Muzeul Internațional de Ceramică din Faenza
| Muzeul Internațional de Ceramică din Faenza | |
|---|---|
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| Locație | |
| Stat |  Italia |
| Locație |  Faenza |
| Adresă | Viale Baccarini nr. 19 |
| Coordonatele | 44 ° 17'21.36 "N 11 ° 52'51.07" E / 44.289268 ° N 11.880853 ° E |
| Caracteristici | |
| Tip | Ceramică |
| Instituţie | 1908 |
| Fondatori | Gaetano Ballardini |
| Deschidere | 1908 |
| Director | Claudia Casali |
| Site-ul web | |
Muzeul Internațional de Ceramică (MIC), situat în Faenza , este cea mai mare colecție de ceramică de arta din lume [1] .
În săli de expoziție sunt colectate lucrările atelierelor ceramice italiene din Evul Mediu până în secolul al XIX - lea; din antic Orientul Apropiat ; din zona mediteraneană în elenistică perioada; pre-columbiana si islamice . O mare secțiune este dedicată ceramicii moderne și contemporane.
Din 1963, muzeul a promovat, la fiecare doi ani, un concurs internațional de ceramică artistică, care i-a permis să-și extindă colecțiile cu lucrări din întreaga lume.
Din 2011 muzeul a fost salutată de către Clubul UNESCO Forlì cu titlul de „exprimare a artei ceramice în lume“ [2] .
 Muzeul Internațional de Ceramică din Faenza Expresia artei ceramice în lume |
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 Secția Muzeului MIC, datorită relevanței sale internaționale, expozițiilor, conferințelor și evenimentelor, a fost întâmpinat de Clubul UNESCO din Forlì [3] cu titlul „Expresia artei ceramice în lume” [4] și inclus printre „Monumente martore ale o cultură a păcii ”conform programului organizației lansat în 2000, anul pentru Cultura Păcii. |
Istorie
Totul a început cu Expoziția Internațională 1908 de Faenza dedicat al treilea centenar al nașterii Evangelista Torricelli [5] . Un întreg cartier al orașului a fost echipat pentru prestigiosul eveniment care a văzut convergând în Faenza cei mai renumiți artiști din domeniul așa-numitelor Arte Aplicate. A fost un succes și Gaetano Ballardini , animatorul evenimentului și creatorul nașterii Muzeului ceramicii, [6] a reușit să profite de beneficiile începând să plaseze colecția de ceramică în camerele fostei mănăstiri San Maglorio. [7] El sensibilizate colecționari privați și organismelor publice prin obținerea de donații și recunoașterea instituțională din ambele părți: printre personalitățile timpului care au aderat la comisia pentru înființarea Muzeului, au fost Forlì Tito Pasqui .
Gaetano Ballardini nu a vrut doar creșterea și diversificarea tipologică a ceramicii antice italiene și străine pentru muzeul său; de la început a fost preocupat de stabilirea unor relații puternice cu școlile de pregătire tehnică și artistică, garantându-le un fundal de valori cu care să implementeze producția artizanală și industrială. El a fost promotorul de expoziții naționale și internaționale, până la punctul de a da viață revista de specialitate Faenza. Fiul acelui teritoriu care dăduse prestigiu artei ceramicii, a vrut să fie martorul acestei vocații vechi de secole de a-l transmite generațiilor viitoare.
Astfel, identitatea Muzeului a fost recunoscută în Școala de Ceramică, astăzi Institutul de Stat de Artă pentru Ceramică G. Ballardini, în recuperarea științifică a vechilor tehnici de ceramică și în promovarea și vânzarea ulterioară a produselor ceramice ale vremii. . Unic de acest gen, Muzeul Faenza a dobândit din ce în ce mai mult prestigiu la nivel internațional și deja în 1926 a inclus, pe lângă colecțiile antice, și o secțiune dedicată celebrelor fabrici europene de ceramică și celor mai calificați olari contemporani.
În timpul al doilea război mondial Muzeul a fost puternic bombardat; deosebit de dezastruos a fost bombardamentul din 13 mai 1944 care a provocat pagube foarte grave structurilor. [8] Chiar și atunci Ballardini, în ciuda vârstei sale nu mai sunt tineri, setat la locul de muncă, strângerea de fonduri, sensibilizator lumea și instituțiile de artă , astfel încât încă din 1949 a fost capabil să redeschidă primele săli de expoziție. A fost apoi că dragostea pentru ceramica de mari artisti, precum Picasso , Leger , Matisse și Chagall , le -au condus să doneze lucrări importante la muzeu.
După război au început donațiile unor colecții private întregi și a existat un mare ecou, în lumea colecționării, de către cei care au integrat magnific patrimoniul deja substanțial: Merenghi, Benini, Ugolini, Rusconi, până la cele mai recente din Cora, Fanfani și Cantagalli. Până în prezent, Muzeul se mândrește cu un corpus de peste 40.000 de descoperiri ceramice.
Itinerarul expozițional
Expoziția permanentă a MIC șerpuiește prin două itinerarii care separă partea dedicată ceramicii antice, situată în spațiile renovate ale fostului patrulater conventual, de cea din secolul al XX-lea adăpostite în noile aripi construite la sfârșitul secolului trecut. Cu această alegere, muzeul a dorit să evidențieze relația fructuoasă dintre personajele diferitelor stiluri și „fabricarea ceramicii” de-a lungul secolelor, până în prezent. [9]
Ceramica în Italia din Evul Mediu până în secolul al XIX-lea
Evul Mediu în Faenza
Primele descoperiri ale ceramicii Faenza datează din primele secole de după anul 1000. Artizanii au putut profita de terenurile locale, utile pentru prelucrarea artefactelor în principal pentru uz casnic și, în modelarea formelor și decorațiunilor, au reușit să medieze cultura lombardo-venețiană cu originalitate și cu cea din Toscana din apropiere.
Faenza, de fapt, încă de la începutul Evului Mediu, a căzut într - o zonă traversată de trafic intens , care a venit atât din Via Emilia și trans-Apenini arterele care au condus la Toscana la nord-est a peninsulei și au trecut acolo.
Pentru majolică, email ar putea fi aplicate la biscuitul primul tras și decorat cu o perie sau, pentru artefacte numite graffiti, obiectul încă brut a fost acoperită cu angobă și ar putea fi zgâriat cu un punct și apoi coapte, decorat ulterior. Și în cele din urmă acoperite cu un transparent caz de afișare .
Pentru decoratiuni, ceramica a făcut uz de repertoriul contemporan al artelor minore , în care medievală Bestiariul cu ei fitomorfe motive și animale fantastice remarcat, în țesături , miniaturi și goldsmithery , iar temele heraldice concepute pentru a da prestigiu la diferite familii care au marcat istoria Faenza în această perioadă, ca domnii Manfredi de Faenza de la 1313 la 1505. [10]
Este interesantă recuperarea, la sfârșitul secolului al XIV-lea, și a temelor legendare preluate din clasicism. O decorație cu Aristotel călărită de Philis [11] pe o cană de la sfârșitul secolului al XIV-lea mărturisește acest lucru, care amintește alegoria, răspândită între secolele XIV și XVI, a supremației femeii asupra bărbatului. [12]
Este stilul arhaic care se va traduce, chiar și în această minoră de artă, imaginile medievale, transferul de ea până la pragul secolului al 15 - lea. [13]
Cană medievală cu stema familiei Manfredi . Faenza, ultimul sfert al secolului al XIV-lea.
Medieval cupa pictat în verde de cupru. Faenza, ultimul sfert al secolului al XIV-lea.
Bazin pictat cu motive geometrice și animale stilizate. Faenza, secolul al XIV-lea.
Cană pictată cu o pasăre. Faenza, secolul al XIV-lea.
Faenza din secolul al XV-lea până în al XVII-lea
Secolul al XV-lea
La începutul secolului al XV-lea, la sfârșitul fazei arhaice, ceramica din Faenza a început să se distingă prin albul lor, corpul glazurilor și adoptarea de noi pigmenți colorați.
Producția se caracterizează prin serialitatea temelor ornamentale, fără digresiuni stilistice excesive. În ceea ce se numește un stil de severă , o serie de familii principale decorative sunt prezentate pe scurt în două faze succesive.
În prima, maeștrii Faenza vor elabora temele stilului arhaic inspirându-se din decorațiunile bizantine din ornamentație, ca în familia "zaffera", din arabul al-safra = cobalt, în care ajung la o perfecțiune executivă rară unde pe un platou deosebit de alb se remarcă glazura groasă de cobalt sau pentru familia „Italo / Maură”, sub influența majolicii hispanomore din insula Mallorca și Spania când, prin combinația de culori albastru și galben (cobaltul este diluat și se estompează devenind gri și galben se apropie de citrin), nouanța aurie a luciului lor metalic va fi plăcut imitată . [14]
În cea de-a doua fază, temele dragi goticului târziu , florale sau flamboyante , căreia îi aparține prin excelență motivul „frunze mototolite”, vor fi însoțite de elaborarea stilurilor decorative care au sosit, cu porțelanul introdus în Europa de-a lungul drumul mătăsii , din regiunile estice și din China .
Acestea sunt familii cu „ ochi de păun “, „ palmette persană “, și cu „porțelan“ decor luat din primele ceramica importate din China în Occident în timpul primei perioade a Ming dinastiei.
Împreună cu artefactele emailate, până la mijlocul secolului al XV-lea a existat, de asemenea, un graffiti glazurat și engobat, cu decorațiunile stilizate fito-zoomorfe caracterizate în verde bicolor (cupru) și maro gălbui (fier).
În a doua jumătate a secolului al XV -lea , a fost stabilit producția de ceramică graffitied și majolică pictate, atât pe teme simbolice sensibile la neoplatonice cazuri, și cu genul amoros sau reprezentarea virili și feminine se confruntă cu o puritate formală delicată. [15]
Exemple sunt difuzia bolurilor, engobate, grafite și vitrate, sau maiolică glazurată, cu fața persoanei dragi înfățișată. Utilizarea „Gentile“ se transmite uniunilor Sfințiți - , de unde și numele pentru aceste ceramica Gameli, precum și cu soții care, băut din același pahar, a confirmat astfel comuniunea maritală de intenții. Există , de asemenea , dovezi ale utilizării acestor obiecte pentru a distribui confetti invitaților la sfârșitul festivităților de nuntă.
O altă producție interesantă se remarcă în ultimul sfert al secolului al XV-lea. Acestea sunt cele mai mici materiale plastice policrom majolică, în runda sau în BAS - de relief , cu un subiect sacru și profan , cu o conotație aproape de basm. Subiectele sunt inspirate de lucrările monumentale care au inspirat repertoriul maeștrilor din zona Po.
Printre reprezentările profane, cel mai răspândit va fi că , în forma unui călimară cu hotărârea din Paris , ca și în lucrarea reprodus aici, și cu personajele clasice aranjate în jurul unei surse: Mercur , Paris , Venus , Juno și Minerva . Zeița iubirii a câștigat cursa și tot în această reproducere plastică alegoria identifică în eros , transfuzată în cerneală , sursa inspirației care trebuie să inspire și să înnobileze scrierea. [16]
Placă cu pasăre stilizată. Familia Italo-Maură. Faenza, mijlocul secolului al XV-lea.
Mug cu motivul frunzei gotic „în folie“. Familia gotică florală. Faenza sfârșitul secolului al XV-lea.
Vitrina cu lucrări de la Faenza din secolul al XV-lea.
Placă cu decor "ochi de pană de păun", "întreprindere" religioasă Manfrediană în centru. Faenza, sfârșitul secolului al XV-lea
Secolul al XVI-lea
«Se d'Icar ti remvien de la fiica |
| (Giulio Castellani, Camere în lauda de femei Gentile din Faenza. Bologna , 1557) |
Producția de „porțelan“ , decorat cu majolică ulcioare , cani , farfurii , tavi si Albarelli , de asemenea , cu mânere răsucite a continuat pe parcursul primului trimestru al secolului al XVI - lea; culorile sunt albastru monocrom în mod difuz, cu indicii de portocaliu, roșu, verde și galben, în cartouches și în heraldice reprezentările.
La începutul secolului, atelierele Faenza realizat propria lor autonomie lingvistică decorativă, împreună cu o calitate tehnică înaltă, cu afirmarea decoratiunile caracteristice ale noastre depline Renasterii . [18]
Vom găsi pe majolică reprezentări delicate ale figurii umane rămânând în același timp limitate la tipurile de personaje individuale, cum ar fi pagini, doamne, muzicieni sau figuri alegorice până la temă, comune diferitelor fabrici din zona centrală italiană, a -numite „femei frumoase” sau „bellone”, pictate în culori vii, cu decolteu generos, haine somptuoase, coafuri și cu multe nume: Julia bella, Eugenia bella, Laura bella, Bernardina bella, Maria bella, Diana bella, Laura bella, as remarcat de Giulio Castellani în poezia sa din secolul al XVI-lea dedicată „Bellei Faenza”.
Mai mult, cercetarea iconografică, sensibilă la solicitările unui client din ce în ce mai exigent și cultivat, îi determină pe maeștrii Faenza să se exprime printr-o virtuozitate decorativă de o frumusețe rară.
Acesta este cazul grotești picturi pe fond albastru (tip berrettina) , atunci când, pe baza descoperirilor rămășițele Domus Aurea Neroniana numite „peșteri“, tema a grotesque , cu imagini decorativ. [19]
Astfel , ei vor iesi in evidenta pe majolică, printre spirale delicate cu frunze, animale fantastice și monstruoase, cornucopias , trofee de arme antice, busturi și portrete , de asemenea , incadrate de heraldice steme și figurine întregi.
Un decor ce în ce mai complexă până la atingerea unei completitudinea formale și narativ excelent în jurul valorii de- al doilea sfert al secolului al XVI - lea , cu reprezentarea temelor preluate din mitologie și Vechiul și Noul Testament .
Acesta va fi momentul stilului historiated în care maeștrii de necontestat valoare , cum ar fi Pietro Bergantini , Baldassarre Manara și Pirotto Paterni, fondatorul Ca „Pirota, se vor exprima.
Celebre în colecțiile muzeului: „Cupa“ din atelierul lui Pietro Bergantini (cadou de la Galeazzo Cora), reprezentat aici, cu istoria, pictat pe un fond capac (albastru), de legendarul „sacrificiul lui Marco Curzio “, în interiorul o scenă animat plin de patos ; pe partea din față a cupei inscripția de grăsime în Faensa i labotega DM Piere Bergatio MCCCCC 1529 adi i7 dt zugno. [19] placa, de asemenea , de Pietro Bergantini cu reprezentarea Parnassus ; cupa historiated cu Adoratia pastorilor prin Baldassarre Manara , reproducere fidelă a unei gravuri prin Raimondi inspirat de subiectul Franței ; placa cu Acteon schimbat într - un cerb, pentru a numi doar câteva.
De grotesque vor înconjura de multe ori istoriile, se îmbogățeau cu ghirlande cu frunze și fructe, de asemenea , de Robbian inspirație, și în exemplul paharului Bergantini, poate opera mai fascinant conservate de Muzeul, instrumente muzicale , cum ar fi Chiarine vor fi adăugate trofeele de arme. Cetre , Viole și Tobe .
La mijlocul secolului al XVI-lea va apărea vasele de porțelan destinate Apotecarilor , chiar și decorul pentru „sferturi”, cu culori strălucitoare, scoruri liniare și curbe pe fundul galben , verde , portocaliu , roșu , colectează forme decorative ale grotescului , cum ar fi delfinii , răsuciri cu frunze, aripi, frunze de acant stilizate și războinici sau personaje legendare, preluate din literatura renascentistă.
Adesea , subiecții se vor referi la eroii poemele lui Matteo Maria Boiardo și Ludovico Ariosto , centrate deasupra diferitelor sulurile medicinale ca în vaza globular în care bustul lui Agramante este pictat deasupra sulul medicinale. [20]
Formele vor fi cele ale repertoriului destinate farmaciilor: cazemate, Albarelli , canile , PICURATOARE, globulare mari nave și baloane.
Placă decorată cu reprezentarea lui Parnas. Atelierul lui Pietro Bergantini.
Cupă decorată cu „Adorația păstorilor”. Faenza, Baldassarre Manara , în jurul valorii de 1535-1540.
Vas cu decor trimestru, centrata de un medalion cu un bust al Agramante deasupra registrului farmaceutic. Faenza, aproximativ 1550
"Albii din Faenza"
«Chiar de astfel de vase și picturi |
| (Vasari, Vietile pictori excelent, sculptori ..., ed. Giuntina, 1550. [22] ) |
Un pic peste mijlocul secolului al XVI - lea a existat o schimbare de orizont stilistice și formale în Faenza majolica producția.
La virtuozitatea picturală, la combinațiile cromatice vii, la temele narative ale istoricaților , la virtuozitatea celor mai elaborate partituri geometrice, în care maeștrii obținuseră o mare faimă și succes, acționează brusc ca contrapunct, nevoia de a opera o catharsis care identifică în exaltarea albului , pânza virgină pe care să scrie o nouă pagină și astfel să se proiecteze spre orizonturi reînnoite. [23]
Va fi timpul albului , care va favoriza cercetarea formală decât cea a culorii, atât de mult încât majolica din „albii Faenza”, cu culoarea sa lăptoasă densă, va fi acoperită cu ghirlande foarte tenue și aeriene pentru a înconjura cupidonii. cu forme berniniene , cavaleri, figuri feminine și războinici turci.
O paletă va apărea , care va dilua culoarea, albastru , galben sau portocaliu , până când aproape se dezvaluie prin aplicarea pe artefacte albe , cu forme sinuoase și perforate. Din acest motiv, va fi numit „Palette languida“ și, din cauza accident vascular cerebral pictorial lumină care a rezumat întreg, această perioadă de timp va fi dat numele de Compendiary Style .
Motivul pentru grotescul trece în forme noi: solnițe va fi susținută de harpiilor și delfini , de coolere susținute de un picior zoomorfă de moda , care se va adăuga obeliscurilor și călimări , în cupe (crespine) va umbonate sau perforat, toate în exces clar de Renaissance canoane festive și interpretarea manierismului și trecerea la baroc cu virtuozitate executiv.
Noua producție a avut atât de mult succes, încât atelierele Faenza au adoptat-o până la sfârșitul secolului al XVII-lea, când a luat un aspect aproape serial. Albul Faenza au fost exportate în toată Europa și sa întâlnit cu o asemenea favoare că gresia termen a fost inventat pentru a indica majolică , legând astfel, în următoarele secole și până în prezent, numele de Faenza la orice artefact majolica.
Avocații și exponenți de frunte ai acestui tip de majolică au fost ceramiști Virgilio Calamelli cu atelierul său înfloritor, Leonardo Bettisi cunoscut sub numele de Don Pino și Palle Dalle sau Giangrandi, care a lucrat din secolul al XVI- la mijlocul la primele decenii ale secolului al XVII - lea. [25]
Amfora cu o descriere din Vechiul Testament: Samuel străpungând Agag . Faenza, atelierul lui Leonardo Bettisi , ultimul sfert al secolului al XVI-lea
Cupa ("crespina") cu figura unui cavaler în stil compendiar. Faenza, Virgilio Calamelli lui atelier, penultimul trimestru al secolului al 16 - lea
Pereche de pivnițe cu emblema Garzoni în stil compendiar. Faenza, Virgilio Calamelli lui atelier, penultimul trimestru al secolului al 16 - lea
Urnă mică cu heruvimi înaripați și decorațiuni în relief. Faenza, a doua jumătate a secolului al XVI-lea.
Celelalte ateliere italiene din secolul al XIV-lea până în al XVI-lea
Vă mulțumim , de asemenea , la valoroase colecții de Galeazzo Cora si Angiolo Fanfani, donate Muzeului, secțiunea prezintă un vast repertoriu de lucrări din alte ateliere italiene de la sfârșitul lunii medievale , renascentiste și manieriste perioade . [26]
Ceramică în Lazio
Traseul șerpuiește în funcție de regiune începând din Lazio, pentru care sunt expuse lucrări proto-ceramice medievale care datează din perioada romană târzie. Este o veselă pur și simplu glazurată numită „ Forum Ware ” [27], care este urmată de un grup de ceramică din zona Viterbo datând din secolele XIV-XV, cu decorațiuni stilizate, mai întâi în verde de cupru bicolor (de asemenea, gros) și brun de mangan, apoi șofran gros și diluat, răspândit în acea perioadă în centrul și nordul Italiei.
Formele sunt tipice pentru majolica arhaică, cu boluri, de asemenea, căni, cu două fețe, farfurii, bazine și cani, inclusiv „panate”, cu un cioc foarte pronunțat, pentru a servi supa de pâine.
Chiar și decorațiunile sunt conforme cu cele comune întregii peninsule: cu stilizări geometrice-fitomorfe, blazoane heraldice, busturi feminine și masculine (cu coafuri, coafuri și haine ale perioadei), păsări fantastice și dragoni înaripați.
De asemenea, pentru ceramica produsă în nordul Lazio, utilizarea șofranului gros sau diluat, pentru a decora vesela, s-a bucurat de un succes considerabil până la întregul secol al XV-lea. [28]
Ceramică în Abruzzo
"Ne - am dus la un alt teren numit Le Castella, |
| (Serafino Razzi, Travels în Abruzzo, 1575) |
Arta ceramică din Abruzzo este atestată cu descoperiri în uz curent încă din secolul al XV-lea, dar în a doua decadă a secolului al XVI-lea a început să se producă majolică de înaltă calitate, datorită cuptorului familiei Pompei din Castelli , [29] în care figura lui Horace cu prestigiosul său client. [30]
Este cazul celebrului și monumentalului kit pentru farmacia Orsini Colonna cu o tipologie cu forme originale și somptuos decorate, cu culori vii și elegante. Împreună cu această găsim în ceramică Castelli , de la mijlocul secolului XVI, de asemenea , ceramica cu forme mutate și decorațiuni rafinate care interpretează cu mare coerență evoluția stilistică de la Renaștere la manierism .
Exemple excelente sunt artefacte din lapis lazuli albastru, cu un gust excentric si rafinat, cu forme de pod și îmbogățită în materialele plastice prin măști, cu aripi sfincșilor și labe de leu, ca pentru vesela rezumat. Această producție va fi inspirat de argintăria din perioada Renașterii târziu și în partea puteți admira cooler reprodus alături, un exemplu excepțional [31] din care un geamăn este cunoscut în colecțiile Ermitage , ambele din care fac parte celebrul serviciu comandat de Cardinalul Alessandro Farnese (1520-1589). [32]
O băutură răcoritoare decorată cu arabescuri de aur foarte fine pe un fundal de lapis lazuli și stema cardinalului, numită „cada Farnese”, care demonstrează modul în care maeștrii Castelli dobândiseră abilități tehnice și executive considerabile, realizând redarea imaginară a ochelarilor clasici din perioada alexandrină. [28]
Ceramică în Umbria
Traseul va continua cu colecția de ceramică umbriene începând din perioada arhaica, [34] cu un repertoriu asemănător, cel pentru marea producție de la Orvieto , la cea a zonei Viterbo.
Mai târziu spre sfârșitul secolului al XV-lea, de asemenea, în celelalte ateliere umbre, printre care cele din Deruta și Gubbio , active de la sfârșitul secolului al XIII-lea, precum și cel minor al lui Gualdo Tadino profund influențat de Gubbio din apropiere, vor include teme dragi goticului de la sfârșitul perioadei reproduse pe ceramică destinate în principal pentru truse de farmacie. Acestea vor face parte din ea, pictate cu policromie plin de viață: animale fantastice, ghirlande, panglici, palmettes , cornucopias , delfini, Grotesca si paltoane heraldice de arme .
Dar este în primele decenii ale secolului al XVI - lea , care se ridică la producția umbriană splendoarea completă Renașterii , chiar și cu majolică de dimensiuni considerabile, faimă și câștigă onoruri în atelierele ceramice ale vremii.
De fapt, vor apărea plăci pompoase mari și seturi de masă, „bufeturi”, vopsite în albastru monocromatic sau în două tonuri galben / albastru viu, și vor deveni prețioase prin adăugarea luciului metalic cu roșu rubiniu, galben auriu și multe altele. rareori reflexii argintii. De asemenea, aplicat la ceramică pictată cu teme historiated, și „de asemenea , pe Grotesca , muzicale trofee și arme vechi, motive sfeșnic, etc.“ [36]
Cel mai popular atelier a fost pentru Mastro Giorgio Andreoli de la Gubbio și luciul său în aur sau argint reflectat și mai sus (pentru unicitate) roșu rubin, rămân de neegalat. Un bun exemplu în acest sens este printre cele propuse de-a lungul traseului și reproduse aici este o ceașcă obținută dintr-o medalie de către aurarul-gravor Sperandio de 'Savelli din Mantova (1425-1495). În jurul întregii suprafețe este pictată în relief o coroană de perle alternând cu fructe de pădure. Se pare ca una dintre primele modele cu fidelitate trase și extins de medalia prețioasă a unui gravor excelent Goldsmith . [37]
Un alt tip de derivare rafaleză este bine reprezentat într-o altă lucrare: o placă pictată și glazurată cu o reflexie aurie, cu un cupidon în cablu și grotesc, pe un fundal albastru, pe marginea largă. Grotesca delicate includ capete de păsări fantastice, o sirenă , mascarons , cupels, și SPQR litere la partea de sus pentru a vă reaminti de gloriile Romei antice.
Molti i ceramisti eugubini che si cimentarono con grande perizia nella tecnica del lustro metallico, tra questi i Traversi, i Floris e Giacomo di Paoluccio. Inoltre alle officine di Gubbio e alla loro maestria faranno riferimento anche i grandi maestri urbinati, come Giulio da Urbino, Xanto Avelli e altri, per impreziosire con l'aggiunta dei riflessi metallici le loro opere istoriate ottenendo un risultato di tale bellezza che le farà annoverare fra i capolavori dell'arte ceramica di tutti i tempi.
Altrettanta fortuna ebbero i grandi piatti da pompa ei vasi, spesso biansati, decorati anche con l'aggiunta di lustro metallico, prediligendo il dorato, prodotti nelle officine derutesi fino a tutta la prima metà del Cinquecento.
Nell'esempio riprodotto a lato, dipinto in bicromia gialla e blu, il lustro dorato conferisce alla rappresentazione di Giuda Maccabeo , scelto tra le figure più rappresentative delle tre ere della storia della salvezza individuate da Agostino , una rara eleganza. Vestito con una preziosa armatura monta un cavallo bardato, dai raffinati finimenti , lanciato nell'impresa.
Nel cartiglio la scritta "ISO.LORE.IVDA.MACHABEO.CRUDELE". L'immagine deriva probabilmente da una serie di incisioni di ambito tedesco con raffigurazioni di personaggi illustri; uno degli attributi di Giuda Maccabeo è costituito da tre uccelli rapaci , che nel piatto compaiono sullo scudo. [37]
Nelle opere con policromia priva di lustro, la decorazione appare ugualmente vivace ed elegante allo stesso tempo, con ricche baccellature dipinte in rosso e blu, animali fantastici, girali fogliati d'ispirazione raffaellesca, decori fitomorfici e particolarmente su albarelli e boccali, ritroviamo la rappresentazione della figura umana espressa nelle tipologie di paggi e dame iconograficamente simili a quelle dipinte sulle ceramiche faentine dello stesso periodo.
Al contrario sul retro dei piatti derutesi compariranno nuove forme decorative come quella detta “petal back” con petali dipinti in sequenza e disposti a raggiera,
Per quanto attiene alla produzione istoriata a cui Deruta non appare particolarmente vocata, un posto d'eccezione è occupato verso la metà del Cinquecento da Giacomo Mancini detto “El Frate”, con i suoi grandi piatti “da pompa” più volte impreziositi da “ lustro ” metallico.
Nella sua produzione le istorie campeggiano a tutto campo per raccontare episodi tratti dai poemi epici e cavallereschi, scene tratte dalle Metamorfosi di Ovidio e tematiche affrontate dai grandi artisti rinascimentali, con particolare attenzione all'opera di Raffaello.
Emblematico è il frammento di un bacile da acquereccia riprodotto a lato. Istoriato con la scena di combattimento fra Bradamante e Marfisa ( Orlando furioso , canto 36º) tratta dall'edizione del 1542 di Gabriele Giolito de' Ferrari a Venezia e firmato sul reto "J Druta El frate pensittj" . [38]
Piatto da pompa con raffigurazione del re Giuda Maccabeo a cavallo. Deruta , prima metà del XVI secolo. [39]
Piatto dipinto e lustrato a riflesso dorato, con un amorino nel cavetto ea grottesche, su fondo turchino, nella larga tesa. Mastro Giorgio Andreoli . Gubbio , 1525 c.
Frammento di bacile istoriato da acquereccia. Deruta , Giacomo Mancini detto El Frate, datato 1545.
La ceramica nelle Marche
« ..1532 |
Agli inizi del Cinquecento l'orizzonte delle officine ceramiche marchigiane risulta profondamente influenzato dalla koiné culturale umanistica propria all'alta borghesia e alla grande nobiltà del tempo.
I maestri ceramisti, [41] più che sensibili a quelle istanze, si cimenteranno con grande successo in un filone figurativo sempre più gradito e richiesto dalla stimolante pressione di una committenza colta e ansiosa di manifestare un erudita frequentazione di testi letterari molto in voga: il Sogno di Polifilo , le Metamorfosi di Ovidio , le Deche di Tito Livio , le Figure della Bibbia . [36]
Ritroveremo così nelle opere ceramiche i temi narrativi dell'istoriato ispirati alle opere dei maestri rinascimentali e in particolare a Raffaello ea tutta la produzione incisoria di Marcantonio Raimondi , riferitasi in quel periodo alle opere dell'urbinate.
Ne è pregevole testimonianza il vasto corpus di opere presenti nelle raccolte del museo in cui è ampiamente descritto il passaggio dal primo al secondo e più compiuto periodo istoriato, proprio a tutta l'area marchigiano metaurense con le officine di Pesaro e Casteldurante (poi Urbania ).
Nella sezione si possono ammirare veri e propri capolavori iniziando dall'arte ceramica urbinate rappresentata superbamente dalle opere dei grandi ceramisti: Nicola da Urbino ( Niccolò Pellipario ) e Francesco Xanto Avelli da Rovigo [42] attivo a Urbino intorno al 1530, di Guido Durantino o Guido Fontana e di suo foglio Orazio Fontana , della celebre bottega dei ceramisti Fontana e, nell'ultimo quarto del cinquecento fino al 1630 circa, della fiorente officina di Alfonso e Antonio Patanazzi . [43]
Nicola da Urbino risulta particolarmente sensibile all'opera di Raffaello , come nell'esempio della targa con "La salita al Calvario" dipinta nella sua bottega. L'opera s'ispira alla stampa intitolata "La caduta sotto la croce" di Marcantonio Raimondi , che aveva conosciuto il capolavoro di Raffaello (oggi al Museo del Prado ) probabilmente attraverso una copia di Agostino Veneziano .
L'animata scena, delimitata con una quinta architettonica da cui si apre un delicato paesaggio fluviale, è detta "Lo spasimo" come si deduce dall'improvviso deliquio che coglie la Vergine Maria , sorretta dalle pie donne, durante il Calvario di Gesù e su cui è incentrata l'intera raffigurazione. [44]
Tra i motivi decorativi primeggeranno per tutto il Cinquecento fino ai primi decenni del Seicento le grottesche che si trasformeranno, grazie alle pitture affrescate nelle Logge Vaticane da Raffaello , in "raffaellesche" per contornare le partiture istoriate di brocche, coppe, crespine, piatti da pompa, vasi e grandi rinfrescatoi, spesso arricchiti da plastiche con animali fantastici e cariatidi di tutte le fogge.
Inoltre in omaggio al duca Francesco Maria I Della Rovere mecenate di artisti, letterati e delle officine ceramiche del suo territorio (a cui Francesco Xanto Avelli dedicherà un poemetto letterario), avrà una certa diffusione la decorazione a "cerquate", quale stilizzazione della foglia di quercia in riferimento al nome della potente famiglia urbinate .
Numerose furono le commissioni, delle più importanti famiglie nobili del XVI secolo [45] ai ceramisti di Urbino e di grande eco, al tempo suo, fu la "credenza" commissionata per celebrare il matrimonio tra Federico II Gonzaga duca di Mantova e Margherita Paleologa , marchesa di Monferrato; il servizio trova il suo limite cronologico fra il 1531, data delle nozze, e il 1540, anno della morte di Federico II e il piatto qui rappresentato costituisce una degli istoriati più pregevoli all'interno del percorso museale.
Altrettanto nota fu anche la pomposa "credenza" composta di centinaia di pezzi di tutte le fogge realizzata da Antonio Patanazzi per il terzo matrimonio di Alfonso II d'Este con Margherita Gonzaga , dove su ogni singola opera si trova dipinta, all'interno delle "istorie" o tra le raffaellesche, l' impresa ardet æternum , a significare l'amore eterno tra Alfonso e la giovane nipote Margherita.
Della "credenza" commissionata dal Duca di Mantova il museo possiede un piatto dipinto da Nicola da Urbino con lo stemma Gonzaga-Paleologo sul quale è posta una corona ducale sorretta da un amorino; il manufatto è istoriato con la raffigurazione del carro di Marte ; il Dio seduto sul carro viene trainato fra le nubi da due Dee, mentre una terza si appresta a cingergli il capo con una corona d'alloro ; al centro della raffigurazione vi è Cupido colto nell'atto dello scoccare una freccia .
A Casteldurante (poi Urbania), la ceramica si produceva sin dagl'inizi del XV secolo ma è con il pieno Rinascimento e grazie al mecenatismo colto dei duchi di Urbino, Francesco Maria I e Guidobaldo II della Rovere , che le sue officine ceramiche produrranno opere di altissimo rilievo, sulla scia del fermento artistico che coinvolgeva tutta l'area metaurense "nutrita dal raffaellismo , dai grandi modelli della pittura e dalla cultura degli umanisti di corte". [36] Ne sono testimonianza le ceramiche dipinte, a temi istoriati e splendide grottesche, da Simone Colonnello, Zoan Maria Vasaro, il "Pittore di Casteldurante, Sebastiano Marforio, i Picchi e tanti altri.
Fra le opere esposte un esempio è il vaso con decoro a grottesche riprodotto a fianco appartenente al periodo maturo dell'attività della fiorente bottega di Simone da Colonnello, alla cui maestria dovette ispirarsi la produzione durantina del periodo.
In questa pregevole opera è sintetizzata tutta l'esperienza decorativa della grottesca rinascimentale, con tutte le sue suggestioni fantastiche e, nel trapasso verso forme decorative manieriste più dilatate nella campitura del disegno, dalle calde cromie, e dai morbidi e sfumati chiaro scuri su fondo azzurro, gli artisti di Casteldurante ottengono un risultato di sapiente equilibrio formale e stilistico.
Le figure delle grottesche perderanno via via la propria intensità iconografica , a cui era sottesa ogni valenza allegorica di riferimento, e nonostante entrino definitivamente a far parte di uno stilema decorativo quasi seriale, conservano fino a tutto il Cinquecento un grande fascino decorativo.
A Pesaro si produceva maiolica sin dalla prima metà del Quattrocento in aderenza allo stile arcaico. Successivamente combinando le influenze gotiche con quelle provenienti dalla cultura moresca si realizzeranno maioliche di ottima qualità appartenenti alle famiglie ad occhio di penna di pavone , foglia accartocciata e alla porcellana oltre ai vari temi tipici del primo Rinascimento.
Fra gli esempi lungo il percorso espositivo esemplificativo è un albarello da farmacia ornato dal motivo tardo gotico della "foglia accartocciata" e dipinta sul fronte una figura di uomo con stampelle, forse uno storpio o reduce dalle battaglie, che sormonta la dicitura farmaceutica "ELTM.HAMEC" (Electuarium Hamec).
Nella prima metà del Cinquecento unitamente ai decori a quartieri, alle belle donne, alla raffigurazione di singoli personaggi maschili e femminili, ai fastosi trofei d'armi e musicali [46] dai caldi color ocra, ai festoni e alle rare maioliche a lustro, fiorirà nelle officine pesaresi uno stile istoriato di notevole qualità pittorica grazie all'opera di maestri ancora non individuati e che prendono il nome da gruppi di ceramiche stilisticamente diverse tra loro: il Pittore del pianeta Venere, il Pittore di Argo, il Pittore di Zenobia.
Fra i maestri conosciuti emergono quelli di Sforza di Marcantonio e Girolamo Lanfranco delle Gabicce unitamente alla vasta produzione della sua bottega.
Grande anfora decorata "a raffaellesche" e da medaglione con la sottomissione dei Galli a Cesare . Già corredo della spezieria di Roccavaldina . Alla base "ANTONI PATAZI VRBINI 1580". Antonio Patanazzi, Urbino . [47]
Piatto con raffigurazione del mito di Giasone e Medea . L'opera porta sul rovescio la firma di Francesco Xanto Avelli da Rovigo. Urbino , 1531-1532 c.
Piatto dipinto in bicromia blu e ocra con busto femminile decorato con armatura ed elmo piumato. Sul fondo blu la scritta Marfisa. Tipologia delle "Belle Donne". Casteldurante , prima metà del XVI secolo.
Albarello da farmacia ornato da motivo "alla foglia accartocciata" e sul fronte figura di uomo con stampelle. Pesaro , fine del XV secolo.
Mattonella con cane accosciato inserito in una ghirlanda circolare. Periodo di Cesare Borgia (1499 – 1503), Chiesa di Santa Maria del Riposo, detta dei Piattelletti, a Fano . Pesaro , fine del XV secolo.
Lo spasimo , Niccolò Pellipario detto Nicola da Urbino (cerchia di), Urbino , 1525 c.
Vaso dipinto a diversi ordini di grottesche. In quello centrale è raffigurato un medaglione con leone rampante. Casteldurante, bottega di Simone da Colonnello, 25 giugno 1562.
La ceramica in Emilia-Romagna
In Romagna, oltre a Faenza, si produceva maiolica sin dall'epoca etrusca [49] nella vicina Forlì e sin dal Basso Medioevo a Rimini , città favorite dalla presenza nel loro territorio di un'ottima argilla a uso ceramico, con tematiche volte prevalentemente a celebrare le rispettive signorie: gli Ordelaffi , Girolamo Riario e Caterina Sforza a Forlì; i Malatesta a Rimini, ritrovandone così, sulle diverse fogge dei prodotti, gli stemmi e le loro imprese araldiche. Anche la ceramica forlivese e riminese sarà pervasa dagli stilemi caratteristici propri alla produzione ceramica italiana fra Quattro e Cinquecento: foglia gotica e accartocciata, palmetta persiana e occhio di penna di pavone, profili virili e di donna (le "belle donne"), grottesche, trofei e piatti decorati a lustro metallico con i motivi decorativi tipici del primo Rinascimento.
Per l'istoriato, Rimini invece vanta una produzione attestata sin dagli inizi del Cinquecento, in cui eccelle la figura di Giulio da Urbino che realizza, verso il 1535 nella bottega di maestro Alessandro in Rimini, una serie di opere di grande qualità, datandole e firmandole "in Ariminio" (in Rimini). Le sue opere appartengono al periodo della sua maturità quando soggiornò in Rimini e rivelano una sapiente elaborazione grafico-pittorica di temi perlopiù profani, cari alla cultura urbinate in cui si era formato. [36]
A Ferrara si produceva sin dal Basso Medioevo terracotta invetriata, ingobbiata e graffita con decorazioni simili a quelle delle altre aree della pianura padana: motivi vegetali, fitomorfici, geometrici, animali fantastici, temi araldici e religiosi. Ma fu grazie al raffinato mecenatismo dei duchi d' Este ( Ercole I , Alfonso I , Ercole II , Alfonso II ) che s'incrementò notevolmente la produzione ceramica tanto che, unitamente alla presenza dei grandi artisti del Rinascimento e del Manierismo, giunsero a Ferrara maestri maiolicari provenienti da Urbino e Faenza.
La lavorazione della maiolica estense sarà principalmente graffita, con soggetti figurati maschili e femminili, e influenzata iconograficamente dai poderosi cicli pittorici estensi. A questa si aggiunsero le plastiche ( calamai ) a tutto tondo con il soggetto preponderante di San Giorgio che uccide il drago unitamente a quello largamente diffuso delle figure femminili allegoriche. [36]
La ceramica in Toscana
Le officine ceramiche toscane si distinguono per una precoce produzione attestata, almeno in area pisana [51] , sin dall'ultimo quarto del XII secolo. Prevalentemente si tratta da un vasellame arcaico ingobbiato di ottima qualità esecutiva che con lo sciamare dei maestri "fornaxari" toscani in molte aree della penisola, avrà una funzione propulsiva per tutta la storia della ceramica tardo medievale italiana.
Le prime produzioni di maiolica inizieranno intorno alla metà del Duecento nel territorio pisano, dove già campeggiavano nelle facciate delle chiese i bacini ceramici a lustro importati tra la fine del x secolo e la prima metà dell'XI dalla Spagna , dal Marocco , dalla Tunisia , dalla Sicilia e dall Egitto [52] , Pochi decenni dopo si apriranno fornaci in Montelupo Fiorentino e in area senese con una produzione ceramica che si dividerà fra ingobbio e maiolica fino alla fine del Trecento e con i temi decorativi tipici dello stile arcaico.
Successivamente sia nell'area fiorentina, in cui primeggeranno le fornaci di Bacchereto vicino Carmignano , sia nel comprensorio del Valdarno con le numerose botteghe di Montelupo , Pontorme , Empoli [53] e nel territorio senese, si realizzeranno sin dagli inizi del Quattrocento maioliche di alta qualità sulla scia dei grandi fermenti artistici e letterari propri all' umanesimo toscano. Nella sezione dedicata sono infatti presentate opere eseguite a "zaffera" a rilievo, mutuate per alcuni dagli esempi vetrari bizantini e per altri dai motivi dei ricchi tessuti del XV secolo presenti sia nell'abbigliamento sia nell'arredo civile e religioso, e poi rappresentati nelle opere pittoriche dei grandi maestri toscani del periodo
Ai ceramisti dell'area fiorentina, in cui eccelle l'affermata bottega dei Giunti in Bacchereto e che ebbe in Giunta di Tugio , trasferitosi a Firenze, il massimo esponente, si devono le raffinate produzioni realizzate con la tecnica della zaffera a spessore, detta anche a goccioloni o nella variante diluita, commissionate dalle spezierie fiorentine e toscane, presenti copiosamente nelle collezioni del Museo grazie ai lasciti Cora-Fanfani. Fra le commissioni celebri vi fu quella a Giunta di Tugio per "la fornitura di molte centinaia di pezzi, che, secondo i documenti, si può far risalire al 1431, contrassegnati dall'emblema della gruccia, per la “spezieria” dell' Ospedale di Santa Maria Nuova ", [36] di cui il museo conserva alcuni pregevoli esempi.
Il tema prediletto per il decoro a zaffera sarà quello della foglia di quercia stilizzata dipinta su ampie partiture per contornare perlopiù singole figure zoomorfe, fitomorfiche, animali fantastici, o stemmi ed emblemi volti a distinguere, in quest'ultimo caso, le spezierie committenti. Le forme sono principalmente quelle destinate all'uso farmaceutico, come orci spesso biansati e brocche.
Un discorso a parte meritano le celeberrime “terrecotte invetriate”, di Luca della Robbia , le “ Robbiane ” per antonomasia, prodotte fino alla metà del Cinquecento dai suoi ottimi discendenti e seguaci.
Luca, allievo di Nanni di Banco , è ritenuto fra gli antesignani del Rinascimento, assieme a Donatello , Masaccio , Brunelleschi e Ghiberti tanto che Leon Battista Alberti lo citerà nel suo “De Pictura” del 1436. Uomo di notevole cultura e sperimentatore sagace di nuove tecniche, sulla scia del fervore artistico e letterario caratterizzante i primi decenni del Quattrocento fiorentino, intorno al 1435 c. lasciò la scultura su marmo per dedicarsi completamente a sperimentare le tecniche per produrre opere scultoree in terracotta invetriata.
Non solo vi riuscì ma ebbe un tale successo che gli furono commissionate sculture per chiese, palazzi, edicole stradali, in Firenze e in altre città della Toscana . A lui successe il nipote Andrea , che con spirito imprenditoriale seguì le orme dello zio, diffondendo ancor più le “robbiane”.
Dopo di lui continuarono la produzione cinque dei suoi dodici figli fra cui emerge, a cavallo fra quattro e cinquecento, la figura di Giovanni della Robbia unitamente a quella dei fratelli Santi e Benedetto Buglioni che avevano aperto un'officina in concorrenza con i Della Robbia , con i quali, dopo oltre un secolo, si concluse la stagione che aveva fatto assurgere la " terracotta policroma invetriata" ai vertici della grande arte maggiore della scultura . [54]
In realtà molte anonime officine continuarono per tutto il Cinquecento, in veste quasi seriale, a produrre opere alla “robbiana” ma ormai, come scrisse il Vasari , con la metà del Cinquecento “ restò l'arte priva del vero modo di lavorare degli invetriati ” [55]
Lasciando la parentesi "robbiana" per tornare alla maiolica, la sezione procede cronologicamente con un ricco repertorio di opere dai classici decori appartenenti alle famiglie decorative della seconda metà del Quattrocento: "italo moresca" con il decoro detto "Santa Fina", "foglia di prezzemolo", "foglia gotica accartocciata", "occhio di penna di pavone", "palmetta persiana" e "alla porcellana" realizzate nelle officine ceramiche di Cafaggiolo , Montelupo e Siena .
Altri temi caratteristici introdurranno all'interno dei decori, grandi cartigli con scene tratte dalle opere del Petrarca, figure femminili e di paggi, rappresentazioni allegoriche. Nella prima metà del Cinquecento anche in Toscana e particolarmente nell'officina di Cafaggiolo , [56] voluta da Lorenzo di Pierfrancesco de Medici alla fine del Quattrocento all'interno del complesso della sua villa [57] assoldando mestranze di Montelupo , [58] si assiste a una produzione istoriata di alta qualità stilistica e formale, con tematiche comuni alle officine Urbinati e marchigiano metaurensi, oltre a una rara produzione di "lustri" attestata da pochi reperti conosciuti e probabilmente eseguiti a opera di maestranze derutesi o eugubine fatte giungere a Cafaggiolo .
Della eccellente produzione istoriata il museo conserva alcuni esemplari fra cui uno eccezionale: un grande boccale con effigiato Papa Leone X e siglato con una Sp, la magistrale bottega di Jacopo di Stefano in Cafaggiolo. [59]
L'opera fu realizzata probabilmente durante il breve soggiorno del Pontefice nella Villa medicea di Cafaggiolo per ritemprarsi dopo i fasti della sua prima visita a Firenze del 1515. Il volto del Papa, dal forte tratto caratteriale, è ingentilito dai raffinati paramenti dipinti con miniata dovizia di particolari: il Triregno , l'operata veste rosata, e il prezioso fermaglio, derivato dai modelli dell'alta oreficeria del tempo. Infine il busto di papa Leone X è dipinto su un fondo color lapislazzuli. Il retro del boccale è decorato con il motivo "alla porcellana" largamente diffuso sui vasellami toscani e faentini nel primo quarto del Cinquecento.
Nell'ultimo quarto del Cinquecento, dopo aver raggiunto, grazie a Jacopo di Stefano, livelli artistici paragonabili a quelli dei grandi ceramisti urbinati, la fabbrica di Cafaggiolo andrà declinando verso una produzione seriale per concludere la sua attività intorno ai primi decenni del Seicento.
Dovremo attendere tuttavia soltanto pochi decenni per vedere nuovamente un Medici protagonista indiscusso sulla scena dell'arte ceramica. Furono infatti le ambizioni del granduca Francesco I Medici, nutrite dal fascino per le porcellane cinesi importate dall'oriente durante la dinastia Ming a produrre il grande evento. Mecenate e cultore egli stesso di lettere, scienze e arti, in lui, contrariamente al ramo Medici di Cafaggiolo e al padre Cosimo I, la maiolica non aveva mai suscitato particolare interesse. Amava gli studi propri alle ardite investigazioni degli umanisti fiorentini e all'arte metallica in particolare. Sperimentatore egli stesso di alchimia [60] e sensibile alle opere dei maggiori alchimisti del tempo [61] , volle a ogni costo che fosse risolto il problema degli impasti per produrre porcellane, e nel Casino di San Marco in Firenze , sotto la direzione del Buontalenti , mise all'opera gli "arcanisti", partecipando egli stesso alle sperimentazioni.
I tentativi ebbero successo e intorno al 1575 vedranno la luce le prime opere di porcellana a pasta vitrea (una via di mezzo tra la porcellana a pasta tenera e quella dura) mai realizzate in occidente, la cosiddetta " Porcellana dei Medici ", dipinta rigorosamente in blu su fondo bianco , e con temi decorativi ripresi da quelli cinesi. Di quella produzione, durata per una ventina di anni, sono conosciute soltanto una cinquantina di opere, vere "perle" esposte nei più importanti musei del mondo, e anche il museo di Faenza può vantare nelle sue collezioni un esemplare.
A Montelupo per tutto il XVI secolo continuano le forniture di maiolica alle ricche Officine farmaceutiche degli ospedali toscani e alle più importanti famiglie nobili, con decori legati al primo Rinascimento, oltre a una vivace produzione per uso domestico.
È il caso delle famiglie decorative " palmetta persiana" , "girali fogliati" e "a raffaellesche" [62] a cui si aggiungerà una rara produzione istoriata, grazie al transito nel valdarno di maestri ceramici faentini, durantini e urbinati. Fra i nuovi temi decorativi comuni all'area faentina, di Urbania e Pesaro elaborati alla fine del cinquecento compare, anche a Montelupo, quello della "foglia azzurra bipartita" che adornerà i vasellami montelupini fino alla fine del seicento.
Il periodo aureo della produzione di Montelupo può circoscriversi agli anni dal 1470 c. al 1530 c. quando nella maiolica si riscontreranno intensi accostamenti cromatici e un sapiente tratto grafico-compositivo. In questo periodo, fra le riconosciute botteghe degne di menzione, emerge quella dei Marmi, una famiglia di ottimi maestri maiolicari che lavorarono anche per i Medici. Le opere di questa eccellente fornace raggiungono un'alta qualità stilistica e formale e in alcuni casi sembrano ispirarsi ai coevi modelli in porcellana medicea sfornati dall'officina del Casino di San Marco, avvicinandosi al loro ineguagliabile fascino.
Nell'area pisana dove sin dalla fine del XII secolo si produceva ceramica ingobbiata, e successivamente maiolica, sono attestate molte fornaci fino alla fine del Trecento, con la produzione di vasellame semplice anche graffito per uso domestico e farmaceutico. Dopo la conquista di Firenze la produzione ceramica subì un'implosione per riaffiorare solo nell'ultimo quarto del cinquecento grazie alla fornace di Niccolò Sisti dove si realizzeranno maioliche di alta qualità, con esiti molto simili se non superiori a quelli della bottega dei Patanazzi di Urbino. [63]
E come per i Patanazzi predominerà nei decori il tema della raffaellesca su fogge simili a quelle urbinati. Perfettamente esplicativo della somiglianza con le officine urbinati è il vaso qui riprodotto, da confrontarsi con quello sopra dei Patanazzi. La fabbrica pisana di cui ancora non si ha probante documentazione d'archivio, cesserà la sua produzione con i primi anni del Seicento.
L'area senese si distingue per una precoce produzione di ceramiche che se la unisce cronologicamente a quella fiorentina e pisana, la distingue per una ricca fantasia decorativa non riscontrabile nella predominanza geometrica dei decori pisani, e nemmeno nel più semplice immaginario figurativo fiorentino. [64]
A Siena e Montalcino si produceva ceramica sin dalla metà del XIII secolo, ma anche in altri centri minori risultano testimonianze di una produzione ceramica smaltata: Asciano , Montepulciano , Buonconvento , Roccastrada e San Gimignano .
Dopo una prima fase di ceramica arcaica seguì l'adozione dell'ingobbio del bistugio che consentiva una smaltatura sempre più bianca, e questo sarà il tratto distintivo di tutta la maiolica senese del XV secolo. Il notevole uso della tecnica dell'ingobbio fu certamente favorito dalle ampie falde ad argilla caolinica presenti abbondantemente in tutto il territorio senese.
Appartengono alla ceramica del Quattrocento senese maioliche dalle calde cromie e con forti contrasti. Dalle decorazioni fantastiche unite a geometrie di grande carattere si giunge verso la fine del XV secolo alle molteplici varianti della “ grottesca ” e al decoro “alla porcellana” con i quali tutta l'area senese giungerà fino alla fine del Cinquecento.
Ma con gli inizi del Seicento la sua produzione subirà un declino inarrestabile che si protrarrà fino ai primi decenni del XVIII secolo quando grazie a Bartolomeo Terchi e Ferdinando Maria Campani se ne rinnoveranno i fasti.
Albarello decorato con il motivo della foglia accartocciata. Montelupo, fine del XV secolo.
Albarello decorato a occhio di penna di pavone. Montelupo, XVI secolo.
Albarello decorato con tralci graffiti su fondo blu terminanti con margherite, coppe e cartiglio farmaceutico. Montelupo, prima metà del XVI secolo.
Fiasca decorata a raffaellesche e medaglioni con ritratti. Al centro stemma coronato Medici Lorena. Montelupo , seconda metà del XVI secolo.
Boccale senese del XVI secolo.
Grande vaso biansato decorato a grottesche. Niccolò Sisti. Pisa , ultimo quarto del XVI secolo.
La ceramica nel Veneto
A Venezia certamente si produceva ceramica sin dalla fine XIII secolo. [66] Si sono infatti ritrovati reperti archeologici e di butto riferibili all'attività figulina lagunare del periodo arcaico, con una nutrita presenza di ceramica graffita e ingobbiata che sarà prodotta, rivelando nel tempo una notevole maturità decorativa, fino alla fine del quattrocento, quando i numerosi “bochaleri” veneziani, riuniti in corporazione, dimostreranno di aver raggiunto una notevole maturità formale e stilistica. [67]
I principali artisti maiolicari del primo Rinascimento sono Maestro Lodovico e Jacopo da Pesaro a cui si devono un'interessante serie di opere con tematiche tipiche del periodo: delicatissimi decori a trofei e grottesche, graduati su tonalità monocrome “ grisaille ” o dipinti in bicromia bianca su fondo grigio o berrettino (azzurrino).
Le maioliche si distinguono per una felice rappresentazione delle istorie, con un "ductus" fluente e dallo smalto particolarmente brillante.
Nella seconda metà del Cinquecento opera la maggior figura della storia ceramica veneziana: Mastro Domenego da Venezia, che interpreta con colta sensibilità, sia i temi istoriati sia le composizioni decorative dei fondi.
Ne è un pregevole esempio il grande piatto istoriato riprodotto a fianco con il tema del "Passaggio del Mar Rosso" e sull'ampia tesa le "Storie di Giuseppe" indicate dalle didascalie. L'opera è tratta dalle XIlografie delle Figure della Bibbia illustrate da stanze tuscane da Gabriele Simeoni, in Lione 1564 . [68]
Mastro Domenego amerà particolarmente i decori vegetali, distinguendosi per i vivaci colori, sapientemente combinati da un ductus sciolto di grande eleganza.
Compariranno così nei suoi vasti corredi dalle fogge tipiche per spezierie, motivi a foglie, frutti e fiori (particolarmente margherite) di "lussureggiante festosità", [36] a circondare medaglioni con ritratti virili, figure di Santi, personaggi tratti dalle opere della letteratura rinascimentale, turchi, dame e cavalieri, in cui si percepisce l'influenza della pittura veneziana del periodo manierista. [69]
Brocca decorata a zaffera a spessore. Viterbo , prima metà del XV secolo.
Piatto con Noè che rende grazie a Dio dopo il diluvio , Urbino, Alfonso Patanazzi, primo quarto del XVII secolo
Vaso biansato dipinto a zaffera a rilievo con il motivo delle foglie di quercia, Montelupo, prima metà del XV secolo
Vaso a palla, con decorazione fitomorfa centrato da un medaglione con effigiata Santa Lucia , Mastro Domenego, Venezia, metà del XVI secolo
Le Officine italiane dal XVII al XVIII secolo
Il Seicento
Nel XVII secolo le officine ceramiche dell'Italia del nord si distinguono in prevalenza per la produzione di maiolica aderente allo "stile compendiario" nelle sue varianti decorative.
A Faenza si proseguirà nel filone dei "bianchi" per tutto il Seicento evolvendo lo "stile compendiario" nella minuta ricerca di un repertorio decorativo a soggetti animali e floreali dando origine alla tipologia "calligrafica”.
Anche in Liguria nei centri di Albissola Marina , [70] Savona [71] e Genova si affermerà nella prima metà del seicento il filone “calligrafico” con il suo repertorio ispirato alle porcellane cinesi importate durante il Regno Wan-li della Dinastia Ming (1571-1619), disposto attorno a scene campestri e mitologiche, oa vibranti vedute di paesaggio, unitamente al decoro detto a tappezzeria con le sue erratiche rappresentazioni vegetali sparse qua e là sui fondi candidi o cilestrini.
Le fogge tipicamente barocche , saranno destinate prevalentemente ai vasti corredi per le spezierie e arricchite da plastiche zoomorfiche con una tavolozza monocroma dal caratteristico blu , affiancata da una rara produzione policroma. I vasai liguri produrranno maioliche dalle grandi dimensioni sia nei servizi da “credenza” sia per quelli da farmacia con le caratteristiche “idrie”, tipiche del repertorio barocco ligure.
In questa produzione si distinguerà, dalla metà del seicento, la famiglia dei maiolicari savonesi Guidobono ai quali si devono una vasta quantità di pezzi di tutte le forme con temi pittorici tratti dal vasto repertorio mitologico e biblico (tipologia dell'istoriato barocco) oltre a un ricco decoro paesaggistico d'intensa cromia turchina. Ne è un bell'esempio, nelle collezioni museali, la "fiasca" da farmacia qui riprodotta con dipinto San Paolo , afferente l'antico ospedale di San Paolo in Savona . [73]
In Piemonte si assiste, nella prima metà del Seicento, a un vero e proprio innesto della cultura ceramica ligure a opera del genovese Guido Bianchi che ottenne da Carlo Emanuele II di Savoia la licenza di aprire una fornace a Torino all'interno del Regio Parco . Il Bianchi proseguì con accenti di ottima qualità il filone calligrafico fitomorfico in monocromia turchina entro riserve a quartieri, a volte integrandolo con reminiscenze istoriate dell'ultimo manierismo e emblemi araldici. [74]
Nel Veneto la produzione ceramica agli inizi del Seicento prosegue principalmente sulla scia della tradizione "berrettina" (azzurrina) con una scelta decorativa a fogliami, paesaggi e riserve araldiche , prevalentemente destinata alle farmacie.
Tuttavia a partire dalla seconda metà del XVII secolo la ceramica veneziana subirà una lento e progressivo decadimento tanto che nella città lagunare sulla fine del Seicento rimarranno attive poche botteghe artigiane. Al contrario di quanto avverrà dalla metà del secolo in area padovana ea Bassano del Grappa , grazie alla nascente officina Mainardi, con la produzione di maioliche dette "candiane" derivate dai modelli ottomani realizzati nelle officine ceramiche della città di İznik .
Anche se è facile riscontrare in questa imitazione la difficoltà che incontrarono le officine venete nel realizzare il rosso di Iznik ed eguagliare la perfezione e la brillantezza degli smalti caratteristici della ceramica turca .
In Lombardia rimangono attivi nel XVII secolo i centri di Lodi , Pavia , Mantova e altri minori, mentre si assiste al progressivo decadimento delle fornaci milanesi. Milano che aveva vissuto dal tardo Medioevo fino a tutto il Rinascimento una feconda stagione ceramica, appare nel Seicento dedicata più allo smistamento che alla produzione di ceramiche importate nella città meneghina dagli altri centri della Lombardia e dalla penisola in generale.
La ceramica lombarda vocata sin dalla fine del Trecento alla produzione dell'ingobbiato graffito, decorato in verde ramina e bruno ferraccia, si rinnova unicamente nelle fornaci lodigiane e pavesi con una produzione di maioliche decorate a paesaggi e vedute di paese all'interno di motivi vegetali in monocromia turchina . [77]
Scendendo lungo la penisola in Toscana , spentesi le fornaci di Cafaggiolo , rimangono attive per tutto il seicento le botteghe dei vasai in Montelupo Fiorentino . Tuttavia anche per questo centro ceramico caratterizzato da una vasta produzione in epoca medievale e rinascimentale si era verificato sin dalla metà del Cinquecento un lento ma progressivo declino che diverrà inarrestabile dopo il 1630, anno della grande peste .
Anche se ridotte nel numero le officine emergono nel panorama ceramico del centro Italia per una ricca produzione dedicata alle spezierie del territorio fiorentino e con decorazioni mutuate dal repertorio tardo cinquecentesco in cui si era affermato, sulla fine del XVI secolo, il decoro a foglia bipartita bianco blu. Questo tema lo ritroviamo spesso a piena campitura attorno ai cartigli farmaceutici oppure nella produzione civile e da "credenza" dispiegato a contornare scene istoriate prevalentemente bibliche o stemmi araldici.
Inoltre, unitamente ad alcuni accenni che ricollegano le cromie alla "tavolozza languida", i vasai montelupini inaugureranno con grande successo, già dalla fine del cinquecento, un filone popolare umoristico e quasi dissacrante, che ritrae archibugieri , alabardieri , gonfalonieri e "soldataglia" spagnola nonché personaggi della commedia dell'arte, giocatori di pallone, cavalieri e dame, in costumi d'epoca, dai caldi colori giallo arancio , su un contrasto di vivaci pennellate in verde , rosso , celeste , blu e uno scurissimo bruno manganese, da cui il moderno nome di "arlecchini" per la variopinta tavolozza dei costumi che li caratterizza.
Dipinte senza contorno decorativo le figure campeggiano a tutto campo catturando la scena, e quali attori di un improbabile palcoscenico su accennati sfondi di paesaggio, sembrano voler rallegrare, particolarmente dopo il secondo quarto del Seicento, un momento storico carico di grande incertezza e preoccupazione. [78]
Nei centri di produzione ceramica marchigiano-metaurensi, ( Urbino , Casteldurante , Pesaro , Rimini , Mondaino ) continua fino a tutto il primo quarto del Seicento, una produzione ceramica di buona qualità, sia con le famiglie decorative a raffaellesche, a trofei ea paesaggi a decorazione "berrettina" (d'ispirazione veneziana), sia con temi istoriati.
Tuttavia la qualità pittorico decorativa delle maioliche andrà scemando rapidamente nel secondo quarto del secolo per assestarsi su una produzione meno colta e più popolare, individuata principalmente nella lunga proiezione dei bianchi in stile compendiario. [79]
Bisognerà attendere la seconda metà del Seicento quando, grazie alla maestria di Ippolito Rombaldoni da Urbania (l'antica Casteldurante prende il nome di Urbania in onore del papa Urbano VIII nel 1638), riacquista vitalità il filone istoriato nel ricordo della grande stagione rinascimentale vissuta dall'istoriato, che aveva reso celebri le officine di quest'area in tutta Europa.
Pregevole testimonianza dell'istoriato barocco del Rombaldoni sono le grandi anfore Barberini, di proprietà del museo, nelle quali il maestro vasaio mostra di aver raggiunto una notevole maturità stilistica e formale, derivatagli dall'ottima conoscenza del repertorio delle opere grafiche del tempo a cui si ispira nelle sue opere, unitamente a un fluente ductus pittorico, dalle delicate cromie fuse nella morbidezza dei chiaroscuri.
In Umbria , [80] mentre vanno incontro a un inarrestabile declino le officine di Gubbio , Gualdo Tadino e Orvieto , nelle fiorenti botteghe artigiane di Deruta continua, almeno per tutta la prima metà del Seicento, una feconda produzione di maioliche decorate sulla scia del repertorio tardo cinquecentesco sia nel filone compendiario sia nel decoro a raffaellesche.
Le fogge saranno quelle tipiche per le farmacie e per i servizi da tavola, oltre a una produzione di grandi piatti decorativi, acquasantiere e targhe devozionali. Anche i temi dell'istoriato barocco, nell'incontrare il favore dei vasai derutesi, verranno interpretati con minor rigore formale e stilistico e con i colori tipici della "tavolozza languida" compendiaria.
Inoltre dalla metà del secolo nelle botteghe derutesi incontrerà un discreto successo un repertorio calligrafico naturalistico dai caldi colori bruno/ocra ma questo non impedirà, a cavallo tra Seicento e Settecento, il lento spegnersi di molte fornaci.
Nel Lazio si realizzano grandi forniture per le farmacie di Roma con decorazioni azzurre, a foglia bipartita, su fondo berrettino. Nelle fogge e nei decori è evidente una netta influenza della ceramica veneziana con la quale spesse volte molte opere sono state scambiate. Si distingue nel panorama laziale la produzione di Viterbo che almeno durante la prima metà del secolo manifesta ancora interesse per la ritrattistica di derivazione cinquecentesca, ora interpretata con una qualità formale e stilistica più popolare ma sostenuta da un vivace cromatismo ocra aranciato che riesce a rallegrarne l'intera composizione pittorica.
Nell'Italia meridionale grande rilievo assumerà, nella seconda metà del Seicento, la produzione ceramica di Castelli in Abruzzo con la grande famiglia dei Grue di cui Carlo Antonio , figlio del fondatore della bottega artigiana Francesco Grue , sarà il più celebrato esponente.
Con loro verrà inaugurato un filone decorativo, sia in ambito devozionale sia per i servizi da tavola (credenze), che proseguirà sempre con ottima qualità attraverso le numerose discendenze anche collaterali dei Grue, fino a tutta la metà del settecento.
Altre dinastie che darànno lustro alla ceramica castellana sono quella dei Gentili, che ha in Carmine il magistrale capostipite e quella dei Cappelletti. [81]
Saranno realizzate maioliche ariose nelle fogge barocche, con crespine traforate, fiasche da pellegrino, grandi piatti da pompa, vasi biansati e completi per la tavola, di grande suggestione decorativa. Le calde cromie della raffinata tavolozza castellana, a volte impreziosite da lumeggiature dorate a terzo fuoco, emergono sia nella prosecuzione del filone dei bianchi in stile compendiario sia nei decori a girali fogliati intercalati da puttini berniniani dipinti a contorno di scene istoriate a soggetto mitologico, biblico, di caccia o con animate vedute di paesaggio. [82]
Tra le officine pugliesi a eccellere sono quelle della città di Laterza . La Maiolica di Laterza si caratterizza per l'alta espressione dello stile compendiario e si distingue per sviluppo di temi del tardo istoriato barocco, ispirati al filone cinquecentesco a cui attingono ripetutamente i maestri laertini (vedi il "Mangiamaccheroni" qui riprodotto che trova ispirazione nel tardo cinquecentesco "Mangiafagioli" di Annibale Carracci ), [83] e del filone devozionale alimentato con targhe votive e acquasantiere .
In Campania [84] durante il XVII secolo sono attive le fornaci di Ariano Irpino [85] e Cerreto Sannita [86] caratterizzate da un decoro popolare dalle vivaci cromie. A Vietri sin dal Cinquecento sono attestate fornaci rese celebri per la copiosa produzione di mattonelle policrome, le "riggiole", utilizzate per pavimenti e decorazioni murali ed esportate principalmente verso numerose città tirreniche del centro nord e sud Italia.
In Sicilia sono attive nel XVII secolo le officine di Burgio , [87] Caltagirone , Palermo , Santo Stefano di Camastra , Sciacca e Trapani con esiti decorativi mutuati dai decori già in voga nelle manifatture dell'Italia peninsulare. [88] L'arte figulina siciliana si cimenterà anche in una notevole produzione popolare di plastiche a soggetto antropomorfico, vegetale, animale, con figure umane, melanzane, pesci, civette e fiaschette a forma di libro, dal cromatismo vivace e accattivante. [89]
Piatto denominato "Arlecchino" con la rappresentazione di un giocatore di pallone. Montelupo Fiorentino , XVII secolo.
Crespina decorata a quartieri con al centro un leopardo. Stile compendiario. Montelupo Fiorentino prima metà del XVII secolo.
Brocca decorata a girali a foglia frastagliata. Sopra il cartiglio medicinale emblema della gruccia dell' Ospedale di Santa Maria Nuova . Montelupo Fiorentino , prima metà del XVII secolo. [90]
Vaso ovoidale con anse a foggia di cavallucci marini. Su una faccia al centro di un medaglione è dipinta l' Annunciazione . Sull'altra faccia cartiglio medicinale. Montelupo Fiorentino , XVI-XVII secolo. [91]
Grande piatto decorato con motivi calligrafico/fitomorfici. Deruta , XVII secolo.
Catino dipinto con allegoria della fortitudo e bordura a ghirlanda. Deruta , XVII secolo.
Piatto con la raffigurazione di " Domenica bella ". Viterbo, primo quarto del XVII secolo. [92]
Targa devozionale dipinta con Madonna con Bambino. Castelli , 1616.
Piatto dipinto con un "Mangiamaccheroni", Maiolica di Laterza , ultimo quarto del XVII secolo
Il Settecento
Nella prima metà del Settecento nell'Italia settentrionale nascono nuove fabbriche di ceramica con decori ispirati ai nuovi modelli decorativi rococò presenti sia nelle nascenti manifatture di porcellana sia nei raffinati motivi decorativi nord europei: primo fra tutti il decoro alla rosa , e all'orientale con fiori di peonia , garofano e pagode . In alcune fabbriche si prediligeranno i decori alla " Berain " derivati dai modelli francesi e quelli a rovine e paesi, con l'immaginario fantastico dei capricci architettonici .
In Lombardia nasceranno a Milano le fabbriche Clerici e Rubati con un vasto repertorio decorativo: dagli stilemi rocaille , con spunti di grande attenzione al repertorio orientale, ai personaggi della commedia dell'arte e al vasto mondo floreale e animale, dipinto con tale dovizia di particolari che indica come i ceramisti del settecento modulassero il decoro naturalistico sulla grande richiesta di una committenza influenzata anche dal favore incontrato dalle numerose opere di storia naturale (prima fra tutte l' Histoire naturelle di Georges-Louis Leclerc de Buffon riccamente illustrata anche a colori).
La produzione di ceramica a Lodi entrerà nella storia della maiolica settecentesca per le fabbriche Coppellotti e Rossetti con maioliche di ottima qualità in cui emergeranno sia il motivo alla "Bérain" sia la decorazione a natura morta, con pesci e frutta di contorno come se fossero veramente presenti nel piatto o vassoio da portata. Quasi un " trompe-l'œil ", di gustoso effetto decorativo, come ben si evince dal vassoio qui rappresentato. [95] Sempre a Lodi, nella seconda metà del settecento, la fabbrica Ferretti diventerà famosa per i decori a fiori naturalistici a colori vivaci, resi possibili grazie alla tecnica della cottura a piccolo fuoco.
In Piemonte la ceramica vive intensamente degli scambi culturali con le limitrofe officine francesi riverberati nei decori alla “Berain” e "lambrequins" nella fabbrica torinese di Giorgio Giacinto Rossetti già attivo a Lodi , mentre in Liguria si assiste a una vasta produzione di monumentali corredi farmaceutici legati al gusto alla "Berain" ea quello di paesaggio, in monocromia blu (raramente in policromia), animati da personaggi vivacemente accennati, con varianti cromatiche in seppia.
La ceramica veneta elaborerà temi decorativi nord europei, motivi all'orientale, floreali policromi, nature morte, fantastici paesaggi e capricci con rovine, sia nelle fornaci di Pasquale Antonibon a Nove sia nei centri minori di Bassano , Angarano e Vicenza .
Su questi stilemi decorativi si muoveranno con successo le officine Emiliane e Romagnole dei centri di Bologna (Fink e Rolandi), Colle Ameno (Ghisileri), Imola e Sassuolo . Così accadrà anche in Faenza dove con l'apertura della fornace dei Conti Ferniani le maioliche faentine rivivranno un periodo di grande splendore fino a tutto l'Ottocento.
I ceramisti di questa celebre fabbrica si distingueranno sempre per un repertorio raffinato in cui interpreteranno magistralmente sia i motivi all'orientale e rococò , sopra accennati, sia le arcadiche istanze della cultura settecentesca. E per raggiungere gli ambiti successi anche le maestranze di questa fabbrica poterono giovarsi della nuova tecnica del terzo fuoco ampiamente adoperata in altri centri di produzione.
Fra i maestri ceramici operanti nella seconda metà del Settecento nell'officina Ferniani, in perfetta aderenza al gusto neoclassico, emergerà la figura di Filippo Comerio con le sue impareggiabili interpretazioni, dal tratto pittorico quasi grafico, perlopiù in bruno nerastro, riprese dalle incisioni di Jacques Callot e Stefano della Bella . Ne sono un emblematico esempio le due anfore neoclassiche qui riprodotte in cui il Comerio compendia, con rara eleganza, racconti tratti dalla mitologia classica (in questo caso scenette con Pan , Menadi e Satiri ) e esile decorazione fitomorfica.
Utilizzerà principalmente il bruno nerastro e il verde intenso e da cui prenderà nome il "verde Comerio", con il quale dipingerà eleganti figure in costume settecentesco, contornate da rocce e arbusti al centro di piatti, vassoi, zuppiere e vasi.
Nelle Marche sarà in Pesaro che avrà nuovo impulso l'arte ceramica con la fondazione della fabbrica Callegari e Casali caratterizzata da un vivace cromatismo espresso superbamente nel decoro alla "rosa", con una cottura a terzo fuoco. Anche a Monte Milone si produrrà ceramica di ottima qualità.
In Toscana mentre i vasai montelupini vanno declinando in una produzione ceramica seriale sulla scia delle famiglie decorative seicentesche, si apriranno le importanti fornaci Ginori a Doccia e Ghigi Zondatari a San Quirico d'Orcia e Siena . Nei primi anni dell'attività della manifattura di Doccia il Marchese Carlo Ginori volle dedicarsi anche alla maiolica con decori in bianco e blu d'ispirazione olandese.
La manifattura Chigi Zondatari divenne celebre con Ferdinando Maria Campani e Bartolomeo Terchi i quali produssero ceramiche dalle fogge di gusto tardo barocco nella transizione al rococò. Per i temi decorativi il Terchi e il Campani ridaranno vita al filone istoriato sulla scorta della grande tradizione rinascimentale , interpretandolo con aggraziata leggerezza e impreziosendo i grandi manufatti con l'aggiunta di plastiche e rilievi dorati. [96]
Nel Lazio si prosegue senza soluzione di continuità la produzione tardo seicentesca a decori fogliati su fondo berrettino realizzando vasti corredi per le farmacie e maioliche con stemmi per le nobili famiglie romane.
Nel vasto panorama settecentesco della ceramica in Italia e nel suo moltiplicarsi in nuove fornaci di ottima qualità, stimolate dalla concorrenza per il favore incontrato dalla porcellana, merita un ragionamento a parte la ceramica di castelli in Abruzzo .
In perfetta continuità con la tradizione seicentesca, vivrà fino alla metà del settecento il suo massimo splendore, alimentando un filone decorativo che ebbe una vasta risonanza sul mercato del XVIII secolo, con le maioliche castellane dei Grue , Gentili e Cappelletti, esportate e vendute nei grandi mercati di Napoli , Fermo , Senigallia e Fano .
Fecondo lo scambio culturale che ebbero i maestri ceramisti di Castelli trasferiti in area napoletana, fra cui primeggia Francesco Antonio Saverio Grue , figlio del grande Carlo Antonio , con i maestri maiolicari di Napoli, Sallandra e Criscuolo. Da questi intensi rapporti nacque quello che viene definito "stile castellano napoletano" di cui sono un pregevole esempio nelle collezioni museali il vaso con Tobia e l' arcangelo Raffaele e l'albarello con veduta della Certosa di Capri , qui rappresentati. [97]
Per i temi decorativi gli ottimi ceramisti abruzzesi continueranno per tutto il Settecento nel filone istoriato e paesaggistico, con scene di caccia e di genere, vedute di porti e rovine, traendo spunto per la committenza più esigente e colta, sia dalla cultura classica antica (animate rovine di templi) sia dal repertorio tardo rinascimentale, manierista e barocco (scene bibliche e mitologiche).
Per le fogge produrranno targhe a soggetto prevalentemente devozionale e mitologico, grandi vasi e piatti da pompa e, in concorrenza con la nascente porcellana , realizzeranno delicati servizi da tè e caffè , con splendidi vassoi . Una vasta produzione sarà anche dedicata ai corredi per spezierie. Nella seconda metà del secolo la qualità stilistica e formale declinerà in una decorazione seriale, per rifiorire negli ultimi decenni del Settecento con Gesualdo Fuina .
In Puglia emerge sul finire del Seicento la figura del maestro ceramista Leonardo Antonio Collocola che prosegue nel filone devozionale già ampiamente, rivisitato in tutta la ceramica laertina. Ne è un pregevole esempio, nelle collezioni del museo, la targa "Madonna in trono col bambino". [97]
Nel settecento siciliano i maiolicari si dedicano sia alla produzione tradizionale comune, sia alla ceramica per la decorazione pavimentale, subendo il fascino dell'evolversi stilistico continentale.
Vassoio decorato con il motivo "alla rosa". Bologna , fabbrica Finck, ultimo quarto del XVIII secolo.
Piatto decorato con il motivo "alla rosa" e insetti. Pesaro , metà del XVIII secolo.
Albarello da farmacia decorato con stemma e girali di fiori e foglie. Trapani , datato 1738.
Piatto a quartieri in bianco/blu e stemma policromo. Liguria , prima metà del XVIII secolo.
Coppia di Vasi a decorati con soggetto mitologico. Filippo Comerio nella manifattura Ferniani. Faenza, 1777-1781.
Zuppiera in decorazione policroma. Fabbrica Paolo Milani, Lodi , XVIII secolo.
Piatto in maiolica dipinto con Abramo ei tre angeli. Ferdinando Maria Campani, San Quirico d'Orcia , metà del XVIII secolo.
Vaso con coperchio dipinto con Tobia e l' arcangelo Raffaele . Lorenzo Sallandra. Napoli , 1748.
Piccolo albarello svasato con la raffigurazione dello sbarco delle masserizie per la Certosa di San Giacomo a Capri dipinta sullo sfondo. Maestranze castellane (Francesco Antonio Grue?) attive a Napoli . Prima metà del XVIII secolo.
Placca in maiolica policroma raffigurante Madonna con Bambino. Leonardo Antonio Collocola, Laterza , 1726.
La porcellana e la terraglia in Italia (XVIII secolo)
Nella sezione espositiva è presente una significativa selezione di opere in porcellana e terraglia, delle officine italiane del XVIII secolo, con particolare attenzione alla porcellana Ginori a Doccia .
Il fascino e le suggestioni delle porcellane cinesi, importate in occidente lungo la via della seta , avevano conquistato sin dal tardo Medioevo le corti europee, ma fu grazie alla Compagnia britannica delle Indie orientali e alla Compagnia olandese delle Indie orientali , se nel Seicento si diffusero minutamente in tutti gli strati della nobiltà e della borghesia colta.
Agli inizi del Settecento dopo innumerevoli tentativi va all'arcanista tedesco Johann Friedrich Böttger il primato di aver scoperto il segreto della composizione chimica della porcellana, realizzando i primi prototipi a pasta dura a Dresda e subito dopo, la produzione vera e propria, in Meißen sotto i ferrei auspici dell' Elettore di Sassonia Augusto il Forte che voleva realizzarla a ogni costo.
Da lì a pochi anni fu avviata la prima produzione italiana e la terza in Europa dopo Vienna , con l'aiuto di Giovanmarco Norbis, Giovanni Maria Santinelli e Christopher Conrad Hunger, collaboratore del Böttger, chiamato a Venezia da Giovanni Vezzi intorno al 1720 quando già si era trasferito a Vienna dal Du Paquier con il quale, dopo avergli confidato i segreti della porcellana realizzata a Meißen , era entrato in società fondando la fabbrica viennese di porcellane.
Inoltre fu proprio grazie all'importazione clandestina del caolino dalla Sassonia, assicurata dal Böttger, che fu possibile per il Vezzi raggiungere gli ambiti traguardi. [98]
Giovanni Vezzi e soci dettero così il via a una breve ma intensa fase produttiva di eccezionale qualità durata soltanto sette anni a cui seguì nella metà del settecento il significativo tentativo, durato solo due anni (1761-1763) del mercante sassone Nathaniel Friederich Hewelcke. Successivamente e sotto i fervidi auspici della Serenissima , che ambiva alla riattivazione di una fabbrica di porcellane nella Dominante, fu assunto da un collaboratore di Hewelcke, Geminiano Cozzi , il compito di aprire l'anno dopo una nuova fornace in San Giobbe a Cannaregio e dare il via a una feconda produzione che proseguirà fino al 1812.
Anche a Nove nell'officina di Pasquale Antonibon si realizzeranno nella seconda metà del Settecento porcellane di ottima qualità in concorrenza con quelle di Cozzi. [99] Altre piccole manifatture attestate nella Repubblica di Venezia sono quelle di Este , Angarano e Treviso .
Dopo l'inizio veneziano del Vezzi le manifatture di porcellana si diffonderanno rapidamente nelle principali corti italiane: nel Granducato di Toscana per l'intraprendenza del Marchese Carlo Ginori nel 1737 s'inaugurò nella sua villa di Doccia (presso Sesto Fiorentino ) la celebre Manifattura di porcellane di Doccia. Anche Roma ebbe per un breve periodo la sua fabbrica di porcellane con le fornaci di Cuccumos e poi di Volpato.
A Napoli sotto gli auspici del Borbone Carlo III inizierà intorno al 1740 la grande stagione della porcellana di Capodimonte , altrimenti chiamata dal nome del re "Carlo III" e proseguita dal 1771 nella nuova fornace della Villa di Portici , voluta da Ferdinando I delle Due Sicilie , con la denominazione di Reale Fabbrica Ferdinandea , come si evince dalla marca impressa o dipinta sui pezzi prodotti. Anche nel regno sabaudo , dopo gli esperimenti di Giorgio Giacinto Rossetti (1737) e una breve parentesi produttiva a Vische , fu grazie al torinese GV Brodel, con la protezione di Vittorio Amedeo III di Savoia , se nel 1775 inizierà in Vinovo una raffinata produzione di porcellane che durerà fino al 1814.
La porcellana italiana del Settecento inaugurerà una serie di filoni decorativi: da quello ispirato alla porcellana d'importazione cinese e giapponese con il vasto repertorio delle "cineserie" rococò , ormai largamente diffuse in tutt'Europa, ai personaggi tratti dalla commedia dell'arte riprodotti nelle "plastiche" (le figurine singole o in gruppo, modellate); dalle vedute con paesaggio|paesaggi, rovine, castelli , piazze e palazzi celebri; dai siti archeologici ( Pompei , Ercolano ecc.) ai luoghi simbolici delle antichità classiche della civiltà etrusca e romana; dalle rappresentazioni del mondo vegetale ( fiori , frutti , funghi , alberi e rami fioriti) agli insetti , farfalle , uccelli , pesci , di ogni specie. Nelle plastiche si sceglieranno anche temi cari alla mitologia classica e ai personaggi più famosi della storia di Roma antica, spesso attraverso la mediazione rinascimentale e barocca.
Per le fogge le diverse manifatture dedicheranno una speciale attenzione ai servizi da tavola, da tè e caffè e con una materia così duttile e raffinata si esprimeranno in un vero e proprio catalogo al servizio di una committenza sempre più desiderosa di sfoggiare nei momenti conviviali i segni distintivi di un'eleganza sempre più ricercata, quale "doverosa" espressione del proprio alto status sociale .
Contemporaneamente alla porcellana intorno all'ultimo quarto del Settecento di diffonde anche in Italia la produzione di terraglia all'uso d' Inghilterra . Questo particolare tipo d'impasto, poroso e rivestito di "vernice piombifera trasparente", [100] era stato scoperto a cavallo tra Seicento e Settecento dagli inglesi Elers e nel settecento ne era continuata la produzione con J. Astbury, Enoch Booth e finalmente perfezionato e diffuso in tutt'Europa da Josiah Wedgwood nello Staffordshire . Dopo un inizio in Burslem nella città di Stoke-on-Trent , fu nella nuova fabbrica "Etruria" e con linee produttive ispirate alle suggestioni tratte dalle antichità etrusche , romane e greche , che Josiah Wedgwood riuscì a inserire rapidamente e con successo le sue pregevoli terraglie, dal caratteristico color bianco crema, in tutti i mercati europei.
Anche le fabbriche italiane si resero presto conto dei grandi vantaggi economici che consentiva la produzione di terraglia, meno cara della porcellana, e iniziarono a immetterla sul mercato: si distinguono sulla fine del secolo le produzioni di Milano , Savona , Torino , Venezia , Pesaro , Bologna , Treviso , Bassano, Este , Faenza e Napoli assieme a quelle di tante altre piccole botteghe artigiane sparse in tutt'Italia.
Nella sezione dedicata è presente un cospicuo corpus di opere in terraglia riferite principalmente alla Fabbrica Ferniani in cui operavano, per le opere di maggior pregio come ad esempio i grandi vasi a cratere, "valenti maestri plasticatori locali" [101] nell'ambito del filone istoriato a bassorilievo , ispirato ai modelli dei coevi stucchi neoclassici presenti negli interni delle più prestigiose dimore faentine.
Amore e Psiche . Grande gruppo scultoreo in porcellana modellato da Gaspero Bruschi nel 1747. Ginori a Doccia .
Vassoio in porcellana con decoro all'orientale. Venezia , Cozzi, seconda metà del XVIII secolo.
Tazzina con piattino in porcellana con decoro floreale. Venezia , Cozzi, seconda metà del XVIII secolo.
Vassoio con decoro a mazzetti di fiori (cosiddetto Mazzetto ). Ginori a Doccia, terzo quarto del XVIII secolo.
Vaso Impero in terraglia monocroma, Decoro in bassorilievo , con registro centrale raffigurante scene istoriate. Faenza, fine del XVIII secolo.
L'Ottocento
Per tutta la prima metà dell'Ottocento la maiolica italiana vive una fase di lento e progressivo decadimento, riprendendo modelli settecenteschi con qualità stilistica e formale il più delle volte popolare. Contemporaneamente la terraglia sembra acquisire un ruolo preminente ispirandosi anche ai modelli dalle grandi fabbriche nord europee. Al contrario nella seconda metà del secolo si assiste a un rifiorire della produzione maiolicara sulla scia dei coevi movimenti pittorici del verismo e del Romanticismo mentre un nuovo impulso avranno anche la riscoperta dei temi legati al filone istoriato rinascimentale e manierista.
Nell'Italia settentrionale, particolarmente in Faenza, si vivranno momenti di intensa operosità sulla scia dei fermenti culturali di fine Ottocento, grazie a personaggi come Achille Farina , di cui abbiamo un esempio nell'autoritratto in terracotta ingobbiata e invetriata [102] riprodotto a fianco [103] , Antonio Berti, Angelo Marabini, Giuseppe Ghinassi, Lodovico Bellenghi. Per il revival dei modelli rinascimentali e barocchi sono presenti nella sezione opere delle fabbriche di Scandiano , del bolognese Angelo Minghetti , della Società Cooperativa di Imola , della fabbrica Galvani di Pordenone e servizi da tavola e oggettistica di area lombardo veneta legate sia al gusto neorococò sia al revival dei temi rinascimentali. [104]
In quella centrale si assiste a un'intensa rivisitazione della grande stagione del Rinascimento italiano, nei modi dell'area marchigiano metaurense, con le fabbriche Ginori e Cantagalli in Toscana , Molaroni a Pesaro , Carocci e Spinaci a Gubbio . Nella stessa Gubbio ea Deruta riprende la produzione di maiolica a lustro. Nel Lazio si produce ceramica di ispirazione islamica nell'officina di Pio Fabri , mentre a Roma l'artista Francesco Randone attiva una scuola veramente innovativa. Contemporaneamente si produrranno maioliche che sintetizzano nell' eclettismo più variegato gli stili delle epoche precedenti.
Nell'Italia meridionale si continua in una produzione più popolare parcellizzata in una notevole quantità di piccole imprese artigiane. In Campania si distingueranno la fabbrica dei Fratelli Mosca e il Museo Artistico Industriale voluto da Giuseppe Filangeri a cui collaboreranno Filippo Palizzi e Domenico Morelli . In Abruzzo le varie botteghe dei maiolicari lavoreranno sulla scia della tradizione di Castelli, in Puglia con una rivisitata produzione popolaresca e una particolare attenzione al filone devozionale. In Sicilia le officine realizzeranno opere in maiolica rivisitando con inusitata vivacità le famiglie decorative dei secoli precedenti. [105]
Il Novecento in Europa
Nella vasta sezione dedicata alla ceramica europea del XX secolo si possono ammirare una molteplicità di opere, partendo da quelle che agli inizi del Novecento erano espressione delle principali correnti artistiche dall' Art Nouveau , allo Jugendstil , alla Secessione viennese .
Nella sala espositiva sono infatti presenti le opere di: Jutta Silka, Josef Hofmann, Auguste Delaherche, Clement Massier, Edmond Lachenal, Theodoros Colenbrander, Vilmos Zsolnay, unitamente alle manifatture di Brouwer, Distel, Fischer, Rozenburg, Bauscher, Villeroy & Boch , Meißen , Nymphenburg , Wahliss e Manifattura reale di Copenhagen .
Del periodo déco sono presenti la Fabrique Impériale et Royale de Nemy e la manifattura di Robj oltre a opere di Kurt Wendler per Rosenthal. [106]
Nel dopoguerra risposero all'appello per la ricostruzione del museo i "grandi" del parterre mondiale dell'arte. Realizzarono opere in ceramica e le donarono: Pablo Picasso , Marc Chagall , Fernand Léger , Henri Matisse , per citarne i più famosi, ai quali il museo ha dedicato ampia visibilità e un posto d'onore nella sezione espositiva.
Le donazioni ebbero una vasta eco in Europa ea questo rinnovato impulso aderirono negli anni cinquanta e sessanta anche gli artisti della corrente informale esprimendo con la ceramica le loro inquietudini esistenziali, nel tentativo di restituire all'arte "figulina" una dimensione moderna mai indagata fino all'ora.
L'impegno di questi artisti, ben rappresentati lungo il percorso museale, sarà quello di "sconvolgere" e manipolare il dato certo del fare ceramica, per sfilacciare la tela della storia e giungere a una nuova sintesi. [107]
Il Novecento in Italia
Le vicende della ceramica italiana del XX secolo appaiono un unicum sul palcoscenico della produzione mondiale sia per la qualità stilistica e formale attenta alle istanze più innovative del mondo artistico contemporaneo sia per il proliferare di pregevoli botteghe artigiane e fornaci industriali su tutto il territorio nazionale.
Questo perché, se anche nei molteplici ambiti linguistici dei cinque continenti si raggiungono alte espressioni artistiche, questo avviene in ambiti circoscritti e nettamente meno diffusi,
Lungo l'elenco degli artisti che nel XX secolo si sono applicati all'arte ceramica e dei quali il museo espone opere significative: da Galileo Chini , Alfredo Biagini , Giosetta Fioroni , Ettore Sottsass , Duilio Cambellotti , Salvatore Fancello , Tullio d'Albissola , Lucio Fontana , a Golia e Fausto Melotti , Alberto Burri , Enrico Baj e Gio Ponti oltre a Nanni Valentini , Antonio Zancanaro , Aligi Sassu , Giuseppe Macedonio , Giovanni de Simone e tantissimi altri.
Quasi per gemmazione spontanea rifioriscono antichi centri ceramici di grande tradizione con una produzione ricca di aneliti innovativi: " Vietri sul Mare , Albissola , Nove , Deruta , Montelupo Fiorentino , Pesaro e Sesto Fiorentino , mentre manifatture come Richard-Ginori , Società Ceramica Italiana, Gregorj , Galvani, MGA, Franco Pozzi, Laboratorio Pesaro, Lenci, Bitossi, Mancioli e Rometti" [109] traducono nelle nuove esigenze del moderno design gli spunti decorativi e formali dell'arte contemporanea.
In Italia si assiste anche al nascere di una produzione minore, a volte con vita breve, ma sempre interprete di fermenti artistici significativi. [110]
Il Novecento faentino
Agli inizi del XX secolo l'ambiente ceramico del territorio faentino elabora i nuovi impulsi dell' Art Nouveau provenienti principalmente dalla Francia e il portato più ampio proprio ai fermenti, culturali e politici, europei e italiani di fine ottocento. Faenza, dopo l'evento della manifestazione dedicata a Evangelista Torricelli del 1908, tornò alla ribalta internazionale e questo fece sì che risorgesse dall'oblio della seconda metà dell'Ottocento, il manufatto ceramico con l'apertura di molti laboratori artigianali e industrie ceramiche.
Iniziano nuove produzioni nella Manifattura Fratelli Minardi e nelle Fabbriche Riunite Ceramiche, con l'apparire di innovative sperimentazioni sui lustri e sul gres. Di questo fermento iniziale furono protagonisti indiscussi Domenico Baccarini e Achille Calzi . Nel 1920 Pietro Melandri in collaborazione con Francesco Nonni. Nel 1928 inizia l'attività la Bottega d'Arte Ceramica di Riccardo Gatti , seguito pochi anni dopo da Mario Ortolani, Mario Morelli, Angelo Biancini e Domenico Matteucci. [111]
Nel dopoguerra sarà l'opera di Carlo Zauli , vincitore nel 1953, 1958 e 1962 del Premio Faenza, a farsi interprete delle più innovative istanze della ceramica contemporanea, ottenendo riconoscimenti in Italia e all'estero fino in Giappone .
Degli esiti più all'avanguardia, nella produzione di opere d'arte in ceramica del XX secolo di cui il Museo, con il Concorso Internazionale, è stato ed è a tutt'oggi promotore e cassa di risonanza, la sezione museale espone un'ampia quantità di opere. [112]
Vicino oriente antico, Mediterraneo e ceramiche classiche
Per il "vicino oriente antico" o "mezzaluna fertile" la sezione, con una sceltad esemplificativa di notevole valore storico, documenta il trapasso dall'epoca neolitica all'età del ferro in quella che fra il Tigri e l' Eufrate , fu una delle culle del "percorso dell'uomo verso la civiltà". [113] ; nelle vetrine sono inoltre presenti reperti anatolici , dell' Iran , e di epoca Achemenide .
Le ceramiche classiche, offrono una rappresentazione della cultura ceramica nel bacino mediterraneo dall' età del bronzo all'epoca ellenistica in un corpus ben ordinato e didatticamente esaustivo, dei materiali, delle tecniche, dei decori e dei centri di produzione di appartenenza. [114]
Ceramica islamica e precolombiana
La sezione offre uno spaccato dell'arte ceramica dell'oriente islamico dall'epoca Samanide , con i suoi pregevoli "ingobbi", ai primi lustri di epoca selgiuchide , per passare agli invetriati ottomani di İznik e ai lustri iberici del periodo Almoravide e Almohade che tanto influenzeranno la cultura ceramica italiana in età medioevale.
Segue un vasto corpus di frammenti che completano il repertorio tipologico, del fare ceramica, nel vicino oriente islamico dalle sue origini ai tempi più recenti. [115]
Sei vetrine dedicate all' arte precolombiana mettono in risalto la notevole qualità stilistica e formale raggiunta dalle culture peruviana e mesoamericana con "sessantuno culture archeologiche" di riferimento.
Ne è un pregevole esempio il guerriero con bastone qui rappresentato dal probabile "uso votivo per libagioni o aspersioni". [116]
Completano la sezione reperti afferenti le culture: caraibica, intermedia, amazzonica, andina meridionale e pampeana.
Premio Faenza
Il Museo è la sede del «Concorso internazionale della ceramica d'arte contemporanea», più noto come «Premio Faenza». Assegnato da una giuria internazionale, è il più longevo concorso d'arte ceramica in ambito internazionale. Si tiene negli anni dispari [117] .
Galleria d'immagini
Note
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- ^ "Difficile indicare, tra le centinaia in mostra, i reperti più rari o preziosi. È un unicum (nel panorama faentino ma non solo) la decorazione su un boccale in maiolica arcaica rinvenuto nell'area dell'Istituto Statale d'Arte per la Ceramica G. Ballardini: una donna che tiene un falco con la mano destra e, con la sinistra, le redini dell'uomo che sta cavalcando. Pur riferendosi all'episodio del filosofo Aristotele soggiogato dalla passione per la cortigiana Fillide, la decorazione allude allegoricamente al dominio della donna sull'uomo, un tema molto popolare sia nel Tardo Medioevo che nel Rinascimento." in: Il Bello dei Butti Rifiuti e ricerca archeologica a Faenza tra Medioevo ed Età Moderna. Mostra tenuta al MIC in Faenza dal 29 ottobre 2008-1º marzo 2009 , su racine.ra.it . URL consultato il 31 agosto 2009 (archiviato dall' url originale il 25 giugno 2009) .
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- ^ "Anche nel settore delle arti minori (dalla maiolica agli oggetti di arredo) l'interesse per il poema ariostesco mostra precoci attestazioni, come nel caso del prezioso servizio di maiolica eseguito da Francesco Xanto Avelli prima del 1530, per la famiglia Pucci, o nel caso più tardo, ispirato all'edizione giolitina, dell'opera di Giacomo Mancini, detto il Frate, attivo a Deruta intorno alla metà del Cinquecento." in: Scuola Normale Superiore di Pisa, Ricerca Italiana: L'Orlando Furioso e la sua fortuna figurativa. Ricerche per un archivio digitale di parole e immagini. , su ricercaitaliana.it . URL consultato il 31 agosto 2009 .
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- ^ "A Urbino fin dal 1530 la produzione di maioliche era già famosa per «la eccellenza delle historie e delle fabule» (Archivio Gonzaga di Mantova, E, XXVI, 3 Busta 1105). Queste erano spesso tratte dalle edizioni illustrate delle Metamorfosi di Ovidio di cui si era pubblicata a Venezia nel 1522 la traduzione in volgare di Niccolò degli Agostini, nel 1553 la traduzione di Ludovico Dolce e nel 1559 l'edizione di Lione stampata da Gabriello Symeoni corredata dalle incisioni di Bernard Salomon. Infatti più frequente era la ripresa dalle volgarizzazioni delle Metamorfosi e soprattutto dagli apparati illustrativi. In: Claudia Ceri Via, Le favole antiche fra cultura cortese e umanistica , su italica.rai.it . URL consultato il 1º settembre 2009 (archiviato dall' url originale il 2 agosto 2009) .
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Bibliografia
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- J. Bentini (a cura di), Fayence. Cento anni del Museo Internazionale delle Ceramiche in Faenza , Allemandi, Torino , 2008.
Voci correlate
- Gaetano Ballardini
- Bottega Gatti di Faenza
- Museo Opificio Rubboli
- Museo dell'arte ceramica di Ascoli Piceno
- Museo delle ceramiche di Castelli
Altri progetti
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Collegamenti esterni
- Sito ufficiale del MIC in Faenza , su micfaenza.org .
- Video sul restauro del Presepe Zucchini curato dall'IBC , su youtube.com .
- Biblioteca ASA, Bollettino del Museo internazionale delle ceramiche [ collegamento interrotto ] (raccolta 1913-1930)
- Google Cultural Institute, Museo Internazionale delle Ceramiche
| Controllo di autorità | VIAF ( EN ) 140363668 · ISNI ( EN ) 0000 0001 2292 2864 · LCCN ( EN ) n80061203 · WorldCat Identities ( EN ) lccn-n80061203 |
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