Manierismul nordic

Bartholomeus Spranger , Hercules , Deianira și Nessus , 1580-85

Manierismul nordic sau manierismul nordic este forma manierismului găsită în artele vizuale din nordul Alpilor în secolele al XVI-lea și începutul secolului al XVII-lea. ^[1] Stiluri derivate în mare parte din manierismul italian au fost găsite în Olanda și în alte părți în jurul mijlocului secolului, în special ornamentele manieriste în arhitectură; acest articol se concentrează pe acele vremuri și locuri în care manierismul nordic a dat naștere operei sale cele mai originale și distincte.

Cele trei centre principale ale stilului se aflau în Franța, în special în perioada 1530-50, în Praga din 1576 și în Olanda din anii 1580 - primele două faze conduse foarte mult de patronajul regal. În ultimii 15 ani ai secolului, stilul, care devenea acum învechit în Italia, a fost răspândit în tot nordul Europei, propagându-se în mare parte prin tipărituri. În pictură, a avut tendința de a se retrage în noul secol, sub noua influență a lui Caravaggio și a barocului timpuriu, dar în arhitectură și arte decorative, influența sa a fost mai susținută. ^[2]

Încadrarea

Suprapunere din stuc în Fontainebleau , probabil proiectată de Primaticcio , care a pictat panoul oval

Arta sofisticată a manierismului italian începe în timpul Înaltei Renașteri a anilor 1520 ca o dezvoltare, o reacție împotriva și o încercare de a depăși, triumfurile senin echilibrate ale acestui stil. După cum explică istoricul de artă Henri Zerner: „Conceptul manierismului - atât de important pentru critica modernă și în special pentru gustul reînnoit al artei de la Fontainebleau - desemnează un stil în opoziție cu clasicismul Renașterii italiene întruchipat mai ales de Andrea del Sarto la Florența iar Rafael la Roma ”. ^[3]

Renașterea matură a fost un fenomen pur italian, iar manierismul italian a cerut atât artiști, cât și un public foarte instruit în stilurile renascentiste anterioare, ale căror convenții erau deseori contestate în mod conștient. În Europa de Nord, cu toate acestea, astfel de artiști și un astfel de public nu puteau fi găsiți. Stilul predominant a rămas gotic , iar mai multe sinteze ale acestui stil și ale stilului italian au fost realizate în primele decenii ale secolului al XVI-lea de artiști mai conștienți la nivel internațional, precum Albrecht Dürer , Hans Burgkmair și alții din Germania, și de școala numită în mod înșelător Antwerp Mannerism , de fapt fără legătură cu manierismul italian și anterior acestuia. ^[4] Romanismul a fost cel mai profund influențat de arta înaltă renascentistă italiană și de aspectele manierismului, iar mulți dintre exponenții săi principali au călătorit în Italia. Pictura olandeză fusese, în general, cea mai avansată din Europa de Nord încă din anii 1400, iar cei mai buni artiști olandezi erau mai pricepuți decât cei din alte regiuni, pentru a ține pasul cu evoluțiile italiene, deși cu întârziere.

Pentru fiecare dintre generațiile succesive de artiști, problema a devenit mai acută, întrucât o mare parte din opera nordică a continuat să asimileze progresiv aspecte ale stilului renascentist, în timp ce cea mai avansată artă italiană s-a înșelat într-o atmosferă de sofisticare și complexitate jenată. care trebuie să fi părut o lume aparte pentru patroni și artiști din nord, dar se bucura de o reputație și un prestigiu care nu puteau fi ignorate. ^[5]

Franţa

Același subiect în detaliu: stilul Henric al II-lea .

Diana vânătoarea , Școala din Fontainebleau

Franța a primit o injecție directă în stil italian sub forma primei Școli din Fontainebleau , unde din 1530 au fost angajați mai mulți artiști florentini de calitate pentru a decora Palatul Regal din Fontainebleau , cu angajarea unor asistenți francezi. Cele mai importante importuri au fost Rosso Fiorentino (Giovanni Battista di Jacopo de 'Rossi, 1494-1540), Francesco Primaticcio (c. 1505-1570), Nicolò dell'Abate (c. 1509-1571), care au rămas toate în Franța până moartea lor. Această conjunctură a reușit să genereze un stil francez nativ, cu elemente manieriste puternice, care a fost apoi capabil să se dezvolte în mare parte pe cont propriu. Jean Cousin the Elder , de exemplu, a produs tablouri, precum Eva Prima Pandora și Charity , care, cu nudurile lor sinuoase și alungite, s-au adaptat palpabil la principiile artistice ale școlii Fontainebleau. ^[6]

Fiul verișorului Jean cel Tânăr , majoritatea cărora nu au supraviețuit, și Antoine Caron au urmat amândoi această tradiție, producând o versiune agitată a esteticii manieriste în contextul războaielor religioase franceze . Iconografia operelor figurative a fost în cea mai mare parte mitologică, cu un puternic accent pus pe Diana , zeița vânătorii, care a fost funcția originală a lui Fontainebleau și pe omonima Dianei din Poitiers , iubita și muza lui Henric al II-lea , și ea însăși un vânător pasionat. Figura ei subțire, cu picioare lungi, atletică „s-a fixat în imaginația erotică”. ^[7]

Tabel în nuc francez sau burgundian, a doua jumătate a secolului al XVI-lea

Alte părți ale Europei de Nord nu au avut avantajul unui contact atât de intens cu artiști italieni, dar stilul manierist și-a făcut simțită prezența prin tipărituri și cărți ilustrate, achiziții de opere italiene de către conducători și alții, ^[8] călătorii de artiști în Italia și exemplu de artiști italieni individuali care au lucrat în nord.

Multe dintre cele mai importante lucrări de la Fontainebleau au constat în reliefuri din stuc , realizate adesea de artiști francezi din desene ale italienilor (și apoi reproduse în tipărituri), iar stilul lui Fontainebleau a influențat sculptura franceză mai puternic decât pictura franceză. Cadrele uriașe din stuc care domină picturile lor inserate cu benzi îndrăznețe de piele în relief, festoane de fructe și figuri generoase de accesorii nud similare nimfelor, au fost foarte influente asupra vocabularului ornamentelor manieriste în toată Europa, răspândite prin cărți de ornamente și tipărituri de Androuet. du Cerceau și alții - Rosso pare să fi fost autorul stilului. Mobilierul din nuc de înaltă calitate realizat în centre metropolitane precum Paris și Dijon, a folosit cadre din piele și suporturi sculpturale în dressuri și bufete . Ceramica misterioasă și sofisticată Saint-Porchaire , din care supraviețuiesc doar aproximativ șaizeci de piese, purta o estetică asemănătoare ceramicii.

În afară de Palatul Fontainebleau în sine , alte clădiri importante decorate în stil au fost Castelul Anet (1547-52) pentru Diana de Poitiers și părți ale Palatului Luvru . Patronatul artelor Caterinei de Medici a promovat stilul manierist, cu excepția portretelor, iar sărbătorile ei de la curte erau singurii obișnuiți din nord care rivalizau cu intermediarii și intrările curții medici din Florența; toate acestea s-au bazat foarte mult pe artele vizuale. După un interludiu, când lucrările la Fontainebleau au fost abandonate la apogeul războaielor religioase franceze, o „a doua școală din Fontainebleau” a fost formată de artiști locali în anii 1590.

• 

  Monument care conține inima lui Henric al II-lea al Franței , Germain Pilon

• 

  Scutul lui Henric al II-lea al Franței, oțel damasc în argint și aur, proiect atribuit lui Etienne Delaune

• 

  Desen pentru o vază prezentată lui Henric al II-lea, Jean Cousin the Elder , 1549

• 

  Detaliu al unei plăci de email din Limoges , la mijlocul secolului al XVI-lea, atribuită lui Jean de Court

Praga sub Rudolf al II-lea

Adriaen de Vries , Mercur și psihic într-un bronz de mărime naturală, realizat în 1593 pentru Rodolfo.

Maximilian al II-lea, împăratul Sfântului Roman (domnind în 1564-1576), care și-a stabilit sediul la Viena , a avut gusturi umaniste și artistice și a patronat numeroși artiști, în special cunoscuții Giambologna și Giuseppe Arcimboldo , ale căror portrete fictive făcute din obiecte erau puțin mai serioase în lumea filosofiei Renașterii târzii decât par acum. La sfârșitul domniei sale, el a conceput un proiect pentru un nou palat și, cu puțin timp înainte de moarte, tânărul pictor flamand Bartholomeus Spranger fusese convocat de la Roma, unde făcuse o carieră de succes. Fiul lui Maximilian Rudolf al II-lea, împăratul Sfântului Roman , a trebuit să se dovedească un patron chiar mai bun decât ar fi fost tatăl său, iar Spranger nu și-a părăsit niciodată serviciul. Curtea s-a mutat curând la Praga , mai ferit de invaziile turcești obișnuite, iar în timpul domniei sale din 1576-1612, Rudolf urma să devină un colecționar obsedant de artă veche și nouă, artiștii săi amestecându-se cu astronomi, ceasornicari, botanici și chiar „vrăjitori, alchimiști” și cabaliști ”pe care Rudolf le-a adunat în jurul său. ^[9]

Lucrările lui Rudolph din Praga au fost foarte rafinate și rafinate, majoritatea picturilor fiind relativ mici. Alungirea figurilor și pozițiile surprinzător de complexe ale primului val al manierismului italian au continuat, iar distanța elegantă a figurilor lui Bronzino a fost mediată prin lucrările absentei Giambologna, care reprezenta idealul stilului.

Bartholomeus Spranger , Minerva triumfă asupra ignoranței , 1591, „o transformare uimitoare ... [Minerva] nu arată niciodată atât de plină de farmec nicăieri altundeva”. ^[10]

Amprentele au fost esențiale în răspândirea stilului în Europa, Germania și țările bassiste în special, iar unii gravori, precum cel mai mare din perioadă, Hendrik Goltzius a lucrat cu desene trimise de la Praga, în timp ce alții, cum ar fi Aegidius Sadeler care a trăit în Spranger's acasă., fusese ispitită de orașul însuși. Rodolfo a comandat lucrări și din Italia, în special de la Giambologna, căreia medicii nu i-au permis să părăsească Florența, iar patru mari alegorii mitologice au fost trimise de Paolo Veronese . Influența împăratului a influențat arta în alte curți germane, în special în München și Dresda , unde locuia aurarul și artistul Johann Kellerthaler .

Rudolph nu a fost foarte interesat de religie și „în Praga lui Rudolf II s-a produs o explozie de imagini mitologice care nu a fost văzută în Fontainebleau”. ^[11] Zeițele erau de obicei goale, sau cam așa, și o atmosferă de erotism predomină mai evident decât cea găsită în majoritatea operelor mitologice ale Renașterii, care reflectă evident „interesele speciale” ale lui Rodolfo. ^[12] Figura dominantă a fost Hercule , identificat cu împăratul, așa cum fusese anterior cu monarhii Habsburg și Valois . ^[13] Dar ceilalți zei nu au fost neglijați; conjuncțiile și transformările lor au avut semnificație în neoplatonismul și hermetismul renascentist, care au fost luate mai în serios în Praga lui Rudolf decât în ​​orice altă curte renascentistă. ^[14] Se pare, totuși, că alegoriile pictate din Praga nu conțin semnificații complicate foarte specifice și nici rețete ascunse pentru alchimie. Giambologna a ales adesea sau a lăsat pe altcineva să aleagă un titlu pentru sculpturile sale după finalizarea lor; pentru el contau doar formele. ^[15]

Influența Pragei asupra altor pictori (și orașele lor)

• 

  Utrecht - Joachim Wtewael , Venus și Marte surprinși de Vulcan , 1601, 21 x 16 cm pe cupru.

• 

  Aachen - Hans von Aachen , Alegoria păcii și a artelor , 1602

• 

  Haarlem - Karel van Mander , Grădina iubirii , 1602

• 

  Haarlem - Roelant Savery , Garden of Eden , un subiect tipic, 1626. Rodolfo a avut, de asemenea, două mari menajerii, care includeau un dodo , văzut în multe tablouri.

Olanda

Abraham Bloemaert , Niobe își plânge copiii , 1591

În timp ce artiștii din Fontainebleau și Praga erau în mare parte înzestrați cu o casă atât de congenială atât în ​​plan intelectual cât și fizic, încât au rămas până la sfârșitul vieții, pentru artiștii din ultima fază olandeză a mișcării Manierismul a fost foarte des o fază prin care au trecut înainte de a trece la un stil influențat de Caravaggio .

Pentru Hendrik Goltzius , cel mai mare tipograf al vremii, faza sa mai manieristă sub influența lui Spranger a durat doar cinci ani între 1585, când a gravat prima sa imprimare pe modelul unuia dintre desenele lui Spranger aduse din Praga de Karel van Mander , în călătoria sa la Roma în 1590, din care "s-a întors un artist schimbat. Din acest moment nu a mai făcut amprente după triumfurile lui Spranger. Bărbații musculoși monstruoși și nudurile alungite cu capete minuscule ... au fost înlocuite de figuri cu proporții și mișcări mai normale. " ^[16] Opera lui Spranger „a avut un efect amplu și imediat în Olanda de Nord”, ^[16] și grupul cunoscut sub numele de „Haarlem Mannerists”, în principal Goltzius, van Mander și Cornelis van Haarlem, a fost asociat cu artiști din alte orașe.

Elaborata alegorie a lui Joachim Wtewael este prezentată ca o scenă de bucătărie cu pasaje virtuoase de naturi moarte , 1604

În parte, deoarece majoritatea adepților săi olandezi văzuseră opera lui Spranger doar prin tipărituri și desene foarte libere, tratamentul său mai pictorist nu a fost adoptat și au păstrat tehnica mai rigidă și mai realistă în care au fost instruiți. Mulți pictori manieriști olandezi ar putea schimba stilurile în funcție de subiect sau de comandă și au continuat să producă portrete și scene de gen în stiluri bazate pe tradițiile locale, în timp ce lucrau la picturi extrem de manieriste. După întoarcerea sa din Italia, Goltzius a trecut la un clasicism proto-baroc mai liniștit, iar munca sa în acel stil a influențat mulți.

Joachim Wtewael , care s-a stabilit la Utrecht după ce s-a întors din Italia în 1590, a primit mai multă influență din partea manieristilor italieni decât din Praga și a continuat să producă scene de bucătărie și portrete alături de zeitățile sale nud. Spre deosebire de mulți, în special colegul său din Utrecht, Abraham Bloemaert , odată format repertoriul său de stiluri, Wtewael nu l-a schimbat niciodată până la moartea sa în 1631. ^[17]

Un peisaj pur mai puțin tipic, dar cu vedere lungă de Roelandt Savery , Forest with Deer , 1608-10.

Pentru pictorii din Olanda a existat și alternativa stilurilor tradiționale realiste din Nord, care continuase să se dezvolte prin Pieter Bruegel cel Bătrân (d.1567) și alți artiști și care în secolul următor aveau să domine pictura al secolului d 'aur olandez . În ciuda vizitei sale în Italia, Brughel cu siguranță nu poate fi numit manierist, ci tocmai pentru că picturile sale au fost colectate cu pasiune de Rodolfo, artiștii manieristi, inclusiv Gillis van Coninxloo și fiul lui Bruegel Jan, l-au urmat în dezvoltarea peisajului ca subiect.

Pictura peisagistică a fost recunoscută ca o specialitate olandeză în Italia, unde au fost prezenți mulți pictori de peisaj din nord, precum Matthijs și Paul Bril , și germanii Hans Rottenhammer și Adam Elsheimer , ultimul personaj important al Barocului timpuriu. Cele mai multe pictează încă panorame olandeze dintr-un punct de vedere ridicat, cu figuri mici care formează un subiect specific, dar Gillis van Coninxloo a urmat școala anterioară a Dunării și Albrecht Altdorfer în dezvoltarea peisajului pădurilor pur, „de aproape” în lucrările sale din anii 1600 circa , care a fost preluat de elevul său Roelandt Savery și alții. ^[18] Bloemaert a pictat multe peisaje care reconciliau aceste tipuri prin combinarea copacilor strâns distanțați, cu figuri și o mică vedere îndepărtată de sus spre o parte (exemplu mai jos). ^[19] Peisajele timpurii ale lui Paul Brill erau în mod clar manieriste în ceea ce privește artificialitatea și efectele decorative aglomerate, dar după moartea fratelui său, el a dezvoltat treptat un stil mai economic și realist, probabil influențat de Annibale Carracci . ^[20]

Ambrosius Bosschaert , Natura mortă , 1614

Pictura de natură moartă , de obicei cea mai mare parte din flori și insecte, a apărut, de asemenea, ca un gen în această perioadă, reînvierea tradiției moștenite a marginilor miniaturilor olandeze târzii; Jan Brueghel cel Bătrân le-a pictat și el. Acești subiecți vizau atât patronii aristocrați, cât și piața burgheză, care era de departe cea mai mare din Olanda. Acest lucru a fost valabil mai ales în nordul protestant, după strămutarea populației în revoltă, unde cererea de lucrări religioase a fost în mare parte absentă. ^[21]

Karel van Mander este acum amintit în primul rând ca un scriitor de artă mai degrabă decât ca un artist. În timp ce susținea ierarhia genurilor italiene, cu pictura istorică în vârf, el era mai pregătit decât Vasari și alți teoreticieni italieni (în special Michelangelo , care ignora brusc formele de artă „inferioare”) să accepte valoarea altor genuri de artă specializate. artă și faptul că mulți artiști ar trebui să se specializeze în acestea, dacă acolo se află talentul lor. ^[22] Specializarea multor artiști în diferite genuri a fost foarte avansată la începutul secolului, atât în ​​Țările de Jos, cât și în Praga, exemplificată de cei doi fii ai lui Bruegel, Jan și Pieter , deși a fost și tipica perioadei pe care amândoi au avut-o mai mult de o specialitate în timpul carierei lor. Deși peisajele, scenele de viață ale țăranilor, peisajele marine și natura moartă puteau fi achiziționate de la comercianți pentru stocuri și portretele bune erau întotdeauna la cerere, cererea de pictură istorică nu era egală cu oferta potențială și mulți artiști, precum Cornelius Ketel , au fost obligați să specializare în portretizare; „artiștii parcurg acest drum fără plăcere”, potrivit lui Van Mander. ^[23]

Cele șapte arte liberale de Marten de Vos , 1590

Pictorii manieristi din provinciile sudice ale Flandrei Habsburgice, acum definitiv separate, au fost de fapt mai puțin influențați de Praga decât cei din Provinciile Unite . Aveau acces mai ușor în Italia, unde Denis Calvaert locuise la Bologna de la vârsta de douăzeci de ani, în timp ce își vindea o mare parte din lucrările sale în Flandra. Atât Marten de Vos, cât și Otto van Veen călătoriseră acolo; Van Veen, care lucrase de fapt în Praga lui Rudolf, a fost fondatorul Guildei Românilor , un club din Anvers pentru artiștii care au vizitat Roma. Ei erau mai conștienți de tendințele recente ale artei italiene și de apariția stilului baroc , care în mâinile lui Rubens , elev al lui Van Veen din 1594 până în 1598, ar copleși în curând arta flamandă. ^[24] În lucrările religioase, artiștii flamandi au fost, de asemenea, supuși decretelor Conciliului de la Trento , ducând la o reacție împotriva virtuozității mai extreme a manierismului și a unui stil mai clar și mai monumental, asemănător cu marea manieră italiană. ^[25] În tablourile lui De Vos, de exemplu, „un manierism moderat este combinat cu o preferință pentru ficțiune care este mai în concordanță cu tradiția olandeză”. ^[25]

În Flandra, deși nu în Provinciile Unite, expozițiile temporare pentru intrările regale au oferit ocazional ocazii pentru expoziții fastuoase în stil manierist. În vacanță Cărțile înregistrate intrările în Anvers prinți francezi și archdukes habsburgice. ^[26]

Polonia-Lituania

Mormântul lui Ostrogski , de Willem van den Blocke, ^[27] Catedrala din Tarnów , 1612

Arhitectura și sculptura manieristă în Polonia .

Manierismul a fost dominant în Polonia-Lituania între 1550 și 1650, când a fost în cele din urmă înlocuit de baroc . ^[28] Stilul include diverse tradiții manieriste, ^[28] care sunt strâns legate de diversitatea etnică și religioasă a țării, precum și de situația sa economică și politică din acel moment. ^{[29] [30]} Perioada cuprinsă între 1550 și 1650 a fost o epocă de aur a Confederației polono-lituaniene (creată în 1569) și o epocă de aur a Poloniei. ^[31] Prima jumătate a secolului al XVII-lea este caracterizată de o puternică activitate iezuită și de contrareformă , care au dus la interzicerea arienilor progresiști ​​(frații polonezi) în 1658. Vezi mai jos pictorul germano-silezian Bartholomeus Strobel , polonez artist de curte din 1639.

Diseminarea în tipărituri și cărți

Rudolph II , gravură de Aegidius Sadeler (1603).

S-a menționat deja importanța tipăritelor ca mijloc de răspândire a stilului manierist; Manierismul nordic „a fost un stil care s-a împrumutat admirabil tipăririi și a inspirat producția unei serii de capodopere ale artei tipografice”. ^[32] Goltzius era deja cel mai faimos tipograf din Olanda când a lovit virusul manierist și, în ciuda perturbărilor războiului, el și alți tipografi olandezi au fost conectați la mecanismul de distribuție bine unsat la nivel european, care fusese construit în timpul Anii 1950. anii anteriori, inițial centrate pe Anvers .

Nu s-a întâmplat același lucru și pentru tipărirea de la Fontainebleau, iar amprentele făcute acolo (neobișnuit pentru perioadă, toate în gravură ) erau din punct de vedere tehnic destul de grosolane, produse în număr mai mic și influențate în principal în Franța. Au fost realizate într-o perioadă intensă de activitate de la aproximativ 1542 la 1548. ^[33] Cele realizate la Paris erau gravuri și de calitate superioară; produse între 1540 și 1580, au avut o distribuție mai largă. ^[34]

Multe dintre amprentele lui Fontainebleau erau aparent realizate direct din desene executate pentru decorațiile palatului și constau în mare parte sau în totalitate din rame ornamentale sau cartușe, deși dimensiunea lui Fontainebleau era atât de mare încât ar putea conține mai multe figuri în mărime naturală. Variații ale cadrelor elaborate, ca și cum ar fi din pergament tăiat, perforat și laminat, s-au dezvoltat până în secolul al XVII-lea în modele de rame decorative, frontispicii gravate și mobilier sculptat și încrustat. ^[35]

Ornamentul manierist tipărit, într-un sens oarecum mai larg al termenului, a fost mult mai ușor de produs decât aplicarea riscantă a unui stil manierist extrem la compozițiile de figuri mari și s-a răspândit în toată Europa cu mult înainte de a picta sub formă de rame pentru amprente portret, titlu pagini pentru cărți, precum și ușile și șemineele elaborate ale arhitecturii manieriste, ^[36] cărți de ornamente pentru artiști și meșteri și cărți cu embleme . Din aceste lucrări și altele din propriul mediu, aurarii, producătorii de rame și mobilier și lucrătorii din multe alte meserii au dezvoltat vocabularul ornamentului manierist.

Ilustrațiile model prezentate în cartea Architectura din 1593-4 a lui Wendel Dietterlin , produse în mediul relativ stagnant din Strasbourg , au fost unele dintre aplicațiile mai extreme ale stilului pentru ornamentele arhitecturale. ^[32] Stilul manierismului nordic a fost deosebit de influent în casele prodigioase construite în Anglia de curtenii elisabetani.

• 

  Hristos și Maria Magdalena în grădină . Gravura lui Sadeler pe modelul lui Bartholomeus Spranger

• 

  Jan Saenredam , Venus și Cupidon , modelat de Hendrick Goltzius

• 

  Icar din Goltzius

• 

  Coloane de ordine compozite din Architectura de Wendel Dietterlin (1593–94).

În artele decorative

Cupă nepractică în formă de cal de mare (probabil capul se desprinde), Leipzig 1590

Ingeniozitatea vizuală și rafinamentul manierismului în mâinile nordice, care l-au transformat în mod preponderent într-un stil de curte , a găsit vehicule naturale în lucrarea aurarilor, ^[37] sporită de pietre și smalțuri colorate, în care perlele deformate pe care le numim „baroce” „ar putea forma torsuri umane și animale, atât ca bijuterii pentru podoabe personale, cât și în obiecte realizate pentru Wunderkammer . Ulcile și vazele au luat forme fantastice, precum și cupe cu pahare cu boluri de onix sau agat, precum și agitate de sare elaborate, cum ar fi pivnița de sare a lui Benvenuto Cellini , culmea orfevrariei manieriste, finalizată în 1543 pentru Francesco I și mai târziu donată unchiului său de Rodolfo, un alt mare colecționar . Wenzel Jamnitzer și fiul său Hans, aurari ai unei succesiuni de împărați ai Sfântului Roman, inclusiv Rudolph, au fost de neegalat în nord. ^[38] Argintarii produceau cupe generoase, cu capac, ulcioare și tăvi, riguros pentru expunere, încorporând eventual cochilii mari de mare care erau acum aduse înapoi de la tropice, care erau „iubite ca artă produsă de natură”. ^[39] În Țările de Jos, un „ stil auricular ” singular anamorf, care utilizează motive ondulante cartilaginoase și anti- arhitecturale , a fost dezvoltat de familia de argintari van Vianen. ^[40]

Detaliu al coroanei imperiale a lui Rudolph, aur, smalț și bijuterii. Praga, 1602

Deși sculptorii manieristi au produs bronzuri de dimensiuni mari, cea mai mare parte a producției lor a fost de ediții de bronzuri mici, de multe ori versiuni reduse ale compozițiilor mari, care erau menite să se bucure ținându-le și întorcându-le în mâini, atunci când cei mai buni "dau unul. Stimul estetic de acel gen involuntar care uneori vine din ascultarea muzicii ”. ^[41] Panourile mici de relief din bronz, adesea aurite, au fost utilizate în diverse contexte, cum ar fi în coroana lui Rudolph. ^[42]

Sfinxurile feminine cu gâturi alungite extravagante și sâni proeminenți susțin un dulap de nuc din Burgundia din colecția Frick , New York; în curând, Anversul a făcut o specialitate de dulapuri bogat sculptate și furnirite incrustate în țestoasă, abanos ^[43] și fildeș, cu interioare arhitecturale, prevăzute cu oglinzi pentru a multiplica reflexiile în spații simulate. În Anglia, excesele manieriste ale mobilierului iacobean au fost exprimate cu picioare extreme, transformate în imitații de cupe bine întoarse cu capace și o proliferare a suprafețelor plane acoperite cu împletituri împletite . ^[44] În urma succesului tapiseriilor de la Bruxelles țesute pe modelul desenelor animate ale lui Rafael , pictorii manieristi precum Bernard van Orley și Perino del Vaga au fost invitați să proiecteze desene animate în stil manierist pentru atelierele de tapiserie de la Bruxelles și Fontainebleau. Compozițiile picturale în stil manierist au apărut și în emailurile de la Limoges, adaptându-și compozițiile și marginile împodobite cu imprimeuri. Moreschi ^{[ neclare ]} , ghirlande și festoane de fructe inspirate din ornamentul grotesc redescoperit al Romei antice, expuse pentru prima dată în Vaticanul Stanze al școlii Rafael, au fost diseminate prin amprente ornamentale. Acest vocabular ornamental a fost exprimat în nord mai puțin în fresce și mai mult în tapiserii și margini ale manuscriselor iluminate .

În Franța, Saint-Porchaire ceramică în forme manieriste și decorațiuni au fost produse în cantități limitate pentru o clientela îngustă fashion între 1520 și 1540, în timp ce aglomerate și compoziții neașteptat realiste de șerpi și broaște caracterizează tăvi manieriste din teracotă pictată. De Bernard Palissy . La fel ca și Jamnitzers, ^[45] Palissy a realizat matrițe din mici creaturi și plante reale pentru a se aplica creațiilor sale.

Tava "rustică" în teracotă glazurată atribuită lui Bernard Palissy , Paris

Manierismul nordic, politica și religia

L'Europa settentrionale nel XVI secolo, e in particolare quelle aree in cui il Manierismo era più forte, fu influenzata da sconvolgimenti di massa come la Riforma protestante , la Controriforma , le guerre di religione francesi e la rivolta olandese . La relazione tra Manierismo, religione e politica era molto complessa. Sebbene fossero prodotte opere religiose, l'arte del Manierismo nordico toglieva enfasi ai soggetti religiosi, e quando li trattava era di solito contro lo spirito sia del tentativo della Controriforma di controllare l'arte cattolica , sia delle opinioni protestanti sulle immagini religiose. ^[46]

Nel caso della Praga di Rodolfo e dell'arte francese dopo la metà del secolo, l'arte manierista secolare e mitologica sembra essere stata in parte un tentativo deliberato di produrre un'arte che attraesse al di là delle divisioni religiose e politiche. ^[47] Allo stesso tempo, il Manierismo nei suoi estremi era di solito uno stile di corte, spesso usato per propagandare la monarchia, ^[48] e rischiava di essere screditato attraverso l'associazione con sovrani impopolari. Mentre la genuina tolleranza di Rodolfo sembra averlo evitato in Germania e in Boemia , alla fine del secolo il Manierismo era stato associato dai protestanti calvinisti e da altri patrioti di Francia e Olanda con i loro impopolari sovrani cattolici. ^[49]

Augusto e la Sibilla Tiburtina , Antoine Caron , c. 1580

Certe opere manieriste sembrano riecheggiare la violenza del tempo, ma vestite con abiti classici. Antoine Caron dipinse l'insolito soggetto dei Massacri sotto il Triumvirato (1562, Louvre), durante le guerre di religione, quando si verificarono frequenti massacri, soprattutto nella notte di san Bartolomeo del 1572, sei anni dopo il dipinto. ^[50] Secondo lo storico dell'arte Anthony Blunt , Caron produsse "quello che è forse il tipo più puro conosciuto di Manierismo nella sua forma elegante, appropriato a una società aristocratica squisita ma nevrotica". ^[51] I suoi cartoni per gli arazzi di Valois , che rimandano agli arazzi trionfali della Storia di Scipione disegnati per Francesco I da Giulio Romano , ^[52] furono un esercizio di propaganda per conto della monarchia dei Valois, sottolineando il suo splendore di corte al tempo della sua distruzione minacciata attraverso la guerra civile. L'unico dipinto sopravvissuto di Jean Cousin il Giovane , L'ultimo giudizio , commenta anche la guerra civile, tradendo una "tendenza tipicamente manierista alla miniaturizzazione". ^[53] Esseri umani minuscoli, nudi "sciamano sulla terra come vermi", mentre Dio guarda verso il basso giudicando dall'alto. ^[51]

Cornelis van Haarlem , Strage degli innocenti , 1590

La Strage degli innocenti di Cornelis van Haarlem (1590, Rijksmuseum ), più barocco che manierista, potrebbe coinvolgere i suoi ricordi di infanzia delle uccisioni (in realtà solo della guarnigione) dopo l' assedio di Haarlem nel 1572-3, che egli visse. La versione completamente non manierista di Brughel dello stesso soggetto fu comprata da Rodolfo, che fece cambiare a qualcuno molti dei bambini massacrati in oche, vitelli, formaggi e altre prede meno disturbanti. ^[54] In generale, la pittura manierista enfatizza la pace e l'armonia, e sceglie soggetti di battaglie meno spesso dell'Alto Rinascimento o del Barocco.

Un altro soggetto reso popolare da Brughel, San Giovanni che predica nel deserto , ricevette rappresentazioni manieriste da parecchi artisti, come soggetto di paesaggi lussureggianti. Ma per i protestanti olandesi il soggetto ricordava gli anni prima e dopo la loro rivolta, quando erano costretti a radunarsi per le funzioni religiose fuori dalle città controllate dagli Spagnoli. ^[49]

Altri affioramenti

Acquaforte di Jacques Bellange , Le tre Marie presso la tomba , anni 1610

Enrico VIII d'Inghilterra era stato spronato dall'emulazione di Fontainebleau a importare la sua squadra, alquanto meno stellare, di artisti italiani e francesi per lavorare al suo nuovo Palazzo Nonsuch , che faceva anche molto affidamento sugli stucchi, e fu decorato dal 1541 circa. Ma Enrico morì prima che fosse completato e un decennio dopo fu venduto da sua figlia Maria senza aver mai visto un uso importante da parte della corte. Il palazzo fu distrutto prima del 1700 e sono sopravvissuti solo piccoli frammenti di opere ad esso associate, oltre a una leggera ondata di influenza rilevabile nell'arte inglese successiva, ad esempio negli stucchi grandiosi ma non sofisticati dell' Hardwick Hall .

Alcune (ma non tutte) le case prodigio dell' architettura elisabettiana facevano uso di ornamento derivato dai libri di Wendel Dietterlin e Hans de Vries Vredeman all'interno di un caratteristico stile generale derivato da molte fonti.

Il miniaturista ritrattista Isaac Oliver mostra una incerta influenza tardo manierista, ^[55] che appare anche in alcuni pittori ritrattisti immigrati, come William Scrots , ma in genere l'Inghilterra era uno dei paesi meno interessati dal movimento, tranne che nel campo dell'ornamento.

Anche se il Manierismo nordico raggiunse uno stile paesaggistico, la pittura ritrattistica rimase senza equivalenti nordici del Bronzino o del Parmigianino , a meno che la ritrattistica di Elisabetta I , straordinaria ma alquanto ingenua, sia considerata tale.

Una delle ultime fioriture del Manierismo settentrionale venne in Lorena , il cui pittore di corte Jacques Bellange (c. 1575-1616) è ora conosciuto solo dalle sue straordinarie acqueforti , sebbene fosse anche un pittore. Il suo stile deriva dal Manierismo neerlandese, anche se la sua tecnica viene da acquafortisti italiani, in particolare Federico Barocci e Ventura Salimbeni . ^[56] Insolitamente, i suoi soggetti erano principalmente religiosi, e benché i costumi siano spesso stravaganti, suggeriscono intensi sentimenti religiosi da parte sua.

Ancora più tardi, il pittore tedesco- slesiano Bartholomeus Strobel , che aveva trascorso gli ultimi anni del regno di Rodolfo come giovane artista a Praga, continuò lo stile rodolfino fino agli anni 1640, nonostante gli orrori inflitti alla Slesia dalla Guerra dei trent'anni , in opere come come il suo enorme Banchetto di Erode con la decollazione di San Giovanni Battista nel Prado . Dal 1634 si ritirò nella sicurezza della Polonia come artista di corte. ^[57]

Artisti

Abraham Bloemaert , Paesaggio con San Giovanni che predica nel deserto

Artisti francesi influenzati dalla prima Scuola di Fontainebleau:

Jean Cousin il Vecchio (1500–c. 1590), pittore

Jean Goujon (c. 1510-dopo 1572), scultore e architetto

Juste de Juste (c. 1505–c. 1559), scultore e architetto

Antoine Caron (1521–1599), pittore

Continuatori della tradizione francese:

Germain Pilon (c. 1537–1590), scultore

Androuet du Cerceau , famiglia di architetti; Jacques I introdusse l'ornamento manierista

Jean Cousin il Giovane (ca. 1522–1595), pittore

Toussaint Dubreuil (c. 1561–1602), seconda Scuola di Fontainebleau:

Paesaggio (olio su tela, 63,5 x 87 cm, Musée Fesch), attribuito a Matthijs Bril

Al servizio di Rodolfo II:

Giambologna (1529–1608), scultore fiammingo residente a Firenze

Adriaen de Vries (1556–1626), scultore olandese, allievo di Giambologna, che andò a Praga

Bartholomeus Spranger (1546–1611), fiammingo, principale pittore di Rodolfo

Hans von Aachen (1552–1615), pittore tedesco, soggetti mitologici e ritratti per Rodolfo

Joseph Heintz il Vecchio (1564–1609), pittore svizzero, allievo di Hans von Aachen

Paul van Vianen , argentiere e artista olandese

Aegidius Sadeler – incisore fiammingo, principalmente xilografo

Wenzel Jamnitzer (1507/8-1585), e suo figlio Hans II e suo nipote Christof, orafi tedeschi

Joris Hoefnagel , pittore fiammingo, specialmente per le miniature di storia naturale

Roelant Savery , pittore olandese, paesaggi con animali e nature morte

La caduta dei Titani (1588–1590) di Cornelis van Haarlem

Banchetto di Erode con la decollazione di San Giovanni Battista , c. 1630, Prado ; largo quasi 10 metri, capolavoro di Bartholomeus Strobel e un'allegoria della Guerra dei trent'anni

Olandesi:

Herri met de Bles (1510-1555/60), paesaggista, anteriore agli altri

Karel van Mander (1548–1606), ora meglio noto come biografo di artisti neerlandesi

Hendrik Goltzius (1558–1617), il principale incisore del periodo, e in seguito pittore in uno stile meno manierista.

Cornelis van Haarlem (1562–1651), pittore

Hubert Gerhard (c. 1540/1550-1620), pittore

Joachim Wtewael (1566–1638), pittore

Jan Saenredam (1565-1607), principalmente uno xilografo

Jacob de Gheyn II c. 1565-1629), principalmente uno xilografo

Abraham Bloemaert (1566–1651), pittore, nella prima parte della sua carriere

Hans Vredeman de Vries (1527–c. 1607), architetto, disegnatore di ornamenti, che scrisse sulla progettazione di giardini.

Fiamminghi:

Denis Calvaert (1540-1619), pittore, lavorò principalmente in Italia, in uno stile in gran parte italiano, come anche

Paul (1554-1626) e Matthijs Bril (1550-1583), pittori, per la maggior parte pittura paesaggistica

Marten de Vos , fondatore della Gilda dei romanisti

Otto van Veen (1556–1629), pittore

Altrove:

Hans Rottenhammer (1564–1625), pittore tedesco, paesaggista di Monaco trascorse vari anni in Italia

Wendel Dietterlin (c. 1550–1599), pittore tedesco, più noto per il suo libro sulla decorazione architettonica

Jacques Bellange (c. 1575–1616), pittore francese di corte della Lorena , la cui opera sopravvive solo nell' acquaforte .

Bartholomeus Strobel (1591–c. 1550), pittore tedesco, ritrattista di corte, anche scene religiose, in Slesia e poi in Polonia.

Note

Bibliografia

• Anthony Blunt , Art and Architecture in France: 1500–1700 , 1957, New Haven, CT, Yale University Press, edizione 1999, ISBN 0-300-07748-3
• Malcolm Bull, The Mirror of the Gods, How Renaissance Artists Rediscovered the Pagan Gods , Oxford UP, 2005, ISBN 0-19-521923-6
• André Chastel , French Art: The Renaissance, 1430–1620, tradotto da Deke Dusinberre, Parigi, Flammarion, 1995, ISBN 2-08-013583-X
• Sidney J. Freedberg , Painting in Italy, 1500–1600 , 3ª ed. 1993, Yale, ISBN 0-300-05587-0
• Anthony Griffiths e Craig Hartley, Jacques Bellange, C. 1575–1616, Printmaker of Lorraine , British Museum Press, 1997, ISBN 0-7141-2611-X
• Karen Jacobsen (a cura di, spesso erroneamente categorizzato come Georg Baselitz ), The French Renaissance in Prints , 1994, p. 470; Grunwald Center, UCLA, ISBN 0-9628162-2-1
• Lisa Jardine e Jerry Brotton, Global Interests: Renaissance Art Between East And West , Londra, Reaktion Books, 2005, ISBN 1-86189-166-0
• Sally Metzler, Artists, Alchemists and Mannerists in Courtly Prague , in Jacob Wamberg (a cura di), Art & alchemy , Museum Tusculanum Press, 2006, ISBN 87-635-0267-4 , ISBN 978-87-635-0267-2
• Desmond Shawe-Taylor e Jennifer Scott, Bruegel to Rubens, Masters of Flemish Painting , Royal Collection Publications, Londra, 2008, ISBN 978-1-905686-00-1
• Seymour Slive, Dutch Painting, 1600–1800 , Yale UP, 1995, ISBN 0-300-07451-4
• Craig Hugh Smyth, Mannerism and Maniera, 1992, IRSA, Vienna, ISBN 3-900731-33-0
• John Shearman, Mannerism , 1967, Pelican, Londra, ISBN 0-14-020808-9
• Roy Strong, Art and Power; Renaissance Festivals 1450–1650 , 1984, The Boydell Press; ISBN 0-85115-200-7
• Hugh Trevor-Roper , Princes and Artists, Patronage and Ideology at Four Habsburg Courts 1517–1633 , Thames & Hudson, Londra, 1976, ISBN 0-500-23232-6
• RH Wilenski, Dutch Painting , "Prologue" pp. 27–43, 1945, Faber, Londra
• Hans Vlieghe, Flemish Art and Architecture, 1585–1700 , New Haven (CT): Yale University Press/Pelican History of Art, 1998, ISBN 0-300-10469-3
• Henri Zerner, Renaissance Art in France. The Invention of Classicism, tradotto da Deke Dusinberre, Scott Wilson e Rachel Zerner, Parigi, Flammarion, 2003, ISBN 2-08-011144-2

Voci correlate

• Scuola di Anversa
• Rinascimento nordico

Collegamenti esterni

• ( EN ) Metropolitan Museum, Timeline of Art History ("Metropolitan Museum, Cronologia di storia dell'arte") Praga durante il regno di Rodolfo II (1583–1612).
• ( EN ) Arms, Armour, and Fine Arts ("Armi, armature e belle arti"), un articolo di Peter Kren, con informazioni sulla decorazione manierista.
• ( EN ) Prints & People: A Social History of Printed Pictures ("Stampe e persone: una storia sociale dei quadri a stampa"), un catalogo di esposizione del Metropolitan Museum of Art (interamente disponibile in linea come PDF), che contiene materiale ed esempi sul Manierismo nordico.

Portale Pittura : accedi alle voci di Wikipedia che trattano di Pittura