nașterea acestui gen, dar nu există suficiente surse pentru a delimita it. caracteristici.

Definițiile

Teatro Colòn, operă
Teatrul San Carlo din Napoli .
«Ochii sunt orbiți, sufletul răpit. [...] Nu există nimic în toată Europa despre care nu spun că se apropie de acest teatru, dar care dă cea mai slabă idee. "
( Stendhal , Roma, Napoli și Florența în 1817 )

De la Aristotel până astăzi, termenul a suferit diverse interpretări și evoluții și este sigur că dezbaterea despre o definiție exhaustivă a evenimentului teatral va continua în viitor.

Rezumând punctele de convergență ale diferitelor învățături care au traversat teatrul contemporan în ultimele decenii, putem găsi elemente comune pentru o definiție: teatrul este acel eveniment care apare ori de câte ori există o relație între cel puțin unul care acționează în direct într-un spațiu scenic și un spectator care urmărește acțiunile în direct .

Silvio D'Amico a definit cu precizie teatrul ca „comuniunea unui public cu un spectacol viu”.

«Nu marionetele imobile ale Patutului; și nici măcar umbre în mișcare. Filmele fotografice nu sunt un teatru care, prelucrat o dată pentru totdeauna la vederea publicului și încredințat definitiv unei mașini precum cel al cinematografului, poate fi proiectat pe un ecran, de câte ori se dorește, întotdeauna identic, inalterabil și insensibil. în prezența celor care îi vor vedea. Teatrul îl vrea pe actor în viață și care vorbește și acționează încălzindu-se până la respirația publicului; vrea spectacolul fără cel de-al patrulea zid, care de fiecare dată renaște, retrăiește sau rămâne întărit de consimțământul, sau luptat de ostilitate, al ascultătorilor participanți și, într-un fel, al colaboratorilor. "

( Silvio D'Amico, Istoria teatrului . )

În sens larg, poate avea loc și în afara spațiilor obișnuite, în orice loc unde este posibil să spui o poveste sau să atragi atenția unui public. Elementele esențiale care disting un eveniment teatral de, de exemplu, o conferință sau strigătul unei piețe publice, sunt, în practica teatrală:

  1. alegerea conștientă a unei forme (în ficțiunea dramatică personajul sau masca );
  2. definirea unui spațiu în care această formă poate acționa ( scena , tradițională sau improvizată);
  3. timpul stabilit pentru acțiune ( elementul dramaturgic , durata unui text sau a unui scor gestual).

Este util să observăm cum, în orice caz, improvizația face variabile constant constantele descrise mai sus, chiar dacă opinia actuală a maeștrilor acestei discipline este că doar rigoarea unei scheme predefinite îl face pe actor liber să o schimbe.

Mai general, ceea ce separă teatrul de alte evenimente care implică un public este completitudinea acțiunii scenice, care îl face clasificabil ca artă și îl deosebește de alte evenimente sociale, educative sau pur și simplu zilnice. Acest lucru nu exclude complet posibilitatea ca evenimentul teatral („magia” lui Eduardo ) să se poată manifesta temporar și în alte contexte: în parantezele narative ale unui profesor în timpul lecției școlare sau în interpretarea unui jongler într-o piață aglomerată .

Spațiul teatrului

În teatru, conceptul de spațiu are cel puțin două semnificații: primul este spațiul fizic, locul reprezentării, al doilea este spațiul imaginației, ceea ce Vladimir Toporov definește ca mitopoetic [3] .

Locul teatral, spațiul „concret” al acțiunii scenice, poate fi identificat cu un teatru sau orice altă structură adecvată pentru găzduirea unui spectacol (în cazul teatrului de stradă , dimpotrivă, actorii și publicul se adaptează la o structură destinată altor scopuri). În interiorul locului teatral poate fi delimitat spațiul scenic , adică perimetrul reprezentării adevărate și corecte, încredințat actorilor.

Spațiul reprezentat, inexistent până cu un moment înainte de începerea spectacolului, este locul mental care este evocat, grație imaginației spectatorului și măiestriei artistului care își creează limitele, cu posibilitatea, în timpul spectacolului, de a variază continuu dimensiunea și forma acestuia (putem menționa, în acest sens, spațiul variabil creat de artistul mimului care dorește să reprezinte o celulă, un perete sau un spațiu fără margini).

Uneori, spațiul reprezentat poate coincide cu locul teatral. Acesta este cazul spectacolelor sau spectacolelor hiperrealiste sau spectacolelor teatrale (un exemplu este spectacolul Barboni de Pippo Delbono , montat într-o sală a Gării Centrale din Milano în 1998 ) în care actorii, reprezentându-se ei înșiși, efectuează acțiuni teatrale în un loc care coincide cu locul real unde ar putea acționa zilnic.

Clar definit, spațiul reprezentat a fost, de-a lungul timpului și în cultura modernă occidentală, încadrat în arcul scenic care, în teatrul italian , a împărțit în mod clar locul acțiunii scenice de cel de utilizare: numai în ultimele timpuri, referindu-se la exemple ale vechilor, acțiunea s-a mutat și la locul de rodire, pentru a încerca „reconcilierea” între un tip de teatru care nu implica spectatorul și unul care, în schimb, și-a menținut importanța în cadrul relației teatrale.

Timpurile teatrale

Teatrul Roman din Leptis Magna

Elementul temporal, într-o reprezentație teatrală, este ceea ce determină mai mult decât orice altceva caracteristicile alterității față de experiența de zi cu zi. De la concepție, prin timpul dedicat repetițiilor, până la spectacol, timpurile teatrale au prioritate față de timpul individual, implicând în cele din urmă publicul în coordonate extra-zilnice, care se vor întoarce la timpul lor obișnuit când cade cortina .

Studiul timpului este o parte integrantă și fundamentală a studiului actorului teatral : evidentă în cazul unei glume comice, precizia timpului și ritmului în cuvânt și în acțiune determină succesul unei scene, și adesea a întreaga performanță. Acest lucru este deosebit de decisiv în orice acțiune performativă care are loc în direct, în care răspunsul publicului este imediat: spectatorul însuși contribuie la determinarea timpului comun al evenimentului teatral, care este irepetabil în sine, chiar și în timpul reluărilor aceluiași spectacol. .

Prin urmare, putem vorbi despre timpul teatral ca pe o experiență tranzitorie și unică, în care timpul spectacolului se întâlnește cu cel al fructificării. (vezi Insultele către public ale lui Peter Handke ) [4]

Durata reprezentării ca eveniment, în istoria teatrului , a fost definită în fiecare epocă în moduri diferite. În teatrul grecesc , timpul reprezentării a coincis cu durata unei zile întregi, adesea coincidând cu timpul reprezentat în text, ca exemplu al tetralogiei Oresteia de Eschil , care se deschide în zori și se încheie cu căderea ziua. În teatrul medieval , s-a extins pentru a include, în unele mistere , chiar și 25 de zile consecutive. În teatrul cult al secolului al XVI-lea , s-a ajuns la împărțirea în trei acte, până astăzi cu cele două tempo-uri tradiționale cu un interval, respectat în majoritatea producțiilor teatrale. Experimente, în sensul unei sinteze extreme sau dimpotrivă expansiunii, au fost efectuate de mulți artiști și regizori ai secolului XX . Un exemplu de experimentare cu posibile variații temporale în evenimentul teatral sunt spectacolele itinerante, care au adesea o structură ciclică, în care spectatorul are ocazia să se bucure de reprezentare dintr-un punct care nu coincide neapărat cu începutul și să repete viziunea. pentru timpul dorit. Un exemplu recent este spectacolul Infinities , montat de Luca Ronconi în 2001 .

Timpul povestit pe scenă, neapărat „în prezent” chiar și atunci când se referă la evenimente din trecut, este rezultatul unei convenții care este stabilită intuitiv între cei doi protagoniști ai evenimentului: artistul și spectatorul. Ambii, prin suspendarea regulilor care le guvernează existența respectivă, se pretează la un fel de joc , cheltuindu-și energiile în construirea relației generate. În timpul unei seri deosebit de reușite, ambii părăsesc clădirea teatrului cu o percepție diferită. Pentru mulți actori, acest lucru este însoțit de un fel de „epuizare fericită” fizică și emoțională, fapt care a determinat mulți maeștri de teatru să folosească asemănarea cu actul sexual pentru experiența performativă. La fel ca în acest din urmă, s-a spus nu fără ironie, succesul este determinat de respectul pentru un punct culminant , care îi determină pe actor și spectator să atingă treptat vârful spectacolului printr-o creștere abilă a ritmului acțiunii.

În convenția teatrală, spectatorului i se încredințează adesea sarcina de a recomanda cronologic faptele care i se prezintă într-o succesiune care nu este întotdeauna consecventă. De exemplu, în regele lui Edoc al lui Sofocle , povestea începe aproape de la sfârșit, în ziua în care Oedip, la sfârșitul aventurii sale, își va vedea destinul tragic dezvăluit. În acest caz, intervenția mesagerilor și a corului oferă elementele necesare reconstrucției evenimentelor. Aristotel, în Poetică, a definit timpul unei reprezentări ca fiind unitar, adică un curs temporal care are loc complet de la început până la sfârșit. Filosoful afirmase, de asemenea, că acțiunea epopeii și cea a tragediei diferă în lungime "deoarece tragedia face tot posibilul să se desfășoare într-o poală de soare cam așa, în timp ce epopeea este nelimitată în timp". În tragedia greacă , corul, printre altele, era esențial pentru a evita inconsecvențele și a explica fondul. Horace , ca și Aristotel, a insistat asupra conceptului de unitate. În perioada Renașterii , așa-numitele trei unități de acțiune, loc și timp au fost atribuite lui Aristotel, în care acesta din urmă ar sancționa regula descrisă mai sus (prezentă în plus ca o convenție în multe texte ale teatrului grecesc antic, ca în exemplul citat).

Teatrul elizabetan și spaniol în primul rând, și teatrul contemporan mai radical , au amestecat și revoluționat nu numai genurile, ci și convențiile referitoare la timpul reprezentat. Brecht , Samuel Beckett , Tadeusz Kantor , Thomas Eliot , au propus noi scheme narative, în care elementul temporal devine parte a alegerilor stilistice. Cu Brecht , utilizarea epică a timpului teatral (definită în modalitatea unei narațiuni detașate a evenimentelor îndepărtate, chiar și atunci când personajul vorbește la persoana întâi) contribuie la efectul de înstrăinare urmărit de autor, în Beckett durata este determinată de timp .gândirii non-logice, un timp interior contradictoriu, care reprezintă drama personajelor cu folosirea unui limbaj și acțiuni aparent inocente. În Ionesco , definiția timpilor și tăcerilor este o indicație narativă precisă:

«Mai multă tăcere. Ceasul sună de șapte ori. Tăcere. Ceasul sună de trei ori. Tăcere. Ceasul nu sună deloc ".

( Cântărețul chel de Eugène Ionesco )

Mai recent, stilurile și modurile din cinematografie și artele vizuale au fost împrumutate din limbajul teatral. Utilizarea flashback-urilor și a flashforwards-urilor , a videoclipurilor proiectate pe fundal sau pe ecrane, multiplicând posibilitățile de a spune momente diferite, chiar și în același timp.

Stiluri teatrale

„Este interesant pentru că, spre deosebire de cinematograf, nu există prim-planuri, așa că o persoană trebuie să poată folosi fiecare centimetru de sine”.
( Katie Holmes )

Există nenumărate stiluri și genuri care pot fi utilizate de dramaturgi , regizori și antreprenori pentru a satisface diferitele gusturi ale publicului, în contexte și culturi diferite. Câteva pot fi listate, deși lista va fi întotdeauna incompletă, având în vedere faptul că genurile enumerate nu se exclud reciproc. Bogăția teatrului este de așa natură încât practicienii acestei discipline pot împrumuta elemente din fiecare dintre aceste stiluri și pot prezenta lucrări multidisciplinare într-o combinație practic infinită.

  • Tragedie : este o dramă cu intenție serioasă și, în general, cu o semnificație ridicată, în general cu o temă mitologică sau istorică și, prin urmare, adesea plasată printre zei sau în curtea unui rege (vezi tragedia greacă ) în care un personaj eroic se confruntă cu evenimente sau consecințe acțiunilor sale și, în general, se încheie cu moartea protagoniștilor sau cu descrierea sentinței lor. În vremurile clasice, a povestit un fapt cunoscut mai ales de toți.
  • Comedie : mai ales cu final fericit, comedia are teme ușoare, se ocupă de problemele cotidiene și dezvăluie punctele slabe ale personajelor sale. În general, personajele sunt oameni obișnuiți, care se găsesc în mediile urbane de clasă medie-înaltă (inclusiv servitori). Râsul este cel mai puternic semn de complicitate între spectator și actor, iar măiestria în delimitarea personajelor comice a dus la succesul a numeroși actori de teatru.
  • Musical : (prescurtare pentru comedie muzicală ) este un gen de spectacol teatral în care acțiunea se desfășoară pe scenă nu numai prin actorie, ci și prin muzică, cântec și dans.
  • Concert-spectacol: este o formă modernă „hibridă” de spectacol teatral care combină coerent cele două expresii bine definite și definibile.

Se adaptează foarte bine la montarea operelor, a pieselor muzicale etc. cu intenția de a sublinia aspectul muzical al operei fără a neglija, când și acolo unde este posibil, cele scenografice, costumate, coregrafice, decorative. Datorită flexibilității sale în etapă, este potrivit pentru medii chiar și de dimensiuni reduse. În ultima perioadă a fost îmbogățit și, prin urmare, mai plăcut, de tehnologiile moderne din domeniul audiovizualului. Un exemplu recent, cu feedback pozitiv din partea spectatorilor, este reprezentat de Opera muzicală modernă „Raphael și legenda Fornarinei” (Muzică și Libret: Giancarlo Acquisti) prezentată ca Concert-Show, în 2011, la Teatrul Argentina din Roma și ulterior la „Muzeele Capitoline”. Spectacole noi sunt inspirate de acesta:

Monumentul lui Carlo Goldoni din Veneția


  • Commedia dell'arte : este o reprezentare în care actorii, pe baza unei pânze , reprezintă evenimente inspirate din realitatea cotidiană, îmbogățite cu numere acrobatice, dansuri și cântece, și cu ajutorul măștilor .
  • Teatrul absurdului : se referă, în general, la un anumit stil teatral al scriitorilor de teatru europeni și americani care s-a dezvoltat între anii 40 și 60 ai secolului XX; se caracterizează prin dialoguri aparent lipsite de sens, repetitive și fără conexiuni logice.
  • Grand Guignol : este o dramă care conține scene macabre de brutalitate pronunțată și adesea exagerată, cu ajutorul unor efecte speciale mai mult sau mai puțin rudimentare.
  • Mimă : este o reprezentare a acțiunilor, personajelor și personajelor care folosește doar gesturi mai degrabă decât cuvinte.
  • Kabuki : este o formă de teatru, născută în Japonia la începutul secolului al XVII-lea. Evenimentele sunt exprimate prin emoțiile personajelor individuale, particularitatea prevalează întotdeauna asupra considerațiilor morale sau politice de natură generală. Mișcări stilizate și o utilizare a vocii aproape de cântat sunt adăugate textului, care de multe ori nu are o unitate narativă.
  • Nu : este o formă de teatru născută în Japonia în secolul al XIV-lea care necesită o înaltă cultură pentru a fi înțeleasă, spre deosebire de Kabuki care reprezintă vulgarizarea sa. Se caracterizează prin lentoare, o grație spartană și utilizarea măștilor caracteristice.

Teatrul dramatic

Drama este o operă literară care trebuie interpretată. Teatrul poate fi cu siguranță definit ca un spectacol coregrafic , varietate , spectacole muzicale și numere de magician , spectacole de jongleri în circ , precum și de clovni . În mod normal, însă, istoria teatrului restrânge domeniul investigației sale la forma „principală” a evenimentului teatral: teatrul dramatic . Adică reprezentarea, ficțiunea dramatică , în care actorii interpretează personaje, povești, medii diferite de ale lor, adică prin aceasta pentru a da viață unei forme de artă.

În teatrul dramatic este necesară prezența a trei elemente fundamentale: autor, actori și spectatori. Dacă în alte forme de artă teatrală autorul nu este adesea necesar, într-un dialog teatral, scris sau nescris, există întotdeauna un autor, care uneori poate coincide, în cazul improvizației, cu actorul însuși. Prin urmare, teatrul dramatic presupune existența unui text, iar comunicarea verbală, chiar și atunci când nu este exclusivă, este încă fundamentală.

Conceptul de dramă și dramă este legat mai mult de un dialog decât de un monolog sau o lirică (deși etimologic poate fi referit la orice formă literară destinată scenei). Prin prezența a cel puțin unui alt actor de dialog se poate exprima cel mai bine caracteristica principală a teatrului dramatic: contrastul dintre cel puțin două elemente diferite. Bernard Shaw , introducând primul său volum de comedii , afirmă: „Nu există joc fără conflict”. Un contrast poate apărea chiar și în textul ușor și își formează coloana vertebrală.

Genuri în sine

Unele evenimente teatrale sunt considerate genuri în sine, chiar dacă sunt incluse în categoria reprezentărilor teatrale.

  • Opera : este un gen teatral și muzical în care acțiunea scenică este accentuată și exprimată în principal prin muzică și cântare. Cântăreții sunt însoțiți de un ansamblu instrumental care se poate extinde pentru a forma o mare orchestră simfonică . În general, nu există actori, iar textul literar, numit libret , este cântat în cea mai mare parte în modalitatea virtuoasă a vocii lirice.
  • Teatru fizic : Este o metodă și o abordare a teatrului care integrează diferite genuri teatrale bazate pe limbajul corpului și sensul mișcării în spațiu, născut din studiul mimiei . Prin observarea și analiza mișcărilor, el predă transpunerea fizică și, prin utilizarea improvizației, transpunerea ei într-un act teatral. Se stabilește o relație strânsă între mișcare, gest, vorbire și procese psihologice. În acest context, interpretul devine un „creator”, capabil să pună în scenă, să regizeze și să se adapteze la diferite stiluri teatrale. Cunoscut pentru studiile sale de teatru fizic este Jacques Lecoq .
  • Teatru-dans : este o formă de dans alegoric, adesea simbolistă, puternic animată de fuziunea dintre teatru și arte figurative și în care elementul narativ este caracterizat într-un mod abstract și antinaturalist. În general, nici în acest caz nu există actori pe scenă, ci dansatori, cu excepția cazurilor de actori cu mai multe fațete capabile să interpreteze coregrafii complexe.
  • Teatrul celor oprimați : este o metodă teatrală dezvoltată de Augusto Boal începând din anii șaizeci , mai întâi în Brazilia și apoi în Europa, care folosește teatrul ca mijloc de cunoaștere și ca limbă, ca mijloc de cunoaștere și transformare a interiorului , realitatea relațională și socială. Este un teatru care face publicul activ și servește grupurilor de „spect-actori” pentru a explora, pune în scenă, analiza și transforma realitatea pe care o trăiesc ei înșiși. Scopul său este de a-i face pe oameni să își redescopere teatralitatea, văzută ca un mijloc de cunoaștere a realității, și de a-i face pe spectatori protagoniști ai acțiunii scenice, astfel încât să fie și ei în viață.
  • Teatru de cântece : gen teatral și muzical, născut pe inspirația și derivarea muzicalului, dar mai expres fiul teatrului Bertold Brecht și al spectacolelor franceze ale cântăreților precum Édith Piaf , Jacques Brel , Juliette Gréco . Cel mai mare exponent al acestui gen a fost Giorgio Gaber care, împreună cu Sandro Luporini, a creat de la sfârșitul anilor 60 o adevărată filă de muzică și teatru narativ, legată în principal de probleme sociale și politice. În prezent, mulți compozitori și grupuri operează cu stiluri și realizări scenice aproape de teatrul de cântece. Aici putem menționa Flavio Oreglio , Marco Paolini cu comercianții de băuturi alcoolice , Yo-Yo Mundi , Banda Putiferio .
  • Teatru ludic : este un gen teatral în care acțiunea scenică introduce elementele pentru un joc care implică participarea publicului.

Teatrul din culise

Pictogramă lupă mgx2.svg Același subiect în detaliu: Quintă (teatru) .

Teatrul nu este doar ceea ce vedeți pe scenă. Un spectacol implică adesea o lume întreagă de oameni în crearea de costume , decoruri , iluminat , muzică și toți cei care, în culise, contribuie la dezvoltarea perfectă a evenimentului, directorii de scenă , producătorii de instrumente , mașiniștii , sunetul și tehnicieni de iluminat , căutătorul de proprietăți , croitorele , coaforii și, bineînțeles, directorul .

Teatru și ritual

Relația dintre ritual și teatru este în continuă dezvoltare, de la începutul acestei discipline până în prezent. Autonomia teatrului față de rit este o cucerire progresivă: inițial, actorul și preotul sunt confuzi. Masca sacră, care inițial este reprezentarea zeului, devine apoi instrumentul unui joc narativ care se îndepărtează de sensul original. În timpul reprezentărilor dionisiace în care, pentru a folosi cuvintele filologului maghiar Károly Kerényi , „oamenii trec la partea zeilor”, formele teatrale și parateatrice se dezvoltă alături de formele rituale, care iau noul caracter de afirmare a grupului identitatea și împărtășirea valorilor comune. Odată distincte, ritul și teatrul își asumă sarcini diferite. Teatrul explorează condiția umană , devenind o conștientizare critică a condițiilor lumii, dând formă tensiunii către viitor, speranțelor și proiectelor sociale ale grupului.

În vremurile ulterioare, granița dintre teatru și ritual este redefinită. În curțile Renașterii reprezentările (sacre și profane) exprimă esența Statului Absolut și motivele spirituale și politice ale puterii. Se nasc ceremonii seculare, exemplare ale relației dintre Prinț și societate, în timp ce teatrul sărbătorește noi eroi, reconectându-se cu miturile clasice . Ultima schimbare majoră în relația dintre rit și teatru are loc în Revoluția Franceză , care demontează sensul religios ca o legătură a comunității. Teatrul capătă forma sa lumească și comercială, o expresie a burgheziei în ascensiune.

Teatru și cinema

Cinematograful nu are nicio legătură cu teatrul”, a spus odată Eduardo De Filippo . «Când actorul moare, el trebuie să moară. Destul! Trebuie să dispară! Nu trebuie să lăsați această umbră, această viață falsă » . Peter Brook afirmă că viața unei piese durează, cel mult, patru ani, după care spectacolul „îmbătrânește și moare” . Una dintre cele mai evidente diferențe dintre cele două arte este persistența evenimentului spectaculos în timp. Cinema îl definește pe actor în performanța sa artistică, fixându-l pe film. Nel teatro uno dei fondamenti del mestiere d'attore è la ricerca della perfezione sapendo di non poterla mai raggiungere. La pratica teatrale rivolge la sua maggiore attenzione sul processo più che sul risultato (che nel cinema è l'unico possibile elemento di valutazione).

Sia il teatro che il cinema tentano di rappresentare la realtà, non necessariamente in una modalità naturalistica. I temi e gli argomenti che toccano sono simili, e se la ' settima arte ', più giovane, ha tratto elementi utili dal teatro, il travaso è avvenuto anche nella direzione inversa. Il cinema delle origini, fatto di inquadrature fisse, somiglia al teatro e del teatro utilizza i testi. Mentre il cinema prende il suo spazio e raggiunge una completa autonomia, il teatro sperimentale porta nelle sale le immagini proiettate, arrivando al 'teatro multimediale' degli ultimi anni, in cui è frequente la presenza di una videocamera sul palcoscenico, che riprende in modo più o meno insolito ciò che succede in scena, per rimandarlo immediatamente su uno o più schermi.

Teatro e televisione

Negli anni cinquanta e sessanta , quando la Rai prefiggeva compiti pedagogici alla programmazione televisiva, il teatro di prosa occupava uno spazio rilevante nei palinsesti , con un appuntamento fisso settimanale, raddoppiato, poi, quando venne irradiato anche il secondo canale.

All'epoca le trasmissioni erano rigidamente in diretta, per cui il linguaggio di tali " teleteatri " era molto simile a quello del teatro tradizionale. In genere, però erano realizzati in studi televisivi e solo eccezionalmente riguardavano riprese di spettacoli teatrali dal vivo della scena.

Nel repertorio largo spazio era riservato a testi stranieri. Per quello che riguardava la produzione italiana un interessante filone fu quello del teatro "dialettale" come Eduardo De Filippo e Gilberto Govi .

Tra gli autori si spaziava da Aristofane ad Alfieri , Shakespeare , Schiller , Čechov , Goethe , Ibsen , Pirandello .

Con il sopravvento della teleregistrazione cambiò anche il genere, con il sorgere dello sceneggiato televisivo, la fiction e il definitivo allontanamento del linguaggio televisivo e quello teatrale.

Negli anni d'oro il mezzo televisivo contribuì grandemente alla conoscenza nel grande pubblico di autori, opere, registi, attori. In genere l'accoglienza fu entusiastica. Un'operazione eccessivamente "intellettuale" fu nel 1959 il Dyskolos di Menandro (l'unica sua commedia pervenutaci pressoché intera) che suscitò un'indignata serie di lettere di protesta per l'intreccio giudicato "puerile".

Note

  1. ^ Dizionario etimologico , su etimo.it .
  2. ^ Gobber e Morani , p. 3 .
  3. ^ Lo spazio mitopoietico Archiviato il 14 giugno 2008 in Internet Archive ., da piccoloteatro.org
  4. ^ Il tempo Archiviato il 14 giugno 2008 in Internet Archive ., da piccoloteatro.org

Bibliografia

  • Silvio D'Amico :
    • Storia del Teatro drammatico (Garzanti, Milano 1960)
    • Enciclopedia dello spettacolo , diretta da S. D'AMICO, Roma, Sadea/Le Maschere, 1954-1962, 9 voll.
    • Enciclopedia del teatro del Novecento , a cura di A. ATTISANI, Milano, Feltrinelli, 1980.
    • Storia del teatro moderno e contemporaneo , diretta da R. ALONGE e G. DAVICO BONINO, Torino, Einaudi, 2000- 2001, 3 voll.
  • Antonin Artaud , Il teatro e il suo doppio , Torino, Einaudi, 2000.
  • Eugenio Barba , La canoa di carta. Trattato di antropologia teatrale , Bologna, Il Mulino, 1993.
  • Jacques Copeau , Il luogo del teatro. Antologia degli scritti , a cura di MI Aliverti, Firenze, La casa Usher, 1988.
  • Konstantin Sergeevič Stanislavskij , Il lavoro dell'attore sul personaggio , a cura di F. Malcovati, Roma-Bari, Laterza, 1988.
  • Bertold Brecht , Scritti teatrali , introduzione di E. Castellani, Torino, Einaudi, 1975, 2 voll.
  • Jerzy Grotowski , Per un teatro povero , prefazione di P. Brook, Roma, Bulzoni, 1970.
  • Giovanni Gobber e Moreno Morani, Linguistica generale , Milano, McGraw Hill Education, 2014 [2010] , ISBN 978-88-386-6854-8 .

Voci correlate

Altri progetti

Collegamenti esterni

Controllo di autorità Thesaurus BNCF 782 · LCCN ( EN ) sh85134522 · GND ( DE ) 4059702-7 · BNF ( FR ) cb13162689q (data) · BNE ( ES ) XX524524 (data) · NDL ( EN , JA ) 00561951