John Coltrane

Acest articol sau secțiune despre muzicieni și subiecte de jazz lipsește sau lipsește de note specifice și referințe bibliografice . Deși există o bibliografie și / sau legături externe , nu există o contextualizare a surselor cu note de subsol sau alte referințe precise care indică cu exactitate originea informațiilor. Puteți îmbunătăți această intrare citând mai precis sursele . Urmați sfaturile din desenele de referință 1 , 2 .

Neutralitatea acestui articol sau secțiune pe tema muzicienilor a fost pusă la îndoială . Motiv : tonuri de laudă împrăștiate prin voce. Prea multe considerații personale, ton inadecvat, emfatic, pare o recenzie entuziastă și nu o intrare biografică. Surse aproape inexistente. Pentru a contribui, corectați tonurile emfatice sau părtinitoare și participați la discuție . Nu eliminați această notificare până când disputa nu este soluționată. Urmați sfaturile de proiectare de referință .

John William Coltrane
John Coltrane, 1963
Naţionalitate	Statele Unite
Tip	Jazz Bebop Bop tare Jazz Modal Jazz gratuit
Perioada activității muzicale	1945 - 1967
Instrument	saxofon tenor , saxofon alto , clarinet
Site-ul oficial
Editați datele pe Wikidata · Manual

John William Coltrane ( Hamlet , 23 septembrie 1926 - New York , 17 iulie 1967 ) a fost un saxofonist și compozitor american .

Printre cei mai mari saxofoniști din istoria jazzului , el a fost printre pietrele de temelie ale genului (în special al modului) ^[1] din anii șaizeci , închizând perioada bop-ului și deschizând cea a jazzului liber . Gândirea muzicală a lui Coltrane a influențat numeroși muzicieni care vor veni. ^[2]

A primit numeroase premii și onoruri postume, inclusiv canonizarea de către Biserica Ortodoxă Africană sub numele de Sfântul Ioan William Coltrane. Biserica din San Francisco dedicată lui, Biserica ortodoxă africană Sfântul Ioan William Coltrane , folosește muzica și rugăciunile Coltrane în liturgia sa.

Biografie

Începuturile

Fiul lui John Robert Coltrane , croitor cu un hobby muzical (a cântat ukulele și vioară ) ^[3] și al lui Alice Blair , a crescut în High Point . La vârsta de doisprezece ani și-a pierdut tatăl ^[3] și mai târziu a fost lovit de alte dolii familiale. La treisprezece ani el sa alăturat trupei Boy Scout ca un clarinetist și în liceu a început , de asemenea , joacă alto saxofon .

În 1943 a absolvit liceul și s-a mutat la Philadelphia în căutarea unui loc de muncă, urmând „Omstein School Of Music”. În 1945 și - a făcut serviciul militar în Hawaii , ca clarinet în trupa militară a Marinei. Înapoi în Philadelphia s-a alăturat grupului lui Joe Webb și apoi în cel al lui Eddie Vinson , trecând la sax tenor și dedicându-se ritmului și blues-ului . În 1948 s-a alăturat orchestrei Teatrului Apollo din Harlem din New York . La Philadelphia a cântat din nou cu frații Heath, cu Cal Massey , cu Howard McGhee și cu orchestra Dizzy Gillespie în care a cântat la saxul alto. În 1951 orchestra a fost transformată într-un septet și Coltrane a revenit la sax tenor: cu această formație a înregistrat prima sa piesă la Detroit pe 1 martie.

În 1952 s- a alăturat grupului lui Earl Bostic și în 1953, din cauza problemelor legate de consumul de heroină , a fost concediat din grupul Johnny Hodges și Miles Davis în 1957 ^[4] . La 3 octombrie 1955 s-a căsătorit cu Juanita Grubbs (Naima) ^[3] și a început să colaboreze cu Miles Davis . John Coltrane a devenit vegetarian între 1960 și 1961 . ^[5] . În 1963, după ce s-a mutat într-o nouă casă pe strada Mexico 116-60 din St. Albans, Queens, și-a părăsit soția. În același an l-a cunoscut pe pianista Alice McLeod din uniunea cu care s-au născut John Jr. în 1964, Ravi în 1965 și Oranyan („Oran”) în 1967. În 1966, după divorțul cu Naima, s-a căsătorit Alice. Potrivit muzicianului Peter Lavezzoli, „Alice a adus fericire și stabilitate în viața lui John, nu numai pentru că au avut copii, ci și pentru că împărtășeau multe dintre aceleași credințe spirituale, în special un interes comun pentru filozofia indiană”.

Întâlnirea cu Miles Davis și Thelonious Monk

În 1955, Miles Davis a trebuit să găsească un înlocuitor când Sonny Rollins s-a întors să se retragă de pe scenă, așa cum făcea din când în când, iar Philly Joe Jones l-a convins să-l cheme pe Coltrane pentru o audiție. Davis și-a exprimat oarecare nedumerire pentru că îl ascultase pe Coltrane cu ani în urmă pe un disc, dar după audiție a fost impresionat, Coltrane a improvizat pentru prima dată pe una dintre piesele sale, nemaiauzite până acum. Coltrane a profitat de ocazie pentru a întâlni un coleg mai experimentat pentru a-și îmbunătăți cunoștințele muzicale. Davis a fost extrem de rezervat în organizarea muzicii sale, nu a dat sfaturi și a păstrat un secret cu privire la structuri și soluții armonice. În spectacole, el întorcea adesea spatele publicului pentru a trimite semnale gestuale muzicienilor săi fără a fi văzut sau șoptit la ureche. Dimpotrivă, Coltrane s-a împrumutat unei abordări muzicale concrete și pragmatice: avea nevoie de cunoașterea și elaborarea continuă a fiecărei note, acorduri și progresii.
Aceste neconcordanțe, atât muzicale, cât și de personaje, l-au enervat mult pe Coltrane, până la punctul în care a decis să plece. Între timp, cvintetul lui Davis semnase angajamente pentru toamnă și Davis trebuia să-l implore pe Coltrane să se întoarcă.

La 26 octombrie 1955 , cvintetul lui Davis cu Coltrane a intrat în studioul de înregistrare și a înregistrat patru piese pentru casa de discuri Columbia : Ah-Leu-Cha, Two Bass Hit , Little Melonae și Budo , care au fost inserate împrăștiate pe diferite discuri. Soloul din Budo este considerat a fi unul dintre culmile carierei lui Coltrane. O astfel de perfecțiune a atras atenția lui Miles Davis, care a apreciat rafinamentul colegului său. Au deschis o serie aurie de înregistrări pentru Columbia și Prestige Records realizate în decurs de exact un an: ultima este pe 26 octombrie 1956 . Eleganța pare a fi principala caracteristică a acestui cvintet: totul este neted, pianul , basul și tobe sunt îmbinate într-unul singur. Sentimentul de unitate expresivă s-a datorat atât încercărilor repetate, cât și armoniei dintre membrii grupului. Fiecare piesă a fost aranjată cu atenție, dar aranjamentul este ascuns și constă adesea în mici atingeri izolate: o notă, o coardă de pian, un fragment melodic interpolat. Alte mecanisme sunt mai complexe, dar nu mai puțin ascunse publicului. În piese precum If I Were A Bell și aș putea scrie o carte , soliștii pot prelungi ultima buclă armonică după bunul plac și pot alerta ritmul acesteia folosind fragmente mici ale temei ca semnale de avertizare, ascunse în solo. Odată ce mecanismele au fost reglate și internalizate, acestea au trebuit apoi să se joace într-o singură respirație, fără să se gândească la asta.

În 1956, în sesiunile din 11 mai și 26 octombrie, Davis a jucat o oră și jumătate de muzică la rând, fără remake-uri, aproape simulând o interpretare live. Au ieșit patru albume ( Cookin ' , Relaxin' , Workin ' și Steamin' ).

În aceste înregistrări puteți vedea grija lui Coltrane în explorarea întorsăturii armonice a piesei. În primele înregistrări, formularea sa este încă la fel de atent construită pe cât de banală. Lungul solo din Oleo este un alt exemplu admirabil de construcție muzicală neîntreruptă. Cu toate acestea, în realitate, Coltrane a avut altceva în minte: într-un solo ca cel de pe Woodyn 'You , mai ales în care pianul tace, lăsându-l netulburat în explorările sale armonice, el nu mai apare intenționat să țeasă frazele tipice ale lucrărilor anterioare. . În soloismul său începe să apară o notă plângătoare și tensionată, care contrastează pe deplin cu solo-ul lui Davis. Primii ascultători au fost surprinși și s-au despărțit. Unii au fost imediat atinși de ștampila Coltrane. Au simțit o tensiune expresivă care a depășit formalitatea corectă a propozițiilor. Trupa lui Davis s-a transformat din quintet în sextet (Miles Davis - trompetă, John Coltrane - sax tenor, Cannonball Adderley - sax alto, Red Garland - pian, Paul Chambers - contrabas, Philly Joe Jones - tobe) și și-a început experimentele în domeniul improvizație modală cu albumul Milestones din 1958 , atingând punctul culminant al sezonului său lung cu albumul Kind of Blue înregistrat în martie 1959 . În aceasta, Miles Davis a făcut un alt pas înainte pe calea improvizației modale. Pentru a obține spontaneitatea maximă de la muzicienii săi, i-a convocat fără pregătire, iar în studio le-a arătat modelele pieselor cu indicația unor scale simple și fără acorduri. Rezultatul a fost muzica cu forme și linii esențiale. Deci What , una dintre cele cinci piese, ar intra permanent în marele repertoriu de jazz, devenind steagul jazz-ului modal . Blue In Green este o baladă abstractă. În Flamenco Sketches , o piesă în care Davis a experimentat o structură foarte îndrăzneață, interpreților li s-a dat doar indicația a cinci scale, care să fie jucate în ordine, nimic altceva. Numărul de bare este ad libitum și nu se explică cu ce criteriu au trecut improvizatorii de la o scară la alta.

Soloul lui Coltrane este încă apreciat pe scară largă atât de public, cât și de critici. Caracteristică este anecdotica conform căreia Coltrane a creat un moment de panică insistând să improvizeze la a patra scară (scara flamenco ) și să amâne tranziția la scara a cincea, prinzându-l pe Bill Evans cu garda jos . Aceste structuri cu lungime variabilă au fost folosite de Coltrane în dezvoltarea ulterioară a muzicii sale.

În 1957, Coltrane a lucrat cu Thelonious Monk la Five Spot Café din New York și a cântat în cvartetul lui Monk (iulie-decembrie 1957), dar, din cauza conflictelor contractuale, a luat parte la o singură sesiune oficială de înregistrare în studio cu acest grup. O înregistrare privată făcută de Juanita Naima Coltrane la o reuniune de grup în 1958 a fost lansată de Blue Note Records ca Live at the Five Spot - Discovery! în 1993. Mai târziu a fost găsită o bandă de înaltă calitate a unui concert susținut de acest cvartet în noiembrie 1957 lansat de Blue Note în 2005. Înregistrat de Voice of America, intitulat Thelonious Monk Quartet cu John Coltrane la Carnegie Hall, spectacolele confirmă reputația grupul.

Pași uriași

Același subiect în detaliu: Pași uriași .

Coltrane a primit premiul Edison pentru pașii gigantici , noiembrie 1961

Deși la începutul anului 1959 Coltrane nu avea încă un grup fix, în acest an a înregistrat șapte discuri, inclusiv Kind of Blue și Giant Steps .
Acest ultim album marchează punctul de plecare al ascensiunii muzicale a lui John Coltrane. Formația care a intrat în sala de înregistrări alături de tenorist este următoarea: Tommy Flanagan la pian, Art Taylor la tobe, Paul Chambers la bas. Titlul Giant Steps este pe două căi. Coltrane face aluzie nu numai la descoperirile pe care le face de la o zi la alta, ci și la „salturile” pe care improvizatorul trebuie să le înfrunte continuu în timpul interpretării melodiei cu același nume. Îngrijorarea bebopului a fost întotdeauna să se confrunte cu dificultățile buclei armonice. Principala dificultate constă în modularea de la o cheie la alta. Cel mai dificil salt este cel dintre taste la o a treia distanță majoră : de exemplu B și D # (considerat enarmonic ca Eb), sau B și G, sau Eb și G. Cele trei taste majore menționate sunt tocmai cele care alternează în Pașii Giganți . Sunt la aceeași distanță una de cealaltă ca vârfurile unui triunghi echilateral . Întoarcerea armonică a Giant Steps trece continuu și rapid de la una la alta, atât într-o direcție (B - G - E bemol), cât și în cealaltă (G - E bemol - B), acest lucru pune improvizatorul să se adapteze la un elasticitatea gândirii executive și muzicale, în trecerea de la o cheie la alta. Cele trei tonuri sunt conectate între ele folosind cadențele construite pe coarda a șaptea dominantă. În acest fel, saltul dintre tasta de b major și cea de sol major, care se află la o distanță de un interval de un al șaselea minor, este redus. De fapt, după acordul B major, pentru a cădea în Sol major, se folosește acordul D al șaptelea, adică al șaptelea acord dominant care se încadrează pe acordul G major. În același mod, pentru a trece de la coarda de sol major la cea de mi bemol major, trebuie să treceți la coarda intermediară de bemol al șaptelea, cadență pentru mi bemol major. În acest fel, înțelegem că „pasul gigantului” este cel dintre coarda B majoră și coarda D șaptea, cadență pentru sol major. Este un interval armonic al treimei minore: B major - D al șaptelea. În acest moment este de înțeles că sistemul folosit de Coltrane pentru a-și construi propriul triunghi armonic derivă din substituțiile tritonilor. De fapt, schimbarea tipică C - A-7 - D7 - G7 poate fi înlocuită după cum urmează: C - Eb7 - Ab7 - Db7. Aceasta înseamnă că intervalul armonic al treimei minore a fost deja utilizat. Coltrane a dezvoltat-o ​​în maniera descrisă pentru a conecta cele trei taste de bemol, mi bemol și sol major.

Ciclul acordurilor Giant Steps poate fi, de asemenea, gândit ca o schimbare sau modulație . De fapt, această întoarcere armonică poate fi utilizată ca înlocuitor pentru normele II-VI . Iată explicația. Tipicul II-VI (de ex. Re minor - G al șaptelea - Do major al șaptelea) se înlocuiește după cum urmează (două coarde pe măsură): Re minor, Mi bemol al șaptelea - A bemol major al șaptelea, B al șaptelea - E major al șaptelea, G al șaptelea - C major al șaptelea.

Cu toate acestea, datele tehnice vizează sensul muzical și filosofic al operei. Pentru Coltrane, descoperirea triunghiului Si - G - E bemol nu putea să nu aibă un sens numerologic . De acum încolo se uită în multe alte piese, de la Countdown la But Not For Me , la Central Park West și chiar la Body and Soul . Magia numărului capătă forme recursive în Pași uriași : reprezintă o întoarcere eternă. Celelalte piese de pe disc nu sunt mult inferioare. Numărătoarea inversă aplică triunghiul Giant Steps unei viraje armonice ( Tune Up de Miles Davis), cu o viteză și mai mare: sunt două minute de sunet care datorită acestei densități sunt puțin mecanice, dar cu toate acestea au un impact formidabil. Instrumentele vin pe rând, tobe - sax - pian - bas; când ultima intră, tema este expusă și piesa este terminată. În celelalte piese, Coltrane folosește continuu pedalele , într-un mod foarte variat: în Spiral și în Naima tandră o singură pedală pe bas leagă diferite acorduri. Naima , cu melodia sa scurtă și emoționantă, a devenit în curând un clasic al jazzului.

Cvartetul istoric

Același subiect în detaliu: Lucrurile mele preferate (album) .

În 1960, Coltrane formează primul său cvartet: îl prezintă pe pianistul McCoy Tyner , basistul Steve Davis și bateristul Elvin Jones care, cu tobe puternice și abordarea ritmică inovatoare, vor influența foarte mult muzica saxofonistului. Elvin Jones nu doar păstrează leagănul, ci interacționează constant cu solistul, oferindu-i un covor ritmic dens și încastrat, din care pot fi derivate idei de improvizație în orice moment.
În 1961, Jimmy Garrison a preluat de la contrabasistul Reggie Workman . Până în prezent, cea mai mare preocupare a lui Coltrane fusese să aprofundeze armonia și studiul acordurilor. Pofta sa perfecționistă îl condusese la o măiestrie tehnico-armonică absolută. Solourile înregistrate împreună cu grupul Miles Davis, precum Óleo , Straight no Chaser , precum și solourile contemporane jucate în Moment's Notice , Countdown , Giant Steps , reflectă perfecțiunea sa realizată.

De aici înainte, Coltrane devine conștient de semnificația care trebuie acordată muzicii sale și începe căutarea rădăcinilor și originilor jazz-ului, înțeleasă și ca expresia muzicală a unui popor căruia știe că îi aparține. El aspiră la universalitatea muzicii sale, astfel încât toată lumea să poată înțelege mesajul său. Din acest moment, Coltrane încetează să mai fie doar un formidabil solist și devine un mare muzician și un inovator important.

Studiați muzica modală jucată în întreaga lume: în Africa , India , Spania , China . Se nasc melodii precum Liberia , Venga Jaleo , India , Brasilia etc. Mai mult, la îndemnul lui Miles Davis , a început să studieze saxul soprană cu care a înregistrat My Favorite Things ( 1960 ). În această piesă pianistul cântă acorduri repetate, creând un sunet hipnotic. Pe acest covor se remarcă soprana lui Coltrane, care seamănă cu un oboi în anumite registre și adesea orientală, grație utilizării anumitor intervale cromatice precum cele cuprinse în scara orientală. În alte momente ale solo-ului, saxul reproduce sunete mistice tipice muzicii indiene. Intrarea în grupul lui Elvin Jones, în locul lui Billy Higgins , a fost decisivă. De fapt, unul dintre cele mai importante aspecte ale grupului constă în armonia dintre pian și tobe și întâlnirea lor în anumite puncte ale piesei pentru a crea cicluri ritmice , similare cu cele ale muzicii africane . Elvin Jones este considerat, datorită concepției sale poliritmice, unul dintre cei mai mari bateriști de jazz.

Următorul album este Coltrane's Sound (1960) în care se interpretează o versiune memorabilă a Corpului și sufletului , aranjată folosind o mișcare cromatică ascendentă și descendentă a rădăcinii coardei minore prin primul major și apoi minor al șaptelea. La fel de interesant este acompaniamentul alternativ între acordurile pentru sferturi și acordurile cu al cincilea mărit la distanța de pitch, care creează o tensiune interesantă apoi rezolvată pe acordurile inciso. Aceste momente de tensiune și relaxare au fost covorul ideal pentru Coltrane, căruia îi plăcea adesea să cânte și piese tonale într-un mod modal, cu tonic lung sau pedale dominante care duceau la o incizie bogată în zone tonale. McCoy Tyner însuși a folosit în mod clar acest contrast (de exemplu, în Noaptea are o mie de ochi ), unde primele opt bare sunt redate pe o pedală dominantă, iar restul acordurilor urmează progresele mai clasice II-V-I.

Un alt album de aceeași linie este Coltrane cântă blues (1960). În acest album un blues este dedicat lui Sidney Bechet și unul lui Elvin Jones însuși. Pe două piese, Blues To Bechet și Blues To You , McCoy Tyner nu cântă. Omiterea pianului din ritmul obișnuit îi permite lui Coltrane să creeze o nouă dimensiune a spațiului, a libertății armonice și melodice. În mai 1961, Coltrane înregistrează Olé Coltrane , un disc în care se remarcă combinația muzicii modale spaniole. Cu această ocazie, liniei de bază i s-au alăturat Eric Dolphy (creditat cu numele de George Lane) la flaut și sax alto și Freddie Hubbard la trompetă .

Impuls! Înregistrări

În 1961, Coltrane își încetează colaborarea cu casa de discuri Atlantic și începe înregistrarea pentru Impulse! , al cărui producător, Bob Thiele , i-a acordat o autonomie foarte largă.

Primul disc al noii case de discuri a fost Africa / Brass, în care melodiile sunt toate modale, iar compoziția este aceeași cu Olé Coltrane , doar cu adăugarea orchestrei. Următorul album înregistrat pentru Impulse! este din noiembrie 1961 intitulat „Live” la Village Vanguard . Tot cu această ocazie atmosfera cântecelor este modală, mai ales în Spiritual , în care Coltrane se alătură Eric Clarphy la clarinetul de bas alături de Elvin Jones , Reggie Workman și McCoy Tyner . Discul include câteva înregistrări realizate live în miticul Village Vanguard . Din ascultare se simte că temele și aranjamentele sunt reduse la esențial, iar improvizația este extinsă până la o durată de chiar cincisprezece minute. Piesele de pe disc sunt construite urmând forma de blues sau pe unul sau două acorduri.

Aceste înregistrări exprimă pe deplin concepția modală a lui Coltrane despre acei ani. Din ascultare puteți înțelege, de asemenea, diferența dintre muzica live și cea făcută de Coltrane în studiourile de înregistrare. În spectacolele live , solo-urile sunt interpretate fără limite de durată, cu abandon total și în ciuda acestui fapt, nu sunt greu de ascultat, creând un flux de energie muzicală care nu se regăsește în înregistrările de studio. În multe piese, înregistrate live, se remarcă atât absența pianului, cât și cea a contrabasului , lăsând pe Coltrane în lungi dialoguri cu bateristul Elvin Jones.

La 6 martie 1963, John Coltrane și cvartetul său cu McCoy Tyner, Jimmy Garrison și Elvin Jones au înregistrat un album la studiourile Van Gelder. Coltrane a părăsit studiourile de înregistrare cu casete și le-a dus acasă în Queens, unde locuia împreună cu soția sa Naima. Anii trecuți, Impulsul! a reușit să publice aceste piese datorită familiei Coltrane și în 2018 ambele Direcții deodată : albumul pierdut a fost lansat, care conține două Untitled Original 11383 și Untitled Original 11386 , ambele cântate cu saxofon sopran și printre rarități, de asemenea, o înregistrare fără pian de Impresii.

În aprilie 1963, albumul Impressions , înregistrat în ultimii doi ani, a fost lansat și lansat, tot la Village Vanguard. Piesa din India (care reprezintă una dintre cele mai importante înregistrări ale lui Coltrane) datează din noiembrie 1961. Piesa este construită în întregime pe o pedală „G”. Pianistul McCoy Tyner nu intervine deloc, oferind spațiu virtuozității orientale și suprasolicitării saxofonului sopran al lui Coltrane. Cel mai important eveniment din acest disc este intrarea în cvartetul basistului Jimmy Garrison , care ia definitiv locul lui Reggie Workman . Chiar și în piesa Impressions , la un moment dat, atât McCoy Tyner, cât și Jimmy Garrison părăsesc instrumentul, lăsându-l pe Coltrane să vorbească cu bateristul Elvin Jones.

Întâlnirea cu Gilles Groulx

La începutul anului 1964, anul în care a înregistrat Crescent și A Love Supreme , Coltrane a fost abordat de regizorul canadian Gilles Groulx care făcea un film în Montreal Le chat dans le sac și care i-a cerut să facă coloana sonoră. Coltrane a livrat înregistrările mono pe bandă de un centimetru, toate amestecate de Rudy Van Gelder în celebrul său studio la 24 iunie 1964. Gilles Groulx l-a adus pe maestru în Canada pentru ao folosi ca coloană sonoră, selectat doar zece minute din cei peste treizeci- șapte care alcătuiesc gravura completă. În 2019 , banda remasterizată de Kevin Reeves la Universal Music Mastering din New York este lansată sub titlul Blue World .

O iubire supremă

Același subiect în detaliu: A Love Supreme .

John Coltrane House, 1511 North Thirty-three Street, Philadelphia.

Se spune că în 1964 Coltrane, care obișnuia să practice meditația yoga în fiecare seară, a auzit o nouă muzică răsunând în mintea sa în timpul unei sesiuni. Revenind la starea de alertă, era convins că nu putea fi decât un mesaj care i-a fost trimis de Dumnezeu. Coltrane a meditat mult timp la o nouă lucrare, de care a dorit să se ocupe și de producție. El a fost cel care a ales fotografia care îl portretizează, cu o expresie serioasă, pe copertă. Este o fotografie alb-negru, la fel cum întregul album este publicat în alb-negru auster. Coltrane a fost din nou cel care nu a imprimat în interior notele obișnuite ale căptușelii, ci o scurtă prezentare și o poezie, intitulată și A Love Supreme .

În prezentare, Coltrane îi mulțumește lui Dumnezeu pentru că l-a adus înapoi pe calea cea bună. El susține că a trecut printr-o perioadă de incertitudine și că a depășit-o punându-se înapoi în mâinile Sale. Prin urmare, discul este o umilă ofertă pentru el, în semn de mulțumire. Poezia este un text simplu, dogmatic și cântător, o declarație de credință care, uneori, ecou afirmațiile și răspunsurile care există între predicator și congregație. Lucrarea este o suită din patru părți. Au dreptul:

1. Confirmare
2. Rezoluţie
3. Îndeplinire
4. Psalm

Spre deosebire de celelalte discuri, care conțin melodii preluate din diferite sesiuni de înregistrare, acest album este rezolvat într-o lucrare completă care, folosind întreaga durată a redării lungi, dă naștere unuia dintre primele albume conceptuale de muzică modernă.

Prima mișcare se bazează pe repetarea continuă a celulei elementare a patru note F - A bemol - F - B bemol . Caracterul simplu și repetitiv al Recunoașterii i- a asigurat o vastă faimă postumă în lumea rockului , unde s-a răspândit legenda lui Coltrane, cu accentuare evidentă a tonurilor mistice, găsind în acel riff cu patru note un punct de sprijin acustic confortabil. În timp ce tiparele de bază ale celor patru mișcări sunt simple, conținutul improvizațiilor nu este. Din lunga sa tăcere, Coltrane iese cu un sunet ciudat, nou: mai umflat, vibrant și emfatic. Pe de altă parte, expresia este subțire, uscată. Apar, mai ales în primele două tempo-uri, câteva motive de trei sau patru note, pe care autorul le transportă, după bunul plac, în sus și în jos, către înalt și jos, creând coliziuni neașteptate cu acompaniamentul, care rămâne ancorat la bază. scară. Este o tehnică nouă, care folosește toate tonalitățile pentru a descrie „totalitatea” și măreția lui Dumnezeu și care va avea consecințe importante. A Love Supreme este capodopera perioadei care a început cu Lucrurile mele preferate .

Folosind cvartetul său, el urmează un itinerar mistic, de la contrizia Recunoașterii , la impulsul liric care descrie dureroasa decizie de schimbare ( Rezoluție ), până la punerea în aplicare puternică și copleșitoare a deciziei luate ( Urmărire ) până la rugăciunea de mulțumire, care Psalm metafizic în care, la sfârșit, vocea saxului tenor este dublată din cauza efectului neașteptat al unui overdub și pare să urce în cer traversând norii de sunet evocatori produse de cluburile de pluș ale lui Elvin Jones.

Albumul a fost apreciat aproape în unanimitate și a devenit în curând cel mai bine vândut disc de jazz din lume. În ea s-a văzut suma tuturor cercetărilor și ideilor efectuate de Coltrane în ultimii ani. Ceea ce au observat chiar și cei mai entuziaști susținători a fost că, cu A Love Supreme , se încheia un alt capitol din viața artistică a lui Coltrane.

Il quartetto suonò A Love Supreme dal vivo solo una volta, nel luglio del 1965 in un concerto a Antibes, in Francia.

Il periodo "free": Ascension

Lo stesso argomento in dettaglio: Ascension (John Coltrane) .

Già dal 1960 , Ornette Coleman aveva gettato scompiglio con il suo free jazz , un jazz in apparenza libero da ogni regola, spesso atonale , e comunque indigeribile non solo per il grande pubblico, ma anche per molti jazzofili. Coleman fece scandalo, ma la sua rimase una presenza quasi isolata. Anche Eric Dolphy faceva a volte del free jazz e lo stesso Coltrane, in certi momenti, ci era andato vicino. In seguito il free jazz esplose come movimento robusto e vitale e Coltrane si schierò con convinto entusiasmo dalla parte di questi innovatori.

Coltrane, nonostante le aspre critiche verso questa forma estrema di jazz, buttò sulla bilancia tutto il suo prestigio, affermando l'alto valore di quella musica, apparendo insieme ai suoi praticanti e incidendo con loro. Per due anni, essa fu documentata in buona parte da una grande etichetta come la Impulse!, che su consiglio di Coltrane scritturò sia Archie Shepp sia Albert Ayler . Il 28 giugno 1965 fu una data storica. Quel giorno Trane radunò in studio, oltre a Tyner, Garrison e Jones, due trombettisti ( Freddie Hubbard e Dewey Johnson ), due sassofonisti tenore ( Pharoah Sanders e Archie Shepp), due contraltisti ( John Tchicai e Marion Brown ) e un secondo bassista ( Art Davis ).

Ascension fu incisa in due versioni complete, registrate entrambe lo stesso giorno; i relativi nastri furono etichettati dai tecnici di studio rispettivamente come take 1 e take 2 . Nel febbraio 1966 fu pubblicata su disco la seconda registrazione ( take 2 ), oggi comunemente nota come "Edition I". Alcuni mesi dopo, John Coltrane cambiò idea e fece ritirare dal commercio la "Edition I", sostituendola con l'altra registrazione ( take 1 ), su un disco che mantenne lo stesso titolo, la stessa copertina e lo stesso numero di catalogo. Questa versione definitiva è oggi nota come "Edition II". Nella ristampa in CD di Ascension entrambe le versioni sono pubblicate insieme ^[6] .

Il piano strutturale del lavoro è semplice: vi è un assolo per ciascuno dei fiati, uno per Tyner e uno per i due bassisti. Tra gli assolo sono interpolati squarci di improvvisazione collettiva di tutti gli undici musicisti. Questa germina all'inizio da un motivo di tre note, e ben presto si anima, si scalda, specie sotto l'impulso di Coltrane, di Shepp e di Sanders, un tenorista dai suoni violentissimi ed estremi. In breve la musica ribolle di melodie, di scale, di grida, di lamenti, di fischi: un'allucinante visione infernale, di fuoco e fiamme, che costituisce in certo senso l'antimondo di A Love Supreme . Durante l'incisione, perfino i presenti in studio non poterono trattenersi dall'urlare. Lo stesso assolo iniziale di Coltrane non può essere definito altro che un lungo, straziante urlo modulato. I vari solisti apportano naturalmente il contributo dei loro diversissimi stili. L'assolo di John Tchicai, al sax alto, è freddo, tenue e pigolante; quello di Shepp torvo e minaccioso, costruito con uno studiato crescendo da attore; quello di Tyner è martellante e oceanico; quello di Sanders sembra voler far esplodere il sassofono in mille schegge roventi. Con Ascension , il free jazz ebbe nuovamente una sua opera manifesto: un'opera che spaventò i più, ma che rivelò comunque una forza tale da esercitare una straordinaria fascinazione anche su molti ascoltatori restii o dubbiosi, e un poderoso effetto trascinante su tutto il movimento free.

Meditations

Lo stesso argomento in dettaglio: Meditations (John Coltrane) e Om (album) .

A luglio dello stesso anno ( 1965 ), Coltrane effettuò l'ennesima apparizione europea. Suonò in quartetto, ma ormai la sua musica aveva raggiunto l'incandescenza con qualunque organico. Il pubblico del festival di Juan-les-Pins lo ascoltò con stupore suonare una musica ormai molto lontana da quella che aveva conquistato il mondo solo tre o quattro anni prima. Ma Trane non smise di andare avanti e, tornato negli Usa, riprese un ritmo produttivo forsennato. Il 26 agosto incise l'album Sun Ship , sorta di cartone preparatorio per un'opera più compiuta, Meditations . Questa fu da lui incisa per la prima volta il 2 settembre, in quartetto; ma il risultato non lo soddisfece, e rimase a lungo inedito. In queste opere Coltrane sperimenta nuove tecniche di organizzazione della sua musica. Nella prima versione di Meditations , egli esegue il brano Love più o meno come un improvvisatore indiano effettua la cosiddetta "presentazione" di un raga . Gli accompagnatori suonano una scala e Coltrane ripete un frammento melodico percorrendo questa scala in su e in giù. Il risultato è suggestivo ma monocorde, e Coltrane accantonò l'idea per riprenderla più avanti. In altri brani, come Sun Ship , Joy o Consequences , Coltrane parte da una scheggia tematica di una o due note, e aggiunge via via una nota alla volta, conquistando man mano lo spazio sonoro intorno a sé.

Tra l'1 e il 14 di ottobre Coltrane, con il gruppo allargato a Pharoah Sanders e ad altri ospiti, incise tre opere di grande rilievo: Om , Kulu Sé Mama e Selflessness . Om è un'opera cardinale, in quanto Coltrane vi osa un gesto di portata storica incalcolabile: egli abbandona la sua fedeltà alla tavolozza timbrica tradizionale del jazz, immettendo nella sua musica ampi squarci di suoni non jazz. Coltrane (affiancato da Sanders, Tyner, Garrison, Garrett, Elvin Jones ed il flautista Joe Brazil) ci offre un caleidoscopico brano free-form dalla durata di soli 28 minuti, un'esperienza sonora mistica, fortemente evocativa, assai più difficile da digerire rispetto al più conosciuto "Interstellar Space". È evidente come Coltrane si accosti con questo lavoro sempre più ai suoni della musica etnica africana ed orientale, abbracciando così una visione musicale volutamente etnico-ascetica e multidimensionale. La jam si snocciola insistente su cacofonie, echi e dissonanze furiose e la leggenda narra insistentemente che Coltrane avesse fatto uso di LSD durante le sedute di registrazione. Già l'inizio trasporta subito l'ascoltatore in un' Africa immaginaria: si ascoltano percussioni varie, e sopra di esse una mbira, il piccolo strumento africano a lamelle pizzicate con i pollici. Segue una salmodia recitata dai musicisti, che si conclude sulla parola om , la quale dà vita a un free collettivo. Nel disco è presente anche un flauto ( Joe Brazil ), che però emette suoni arcani e arcaici, non-europei. Qui Coltrane non si esibisce più in smoking con il suo elegante quartetto, che suona canzoni di Richard Rodgers , con scale modali , accordi , ritmi precisi, ma getta in faccia all'ascoltatore brandelli di materia sonora viva, cruda. L'atmosfera è religiosa, sciamanistica, frenetica, misterica, quasi da messa nera. Il disco, oggi, appare nel suo complesso come uno dei lasciti di jazz psichedelico più significativi ed interessanti di sempre, al pari solo di Bitches Brew di Miles Davis (ed è ancora ingiustamente sottovalutato e poco considerato all'interno di tutta la vasta discografia coltraniana). Om si potrebbe anche accostare all'LP dei Red Crayola The Parable Of Arable Land (registrato sempre in quell'anno), caposaldo di free-form music ancorato però ad una realtà e visione culturale che è quella del freak-rock americano. In Kulu Sé MaMa irrompe in scena un poeta, cantore e suonatore di tamburo , Juno Lewis , intorno alla cui poesia, cantata nel creolo di Louisiana , si muove il resto del gruppo, facendogli sontuosa corona. Selflessness è, al confronto, un'opera tradizionale: gli esecutori sono gli stessi di Kulu Sé Mama , ma il centro e la virtù delle cose sono i due sassofoni e il clarinetto basso , impegnati in un continuo dialogo spalla a spalla, dapprima fluido e ruscellante, poi sempre più rabbioso. L'annata si chiude, il 23 novembre, con la registrazione del nuovo, e stavolta definitivo, Meditations . La differenza sta nel fatto che oltre a Sanders, Coltrane ha aggiunto un secondo batterista, Rashied Ali , che suona in modo totalmente libero: sommato ad Elvin Jones , ne viene fuori un uragano percussivo. L'idea strutturale di base del vecchio Meditations viene mantenuta, ma con una cruciale differenza: vi è sempre una scala di base, e Coltrane che suona un frammento melodico di questa scala, trasportandolo su e giù.

Ma stavolta non lo trasporta sulle note della scala, bensì suonando altre scale. Questo procedimento, che in nuce avevamo scorto in A Love Supreme , deflagra qui in tutta la sua carica dirompente: quella musica che era monocorde e prevedibile ora sprizza urti dissonanti tra le diverse scale. I musicisti si muovono in uno spazio in cui tutte le note sono più o meno costantemente presenti, e in cui tutto si può suonare. Coltrane inoltre ha eliminato uno dei cinque brani, Joy , e l'ha sostituito - cambiando un po' la successione - con il nuovo brano The Father and the Son and the Holy Ghost , collocato in apertura. L'ignaro ascoltatore che metteva la puntina all'inizio del disco fa un salto: le due batterie scatenano il pandemonio, e Sanders emette di continuo uno stridente suono multiplo. È un paesaggio sonoro inaudito, mai immaginato da mente umana. Su di esso Coltrane espone la cellula tematica che poi trasporterà su e giù. Segue senza interruzione Compassion , un'oasi dai contorni più rilassanti e familiari, in cui McCoy Tyner dà vita a uno dei suoi grandiosi assolo.
Il lato B reca, pure di seguito, Love , Consequences e Serenity : due brani recitativi che ne incorniciano uno esplosivo, pieno di schegge sonore, in cui è alla ribalta Sanders. Nell'insieme, l'impianto strutturale comune a tutti i brani dona all'intero Lp una ferrea coerenza interna, rendendo accettabili, e anzi del tutto logici, i suoi continui capovolgimenti dalla violenza alla dolcezza e viceversa. Da un materiale noioso e inerte, Coltrane ha ricavato un nuovo, visionario capolavoro. La sua sintassi rivoluzionaria segna tuttavia il punto di rottura per McCoy Tyner, che non riesce a seguire l'evoluzione di Trane. Elvin Jones farà altrettanto tre mesi dopo, dichiarando: «Possono capirlo solo i poeti».

Ora con lui erano Sanders, Alice McLeod al piano, Jimmy Garrison e Rashied Ali . La sua musica era ormai stabilmente priva di pulsazione ritmica, fluttuante nell'aria: e gli ascoltatori erano perplessi circa la pianista, che certo non valeva Tyner. Ma Alice faceva senza problemi ciò che Coltrane voleva: e Coltrane voleva sentire di continuo un sottofondo come di arpa . Non soltanto i critici ma anche gli ascoltatori erano dubbiosi. Per Coltrane, il rapporto con il pubblico era vitale, non lo si poteva troncare impunemente. Egli sentiva di correre questo rischio, e ne era angosciato.

Un'altra volta confessò che essere acusticamente abituato alla propria musica era per lui un problema. Avrebbe voluto percepirla come un profano che la sentisse per la prima volta. Lacerato tra il richiamo dell'ignoto e il richiamo della tradizione, in maggio ( 1966 ) Coltrane incise un nuovo disco dal vivo al Village Vanguard ( Live at the Village Vanguard Again! ), come nel 1961 . I due lunghi pezzi pubblicati furono due improvvisazioni realizzate dal gruppo nel suo stile attuale; ma i temi erano Naima e My Favorite Things . Nel corso dell'anno Coltrane poté finalmente regolarizzare il suo stato civile. Lo Stato di New York aveva approvato una legge in base alla quale era possibile chiedere il divorzio non più solo per adulterio ma anche per altre cause, come la separazione di fatto. Coltrane ottenne quindi il divorzio da Naima, e sposò Alice McLeod. Coltrane diradò le sue esibizioni, restando spesso a casa a meditare sui suoi argomenti prediletti - la morte, la teoria della relatività e l' universo in espansione , la numerologia - ea elaborare le sue teorie sui rapporti tra suono e numero. Egli appariva ossessionato dal bisogno di raggiungere una verità ultima, sostanziale, assoluta: il nocciolo della verità, la crux , come amava dire. Nel mezzo di questo strano periodo di attività più che altro mentale, giunse la proposta di una tournée in Giappone . Era un paese che Coltrane era ben felice di visitare, visto il suo interesse per l'Oriente, e dove era molto amato. In realtà ci fu ben poco da visitare: il carnet di viaggio era micidiale. Dall'8 al 24 luglio più di un concerto al giorno. L'accoglienza fu principesca. I giapponesi lo aspettarono all'aeroporto con cartelli inneggianti. Ovunque vi erano manifesti suoi, tappeti rossi, limousine, scolarette con mazzi di fiori. Coltrane li ripagò con concerti lunghissimi, in cui come sempre si spremette fino in fondo; in repertorio pochi brani, tra cui una splendida composizione nuova, un'invocazione struggente, Peace On Earth .

Gli ultimi anni

Nel 1957, Coltrane ebbe un'esperienza religiosa che avrebbe potuto aiutarlo a superare la dipendenza da eroina e l'alcolismo con cui aveva lottato dal 1948. La carriera gli imponeva oltre ai concerti la presenza in continue conferenze stampa. Le foto scattate nell'ultimi anni lo ritraggono molto ingrassato e, in circa metà di esse, Coltrane pone una mano alla destra dell'addome, ma a pochi confessò la sua sofferenza. Aveva mal di testa continui e sempre più forti. Nel 66 tornato dal Giappone, assumeva grandi quantità di aspirina. George Wein gli propose una tournée in Europa: rifiutò: «non sto bene, disse, non me la sento» . Wein gli offrì di rinviare la data a suo piacimento, ma Coltrane non voleva partire affatto.

Si ipotizza che nel 1965 Coltrane iniziò a usare l' LSD e sottoposto a controlli medici venne a conoscenza di avere un importante danno epatico che stava via via peggiorando il suo stato di salute. Coltrane, dal canto suo decise di non sottoporsi a trattamenti medici sempre più vicino al pensiero delle filosofie orientali che dovevano averlo indotto in uno stato di passiva accettazione del destino, inclusa la morte. Da tempo parlava spesso della morte con chiunque e si era convinto di dover morire presto. Egli affrontò quindi il destino senza opporvisi e accettare alcun percorso di cura. La certezza della morte imminente lo indusse ad andare avanti nella sua ricerca artistica senza più remore, come in una folle corsa verso la fine di tutto. A Ravi Shankar , per telefono, Coltrane apparve triste e molto provato: cercava qualcosa di nuovo, ma non sapeva cosa.

Il 26 dicembre 1966 diede un concerto al Village Theater di New York con Algie DeWitt , suonatore di baia (un tamburo a clessidra usato nei culti voodoo ), Ornar Ali alla conga , il trombettista John Salgalo e il bassista Sonny Johnson , più il suo quintetto. Questo ensemble stranamente assortito non ha lasciato dischi, ma le testimonianze raccolte hanno raccontato che la musica era di un'intensità selvaggia e soverchiante.

Nel 1967 , tra febbraio e marzo, registrò il materiale confluito poi negli album Expression e Interstellar Space .

- Il primo disco è in quartetto e fu l'ultimo alla cui uscita egli partecipò personalmente; ma pubblicato poco dopo la sua morte. Esso contiene una musica ancora nuova e diversa, di sublime bellezza, in cui tutte le ricerche, le inquietudini, i conflitti, le violenze che segnano l'intera sua opera sembrano conciliarsi sotto il segno di una ritrovata serenità. L'iniziale, brevissimo Ogunde Varere è un commosso addio alla vita: sopra i fluttuanti arpeggi del pianoforte, Coltrane intona una lirica melodia che suona del tutto originale, diversa da qualsiasi altra melodia antica o moderna, e al tempo stesso profondamente familiare. Essa infatti nasconde una struttura di blues . Offering ed Expression sono pagine analoghe, più ampie, che attraversano tratti convulsi e che alla fine planano di nuovo nella stessa atmosfera di pace ultraterrena. A parte va considerato il brano più lungo dell'album, To Be . In esso Coltrane suona il flauto che era appartenuto a Eric Dolphy e Sanders lo affianca all' ottavino .

- A quattro pianeti - Marte , Venere , Giove , Saturno - sono intitolati i quattro brani di Interstellar Space , l'altro album, uscito nei primi anni settanta .

Dal punto di vista strutturale la musica è simile a quella di Expression : in ambedue si ritrovano tra l'altro le procedure già descritte per Meditations. In particolare il trasporto di brevi motivi su scale diverse. Il carattere è però tutt'altro: Coltrane al sax tenore dialoga con Rashied Ali e la presenza dell'incendiario batterista si trasforma in occasione di estenuante sfida. Lascia allibiti lo stoicismo di Coltrane, che si sottopose a simili sforzi nelle condizioni in cui era. Il linguaggio rotolante, inarrestabile come una lingua di colata lavica, che si ascolta nei concitati assolo degli album precedenti qui appare denudato, messo allo scoperto, e mostra una così rigorosa logica architettonica da reggere l'ascolto da solo. In quei vertiginosi giochi di scale su scale che innervosirono gli ascoltatori già nei concerti del 1960, sono in realtà applicate ferree regole di combinazione, permutazione , trasporto di centro tonale e di modo. Chi riesca ad afferrarne i motivi e gli sviluppi trova in questa musica una ricchezza esaltante, inesauribile, unita a squarci di purissima poesia, come nel delicato Venus o nel tracotante Jupiter . L'ultima seduta di incisione si tenne il 17 marzo 1967. Si registrò un solo brano, Expression , probabilmente perché Alice era in gravidanza avanzata. Due giorni dopo nasceva il terzo figlio della coppia, Oran.

Il 23 aprile dello stesso anno, Coltrane apparve con il quintetto al Centro di Cultura Africana fondato da Olatunji a Harlem . La struttura era appena nata, su progetto di Olatunji e altri, incluso Coltrane, che la sostenne finanziariamente con generosità. Suonò, dicono, bene come sempre ea lungo come sempre. Un solo particolare tradisce le sue reali condizioni: suona seduto. Nonostante i problemi di salute in quello stesso aprile Coltrane rinnovò il contratto con la Impulse! per due anni.

A maggio andò trovare sua madre a Philadelphia, insieme alla moglie Alice, quando ebbe un'improvvisa fitta allo stomaco,piegato per il dolore si chiuse in camera sua, rifiutando ogni cura. Ne uscì poco dopo: non riconosceva più sua madre e sua moglie. Tornarono a casa subito. Alice gli fissò una visita e questa volta ci andò. Lo ricoverarono per una biopsia , ma rifiutò di protrarre la degenza, telefonò ad Alice e si fece portar via.

La morte

Coltrane morì il 17 luglio 1967 a Long Island all'ospedale di Huntington di cancro al fegato all'età di 40 anni. Il suo funerale si tenne quattro giorni dopo nella chiesa luterana di San Pietro a New York City. Il servizio è stato avviato dall'Albert Ayler Quartet e terminato dall'Ornette Coleman Quartet. Coltrane è sepolto nel cimitero di Pinelawn a Farmingdale , New York.

Lo stile

Approccio tecnico al sax tenore

I primi tratti caratteristici dello stile di Coltrane furono fissati al tempo in cui suonava al Five Spot Café. In quel periodo egli mise a punto la tecnica detta "Sheets of sound" . I suoi soli si componevano di frasi lunghe e veloci, suonate in sedicesimi (semicrome) o in trentaduesimi (biscrome), in modo da fondere fra loro le note, in un continuo glissando . Questo modo di suonare era del tutto nuovo. A differenza di Charlie Parker , Coltrane usava le frasi di sedicesimi per conferire al brano più fluidità e, come si vedrà, un particolare senso ritmico .

Nello stesso periodo Coltrane venne spinto da Thelonious Monk a esplorare nuove sonorità. In particolare egli cercava il modo di ottenere, dal sax tenore , due o tre suoni contemporanei. Un chiaro esempio di questa tecnica si può trovare nel brano Harmonique . Questa tecnica incuriosì anche il celebre Sonny Rollins . Suonando con Monk, Coltrane apprese il modo di esplorare tutte le possibilità improvvisative del brano, impegnandosi così in lunghi soli, durante i quali usava particolari suoni, rumori, fischi, grugniti. È importante sottolineare come tutto ciò fosse già presente nel sound del rhythm and blues .

Coltrane, tuttavia, si servì di queste tecniche, non in senso meramente virtuosistico, ma per chiare finalità musicali. Egli inoltre allargò le risorse tecniche del sax tenore, mediante le estensioni, l'utilizzo dei registri estremi, timbriche particolari, diteggiature alternative utilizzate per il loro effetto sonoro, armonici , differenti modi di alterare il suono con l'intensità del fiato. Coltrane fu il primo ad esplorare i suoni del sax soprano. Egli ottenne da questo strumento un sound sinuoso e serpentino. La grana del suono del sax soprano può definirsi scarna e funzionale al senso religioso della musica di Coltrane. La musica creata con questo strumento è fatta di melodie sinuose ed eteree, di carattere mistico. Basti ascoltare la celebre esecuzione di My favorite Things , contenuta nell'album omonimo.

Lo stile armonico e ritmico

L'approccio tecnico armonico della stile coltraniano è vario e complesso. Il suo modo di suonare andò perfezionandosi durante il periodo in cui egli approfondiva il bebop . Alla fine di questo apprendistato la musica di Coltrane aveva un alto grado di complessità. Durante il periodo tonale , corrispondente al periodo dello hard bop, Coltrane giunse a padroneggiare qualsiasi tipo di situazione armonica, fino ad introdurre proprie soluzioni. Tipico esempio di quanto detto sono i Coltrane changes . La riarmonizzazione istantanea dei brani era una caratteristica degli hard-boppers, ma la complessità dell'approccio di Coltrane va oltre questo discorso. Innanzitutto egli approfondì l'uso delle scale , utilizzando, in aggiunta alle scale tipiche del bebop, scale indiane, orientali, pentatoniche, ecc. Ciò contribuì non solo ad allargare il sound ma a fornire al solista maggiori possibilità di esplorazione armonica. Questo approccio imponeva inoltre il superamento dei vecchi cliché del bebop. Inoltre Coltrane contribuì anche al rinnovamento ritmico dell' improvvisazione .

Durante il periodo modale , che va dal 1961 al 1965, anno in cui fu pubblicato A Love Supreme , Coltrane improvvisa utilizzando i modi delle scale di riferimento piuttosto che gli accordi . Egli si impegna anche in una rilettura del blues in senso modale o orizzontale. La Atlantics pubblicò nel 1962 l'album Coltrane Plays the Blues . Nel 1963 uscì l'album Ballads dove, nonostante il senso tonale della composizioni, il fatto che gli accordi si succedano in tempo lento consente un approccio modale dell'esecuzione.

In questo stesso periodo Coltrane modifica anche l'utilizzo delle scale preferendo le esatonali, le minori armoniche e le pentatoniche con l'aggiunta della nona per le minori e l'aggiunta della settima aumentata per le maggiori. Infine si sente l'utilizzo delle costruzioni per quarte , che sarà poi sviluppato durante il successivo periodo sperimentale, basti pensare al brano Aknowledgment di A Love Supreme . Il modo di suonare di John Coltrane viene spesso definito imprevedibile. Questa caratteristica è invero il risultato dell'introduzione, nel fraseggio melodico, di figure musicali asimmetriche come le settimine, le nonine, le tredicimine e via dicendo. Inoltre, nel fraseggio, Coltrane intercalava anche le pause. In particolare, egli scoprì che poteva dividere le battute anche in numeri dispari di note. Di norma, un jazzista divide una battuta di 4/4 in otto note (crome). Coltrane, sistematizzando una pratica già saggiata da Charlie Parker e Dizzy Gillespie , prese l'abitudine di dividere la battuta in sedici note (semicrome), eseguendo così fiotti continui e mobilissimi, dall'acuto al grave all'acuto, di note molto brevi. Poi iniziò a dividere la battuta non nei soliti multipli di due, ma in multipli di tre (terzine), e poi di cinque (quintine), e di sette.

Eseguendo questi gruppi irrazionali, il fraseggio non suonava più come se fosse inchiodato al tempo di base, ma fluttuava al di sopra di esso, in modo apparentemente libero. Coltrane si rese anche conto che gruppi irregolari di cinque non hanno lo stesso effetto di gruppi di sette e che tutti questi gruppi irrazionali di note potevano essere mescolati. Ne risultava una esecuzione spigolosa, spezzata e quindi assolutamente innovativa. I tempi preferiti da Coltrane sono stati il 4/4, il 3/4, il 6/8. Tuttavia il suo approccio ritmico subì l'influenza del drumming di Elvin Jones , caratterizzato dall'uso delle poliritmie .

Dopo Coltrane

Un esempio di street art dedicata a John Coltrane

Ebbe grande influenza sia sul sax tenore che sul sax soprano per i sassofonisti dagli anni 1970 , nonostante alcune critiche negative. Lo stile di Coltrane nella sua prima fase, precedente al 1964 , influenzò Wayne Shorter , Joe Henderson ed anche Steve Grossman e Dave Liebman , che avevano suonato nel gruppo di Elvin Jones . Per la sua fase free jazz suonò spesso insieme ad Archie Shepp e il suo erede dopo la sua scomparsa fu Pharoah Sanders . Sanders partecipò insieme a McCoy Tyner e Roy Haynes al disco A Tribute to John Coltrane - Blues For Coltrane , prodotto dalla Impulse! Records .

Tra i sassofonisti che furono da lui influenzati ci sono ancora Jerry Bergonzi , Joe Lovano , Bob Berg , Joshua Redman , il figlio Ravi Coltrane , Michael Brecker e Branford Marsalis . Sono stati influenzati dal suo stile anche il pianista McCoy Tyner e il batterista Elvin Jones , che avevano fatto parte del suo gruppo e ne avevano assimilato gli elementi musicali orientali e africani, e che nella loro carriera come solisti hanno ripreso spesso il suo repertorio.

Tra le composizioni di Coltrane, una delle più eseguite è Giant Steps , che è stata interpretata da musicisti come Jaco Pastorius e Pat Metheny . L'importanza di Trane è stigmatizzata dalle seguenti parole di Red Garland :

Discografia

Registrazioni come leader

Live

• 1961 - "Live" at the Village Vanguard - Impulse! MCAD 39136 CD, 1961
• 1961 - The Complete 1961 Village Vanguard Recordings - Impulse! IMPD4-232 CD, live, 1997
• 1961 - The Complete Paris Concerts - Magnetic MRCD 8114 CD, 1961
• 1961 - The Complete Copenhagen Concert - Magnetic MRCD 116 CD, 1961
• 1961 - Live In Stockholm, 1961 - Charly CD 117 CD, 1961
• 1962 - The European Tour - Pablo Live 2308222 CD, live, 1962
• 1962 - Live at Birdland - Charly CD 68 CD, 1962
• 1962 - The Complete Graz Concert vol 1 - Magnetic MRCD 8104 CD, 1962
• 1962 - The Complete Graz Concert vol 2 - Magnetic MRCD 8105 CD, 1962
• 1962 - The Complete Stockholm Concert vol 1 - Magnetic MRCD 8108 CD, 1962
• 1962 - The Complete Stockholm Concert vol 2 - Magnetic MRCD 8109 CD, 1962
• 1962 - Stockholm '62 The Complete Second Concert vol 1 - Magnetic MRCD 127 CD, 1962
• 1962 - Stockholm '62 The Complete Second Concert vol 2 - Magnetic MRCD 128 CD, 1962
• 1962 - Visit To Scandinavia - Jazz Door JD 1210 CD, live, 1962
• 1962 - Bye Bye Blackbird - Original Jazz Classics OJC 681 CD, live, 1962
• 1962 - Live At Birdland And The Half Note - Cool & Blue 101 CD, 1962-65
• 1963 - Newport '63 - Impulse! GRD 128 CD, live, 1961-63 (registrato nel 1961-63, pubblicato nel 1993)
• 1963 - Coltrane Live at Birdland - Impulse! MCAD 33109 CD, 1963
• 1963 - The Paris Concert - Original Jazz Classics OJC 781 CD, 1963
• 1963 - ' 63 The Complete Copenaghen Concert vol 1 - Magnetic MRCD 137 CD, 1963
• 1963 - ' 63 The Complete Copenaghen Concert vol 2 - Magnetic MRCD 138 CD, 1963
• 1963 - Live in Stockholm, 1963 - Charly CD 33 CD, 1963
• 1963 - Afro Blue Impressions - Pablo Live 2620 101 CD,live, 1963
• 1964 - Dear Old Stockholm - Impulse! GRD 120 CD,live, 1963-65
• 1965 - New Thing at Newport - Impulse! GRD 105 CD,live, 1965
• 1965 - Live in Paris - Charly CD 80 CD, 1965
• 1965 - Live in Antibes, 1965 - French Radio Classic Concerts 119 CD, 1965
• 1965 - Live in Antibes 1965 - LeJazz 10 CD, 1965
• 1965 - Love in Paris - LeJazz 031 CD, 1965
• 1965 - A Love Supreme: Live in Concert - Black Label 8022 CD, 1965
• 1965 - Live in Paris - Black Label 8023 CD, 1965
• 1965 - A Live Supreme - Moon MCD 042 CD, 1965
• 1965 - New York City '65 Vol 1 - Magnetic MRCD 134 CD, 1965
• 1965 - New York City '65 Vol 2 - Magnetic MRCD 135 CD, 1965
• 1965 - Live In Seattle - Impulse! GRD 2-146 CD, (registrato nel 1965, pubblicato nel 1971)
• 1966 - Live at the Village Vanguard Again! - Impulse! IMPD 213 CD, 1966
• 1966 - Live In Japan - Impulse! GRD 102 CD, (registrato nel 1966, pubblicato come Concert in Japan nel 1973, e nel 1991 come cofanetto in 4 CD)
• 1966 - Offering: Live at Temple University - Resonance/Impulse! (registrato nel 1966, pubblicato nel 2012)
• 1967 - The Olatunji Concert: The Last Live Recording - Impulse! CD, (registrato nel 1967, pubblicato nel 2001)

Registrazioni, collaborazioni

Con Miles Davis

Con Prestige All Stars

Con Red Garland

Con Thelonious Monk

Con Kenny Burrell

Con Wilbur Harden

Con Gene Ammons

Con Duke Ellington

Altre collaborazioni

Compilation

La voce di Coltrane

Note

Bibliografia

• Giovanni Tangorra, Pop, Delta Sound & Classica , Santeramo Musica, Giugno 2010
• Vittorio Giacopini , Al posto della libertà. Breve storia di John Coltrane , edizioni e/o, 2005
• Bill Cole, John Coltrane , Da Capo Press, 1993
• Yasuhiro Fujoika, John Coltrane: A Discography and Musical Biography , Scarecrow Press, 1995
• Marcello Piras, John Coltrane: un sax sulle vette e negli abissi dell'Io , Stampa Alternativa, 1993
• Arrigo Polillo, Jazz , Mondadori, 1975
• Lewis Porter, Blue Trane - La vita e la musica di John Coltrane , The University of Michigan Press, 1998
• Geoff Dyer, Natura morta con custodia di sax , Instar Libri, 1993
• Frank Kofsky, Black Nationalism and the Revolution in Music , Pathfinder Press, 1970

Altri progetti

• Wikiquote contiene citazioni di o su John Coltrane
• Wikimedia Commons contiene immagini o altri file su John Coltrane

Collegamenti esterni

• Sito ufficiale , su johncoltrane.com .
• John Coltrane - Topic (canale), su YouTube .
• John Coltrane , su sapere.it , De Agostini .
• ( EN ) John Coltrane , su Enciclopedia Britannica , Encyclopædia Britannica, Inc.
• ( EN ) Opere di John Coltrane , su Open Library , Internet Archive .
• John Coltrane , su Last.fm , CBS Interactive .
• ( EN ) John Coltrane , su AllMusic , All Media Network .
• ( EN ) John Coltrane , su Discogs , Zink Media.
• ( EN ) John Coltrane , su MusicBrainz , MetaBrainz Foundation.
• ( EN ) John Coltrane , su WhoSampled .
• ( EN ) John Coltrane , su genius.com .
• ( EN ) John Coltrane , su Internet Movie Database , IMDb.com.
• ( EN ) John Coltrane , su AllMovie , All Media Network .
• ( EN ) John Coltrane , su Internet Broadway Database , The Broadway League.
• ( DE , EN ) John Coltrane , su filmportal.de .
• Test Cieco - intervista su Down Beat , su downbeat.com (archiviato dall'url originale il 30 settembre 2007) .
• A passeggio nella verticale del Jazz Omaggio a John coltrane da un mondo inconsueto su Toscoclimb.it .
• The History of Jazz Music:John Coltrane , su scaruffi.com .

Portale Biografie

Portale Jazz