Orfeul

De la Wikipedia, enciclopedia liberă.
Salt la navigare Salt la căutare
Claudio Monteverdi
Frontispiciul L'Orfeo.jpg
Titlul original Orfeul
Limba originală Italiană
Tip Operă
Muzică Claudio Monteverdi
Broșură Alessandro Striggio
Surse literare Fabula de Orfeu de Angiolo Poliziano , Metamorfoză de Ovidiu , Georgică de Virgil
Fapte 5
Prima repr. 24 februarie 1607
teatru Palatul Dogilor (Mantua)
Personaje
  • Muzică ( soprană )
  • A Nymph (soprana)
  • Orfeu ( tenor )
  • Euridice (soprana)
  • La Messaggera (soprana)
  • Hope (soprana)
  • Charon ( bas )
  • Proserpina (soprana)
  • Pluto (scăzut)
  • Apollo (tenor)
  • Eco (tenor)
  • Nimfe și păstori (soprane, altos , tenori, basuri)
  • Spiritele infernale (tenori, basuri)

L'Orfeo ( SV 318), este o lucrare de Claudio Monteverdi (prima în ordine de timp) pe un libret de Alessandro Striggio .

Se compune dintr-un prolog („Prosopopea della musica”) și cinci acte.

Este atribuibil Renașterii târzii sau începutul barocului muzical și este considerată prima adevărată capodoperă din istoria melodramei , deoarece folosește toate resursele concepute până acum în arta muzicală, cu o utilizare deosebit de îndrăzneață a polifoniei .

Bazat pe mitul grecesc al lui Orfeu , acesta vorbește despre descendența sa în Hades și încercarea lui nereușită de a-l readuce pe regretata soție Euridice înapoi la viața pământească. Compus în 1607 pentru a fi interpretat la curtea din Mantua în perioada carnavalului , L'Orfeo este una dintre cele mai vechi Drame muzicale care se interpretează în mod regulat astăzi.

După avanpremieră, care a avut loc la Accademia degli Invaghiti din Mantua pe 22 februarie 1607 (cu tenorul Francesco Rasi în rolul principal), prima a fost pe 24 februarie la Palazzo Ducale din Mantua . Mai târziu lucrarea a fost efectuată din nou, tot în alte orașe italiene, în anii imediat următori. Scorul a fost publicat de Monteverdi în 1609 și din nou în 1615 .

După moartea compozitorului ( 1643 ), după premiera din 1647 la Palatul Luvru din Paris, opera nu a mai fost interpretată și a căzut în uitare.

A existat o renaștere la sfârșitul secolului al XIX-lea , datorită unor ediții și reprezentări moderne. La început erau spectacole sub formă de concert, fără parte de scenă, organizate de institute și societăți muzicale. În 1904 a fost interpretat concertat în Conservatorul de Paris regizat de Vincent d'Indy în versiunea franceză și în 1909 concertat în Conservatorul Giuseppe Verdi din Milano în revizuirea lui Giacomo Orefice . Dar începând de la prima montare (prima la Teatrul La Fenice din Veneția în 1910 în regia lui Guido Carlo Visconti di Modrone cu Giuseppe Kaschmann , dusă și la Teatrul Comunal din Bologna , prima la Grand Théâtre de Monte Carlo cu Elvira de Hidalgo , la Paris în 1911 , premiera în Statele Unite la Metropolitan Opera House din New York în 1912 și prima la Teatrul San Carlo din Napoli în 1920 ), lucrarea a început să-și găsească un loc în opere.

În Regatul Unit, premiera a fost concertată la Institut français din Londra în 1924. La Teatro dell'Opera din Roma premiera a fost în 1934 în regia lui Tullio Serafin cu Gabriella Gatti , Cloe Elmo , Alessio De Paolis și Benvenuto Franci , la Teatrul de la Scala din Milano în 1935 regizat de Gino Marinuzzi (1882-1945) în revizuirea de Ottorino Respighi , la Teatrul Verdi (Trieste) în 1943 în regia lui Franco Capuana , în Teatrul Comunal din Florența în 1949 în regia lui Antonio Guarnieri cu Miriam Pirazzini , Fedora Barbieri , Petre Munteanu , Rolando Panerai , Giulio Neri și Mario Petri (în prezența președintelui Republicii Italiene Luigi Einaudi ), în Grădinile Boboli în 1959 cu Giuseppe Valdengo , în 1968 în Piața George Teatru în Edinburgh pentru Edinburgh University Opera Club și în Palatul Dogilor din Veneția cu Oralia Domínguez , Franca Mattiucci și Ruggero Raimondi , în 1971 la Festivalul de la Salzburg cu Giorgio Zancanaro și Wiener Philharmoniker și în 1984 în Palaz zo Vecchio în regia lui Roger Norrington și în Palatul Pitti cu Gloria Banditelli și Angelo Nosotti .

După cel de- al doilea război mondial , noile versiuni ale operei au început să includă utilizarea instrumentelor de epocă, pentru a urmări scopul unei mai mari autenticități. Au fost apoi lansate multe înregistrări noi, iar L'Orfeo a devenit din ce în ce mai popular. În 2007, al patrulea centenar al premierei a fost sărbătorit cu numeroase spectacole în toată lumea. În 2009 a fost pus în scenă la La Scala în regia lui Rinaldo Alessandrini cu Roberta Invernizzi , Sara Mingardo și Robert Wilson , dintre care există un videoclip transmis de Rai 5 .

În partitura publicată, Monteverdi enumeră aproximativ 41 de instrumente care vor fi utilizate în spectacol. Partitura include (în plus față de monodii cu una, două sau trei voci cu bas necriptat, coruri cu cinci voci cu bas necriptat etc.) piese pentru cinci, șapte sau opt părți, în care instrumentele care trebuie utilizate sunt uneori citate ( de exemplu: „ Acest refren a fost jucat din interior de un clavecin, două chitare și două viori mici în stil francez ”).

Cu toate acestea, în ciuda indicațiilor din partitura, muzicienilor vremii li sa permis o libertate considerabilă de a improviza (această permisivitate nu se regăsește în lucrările mai mature ale lui Monteverdi). Prin urmare, fiecare reprezentare a Orfeului este diferită de celelalte, precum și unică și irepetabilă.

Fundal istoric

Reprezentarea artistului a unui bărbat cu barbă ascuțită, guler greu de volan și jachetă brodată, ținând un toiag în mâna dreaptă și o sabie în stânga. O insignă sau o stemă este afișată în partea stângă sus, iar o legendă: „Vincentius Dux Mantua, Mont Ferrat 1600” este vizibilă în partea stângă sus.
Ducele Vincenzo Gonzaga, patronul Monteverdi din Mantua

Claudio Monteverdi, născut la Cremona în 1567 , a fost un copil minune care a studiat cu Marc'Antonio Ingegneri , maestrul de cor al Catedralei orașului . După ce a studiat canto, compoziție muzicală și instrumente de coarde, Monteverdi a lucrat ca muzician la Verona și Milano până când, în 1590 sau 1591 , a obținut poziția de vivuola ( viola ) la curtea lui Vincenzo I Gonzaga din Mantova . [1] Datorită talentelor și muncii sale, Monteverdi a obținut postul de maestru al muzicii lui Gonzaga (în 1601 ) [2] [3]

Pasiunea lui Vincenzo Gonzaga pentru teatrul muzical a crescut datorită legăturilor sale de familie cu curtea din Florența . Spre sfârșitul secolului al XVI-lea , de fapt, cei mai inovatori muzicieni florentini au dezvoltat intermediarul - o formă muzicală stabilită de mult timp ca un interludiu inserat între actele dramelor vorbite - reimaginându-l în forme mai inovatoare. [2] Conduse de Jacopo Corsi , acești succesori ai celebrei Camerata Fiorentina [n 1] au dat viață primei opere aparținând genului melodramatic: Dafne , compusă de Corsi și Jacopo Peri , interpretată pentru prima dată la Florența în 1598 . Această lucrare unește în sine elemente de cântat madrigal și monodic , precum și pasaje instrumentale și coregrafice , cu scopul de a stabili un unicum dramatic. Doar fragmente din această lucrare rămân. Cu toate acestea, alte lucrări florentine din aceeași perioadă (inclusiv Reprezentarea lui Anima, et di Corpo de Emilio de 'Cavalieri , L' Euridice de Peri și cea a lui Giulio Caccini ) au ajuns complet la noi. În special, aceste două ultime lucrări au fost primele dedicate mitului lui Orfeu (preluat din Metamorfozele lui Ovidiu ), o temă care va inspira compozitorii din perioadele ulterioare până în prezent. În acest sens, au fost precursori direcți ai L'Orfeo de la Monteverdi. [5] [6]

Curtea Gonzaga fusese de multă vreme renumită pentru patronajul artei teatrale. Cu un secol înainte de vremea lui Vincenzo Gonzaga, drama lirică de Angelo Poliziano La favola di Orfeo a fost interpretată la curte. Aproximativ jumătate din această lucrare a fost cântată mai degrabă decât vorbită. Mai târziu, în 1598 , Monteverdi a ajutat compania muzicală de la curte să pună în scenă piesa lui Giovanni Battista Guarini Il pastor fido . Istoricul teatrului Mark Ringer descrie acest lucru ca pe o „operă teatrală de bază” care a inspirat moda pastorală italiană. [7] La 6 octombrie 1600 , în timpul unei vizite la Florența pentru căsătoria dintre Maria de Medici și Henric al IV-lea al Franței , ducele Vincenzo a participat la o reprezentare a Euridice de Peri. [6] Este probabil ca cei mai importanți muzicieni ai ducelui să fi fost prezenți la spectacol, inclusiv Monteverdi. Ducele și-a dat seama imediat de originalitatea acestei noi forme de divertisment dramatic și de prestigiul pe care îl va acorda celor care l-au sponsorizat. [8]

Creare

Broșură

Un tânăr cu părul lung, fără cămașă, ține un instrument cu coarde în mâna stângă, în timp ce privește spre stânga cu o expresie sentimentală
Orfeo cu viola sa, de Cesare Gennari

Printre spectatorii înscenării Euridice , în octombrie 1600 , se afla și un tânăr avocat și diplomat al curții Gonzaga, Alessandro Striggio , [9] fiul celebrului compozitor Alessandro Striggio cel mare .

Tânărul Striggio era, de asemenea, un muzician priceput. În 1589 (la vârsta de 16 ani), a cântat la viola la ceremonia de nuntă a lui Ferdinando di Toscana . Împreună cu cei doi fii mai mici ai ducelui Vincenzo ( Francesco și Fernandino ), a fost membru al cercului intelectual exclusiv mantuan: Accademia degli Invaghiti , care a reprezentat o trambulină importantă pentru operele teatrale ale orașului. [10] [11]

Nu se știe exact când Striggio a început să scrie libretul, dar lucrarea a început evident în ianuarie 1607 .

Într-o scrisoare scrisă pe 5 ianuarie, Francesco Gonzaga îi cere fratelui său (pe vremea aceea aproape de curtea florentină) să-i ofere serviciile unui cântăreț de castrato priceput (acesta din urmă angajat în compania muzicală a Marelui Duce), pentru interpretarea. o dramă muzicală care va fi interpretată în timpul carnavalului mantuan. [12]

Principalele surse folosite de Striggio pentru scrierea libretul au fost a zecea și a unsprezecea din cărțile Ovid lui Metamorfoze , iar a patra carte din Virgil e Georgicele . Aceste documente i-au furnizat materialul de plecare, dar nu au sugerat deja forma unei drame complete (de exemplu: faptele povestite în actele 1 și 2 din l'Orfeo ocupă doar treisprezece rânduri în Metamorfoze ). [13]

Căutând să creeze o structură dramatică și eficientă, Striggio a extras din alte surse: opera lui Poliziano Fabula din Orfeu din 1480 , pastorul Guarini fido și libretul Euridice al lui Ottavio Rinuccini de Peri. [14]

Muzicologul Gary Tomlinson subliniază numeroasele similitudini dintre textele lui Striggio și Rinuccini, subliniind că unele dintre discursurile conținute în L'Orfeo seamănă, în ceea ce privește conținutul și stilul literar, cu unii omologi ai Euridice . [15]

Criticii Barbara Russano Hanning subliniază că versurile lui Striggio sunt mai puțin rafinate decât ale lui Rinuccini, în ciuda faptului că structura libretului scris de Striggio este mai interesantă. [10]

În lucrarea sa, Rinuccini a fost nevoit să introducă un final fericit (melodrama a fost concepută pentru festivitățile legate de nunta Mariei de Medici ). Cu toate acestea, Striggio, că nu a scris pentru o scurtă ceremonie oficială, a reușit să urmeze cea mai mare parte a concluziei originale a mitului în care Orfeu este ucis și dezmembrat de Maenade (numite și Bacchae) furioase. [14] De fapt, el a ales să scrie o versiune atenuată a acestui sfârșit sângeros: Menadele amenință să distrugă Orfeu, dar adevărata lui soartă nu este arătată în cele din urmă. [16]

Libretul publicat la Mantua în 1607 (concomitent cu primul ) prezintă concluzia ambiguă concepută de Striggio. Cu toate acestea, scorul Monteverdi, publicat la Veneția în 1609 de Ricciardo Amadino , se încheie într-un mod complet diferit, Orfeu urcând la ceruri grație mijlocirii lui Apollo . [10]

Potrivit lui Ringer, originalul final Striggio a fost folosit aproape sigur la premiera lui Orfeu, dar cu siguranță (pentru a spune criticul) Monteverdi credea că noua concluzie (ediția partiturii) era corectă din punct de vedere estetic. [16]

Muzicologul Nino Pirrotta , pe de altă parte, susține că finalul cu Apollo a făcut deja parte din planificarea inițială a montării, dar că nu a fost implementat în prima etapă. Acest lucru s-ar fi întâmplat, conform explicației lui Pirrotta, deoarece camera mică care a găzduit evenimentul nu a reușit să conțină greoaia mașinărie teatrală cerută de această concluzie. Conform acestei teorii, cea a menadelor nu ar fi altceva decât o scenă de substituție. Intențiile compozitorului au fost restabilite la publicarea partiturii. [17] Explicația lui Pirrotta a fost recent pusă la îndoială: expresia „deasupra scenei înguste” care poate fi citită în scrisoarea dedicativă a lui Claudio Monteverdi nu ar indica un spațiu mic pentru spectacol, ci s-ar opune „marelui teatru al„ universului ”, adică pentru cel mai larg public accesibil de compozitor după publicarea tipărită a partiturii. [18]

Compoziţie

Frontispiciul ediției partiturii Orfeului (Veneția, 1609)

Când Monteverdi a scris muzica pentru L'Orfeo , avea deja o pregătire temeinică în domeniul muzicii de teatru. De fapt, a lucrat la curtea Gonzaga timp de șaisprezece ani, timp în care s-a ocupat de diverse muzică incidentală (atât ca interpret, cât și ca aranjor). În 1604 , mai mult decât atât, el a scris iubirile dans de Diana și Endimone (pentru carnaval Mantua, 1604- 05 ). [19] Elementele din care s-a extras pentru a compune prima sa lucrare melodramatică - Aria , Aria stroofica , recitativul , corurile , dansurile , interludiile muzicale - nu erau, așa cum a subliniat directorul orchestrei Nikolaus Harnoncourt , creat de la zero de Monteverdi, dar el a fost cel care „a amalgamat toate posibilitățile vechi și noi, creând un unicum cu adevărat modern” . [20] Muzicologul Robert Donington scrie despre asta: „Partitura nu conține elemente care nu se bazează pe altele deja concepute înainte, dar atinge maturitatea completă în această formă artistică nou dezvoltată ... Există cuvinte exprimate în muzică precum [ pionierii operei] au dorit ca acestea să fie exprimate; există muzică care le exprimă ... cu inspirația totală a Geniului " [21]

Monteverdi plasează cerințele orchestrale la începutul partiturii publicate, dar, în conformitate cu practica vremii, nu specifică utilizarea lor exactă. [20] În acel moment, de fapt, era normal să permită fiecărui interpret să facă propriile alegeri, pe baza forței de muncă orchestrale de care dispun. Ultimul parametru poate varia considerabil de la un loc la altul. De asemenea, după cum subliniază Harnoncourt, instrumentiștii ar fi fost toți compozitori și s-ar fi așteptat să colaboreze creativ la fiecare spectacol, mai degrabă decât să facă literalmente ceea ce era scris pe partitura. [20] O altă practică populară a fost aceea de a permite cântăreților să-și înfrumusețeze ariile. Monteverdi, din unele arii (cum ar fi „ Mighty Spirit ” din l'Orfeo ), a scris atât versiunea simplă, cât și cea înfrumusețată, [22] dar conform lui Harnoncourt „este evident că acolo unde nu a scris înfrumusețări nu le-a dorit de executat ". [23]

Fiecare act al operei este legat de un singur element al poveștii și se încheie cu un refren. În ciuda structurii în cinci acte, cu două schimbări de scenografie necesare, este probabil ca performanța l'Orfeo să fi urmat practica utilizată pentru divertisment în curte, adică a fost efectuată ca un continuum , fără intervale sau coborâri de cortină între diferitele acte. . De fapt, la acea vreme, schimbările de scenografie vizibile pentru ochii spectatorilor erau în uz, iar acest obicei se reflectă în schimbările din ansamblul instrumental, tonalitate și stil care se regăsesc în partitura Orfeului. [24]

Personal instrumental

Partitura publicată la Veneția în 1609 lista instrumentelor întocmite de Monteverdi este pe dreapta

Pentru a facilita analiza, savantul Jane Glover împarte instrumentele solicitate de Monteverdi în trei grupe principale: corzi , alamă și continuo , cu unele elemente care nu sunt ușor de clasificat. [25] Secțiunea șir de caractere este format din zece membri ai viorii familiei (viori din brazzo), două contrabasurile duble (contrabassi de viola), și două viori mici (viori franceze mici). Violetele brazzo sunt împărțite în două seturi de cinci elemente, fiecare dintre care include două viori, două viole și un violoncel . [25] Grupul de alamă conține patru sau cinci tromboni , trei trâmbițe și două cornete . Instrumentele care acționează ca continuu continuu sunt: ​​două clavecini ( duoi gravicembani ), o harpă dublă, doi sau trei chitarroni , două organe ( organe din lemn ), trei viole și în cele din urmă un regale (adică un mic organ cu un singur registru de stuf swing) . În afara acestor grupuri există două înregistratoare ( flautini alla vigesima secunda ) și probabil și câteva cetere (instrumente nemenționate direct de Monteverdi, dar incluse în instrucțiunile privind sfârșitul celui de-al patrulea act). [25]

Cele două lumi prezentate în lucrare sunt simbolizate distinct cu o utilizare specială a instrumentelor: mediul pastoral al câmpurilor Traciei este reprezentat de corzi, clavecini, harpă, organe, fluturi și chitară, în timp ce celelalte instrumente (în principal alamă) sunt asociat cu lumea de dincolo (totuși, aceasta nu este o distincție absolută, deoarece arcadele apar de mai multe ori chiar și în scenele stabilite în Hades ). [23] [26] Având în vedere acest lucru ca o abordare generală, unele personaje principale sunt însoțite de instrumente specifice (sau combinații ale acestora). De exemplu: Orfeu cântă adesea susținut de harpă și orgă, păstorii de clavecin și chitarrone, zeii de Apoi de tromboni și regali. [23] Toate aceste caracterizări muzicale specifice erau în concordanță cu tradițiile (de lungă durată) ale orchestrei renascentiste (cu care personalul Orfeo este similar). [27]

Monteverdi cere instrumentistilor săi să cânte lucrarea cât mai simplu și corect posibil, evitând pasajele înflorite sau pripite. Interpreților de instrumente ornamentale (cum ar fi flautul și corzile) li s-a cerut să cânte nobil și cu mare inventivitate și varietate, fără a depăși totuși această atitudine (pentru a evita să te facă să simți doar haos și confuzie, condiții care îl enervează pe ascultător). [28] Deoarece instrumentele nu se cântă niciodată în același timp, numărul lor este mai mare decât numărul de muzicieni strict necesar. Harnoncourt afirmă că, pe vremea lui Monteverdi, numărul de instrumentiști și cântăreți împreună și camerele mici utilizate pentru a găzdui spectacolul au însemnat adesea că numărul de spectatori s-a străduit să îl depășească pe cel al interpreților. [29]

Roluri

Dintre personajele enumerate în scorul din 1609, Monteverdi omite inexplicabil The Messenger . De asemenea, indică faptul că corul final al ciobanilor (care, la sfârșitul operei, cântă moresca sau dansul maurilor) trebuie să fie alcătuit dintr-un grup separat ( care a făcut maurul în cele din urmă ). [30]

Nu există prea multe informații despre primii cântăreți din l'Orfeo . O scrisoare publicată la Mantua în 1612 relatează că ilustrul tenor și compozitor Francesco Rasi a participat la spectacol și, în general, se presupune că el a deținut rolul lui Orfeu. [5] Rasi a reușit să cânte atât în ​​registrul tenor, cât și în cel de bas , cu un stil rafinat și o expresivitate extraordinară. [2]

O corespondență între prinții Gonzaga confirmă faptul că, pentru prima dată , a fost contactat și castratul florentin Giovanni Gualberto Magli . Magli a cântat în prolog și în partea Proserpina. Probabil că și-a asumat rolul unui alt personaj (poate Messenger sau Hope ). [31] Istoricul și muzicologul Hans Redlich , îl raportează în mod eronat pe Magli ca primul interpret al lui Orfeu. [32]

Mai mult, într-o scrisoare către ducele Vincenzo, este posibil să găsim un indiciu care ar putea duce înapoi la persoana căreia i s-a încredințat rolul de Euridice: el este de fapt indicat ca acel mic preot care a jucat rolul lui Euridice în Orfeu. al celui mai senin print . Probabil că a fost părintele Girolamo Bacchini , un castrato care a avut contact cu curtea mantuană la începutul secolului al XVII-lea . [5] Tim Cater, cărturar Monteverdi, speculează că cei mai renumiți tenori mantuani ai vremii (Pandolfo Grande și Francesco Campagnola) ar fi putut participa la premieră în roluri secundare. [33]

Există părți solo pentru patru păstori și trei spirite. Carter calculează că, prin așa-numita dublare a rolurilor permise de text, a apărut nevoia pentru zece cântăreți - trei soprane, două altos, trei tenori și două basuri. Chiar și soliștii (cu excepția lui Orfeu), au contribuit la întărirea grupului coral. Rolurile dublate sugerate de Carter includ Muzică cu Euridice, Nimfa cu Proserpina și Mesagerul cu speranță . [33]

Rol Registrul vocal [n 2] Acte de apariție Notă
Muzica soprana castrată Prolog
Orfeu tenor Faptele 1, 2, 3, 4, 5
Euridice soprano castrato (in travesti ) Faptele 1, 4
Mesagerul soprana castrato (in travesti) Actul 2 Numită în libret ca „Silvia”
Speranţă soprana castrată Actul 3
Caron scăzut Actul 3
Proserpina soprana castrato (in travesti) Actul 4
Pluton scăzut Actul 4
Apollo tenor Actul 5
Nimfă soprana castrato (in travesti) Actul 1
Ecou tenor Actul 5
Nimfe și păstori sopranos castrate (în travesti), altos castrate (în travesti), tenori, basuri Faptele 1, 2, 5 Soliști: contralto castrato (in travesti), doi tenori
Spiritele Iadului tenori, basuri Faptele 3, 4 Soliști: doi tenori, un bas

Sinteză

Recitarea are loc în două locuri contrastante: taberele tracice (în Fapte 1, 2 și 5) și în viața de apoi (în Fapte 3 și 4). Un instrumental Toccata (o înflorire a trâmbițelor) precede intrarea Muzicii, reprezentând „spiritul muzicii”, cântând un prolog de cinci săli de versuri. După o invitație caldă la ascultare, La Musica își dovedește abilitățile și talentele, declarând:

„Știu cum să calmez fiecare inimă tulburată”

( Alessandro Striggio , Libretul din "L'Orfeo" )

Acestea fiind spuse, el cântă un imn de laudă pentru puterea muzicii, înainte de a-l prezenta pe protagonistul operei, Orfeu, capabil să încânte fiarele sălbatice cu muzica sa.

Actul unu

După cererea de tăcere din alegoria muzicii, cortina se deschide pe primul act pentru a dezvălui o scenă bucolică. Orfeu și Euridice intră împreună cu un cor de nimfe și păstori, care recită în maniera corului antic grec , atât cântând în grupuri, cât și individual. Un pastor anunță că este ziua nunții cuplului; corul răspunde inițial cu o invocație maiestuoasă („Vino, Imeneo , deh come”) și apoi cu un dans vesel („Părăsește munții, lasă izvoarele”). Orfeu și Euridice cântă despre dragostea lor unul față de celălalt înainte de a pleca cu întregul grup al ceremoniei de nuntă din templu. Cei rămași pe scenă cântă un scurt refren, comentând despre Orfeu:

„Orfeu, ale cărui suspine erau deja mâncare, beau lacrimile, astăzi este atât de fericit încât nu mai este decât poftă de resturi”.

( Alessandro Striggio , Libretul din "L'Orfeo" )

Al doilea act

Orfeu revine pe scenă cu corul principal, lăudând frumusețile naturii. Orfeu meditează apoi asupra stării sale anterioare de nefericire, proclamând:

„După durere acolo este mai fericit, După durere acolo este mai fericit.”

( Alessandro Striggio , Libretul din "L'Orfeo" )

Această atmosferă de bucurie se încheie odată cu intrarea Mesagerului, care comunică că Eurydice a fost lovită de mușcătura fatală a unui șarpe în timp ce culegea flori. În timp ce Mesagerul se pedepsește, definindu-se ca fiind cea care generează situații proaste, corul își exprimă angoasa. Orfeu, după ce și-a exprimat durerea și neîncrederea pentru cele întâmplate, își comunică intenția de a coborî în viața de apoi și de a-l convinge pe Pluto să învie Euridice.

Al treilea act

Orfeu este condus de Speranță la porțile Iadului. După ce a citit inscripțiile de pe poartă („Abandonează orice speranță, tu ești cel care intră”), Speranza părăsește scena. Orfeu trebuie să se confrunte acum cu feribotul Charon, care refuză pe nedrept să-l ducă peste râul Styx. Prin urmare, Orfeu încearcă să-l convingă pe Charon cântându-i degeaba o melodie măgulitoare. Mai târziu, Orfeu își ia lira, încântându-l pe fericitorul Charon, care cade într-o stare de somn profund. Orfeu preia controlul bărcii, intrând în viața de apoi, în timp ce un cor de spirite reflectă asupra faptului că natura nu se poate apăra de om.

Actul patru

În viața de apoi, Proserpina , regina lumii interlope, este fermecată de vocea lui Orfeu, rugându-l pe Pluto să-l readucă la viață pe Euridice. Regele Hadesului este convins de rugămințile soției sale, cu condiția ca Orfeu să nu se uite niciodată înapoi la Euridice la întoarcerea pe continent, ceea ce ar determina-o să dispară din nou pentru eternitate. Euridice intră în scenă în urma lui Orfeu, care promite că în aceeași zi se va întinde pe sânul alb al soției sale. Totuși, în mintea lui începe să apară o îndoială, convingându-se că Pluto, mișcat de invidie, l-a înșelat. Orfeu, condus de emoție, se întoarce absent, în timp ce imaginea Euridice începe încet să dispară. Prin urmare, Orfeu încearcă să o urmeze, dar este atras de o forță necunoscută. Mai târziu, Orfeu împins de pasiunile sale să rupă pactul cu Pluto.

Al cincilea act

Înapoi pe câmpurile Traciei, Orfeu ține un lung monolog în care își plânge pierderea, sărbătorește frumusețea Euridice și decide că inima lui nu va mai fi niciodată străpunsă de săgeata lui Cupidon. Un ecou off-scene își repetă propozițiile finale. Deodată, într-un nor, Apollo coboară din cer și îl pedepsește: „De ce te dăruiești atât furiei și durerii din pradă, oh fiule?”. Îl invită pe Orfeu să părăsească lumea și să se alăture lui în ceruri, unde va recunoaște asemănarea lui Euridice în stele. Orfeu răspunde că ar fi nevrednic să nu urmăm sfatul unui tată atât de înțelept și împreună urcă. Un cor de păstori concluzionează că „cel care seamănă în durere, rodul întregului har seceră”, înainte ca lucrarea să se încheie cu o maură viguroasă.

CD

DVD

Note

  1. ^ Tim Carter , Monteverdi, Claudio: Cremona , su Laura Macy (a cura di), oxfordmusiconline.com , Oxford Music Online, 2007. URL consultato il 4 settembre 2010 (archiviato dall' url originale il 1º giugno 2013) . Template:Subscription vedi nota (1) sotto
  2. ^ a b c Fenlon, Iain , "The Mantuan Orfeo" pp. 5–7
  3. ^ Tim Carter , Monteverdi, Claudio: Mantua , su Laura Macy (a cura di), oxfordmusiconline.com , Oxford Music Online, 2007. URL consultato il 4 settembre 2010 (archiviato dall' url originale il 1º giugno 2013) . Template:Subscription See note (1) below
  4. ^ Ringer, pp. 12–13
  5. ^ a b c Fenlon, "The Mantuan Orfeo" pp. 1–4
  6. ^ a b Sternfeld, p. 26
  7. ^ Ringer, pp. 30–31
  8. ^ Ringer, p. 16
  9. ^ Carter (2002), p. 38
  10. ^ a b c Barbara Hanning, Striggio, Alessandro (Alessandrino) , su Laura Macy (a cura di), oxfordmusiconline.com , Oxford Music Online, 2007. URL consultato il 5 settembre 2010 (archiviato dall' url originale il 1º giugno 2013) . Template:Subscription See note (1) below
  11. ^ Carter (2002), p. 48
  12. ^ Iain Fenlon, "Correspondence" pp. 167–72
  13. ^ Sternfeld, pp. 20–25
  14. ^ a b Sternfeld, pp. 27–30
  15. ^ Gary Tomlinson , Madrigal, Monody, and Monteverdi's "via actuale alla imitatione" , in Journal of the American Musicological Society , vol. 34, n. 1, 1981, JSTOR 831035 .
  16. ^ a b Ringer, pp. 39–40
  17. ^ Pirrotta, pp. 258–59
  18. ^ Paolo Divizia, Orfeo e la potenza dell'arte. La rinascita del teatro e della musica tra Poliziano, Rinuccini e Striggio-Monteverdi , Rhesis. International Journal of Linguistics, Philology, and Literature (ISSN 2037-4569). Literature, 4.2: 310-334, 2013 [1]
  19. ^ Carter (2002), pp. 143–44
  20. ^ a b c Harnoncourt, p. 19
  21. ^ Donington, p. 257
  22. ^ Robinson, p. 61
  23. ^ a b c Harnoncourt, p. 20
  24. ^ Whenham (1986), pp. 42–47
  25. ^ a b c Glover, pp. 139–41
  26. ^ Glover, p. 142
  27. ^ Beat, pp. 277–78
  28. ^ Beat, pp. 280–81
  29. ^ Harnoncourt, p. 21
  30. ^ Glover, pp. 146–48
  31. ^ Fenlon, "The Mantuan Orfeo" pp. 11–15
  32. ^ Redlich, p. 15
  33. ^ a b Carter (2002), pp. 97–98
  34. ^ Damian H. Zanette, Notes to the transcription of the 1609 Venetian score of L'Orfeo ( PDF ), su icking-music-archive.org , Icking Musical Archive, February 2007. URL consultato il 22 settembre 2010 (archiviato dall' url originale il 10 giugno 2011) .
  1. ^ la Camerata Fiorentina (o camerata de' Bardi), creata e guidata da Giovanni de' Bardi , era un gruppo di studiosi e musicisti dediti allo studio e alla riscoperta dello stile teatrale dell' Antica Grecia . Furono attivi principalmente tra gli anni '70 e '80 del XVI secolo . Altre formazioni successive, con obiettivi simili, sono state genericamente indicate come "Camerata ". [4]
  2. ^ Lo spartito del 1609 non specifica le parti vocali, ma indica i registri desiderati tramite l'uso delle chiavi. [34] Nelle prime rappresentazioni, le parti acute erano sostenute da castrati. Le produzioni contemporanee affidano in genere questi ruoli a cantanti di tutti i registri vocali. Vedi Carter (2002), pp. 91–97, Glover, pp. 146–48.

Altri progetti

Collegamenti esterni

Controllo di autorità VIAF ( EN ) 175180300 · LCCN ( EN ) n81035851 · GND ( DE ) 300105800 · BNF ( FR ) cb13916483d (data) · BNE ( ES ) XX225915 (data)