Edvard Munch

Dezambiguizare - "Munch" se referă aici. Dacă sunteți în căutarea altor semnificații, consultați Munch (dezambiguizare) .

Edvard Munch

Edvard Munch (pronunțat: [ˈɛdvɑʈ muŋk] asculta ^{[ ? · Info ]} ; Løten , 12 decembrie 1863 - Oslo , 23 ianuarie 1944 ) a fost un pictor norvegian .

Autograf Munch

Biografie

Tineret

Edvard Munch, pictor norvegian, s-a născut în Løten, Norvegia, al doilea dintre cei cinci copii ai Laura Catherine Bjølstad (1838-1868) și Christian Munch (1817-1889): Johanne Sophie (1862-1877), sora mai mare cu care va stabili o relație de mare afecțiune, Peter Andreas (1865-1895), Laura Catherine (1867-1926) și Inger Marie (1868-1952). Rudele sale erau și pictorul Jacob Munch și istoricul Peter Andreas Munch , fratele tatălui său.

Familia s-a mutat în Christiania (acum Oslo ) în 1864, când Christian Munch a fost angajat ca medic la cetatea Akershus . Din copilărie, Edvard a fost judecat de o serie interminabilă de nenorociri familiale: mama sa a murit de tuberculoză în 1868, urmată de Johanne Sophie în 1877, care a murit lovită de aceeași boală. ^[1] Pentru a avea grijă de tânărul Munch, după moartea mamei sale, erau tatăl și mătușa lui Karen; tocmai în această perioadă băiatul a început să se intereseze de artă . Între timp, Christian Munch, pentru a compensa diversele absențe făcute de fiul său la școală din motive de sănătate, și-a început pregătirea în domeniul istorico-literar, introducându-l și în dimensiunea psihologică-groază a scriitorului american Edgar Allan Poe . ^[2]

Cu toate acestea, Edvard nu a fost singurul afectat de cele două dureri grave: și tatăl său Christian a început să devină mai melancolic , fiind victima unui pietism morbid și a unui sindrom maniac-depresiv. Spiritul lui Edvard nu a beneficiat de acest mediu, care a dat naștere acelei viziuni macabre asupra lumii care l-ar face ulterior celebru. Această interpretare a realității a fost stimulată și de nebunia Laurei, care a început să sufere de crize psihice, și de trecerea fratelui ei Andreas, care a murit imediat după căsătorie . Munch avea să scrie mai târziu: „Am moștenit doi dintre cei mai înfricoșători dușmani ai omenirii: moștenirea consumului și a nebuniei”. ^[3]

Plata primită de tată a fost foarte mică și, deși a fost suficientă pentru nevoile de bază, a menținut familia într-o stare de sărăcie perenă. Cele mai vechi experiențe artistice ale lui Munch reiau greutățile economice care au afectat familia, prezentând interiorul acelor apartamente degradate unde au fost forțați să locuiască.

Autoportret cu braț schelet (1895)

Pregătirea creștină

În 1879, Edvard Munch a început să urmeze un colegiu tehnic pentru a studia ingineria , disciplină în care a excelat, obținând rezultate excelente în fizică, chimie și matematică. Aici tânărul Edvard s-a familiarizat cu desenul în perspectivă ; cu toate acestea, băiatul nu a apreciat mediul școlar. De fapt, tatăl său Christian a văzut în curând marea lui dezamăgire că fiul său nu se simțea în largul său în spatele băncilor școlii și cum a preferat să se dedice studiilor artistice. Prin urmare, după ce a încercat să-l distragă de la aceste interese care nu au legătură cu ingineria, el l-a autorizat să se înscrie la Școala de Desen din Oslo, unde a rămas un an, înainte de a se muta la Școala de Arte și Meserii în 1881. Aici Munch a urmat lecțiile sculptorului Julius Middelthun și ale artistului Christian Krohg . ^[4] Sub aceste influențe, Edvard a creat primele sale opere de artă, inclusiv un portret al tatălui său, un autoportret și o descriere a boemului Karl Jensen-Hjell ; această ultimă lucrare nu a fost foarte apreciată de critici, care au fost disprețuitoare în definirea ei ca „impresionism dus la extrem: este o parodie a artei”. ^[5] De asemenea, mai mulți nuduri datează din acești ani, dar astăzi supraviețuiesc doar în schițe; după toate probabilitățile, au fost răpiți de tatăl lor, care considera arta „o meserie impie”. ^[6] În timpul șederii sale la Școala de Arte și Meserii, Munch a contopit diverse influențe, inclusiv cele exercitate de naturalism și impresionism ; deloc surprinzător, multe dintre lucrările sale timpurii seamănă foarte mult cu cele ale lui Monet .

În această perioadă, Munch a intrat în contact și cu cercurile boeme ale orașului, prezidat de prietenul său Hans Jæger , ^{[7] un} scriitor cu un spirit neconvențional și anarhic care și-a îndemnat discipolii cu imperativul « Scrie-ți viața! ". Munch a luat această maximă la propriu: a extras tocmai din acest cerc de intelectuali rebeli (pe care artistul le-a descris deseori în diferite lucrări, cum ar fi portretul menționat mai sus al lui Karl Jensen-Hjell) spiritul autobiografic care avea să pătrundă apoi în activitatea sa artistică, jumătate cu cine și-a rescris propria viață.

Luându-și reperul din doctrina lui Jæger, tânărul artist a început o cale de reflecție și creștere personală, cu sprijinul unui „jurnal al sufletului” în care și-a scris gândurile. ^[8] Acest lucru s-a dovedit a fi un moment de cotitură pentru producția artistică a lui Munch, care deja cu La fanciulla malata , unde se trezește amintirea bolii surorii sale Sofie, a început să picteze primele „pânze ale sufletului”, un punct decisiv cu impresionismul. Lucrarea, primită fără milă atât de critici, cât și de familie, a fost cauza unui alt „focar violent de indignare morală” în societate. ^[9]

Inger sulla spiaggia (1889) este opera cu care Munch începe să-și definească propria identitate artistică

Singurul care l-a apărat a fost prietenul său Christian Krohg , care a scris un articol memorabil menit să ia partea fostului său elev: ^[10]

Între timp, Munch a continuat să-și caute propria identitate artistică: limbajul său avea atât amprente naturaliste, vizibile clar în Portretul lui Hans Jæger ^[11] , cât și impresioniste, ca în Rue Lafayette . Mai ales în pânza Inger on the beach (1889), unde sora sa Inger (imaginea vitalității prin excelență) este prezentată singură pe plaja din Åsgårdstrand , Munch a început să-și construiască propriul stil: în spatele unei compoziții aparent realiste, artist ascunde reprezentarea unei anumite stări de spirit. Pe scurt, Munch a preferat imaginația decât reprezentarea, cu o ideologie simbolistă care a făcut căutarea patetică a realității nesemnificativă.

Munch a avut ocazia să-și arate lucrarea publicului larg în 1889, într-o mare expoziție: pentru abilitățile sale tehnice, departe de a fi obișnuite, a câștigat o bursă la Paris , pentru a studia arta sub îndrumarea lui Léon Bonnat . ^[12]

Rămâi la Paris

Munch a plecat la Paris în toamna anului 1889, în jubilare generală la tocmai inaugurata Exposition Universelle ; una dintre picturile sale, The Morning (1884), a fost imediat inclusă printre excelențele care vor fi expuse în pavilionul norvegian , ca parte a Expo. ^[13] În timpul șederii sale la Paris, Munch și-a petrecut dimineața în atelierul ocupat al lui Bonnat, care l-a învățat rudimentele nudului artistic, în timp ce după-amiaza a rătăcit prin oraș, participând atât la Expoziția Universală, cât și la cele mai prestigioase muzee. Foarte curând, însă, Edvard a început să se plictisească de clasa de artă a lui Bonnat: „mă obosește și mă plictisește”, a scris el, „într-adevăr, mă amorțește”. ^{[14] [15]}

Sena la Saint-Cloud , 1890.

Noapte în Saint-Cloud , 1890

Din acest motiv, Munch, care se distinsese printre cei mai dotați studenți, după câteva luni s-a mutat în Saint-Cloud , o suburbie de pe malul Senei . De la fereastra de la etajul al doilea al hotelului Belvedere, unde stătea, pictorul putea observa mișcarea necontenită a bărcilor, în diferite condiții de lumină : a pictat acest scenariu în toate modurile posibile, chiar și cu atitudinea poate inconștientă a un impresionist francez, care apare în special în Sena la Saint-Cloud din 1890. ^[16]

De fapt, în timpul interludiului parizian, Munch a putut admira operele multor artiști influenți: favoriții săi erau Paul Gauguin , Vincent van Gogh și Henri de Toulouse-Lautrec , uniți prin utilizarea înțeleaptă a culorii pentru a transmite emoții. ^[15] Munch a găsit „reacția împotriva realismului” lui Gauguin deosebit de remarcabilă și credința sa că „arta este rodul omului și nu o imitație a naturii”, urmând acea tendință deja anunțată timid de Whistler . ^[17]

Tot la Paris, în decembrie, Munch a aflat de moartea tatălui său Christian, eveniment care l-a făcut să cadă într-o stare profundă de suferință. Deși relația dintre cei doi a fost conflictuală, Edvard a acordat multă atenție importanței legăturilor de familie; printre altele, acest doliu i-a urmat pe cele anterioare, trezindu-i în suflet sentimente foarte negative: „Trăiesc cu moartea - mama, sora mea, bunicul, tatăl meu [...] te omoară și apoi s-a terminat. De ce să trăiești? " s-a întrebat apoi. ^[18] Sentimentele de vinovăție hrănite de poet apar în tabloul Noapte la Saint-Cloud , unde Munch se îmbracă în hainele tatălui său dispărut, devenind aproape alter ego-ul său. Aici, ochiul observatorului pătrunde în mediul întunecat al camerei, spionându-l pe omul în jumătate de lumină intenționat să observe intrările și plecările Senei ; mediul este pătruns de o atmosferă tristă și melancolică, accentuată de simboluri oculte (cum ar fi crucea proiectată pe sol) și de duotonul albastru-maroniu, care domină aproape întreaga paletă. ^[19] Mai mult, Munch a fost categoric în Manifestul lui Saint Cloud , scris exact în acele luni, unde a anunțat: ^[20]

Scandal la Berlin

Melancolie , 1891.

În Franța, așa cum s-a menționat deja, Munch a putut aprecia avangarda franceză, dar mai presus de toate lucrările lui Paul Gauguin și modul său de a interpreta acordul cromatic, pătrunzându-l cu simbolism îndrăzneț. Tocmai căile lui Gauguin au influențat Melancolia (1891). În această lucrare, senzațiile sunt încredințate, așa cum am menționat deja, culorilor, dar și atitudinii tânărului din prim-plan, cu fața în afara scenei și cufundat în gânduri profunde, și de peisaj, care reflectă indirect starea de sufletul protagonistului. Prin urmare, pânza propune să fie o interpretare universală a melancoliei nu numai pentru artist, ci pentru întreaga omenire, în ciuda faptului că episodul este inspirat de o circumstanță autobiografică.

Maestrul Krohg a apreciat în mod deosebit Melancolia , plasându-l ca prima pânză de sinteză norvegiană; până acum, limbajul lui Munch se îndepărtase definitiv de naturalism și de impresionismul timpuriu. Iată ce a spus Krogh într-o recenzie entuziastă, unde a apreciat în mod deosebit armonia liniilor peisagistice și sonoritatea culorii: ^[21]

Moarte în camera bolnavului , 1893

Magnetismul criticilor lui Krogh l-a făcut cunoscut pe Munch și în Germania , unde nu a scăpat de intelectualul Adelsteen Normann , care l-a invitat pe artistul norvegian să concerteze la Berlin în noiembrie. Clima artistică a capitalei germane a fost, totuși, foarte tensionată datorită contrastului dintre tradiționaliști și artiști disponibili influențelor franceze și naturaliste. Expoziția lui Munch a sporit aceste dezacorduri, iar academicienii au închis spectacolul; scandalul a fost descris de presa teutonică drept „Der Fall Munch” (The Munch Affair). ^[22] Munch a fost surprins: „Nu m-am bucurat niciodată atât de mult - este uimitor cât de nevinovat un lucru ca o pictură poate crea o asemenea agitație”, a scris el. ^[23]

Cu toate acestea, artiștii cei mai deschiși la noutate au fost influențați de lucrările lui Munch; printre aceștia se număra și poetul August Strindberg , legat de pictor printr-o puternică legătură de prietenie. Tocmai la Berlin, printre altele, urmând exemplul lui Strindberg, a început să se contureze proiectul său pentru Friza vieții , un concept utopic conform căruia lucrările făceau parte dintr-un proiect unitar, care viza simbolizarea destinului omului. .

Există multe tablouri pictate în această paranteză din Berlin. Dintre acestea, este de remarcat moartea în camera bolnavului (1893), unde se concretizează din nou fantoma morții surorii: nu este surprinzător că nu este reprezentată durerea fizică, ci cea psihologică. Aici pictorul nu vrea să-i spună interlocutorului despre dispariția Sophiei (care cu greu poate fi întrezărită), ci să-i arate reacția membrilor individuali ai familiei în fața unui eveniment la fel de misterios ca moartea : acestea sunt spațiate și nu uniți, prin durere, care îi prinde și îi golesc în durerile lor respective. ^[19]

La Berlin, Munch a pictat și ceea ce avea să devină capodopera sa: The Scream , care reușește mai ales să condenseze disperarea existențială a artistului norvegian cu o violență fără precedent.

Țipătul

Țipătul , 1893

Același subiect în detaliu: Țipătul .

„Mergeam de-a lungul străzii cu doi prieteni când soarele a coborât, cerul s-a înroșit brusc. M-am oprit, m-am sprijinit obosit de un gard. Pe fiordul albastru-negru și orașul erau sânge și limbi de foc. Prietenii mei continuau să meargă și încă tremuram de frică ... Și am simțit că un țipăt nesfârșit pătrunde în natură ": acestea au fost circumstanțele care l-au determinat pe Munch să picteze The Scream , una dintre cele mai faimoase picturi din arta mondială și emblema de neegalat. de angoasa omului. ^[24]

Inspirat de o mumie găsită în Peru, ^[25] mesajul pe care Munch a vrut să ni-l dea apare deja în numele pânzei: L'urlo , un titlu care dă naștere spiritului artistului. Protagonistul scenei este, de fapt, omul țipător, în care Munch îi infuzează tot stilul său pictural crud. Strigătul său, străpungător și unic în transferarea angoasei către privitor, pare, cu sunetul său, să deformeze peisajul nenatural, compus dintr-un cer împânzit de vene roșii-sânge și o mare neagră și uleioasă. ^[24]

În plus față de personajul din centru, pe care mai mult decât un bărbat îl face să se gândească la un spirit (în loc de corp, are o umbră sinuoasă, neagră și moale) există siluetele a doi bărbați în fundal, care par să ignorați complet acel strigăt pătrunzător de disperare: chiar și locația lor, plasată la marginea pânzei, sugerează surditatea și impasibilitatea lor în fața angoasei pictorului, care a decis astfel să traducă falsitatea relațiilor umane în imagini. ^[24]

Țipătul acestei opere, pe scurt, este o explozie de energie psihică cu o putere fără precedent, care face din pânză o metaforă a morții care mătură, copleșește sensul vieții: la fel cum face acest strigăt plictisitor, un mod efemer de a arăta în interiorul sinelui, găsind doar suferință. ^[24]

Frisa Vieții

În decembrie 1893, Berlinul a fost scena unei alte expoziții a lui Munch: de fapt, șase lucrări au fost expuse în Unter den Linden , parte a unei serii numite Studio pentru o serie evocatoare numită Dragoste . Astfel a început Friza vieții , unde impulsul vizionar al lui Munch explorează temele vieții, iubirii, fricii, morții, melancoliei și anxietății. ^[26]

Deja la începutul anilor nouăzeci, de fapt, a apărut în Munch nevoia de a reuni toate picturile într-un singur proiect, în care el să-și poată exprima cu ușurință gândurile despre pictură. Acesta din urmă, de fapt, a intenționat-o nu ca o simplă artă de decor, ci ca o aprofundare și clarificare a vieții cuiva și a secretelor cele mai interioare ale sufletului uman: un fel de auto - analiză ante litteram .

Muntele Calvar , cunoscut și sub numele de Golgota , 1900

Seara pe bulevardul Karl Johan , 1892

Munch a inclus multe lucrări demne de remarcat în acest ciclu. Printre acestea, se află Muntele Calvar , numit Golgota (1900), dominat de figura lui Hristos răstignit , singur în mulțime: aici Munch se identifică cu Hristos pe cruce, pentru a repeta numeroasele tragedii suferite în viața sa, dar de asemenea, pentru a sublinia rolul dificil al poetului din secolul al XX-lea, o figură aproape casandrică , un profet nemaiauzit. În Sera de pe viale Karl Johan (1892), totuși, ectoplasma L'urlo cedează loc unei mase de oameni burghezi, cufundați într-o atmosferă halucinantă: bărbații sunt toți foarte palizi, cu ochii larg deschiși. Așa se face că o activitate plăcută, cum ar fi mersul pe jos, se transformă într-o procesie fantomatică: cu această metamorfoză se manifestă gândul lui Munch, care întrezărește în burghezie o umanitate goală, lipsită de sentimente, care se limitează la existență și nu la viață. . Această lucrare reia gândul lui Ibsen și Strindberg , cei doi dramaturgi care au respins și înstrăinarea omului modern; în același mod, însă, anticipează și tema morților vii , creaturi monstruoase animate doar de o stare aparentă de viață, intenționată să caute ceva nedefinit.

Ciclul a fost expus în întregime în 1902, ^{[27] [28]} cu ocazia celei de-a cincea ediții a Secesiunii Berliner , împărțită în patru etape definite de Munch însuși:

1. Sămânța iubirii (cu tablourile: Noapte înstelată , Roșu și alb , Ochii în ochi , Dans pe plajă , Sărutul , Madonna );
2. Dezvoltarea și dizolvarea iubirii (cu tablourile Cenușă , Vampir , Dansul vieții , Gelozia , Femeia , Melancolie );
3. Angoscia (cu tablourile Angoasa , Seara pe bulevardul Karl Johan , Iedera Roșie , Golgota , Țipătul );
4. Moartea (cu tablourile Patul de moarte , Moartea în camera bolnavului , Mirosul morții , Metabolism. Viață și moarte , Mama moartă și copilul ).

Fete pe pod 1902

Mulți oameni și-au exprimat dezamăgirea, în special față de cele mai provocatoare picturi, vinovați că au pus la îndoială cerințele vremii. Camille Mauclair a fost categoric în definirea picturilor „fără desen și de o culoare barbară, a unui material respingător pentru jenă și greutate”. Pentru Aftenposen , ziarul istoric Oslo , Munch a fost «un artist halucinat și, în același timp, un spirit malefic, care își bate joc de public și își bate joc de pictură, precum și de viața umană». Artistul a fost chiar acuzat de William Ritter că „a transformat prea simplist obiectele și oamenii în urâțenie indecentă, cu o execuție prea naivă, în detrimentul unei educații artistice puternice”. În mod similar, ziarul german Magdeburgische Zeitung a preluat unele dintre criticile făcute deja la început, afirmând că artistul «pictează ca în trecut; aceleași picturi neterminate, abia schițate ».

Cu toate acestea, nu au lipsit admiratorii fervenți: Yvanhoe Rambosson , de exemplu, a înțeles că „gândul său complex și obsedat se traduce adesea într-o expresie specială și impresionantă”, doar pentru a admite că „singurul reproș care i se poate face lui Munch este că el realizează efectele dorite printr-un mod de procedare prea direct. Reușește să transmită un sentiment de teroare printr-o culoare sau o combinație de semne care, deși justificate din punct de vedere estetic, sunt neplăcute ». Walther Rathenau a susținut și gândul lui Munch: „Cu un dispreț nemilos pentru formă, claritate, eleganță, completitudine și, în cele din urmă, realism, pictează cele mai subtile viziuni ale sufletului cu un talent intuitiv”.

Munch în 1912

Crizele nervoase

În toamna anului 1908, stările de sănătate ale lui Munch s-au înrăutățit, din cauza dependenței sale de alcool și a luptei într-un bar în care era implicat. Însuși artistul a reușit să constate: „Eram la limita nebuniei, pe punctul de a cădea”. După ce a căzut pradă unor halucinații devastatoare și s-a simțit persecutat, a decis să intre în clinica doctorului Daniel Jacobson. Sub îngrijirea sa devotată, Munch și-a îmbunătățit sănătatea corpului și a spiritului; șederea în spital a durat opt ​​luni, iar în 1909 artista a putut să se întoarcă în Norvegia. Acasă a fost în cele din urmă fericit: lucrările sale au fost colorate cu culori mai vii, mai puțin pesimiste, iar pentru a-și consolida starea de spirit au existat aplauzele publicului Christiania, care - recunoscându-și succesul - a început să-și cumpere picturile. Între timp, Munch a fost numit Cavaler al Ordinului Regal Norvegian Sf. Olav pentru „serviciile sale în artă”.

Cu toate acestea, tulburările nervoase erau întotdeauna la colț: Dr. Jacobson era conștient de acest lucru și recomanda pacientului „să se asocieze numai cu prietenii buni și să evite consumul de alcool în public”. Munch a urmat acest sfat: dovada încrederii pe care artistul și-a pus-o în propriul său doctor este seria de portrete care îi portretizează pe prieteni și meceni; ^[29] De asemenea, sunt de remarcat diversele peisaje pe care Munch le-a umplut de optimism prin utilizarea de pentuțe ușoare și culori vibrante. Odată cu situația economică roz, Munch a devenit în cele din urmă capabil să cumpere mai multe proprietăți, pentru a oferi un loc demn pentru operele sale de artă, asigurându-și și familia. ^[30]

Anul trecut

Munch în 1933

Munch și-a petrecut ultimii câțiva ani din viață pe proprietatea sa de 45 de hectare Ekely din Skøyen , Oslo. ^[31] Majoritatea picturilor sale ulterioare sărbătoresc idila vieții rurale; pentru a poza pentru aceste scene bucolice, deseori exista și calul său, Rousseau. ^[32] Fără niciun efort, în plus, Munch a atras în jurul său un grup de fecioare înflăcărate, pe care le-a descris ca subiecte ale numeroaselor nuduri artistice; nu este exclus faptul că artista a avut relații sexuale cu unele dintre aceste fete. ^[33] În această perioadă, Munch și-a încercat mâna la pictura murală, decorând una dintre sufrageriile vechii fabrici de ciocolată Freia, tot din Oslo. ^[34] Cu toate acestea, energiile sale creative au fost epuizate, atât de mult încât a fost capabil să completeze doar o serie de autoportrete îndrăznețe.

În anii 1930 și 1940, propaganda național-socialistă a urmărit operele lui Munch, numindu-le „ artă degenerată ”: aceste măsuri supărătoare, care au fost adoptate și cu pânzele lui Picasso , Paul Klee , Matisse , Gauguin și alți artiști moderni, au dus la îndepărtarea imediată din cele 82 de lucrări munchiene expuse în muzeele germane. ^[35] Munch a suferit cu amărăciune din această cauză și la aceasta s-a adăugat teama, care a apărut în 1940 odată cu ocupația nazistă a Norvegiei , de o iminentă confiscare a lucrării sale omnia . Munch avea 76 de ani la acea vreme și nu știa că șaptezeci și una dintre lucrările sale se vor întoarce mai târziu în Norvegia, cumpărate de colecționari privați.

Munch a murit pe moșia Ekely pe 23 ianuarie 1944, la doar o lună de la 80 de ani.

Patrimoniu

Edvard Munch, Către pădure II , 1915, litografie. Munch Museum, Oslo.

La moartea sa, Munch a donat tuturor lucrărilor sale rămase orașului Oslo, care au fost colectate într-un muzeu special construit, Muzeul Munch , inaugurat în 1963. Este principalul organism de protecție a patrimoniului munchian, activ și în domeniul dreptului de autor , reglementând orice încălcare a drepturilor de autor (așa cum s-a întâmplat cu Mars , care în 2006 a refăcut L'urlo prin crearea unui grafic pentru propria campanie publicitară). ^[36]

Limbajul pictural al lui Munch, plin de simbolisme „private”, este plasat într-o dimensiune mult mai personală decât stilurile altor pictori simbolisti, precum Gustave Moreau și James Ensor . Munch a exercitat o influență decisivă asupra artei contemporane, în special asupra expresionismului german și nord-european, care a refuzat, de asemenea, să creadă „într-o artă care nu se naște dintr-o forță, condusă de dorința unei ființe de a-și deschide inima”. ^[20] Multe dintre pânzele lui Munch, în primul rând L'urlo , își datorează succesul tocmai simbolismului lor însărcinat.

Drept dovadă a recunoașterii sale artistice, una dintre redacțiile L'urlo a fost vândută de casa de licitații londoneză Sotheby's pentru suma de 119,9 milioane de lire sterline, devenind una dintre cele mai scumpe tablouri din lume. Dar nu numai: Munch este descris în multe contexte naționale, de la timbre la monede, trecând prin monumente. De exemplu, Munch a fost prezentat pe nota de 1000 de coroane, denumirea cu cea mai mare valoare; în mod similar, cu ocazia celui de-al 150-lea an al nașterii lui Munch, Oficiul poștal norvegian i-a dedicat o serie de timbre comemorative.

Lucrări (listă parțială)

• 1885-1886: Fata bolnavă
• 1889: Inger pe plajă
• 1891-1902: Melancolie
• 1892: Seara pe bulevardul Karl Johan
• 1892: Sărutul cu fereastra
• 1893: țipătul
• 1894-1917: Vampir
• 1894: Anxietate
• 1894-1895: Madonna
• 1894-1895: pubertate
• 1895: Autoportret cu țigară
• 1895: Moarte în camera bolnavilor
• 1896: Separare
• 1897: Sărutul
• 1899-1900: Dansul vieții
• 1899-1900: Mama moartă și copilul
• 1902: Fete pe pod
• 1903: Lumina lunii
• 1903: Autoportret în iad
• 1907: Doi oameni singuri
• 1907: Moartea lui Marat I
• 1940-1942: Între pat și ceas

Expoziții

• Între 1999 și 2000, Palazzo Pitti dedică o expoziție pictorului, îngrijită de Marit Lange și Sidsel Hellilesen, înființată în Sala Bianca. ^[38]
• În perioada 11 aprilie 2019 - 21 iulie 2019, lucrările sale sunt expuse la British Museum din Londra pentru expoziția „Love and Angst”. ^[39]

Notă

Bibliografia

• Herschel B. Chipp, Theories of Modern Art: A Source Book by Artists and Critics , Berkeley, University of California Press, 1968, ISBN 0-520-05256-0 .
• Eva Di Stefano, Edvard Munch, Dossier d'art , Giunti Editore, 1994, ISBN 88-09-76192-8 .
• Arne Eggum, Edvard Munch, Edvard Munch: Paintings, Sketches, and Studies , New York, CN Potter, 1984, ISBN 0-517-55617-0 .
• José María Faerna, Munch , New York, Harry N. Abrams, 1995, ISBN 0-8109-4694-7 .
• ( SV ) Pola Gauguin , Edvard Munch , Stockholm, Albert Bonniers, 1947, ISBN non esistente.
• Fiorella Nicosia, Munch , in Vita d'artista , Giunti Editore, 2003, ISBN 88-09-03323-X .
• Sue Prideaux, Edvard Munch: Behind the Scream , New Haven, Yale University Press, 2005, ISBN 978-0-300-12401-9 .
• AA.VV. Edvard Munch , l'Oeil Moderne (Editions du Centre Pompidou , Parigi , 2011) ISBN 978-2-84426-524-1 (Catalogo della Mostra)
• AA.VV. Edvard Munch , ou l'Anti-Cri (Editions Pinacotheque , Parigi , 2010 ) Catalogo della Mostra alla Pinacotheque de Paris.

Voci correlate

• Espressionismo
• Lungometraggio - Edvard Munch (1973)

Altri progetti

• Wikiquote contiene citazioni di o su Edvard Munch
• Wikimedia Commons contiene immagini o altri file su Edvard Munch

Collegamenti esterni

• ( EN , NO ) The Munch Museum , su munch.museum.no . URL consultato il 29 settembre 2010 (archiviato dall' url originale il 10 ottobre 2012) .
• ( EN , NO ) Gallery Munch Ltd. , su gallerimunch.no .
• ( EN , NO ) Biography from the Norwegian Ministry of Foreign Affairs , su norway.org.uk .
• ( EN ) Edvard Munch , su edvardmunch.info . URL consultato il 22 febbraio 2006 (archiviato dall' url originale l'11 febbraio 2010) .
• ( EN ) Mostra temporaneo di Munch a Berlino - immagini delle opere esposte nella mostra
• Mostra al Centro Pompidou , su centrepompidou.fr .

Portale Biografie

Portale Pittura