Muzică barocă

Acest articol sau secțiune despre subiectul muzicii clasice lipsește sau lipsește de note specifice și referințe bibliografice . Comentariu : Există o lipsă completă sau aproape completă de note cu sursele citate. Deși există o bibliografie și / sau linkuri externe , nu există o contextualizare a surselor cu note de subsol sau alte referințe precise care indică cu promptitudine originea informațiilor. Puteți îmbunătăți această intrare citând mai precis sursele . Urmați sfaturile de proiectare de referință .

Acest articol sau secțiune are probleme cu structura și organizarea informațiilor . Motiv : Pagina este prost organizată în paragrafe, există o galerie de compozitori, lipsește o secțiune istorică, dar povestea este împărțită pe ici și colo; se suprapune redundant cu conținutul celorlalte articole pe care le leagă, pe de altă parte avem două tabele ale compozitorilor (nu ar putea fi mutate în paginile categoriei?). El rearanjează structura expozitivă, logică și / sau bibliografică a conținutului. În discuție puteți colabora cu alți utilizatori la rearanjare.

Acest articol face parte din serie Istoria muzicii

Categorie: Istoria muzicii Categorie: Muzică pe an Muzica în lumea antică · medieval · renascentist · baroc · clasic · romantic · modern · contemporan Preistorie și antichitate Muzica în lumea antică - ca. XXXV sec. BC - secolul V. ANUNȚ Muzica preistorică - înainte de secolul 35 B.C Muzica mezopotamiană - ca. Secolul XXXIII-V. B.C Muzică egipteană - ca. Secolul XXVII-XVI. B.C Muzică greacă - ca. Secolul al X-lea - 146 î.Hr. Muzica romană - secolul al VIII-lea BC - secolul V. ANUNȚ Evul Mediu Muzică medievală - secolele VI-XV Cântarea gregoriană - sec. VIII-XII. Școala Notre-Dame - 1150-1320 Ars antiqua - secolele XI-XIV Ars nova - 1310-1370 Ars subtilior - 1370 - sfârșitul secolului al XIV-lea Renaştere Muzica renascentistă - secolele XV-XVI Școala franco-flamandă - 1420-1620 Școala romană - secolele XVI-XVII Școala venețiană - 1550-1610 Secolele XVII și XVIII Muzică barocă (aprox. 1600-1760) Muzică clasică (cca. 1730-1820) Școala germană de orgă - secolul al XVII-lea Școala franceză de orgă - secolele XVII-XVIII Școala bolognească - a doua jumătate a secolului al XVII-lea. Școala napolitană - secolul al XVIII-lea Muzica rococo sau galantă - ca. 1720-1770 Prima școală vieneză - ca. 1749-1828 Școala Mannheim - a doua jumătate a secolului al XVIII-lea. Empfindsamer Stil - a doua jumătate a secolului al XVIII-lea. Sturm und Drang - aprox. 1760-1780 secol al XIX-lea Muzica romantica - ca. 1780-1910 Muzica naționalistă - secolele XIX-XX Grupul celor cinci - 1856-1870 Muzica romantică târzie - a doua jumătate a sec Muzica impresionistă - ca. 1870-1925 Școala tânără - ca. din 1880 până la începutul secolului al XX-lea. Muzică realistă - ca. 1890-1930 Secolul douăzeci Muzică modernă (cca. 1890-1975) Muzică contemporană (c. Din 1975) Muzică post - romantică - prima jumătate a sec Muzica expresionistă - ca. încă din anii '00 A doua școală vieneză - 1903-1925 Muzică futuristă și zgomotoasă - ca. din anii 1910 Muzică în serie - ca. din anii 1920 Neue Sachlichkeit - aprox. din anii 1920 Muzică microtonală - cca. din anii 1920 Grup de șase - cca. din anii 1920 Muzică neoclasică - ca. 1923-1950 Muzică concretă - cca. din anii 1930 Muzică electronică și electroacustică - ca. din anii 1940 Muzică experimentală - ca. din anii 1950 Muzică aleatorie - ca. din anii 1950 Muzică minimalistă - ca. din anii 1960 Muzică cu drone - ca. din anii 1960 Muzică postmodernă - ca. din anii 1960 Muzică ambientală - aprox. încă din anii '70 Neo - muzică romantică - ca. încă din anii '70 Muzica infricosatoare - ca. încă din anii '70 Muzică totală - aprox. din anii 1980 Post - muzică minimalistă - ca. din anii 1980

Această casetă: vezi • discul. • mod.

Termenul baroc a fost introdus în istoriografie pentru a clasifica tendințele stilistice care marchează arhitectura, pictura și sculptura și, prin extensie, poezia și literatura între secolul al XVII-lea și prima jumătate a secolului al XVIII - lea . Termenul „baroc” a fost folosit în domeniul muzical pentru a defini stilul muzicii începând cu începutul secolului al XX-lea, așa cum vedem în eseul lui Curt Sachs Barokmusik din 1919 . ^[1]

În domeniul muzical, barocul poate fi considerat ca o dezvoltare a ideilor maturate la Renașterea târzie și, prin urmare, este dificil, și chiar arbitrar, să se dorește stabilirea unei demarcații cronologice clare și precise a începutului și sfârșitului perioadei baroce în muzică.
Din punct de vedere geografic, muzica barocă își are originile în Italia, grație muncii unor compozitori precum Claudio Monteverdi , deși la mijlocul secolului al XVII-lea a început să se impună și să se dezvolte în alte țări europene, atât prin intermediul muzicienilor italieni ( compozitori, cântăreți, instrumentiști) care au emigrat acolo, atât prin compozitorii nativi care au dezvoltat o direcție stilistică autonomă, ca de exemplu în Franța din a doua jumătate a secolului al XVII-lea.

Termenul „muzică barocă” a rămas în mod convențional utilizat pentru a indica fără discriminare orice gen de muzică care a evoluat între declinul muzicii renascentiste și ascensiunea stilului galant și apoi a celui clasic , într-o perioadă cronologică care, conform periodizării schemele adoptate de dicționare majore și repertorii bibliografice muzicale ar merge de la 1600 (prima lucrare care ne-a ajuns intactă) la 1750 (moartea lui Johann Sebastian Bach )
Termenul „muzică barocă”, deși a intrat în limbajul comun și periodizarea relativă, totuși, practic nu mai sunt folosite de muzicologie, datorită varietății extreme de stiluri și a lărgimii temporale și geografice excesive, care nu permite vezi într-un mod unitar și coerent diferite manifestări ale artei muzicale. Muzicologul Manfred Bukofzer era deja conștient de această problemă, care în 1947 a publicat cartea Muzică în epoca barocă de la Monteverdi la Bach , care a rămas de mult timp un manual de referință, în care a preferat semnificativ să vorbească, deja din titlu, despre muzică în epoca barocă și dincolo.de „muzică barocă”. Cu alte cuvinte, pentru Bukofzer muzica barocă, înțeleasă ca un stil unitar și organic, nu exista. Din acest motiv a propus să adopte, în schimb, criteriul distincției dintre cele trei mari stiluri care traversează muzica occidentală între sfârșitul secolului al XVII-lea și prima jumătate a secolului al XVIII-lea: stilul concertant italian, stilul contrapuntist german și stilul instrumental francez; operând, apoi, o altă bipartiție, și anume aceea dintre idiom instrumental și idiom vocal. ^[2] Cu toate acestea, presupune o viziune rigidă a fenomenelor muzicale legate de o ideologie naționalistă din secolul al XIX-lea, contrazisă de fapte istorice, care nu ține seama în mod corespunzător de circulația ideilor, practicilor sociale și muzicale, precum și a muzicienilor și muzica în Europa secolelor XVII și XVIII. În 1982, într-un volum al Istoriei muzicii editat de Societatea italiană de muzicologie , dedicat muzicii din secolul al XVII-lea, muzicologul Lorenzo Bianconi a refuzat să folosească termenul „baroc” sau chiar „muzică din epoca barocă”, din cauza fenomenelor diferite și antitetice și a eterogenității multor curente și tradiții care caracterizează muzica acelei epoci istorice. ^[3]
În general, astăzi, mai degrabă în domeniul muzical decât în ​​„muzica barocă” se preferă uneori să vorbim despre „muzica secolului al XVII-lea”, extinzând această periodizare nu numai la muzica produsă în secolul al XVII-lea, ci și la cele ale compozitorilor născut în acel secol, ^[4] sau pentru a separa începutul secolului al XVIII-lea, definindu-l ca „epoca lui Bach și Haendel ”, ^{[5] cei} mai mari compozitori ai timpului, legați de limbajul muzical moștenit din secolul al XVII-lea și de un scrierea bazată pe contrapunct, deși bazată pe tonalitatea modernă și pe armonia care urmează, și pe exploatarea ei în sens expresiv. Muzica celor doi mari compozitori germani este caracterizată de elemente atât de stil italian, cât și francez, pe care le-au absorbit cu măiestrie, elaborate și utilizate într-un mod original în producția lor.

Probleme de definiție

Termenul „baroc” din latina verruca (excrescență) apare în limbile neolatine din secolele XVI și XVII ( berruecca în portugheză, barrucco în spaniolă, baroque în franceză) pentru a indica perle sau pietre prețioase deformate sau neregulate. Barocul a devenit o categorie estetică în cultura franceză a secolului al XVIII-lea pentru a judeca opere de artă considerate excesiv de nenaturale, neregulate, forțate, pompoase. În domeniul muzicii, filosoful Jean-Jacques Rousseau , în Dictionnaire de musique (1768), a vorbit despre muzica barocă , a definit un gen de muzică în care „armonia este confuză, supraîncărcată cu modulații și disonanțe, cântare grea și intonație nefirească, dificilă și mișcare forțată ». ^[6] Ținta principală a criticii amare a fost muzica operelor lui Rameau , Lully și a altor francezi, al căror stil a fost contrastat cu naturalețea operei italiene; dar critica ar fi putut fi direcționată și către muzica lui Bach și a lui Händel. De fapt, chiar fără a folosi termenul de „baroc”, criticul de muzică german Johann Adolph Scheibe în 1737, cu cuvinte similare cu cele ale lui Rousseau, adresase critici grele față de Bach , a cărui muzică, după el, „bombastică și confuză”, el „înăbușise naturalețea și ascunse frumusețea” cu o scriere prea complexă și artificială. ^[7]
În acest sens, opera italiană a întregului secol al XVIII-lea, și în special așa-numita operă „napoletană”, care a dominat scenele europene din anii treizeci ai secolului al XVIII-lea, grație naturalității cântării și prevalenței armoniei ușor pentru a asculta la contrapunct, nu poate intra în mod corespunzător în sfera muzicii baroce, fiind opusă acesteia în judecata contemporanilor. Faimos este judecata agitată dar exemplară pe care Handel a dat-o în 1745 despre interpretul de operă emergent Christoph Willibald Gluck , una dintre figurile de frunte din teatrul muzical din acel secol: «[Gluck] nu știe mai multe despre contrapunct decât bucătarul meu Vals» . ^[8]
Definiția „muzicii baroce” formulată de Rousseau, referindu-se la un anumit stil compozițional care părea deja depășit în estetica muzicală a secolului al XVIII-lea, a fost adoptată de unul dintre cei mai mari teoreticieni germani, Heinrich Christoph Koch, care în Musikalisches Lexicon ( 1802) definiția filosofului francez aproape la propriu. ^[7] Într-un sens devalorizant, „barocul” a continuat să fie folosit pentru a defini expresiile artei, dar și ale muzicii, care difereau de canoanele estetice stabilite de critici și teoreticieni între sfârșitul secolului al XVIII - lea și prima jumătate a secolului al XIX-lea. secol .
Abia din a doua jumătate a secolului al XIX-lea , termenul de baroc a ajuns să indice stilul artistic al unei ere de după Renaștere. Jacob Burckhardt , în manualul său Il Cicerone ( 1855 ), a dedicat un capitol artei post- Michelangelo , intitulat Stil baroc , subliniind aspectele decadenței în comparație cu Renașterea . Spre sfârșitul secolului al XIX-lea, Heinrich Wölflin a preluat termenul într-un sens istoric mai neutru și nedevaluator și, de asemenea, a propus extinderea utilizării sale la literatură și muzică în eseul său Renaissance and Baroque ( 1888 ). În baroc, Wölflin a văzut un stil nu legat neapărat de o epocă, caracterizat prin elemente extravagante, bizare, excesive, exuberante, spre deosebire de elemente precum ordinea, echilibrul, proporția, simetria care denotau stilul clasicist. În domeniul muzicologiei, Curt Sachs , în eseul său Barockmusik ( 1919 ), se referea la pozițiile lui Wölflin asupra stilului baroc în artă și literatură, aplicându-le sistematic muzicii: ^[1] Sachs, într-o perspectivă pozitivistă , tipică muzicologiei sale timp, s-a străduit să delimiteze caracteristicile specifice stilului baroc în muzică (de exemplu, utilizarea ornamentației , variația melodiei sau scrierea monodică cu continuo ) încercând să le raporteze la noutățile stilistice ale picturii baroce. Acest tip de clasificare a stilului pe baza caracteristicilor interne compozițiilor i-a determinat pe unii savanți din prima jumătate a secolului al XX-lea să identifice barocul în muzică cu „epoca bass continuo ”, deși această practică a persistat mult timp timp în secolul al XVIII-lea , chiar și în muzică complet diferită ( galantă , clasică ).
Cu toate acestea, această periodizare rămâne o problemă controversată condiționată de inevitabilele schimbări estetice de-a lungul timpului. Mulți muzicologi sunt acum conștienți de cât de neproductiv efortul de a încadra un secol și jumătate din producția muzicală sub un singur concept istorico-estetic, dezvoltat prin practici, muzicale și sociale, personaje și momente care sunt semnificativ diferite de la o țară europeană la alta. Gândiți-vă doar la diferența marcată dintre stilul italian și cel francez, bine evidențiată încă din a doua jumătate a secolului al XVII-lea în scrierile criticilor, scriitorilor și memorialistilor de dincolo de Alpi, care au comparat muzica italiană și franceză, precum cele ale lui François Raguenet ^[9] și Jean-Laurent le Cerf de la Vieville. ^[10] Chiar mai neproductiv apare efortul de a crea cu orice preț o periodizare a „muzicii baroce” sau „a epocii baroce”, astfel încât să se potrivească forțat cu cele ale altor expresii artistice, precum pictura, arhitectura și poezia. ^[11]

Caracteristici generale

Această secțiune despre muzica clasică este doar o schiță . Contribuiți la îmbunătățirea acestuia în conformitate cu convențiile Wikipedia . Urmați sfaturile de proiectare de referință .

Muzica barocă, în analogie cu celelalte forme de artă ale vremii, își propunea să uimească și să amuze ascultătorul. ^{[ citație necesară ]} Elementele caracteristice ale producției muzicale din această perioadă sunt schimbările bruște de tempo, pasajele de mare virtuozitate instrumentală sau vocală și utilizarea contrapunctului și a fugii , precum și un sentiment dezvoltat de improvizație .

Barocul colosal

Stilul „baros colosal” este un nume care a fost inventat pentru a descrie o serie de compoziții din secolele XVII- XVIII scrise într-un mod opulent, somptuos și pe scară largă. Mai mult, în aceste lucrări au fost utilizate tehnici policorale și au fost adesea caracterizate printr-o cantitate de instrumente cantitativ mai mare decât media timpului. Primul baroc colosal a fost un stil italian, născut pentru a reprezenta succesele Contrareformei . Piesele erau de obicei de 12 sau mai multe părți, dar este evident că aspectele policorale nu au afectat întotdeauna spațiul mare (de exemplu, în Exultate Omnes, de Vincenzo Ugolini, există trei pasaje pentru toate sopranele, tenorii și altos; aceasta ar fi părut o piesă absurdă într-un spațiu mare). Cu toate acestea, unele lucrări au fost interpretate plăcut de cântăreții și instrumentiștii din Catedrala din Salzburg .

Un alt compozitor baroc colosal a fost Orazio Benevoli , care a fost confundat cu Heinrich Ignaz Franz Biber și Stefano Bernadi în calitate de compozitor al Missa Salisburgensis .

Muzica barocului colosal a fost o parte filosofică a Contrareformei și s-a răspândit dincolo de Alpi, în Imperiul Austriac , la Viena și Salzburg, unde compozițiile din mai multe părți au fost scrise pentru anumite ocazii, chiar dacă nu au fost publicate, împiedicându-ne astăzi să cunoaștem numeroase opere produse de maeștri italieni precum Valentini (unele pentru 17 coruri), ^[12] Priuli, Bernardi (Liturghia pentru sfințirea Catedralei din Salzburg) și altele.

Istorie

Baroc timpuriu

Camerata de 'Bardi a fost un grup de umaniști, muzicieni, poeți și intelectuali din Florența Renașterii târzii care s-au adunat în jurul patronajului lui Giovanni Bardi , contele de Vernio , pentru a discuta și a influența moda artistică a vremii, în special în muzică și teatru . În ceea ce privește muzica, idealurile lor se bazau pe recepția valorii vorbirii și rugăciunii în muzica teatrului clasic , în special a grecului . Prin urmare , Camerata a respins utilizarea pe care autorii săi contemporani din muzică instrumentală și polifonie , create de linii melodice independente, și a luat în considerare mijloacele muzicale ale Greciei antice , cum ar fi monodie , care a constat dintr - o linie de canto solo însoțit. De la Citara , strămoș al cetrei. O primă realizare a acestor idei estetice este reprezentată de lucrările Dafne , prima compoziție care a fost definită vreodată ca operă și Euridice de Jacopo Peri .

În teoria muzicii vremii, utilizarea basului cifrat s-a răspândit, definind începutul rolului foarte important al armoniei în compoziția muzicală, de asemenea ca fundament vertical al polifoniei în sine. Armonia poate fi considerată ca rezultatul final al contrapunctului , basul codificat fiind o reprezentare grafică a armoniilor utilizate în mod obișnuit în joc.

Barocul mijlociu

Această secțiune despre subiectul muzicii este încă goală . Ajută-ne să-l scriem!

Baroc târziu

Această secțiune despre subiectul muzicii este încă goală . Ajută-ne să-l scriem!

Muzica instrumentala

Marele concert

Același subiect în detaliu: Concerto grosso .

Termenul de concerto grosso indică o practică a muzicii sacre din secolul al XVII-lea, care prevede subdivizarea vocilor și instrumentelor în două grupuri: una formată din câțiva soliști selectați, numită „ concertino ”; cealaltă formată dintr-un grup vocal și / sau instrumental mai mare, numit „ ripieno ” sau tocmai „concerto grosso”. Deși această practică a fost descrisă de Ludovico Viadana în Psalmii săi cu patru coruri (1612), de la jumătatea secolului al XVII-lea, a fost folosită în muzica sacră pentru solo și cor de umplutură. Mai târziu, acest tip de scriere a fost aplicat și însoțirilor instrumentale ale ariilor, împărțind instrumentele în „ Soli ”, în concertarea cu vocea, și „ Tutti ” în refrenele de la începutul și sfârșitul versului, după cum se poate văzut de exemplu în muzica lui Alessandro Stradella și Bernardo Pasquini . ^[13] În jurul anului 1680 sau cu puțin timp înainte, această practică a fost introdusă în muzica instrumentală de Arcangelo Corelli , care a experimentat ca aceasta să fie deseori chemată să dirijeze, ca primă vioară, orchestre mult mai mari decât cele obișnuite, de 50, 100 și chiar 150 de elemente. În aspectele sale structurale, concerto grosso amintește organizarea în mai multe mișcări ale sonatei a tre vechi , de asemenea, în subdiviziunea în cele două genuri „ biserică ” și „ cameră ”. Concertele compuse de Corelli pe o perioadă de treizeci de ani au fost tipărite de el în colecția Concerti grossi , Op.6 , lansată postum la Amsterdam în 1714. Cele douăsprezece concerte mari din colecție sunt cel mai înalt exemplu al genului: muzica este împărțit între un grup de soliști (în cazul lui Corelli, două viori și un violoncel) numit „concertino” sau „soli” care contrastează cu întregul corp al orchestrei, numit „grosso” sau „tutti”. Nu există un contrast generic bazat pe contrastul simplu al sonorităților, ci o diviziune riguroasă a muncii: „marele” este responsabil pentru expunerea refrenului, „concertino” pentru episoadele solo, conform unei articulații care va fi apoi să fie preluat și de solistul de concert.

Concertul solo

Același subiect în detaliu: concert solo .

În general, este identificat în Antonio Vivaldi , inventatorul concertului solo , adică evoluția „concertului mare” către o formă muzicală care include unul sau mai multe instrumente solo cărora li se atribuie o parte „obligatorie”.

Suita

Același subiect în detaliu: Suite (muzică) .

Forma suitei provine din practica însoțirii și susținerii dansului cu un număr mai mult sau mai puțin mare de voci sau instrumente, dar termenul de suită apare pentru prima dată într-o colecție publicată de compozitorul francez Philippe Attaignant în 1529. practica de a codifica într-un mod riguros denumirea și succesiunea diferitelor dansuri este, totuși, mult mai târzie și apare atunci când suita devine o „continuare” a dansurilor pur imaginare. Se datorează lui Johann Jakob Froberger , elev al lui Girolamo Frescobaldi , reducerea suitei la cele patru dansuri „de bază” ( allemanda , curent , saraband și giga ) și acesta va fi modelul de bază pe care Johann Sebastian Bach îl va urma doar pentru unele dintre sale suite (lui engleză Suites , de exemplu, sunt împărțite în opt dansuri).

În unele tipuri de suite, un preludiu începe dansurile, în cazuri excepționale există o deschidere , un preambul , o fantezie sau o atingere . Între sarabandă și Jig puteți găsi dansuri , cum ar fi gavotta , The Siciliana , The bourrée , The loure , The menuet , The Musetta , The dublu și polacca , în timp ce după suportul de dansurile sunt , de obicei Passacaglia și Chaconne .

Sonata

Același subiect în detaliu: Sonata .

Modelul original al sonatei apare la Veneția spre sfârșitul secolului al XVI-lea, datorită organiștilor și violoniștilor care slujesc în Capela Bazilicii San Marco , dar ideea unei forme instrumentale total autonome față de muzica vocală, totuși prinde rădăcini în celălalt mare centru muzical al Italiei vremii: Bazilica San Petronio din Bologna. Aici urzeala contrapuntică a sonatei Renașterii se topește în cele două polarități ascunse ale sale: pe de o parte, „bas continuo”, pe de altă parte, jocul improvizațional liber al vocilor superioare. Astfel s-a născut prototipul așa-numitei „ sonate a tre ”, al cărei personal este format din continuo și două instrumente melodice. Începând din a doua jumătate a secolului al XVII-lea, sonata a tre este împărțită în două forme complementare: pe de o parte, „ sonata bisericii ”, destinată inițial să înlocuiască părțile lipsă ale liturghiei vocale și, prin urmare, caracterizată printr-o scriere contrapuntică severă, pe de altă parte, „ sonata de cameră ”, destinată inițial divertismentului și deci marcată de scrierea ritmico-melodică tipică formelor de dans. Unul dintre cei mai cunoscuți compozitori de sonate baroce este Domenico Scarlatti , autorul a 555 de sonate pentru clavecin solo .

Muzică vocală

Munca

Același subiect în detaliu: Opera .

Opera s-a născut la Florența spre sfârșitul secolului al XVI-lea și, datorită lui Claudio Monteverdi , s-a răspândit enorm în perioada barocă, stabilindu-se mai presus de toate în Roma , Veneția și, ulterior (începând cu ultimele decenii ale secolului al XVII-lea ), la Napoli . Spectacol rezervat inițial curților și, prin urmare, destinat unei elite de intelectuali și aristocrați, a dobândit un caracter distractiv începând cu deschiderea primului teatru public în 1637 : Teatrul San Cassiano din Veneția .
Severitatea lucrărilor timpurii, încă pătrunsă de estetica Renașterii târzii, este apoi înlocuită de gustul pentru varietatea de muzică, situații, personaje, intrigi; în timp ce forma ariei , cu melodia sa captivantă și prilejul cântării, fură din ce în ce mai mult spațiu din recitativul dialogurilor și, în consecință, din aspectul literar, cântecul devine din ce în ce mai înflorit. Printre cei mai mari reprezentanți italieni ai perioadei baroce îi putem menționa pe Francesco Cavalli ( Il Giasone și L'Ercole amante ) și Alessandro Scarlatti ( Il Tigrane și Griselda ).

Între timp, Jean-Baptiste Lully , un compozitor italian care a emigrat în Franța, dă viață operei franceze . În ea, cantabilitatea tipică italiană, care nu este foarte potrivită pentru limba franceză , este abandonată în favoarea unei interpretări muzicale mai riguroase a textului.
Stilul de a cânta, mai sever și declamator, este în principal silabic. Alte elemente de diferențiere de modelul italian sunt constituite de importanța atribuită coregrafiilor și de structura în cinci acte, pe care opera serioasă franceză o va păstra până la sfârșitul secolului al XIX-lea. Astfel s -au născut tragédie-lyrique și opéra-balet .

În secolul al XVIII-lea , opera italiană a fost reformată de către poeții Apostolo Zeno și Pietro Metastasio , care au stabilit o serie de canoane formale legate de structura dramaturgică, precum și de structura metrică a ariilor, aplicând așa-numitele unități aristotelice și dedicându-se exclusiv genului serios .

Alegerea lui Zeno și Metastasio de a exclude fiecare element comic din teatrul muzical serios determină nașterea operei comice , mai întâi sub forma unui interludiu , apoi ca operă comică .

Cantata

Același subiect în detaliu: Cantata .

Cantata este o formă muzicală vocală de origine italiană tipică muzicii baroce, formată dintr-o secvență de piese precum arii , recitative , concertate și numere corale . Are o anumită afinitate cu opera barocă , dar spectacolul are loc fără scenă și fără costume și spectacolul este de dimensiuni mai mici.

Cantatele pot fi sacre (sau bisericești), mai ales inspirate de evenimente preluate din Sfintele Scripturi , sau profane (sau de cameră), de obicei cu un subiect mitologic sau istoric , în latină sau în limba populară .

În Italia, cei mai mari compozitori de cantate au fost Giacomo Carissimi , Alessandro Scarlatti , Giovanni Bononcini , Antonio Caldara și Antonio Vivaldi .

Importanti in Germania furono Georg Friedrich Haendel , Georg Philipp Telemann , Dietrich Buxtehude .

La cantata da chiesa tedesca

Il concetto di "cantata sacra" è estraneo al lessico di Johann Sebastian Bach : il termine è stato infatti coniato soltanto nel XIX secolo per indicare sommariamente le composizioni da chiesa settecentesche su testo spirituale, ispirato alle Sacre Scritture, intonate da coro e solisti con accompagnamento di strumenti. Una svolta nella storia della cantata da chiesa tedesca è segnata dalla pubblicazione nel 1704 di un'antologia di testi per le cantate da chiesa del pastore protestante Erdmann Neumeister . Ispirandosi alle forme poetiche dell'opera, dell'oratorio e della cantata, secondo l'uso italiano, Neumeister articolò i versi dei suoi testi in arie, recitativi, concertati e numeri corali, fornendo a ciascun compositore un modello formale comodo da mettere in musica secondo lo stile del tempo. Johann Sebastian Bach seguì in molti casi il modello della "cantata" offerto da Neumeister, anche se impiegò anche altri modelli, più tradizionali, come per esempio le cosiddette "cantate-corali", in cui utilizza il testo di un corale luterano, suddiviso in più numeri ognuno dei quali coincidente con una strofa del testo.

In origine il termine " corale " indicava generalmente il canto monodico non accompagnato dalla liturgia cristiana. Con l'avvento della riforma luterana la parola viene ad indicare il canto, anch'esso monodico, proprio della chiesa luterana e delle altre confessioni cosiddette " protestanti ". Il cuore musicale della riforma luterana è costituito da un nuovo corpus di canti monodici, spesso di estrema semplicità e concentrazione melodica. I testi appartengono alla lingua della liturgia riformata, il tedesco , e abbandonano definitivamente il tradizionale latino dei padri della chiesa cattolica. I nuovi "corali" possono essere intonati choraliter , in forma monofonica, oppure figuraliter , in forma polifonica, grazie alla semplice armonizzazione della linea vocale di base. Di questa prassi, in uso sin dalla metà del Cinquecento, si avvarranno nei secoli successivi tutti i compositori tedeschi al servizio delle comunità luterane, compreso JS Bach. Generalmente, anche se con numerose eccezioni, le Kirchenkantaten di JS Bach si aprono con un corale intonato in forma non polifonica, seguono poi arie, recitativi e concertati, e si concludono con un corale armonizzato a quattro o cinque voci oppure con un numero corale.

L'oratorio

Lo stesso argomento in dettaglio: Oratorio (musica) .

Genere di cantata, sviluppatosi a partire dagli inizi del XVII secolo, specificamente destinato a rendere più attrattive e solenni delle riunioni di preghiera e predicazione, che si tenevano, al di fuori della liturgia, negli oratori di confraternite o congregazioni religiose. Dal luogo originario d'esecuzione questo genere di cantata prese il nome di oratorio . Come altre forme di poesia per musica, l'oratorio presenta versi per i recitativi e per le arie, e talvolta per i numeri corali. I soggetti dei testi sono tratti dal Sacre Scritture, in cui i personaggi portano avanti un'azione drammatica solo con il canto, ma non recitandola in scena e senza costumi. Esistono anche oratori profani di soggetto mitologico o storico. Generalmente i testi sono in volgare, anche se esiste una minoranza di oratori in latino. Tra i maggiori compositori di oratori ci sono: Giacomo Carissimi , Bernardo Pasquini , Giovanni Bicilli , Giovanni Legrenzi , Alessandro Stradella , Giovanni Paolo Colonna , Giacomo Antonio Perti , Alessandro Scarlatti , Giovanni Battista Pergolesi , Marc-Antoine Charpentier , Heinrich Schütz , Johann Sebastian Bach , George Frideric Handel e Johann Adolf Hasse .

Gli strumenti nella musica barocca

In epoca barocca ebbero un ruolo particolarmente importante gli strumenti d'armonia dedicati all'esecuzione del basso continuo , che è il vero denominatore comune di tutta la produzione musicale. Fra questi, i due di uso prevalente erano l' organo e il clavicembalo (ai quali è dedicata, inoltre, una vastissima letteratura solistica; ne sono un semplice esempio le 555 sonate per clavicembalo di Domenico Scarlatti oppure L'Art de Toucher le Clavecin di François Couperin ). Il basso continuo, tuttavia, era anche realizzato dalla tiorba , dall' arpa e occasionalmente dal regale ; era prassi frequente che più strumenti (ad esempio organo e tiorba) concorressero all'esecuzione del basso continuo, soprattutto in compagini orchestrali o corali numerose ^[14] . Fra gli strumenti a corda erano pure molto diffusi, sia come strumenti solisti che come strumenti d'accompagnamento, il liuto e la chitarra . Il clavicordo , per contro, era apprezzato ma era destinato a un uso esclusivamente solistico.

Per quanto riguarda gli strumenti melodici, nel passaggio dal Rinascimento all'epoca barocca si riscontra una generale riduzione nella varietà di strumenti utilizzati: mentre nel XVI secolo praticamente ogni strumento melodico, sia a fiato che a corde, era costruito in taglie differenti, che riproducevano le diverse estensioni vocali (e spesso erano indicate con i termini "soprano", "contralto", "tenore e "basso"), nel corso della prima metà del XVII secolo, con la nascita di una vera e propria letteratura strumentale idiomatica, in ciascuna "famiglia" di strumenti fu privilegiata un'unica taglia ^[15] . L'unica rilevante eccezione è costituita dalle viole da braccio, per le quali si consolidarono le quattro versioni che tuttora conosciamo ( violino , viola , violoncello e contrabbasso ).

A fianco della famiglia degli archi , che costituivano l'elemento irrinunciabile di ogni insieme orchestrale, gli strumenti più frequentemente usati fra quelli acuti erano:

• il cornetto , che nella prima metà del XVII secolo contendeva al violino il ruolo di strumento solistico e virtuosistico per eccellenza;
• l' oboe , discendente diretto dal contralto della bombarda rinascimentale; erano usate, per particolari effetti timbrici, anche versioni di taglia maggiore e con alcune peculiarità costruttive, dette oboe d'amore e oboe da caccia ;
• il flauto dolce , prevalentemente nella taglia di "contralto" (in sol nella prima parte del XVII secolo, in fa successivamente);
• il flauto traverso , nella taglia in re. Sia il flauto traverso che il flauto dolce subirono rilevanti modificazioni costruttive rispetto alle versioni rinascimentali: in particolare, nella seconda metà del XVII secolo si iniziò a costruire questi strumenti in più parti smontabili (tre o quattro), per permettere agli strumentisti di adeguare l'intonazione dello strumento ai diversi "la" che coesistevano.

Fra gli strumenti gravi:

• la viola da gamba (nella taglia di basso, anche se era occasionalmente impiegata anche nella taglia di dessus : in Inghilterra il consort di viole da gamba, che includeva tutte le taglie, era tuttavia ancora in auge nel XVII secolo);
• la lira da gamba , detta semplicemente lira, strumento ad arco che permetteva l'accompagnamento armonico dei brani a voce sola di particolare espressività, come i "lamenti".
• il trombone ;
• il fagotto , discendente diretto del basso della famiglia delle dulciane ;

Nell'orchestra barocca erano spesso presenti anche la tromba e dall'inizio del XVIII secolo il corno (all'epoca, entrambi senza pistoni); fra gli strumenti a percussione acquistarono un ruolo di particolare importanza i timpani .

Accanto a questi strumenti di largo uso sia come strumenti solistici che nell'orchestra, in epoca barocca godettero di occasionale popolarità nell'ambito di specifiche scuole o mode musicali:

• il mandolino ;
• la viola d'amore , viola da braccio con corde aggiuntive di risonanza;
• la viola da gamba
• lo chalumeau , antecedente diretto del clarinetto ;
• la musette de cour (piccola cornamusa con mantice) e la ghironda , strumenti che evocavano atmosfere "pastorali".
• il serpentone (basso della famiglia dei cornetti) e il fifre (flauto traverso ottavino), nonché il tamburo, specie nelle bande militari e più tardi in quelle civiche.

Compositori più noti

I compositori del periodo barocco più noti al grosso pubblico, grazie ad una vasta produzione concertistica e discografica nel corso degli ultimi cinquant'anni, sono gli italiani Claudio Monteverdi , Giacomo Carissimi , Bernardo Pasquini , Alessandro Scarlatti e il figlio Domenico , Antonio Vivaldi , i tedeschi Bach e Händel e l'inglese Purcell . Numerosi altri compositori di grandissima notorietà ai loro tempi come Girolamo Frescobaldi , Heinrich Schütz , Arcangelo Corelli , Dietrich Buxtehude e Georg Philipp Telemann , nonché tutti i maggiori compositori della Scuola Francese Jean-Baptiste Lully , François Couperin , Marc-Antoine Charpentier , Marin Marais , Jean-Philippe Rameau ecc.), pur avendo avuto un'importanza storica e artistica non inferiore a quelli precedentemente citati, sono oggi familiari a un pubblico relativamente più ristretto. È soprattutto nel campo operistico che la ricchezza di nomi e di influenze è vastissima: essendo l'opera la principale fonte di successo per la maggior parte degli autori del tempo, anche la produzione ad essa collegata è praticamente sconfinata, e non è raro che vengano riscoperti lavori di notevole valore artistico, anche di compositori che fino ai nostri giorni erano meno rimasti pressoché sconosciuti alla ricerca musicologica .

Celebri operisti furono certamente (oltre ai già citati Claudio Monteverdi , Jean-Baptiste Lully , Pier Francesco Cavalli , Alessandro Scarlatti , Händel , Vivaldi e Purcell ) Alessandro Stradella , Bernardo Pasquini , Giovanni Battista Pergolesi , Leonardo Leo , Antonio Caldara , Nicola Porpora e Jean-Philippe Rameau . Molti appartengono alla Scuola musicale napoletana , che fu fra le più influenti e alla moda a partire dal terzo decennio del XVIII secolo . Da quell'epoca Napoli si impose, infatti, come uno dei massimi centri operistici europei, contendendo a Venezia un primato che la città lagunare aveva sempre avuto in Italia.

Nel XVII secolo Roma fu uno dei principali centri dell'opera italiana, contribuendo in modo determinante allo sviluppo del genere e delle sue convenzioni fin dagli albori. Diversamente da altri centri, come Venezia che dal 1637 aveva sviluppato un sistema di teatri pubblici ovvero per un pubblico pagante, a Roma gli spettacoli operistici prosperarono soprattutto nei teatri delle famiglie aristocratiche, come i Barberini, nella prima metà del XVII secolo ei Colonna nella seconda metà, che realizzarono teatri nei loro stessi palazzi. A Roma, nel corso del Seicento, si formarono numerosi compositori e cantanti d'opera, che furono attivi anche nei teatri di altre città italiane ed europee. A Roma si formò, tra gli altri, Alessandro Scarlatti, poi attivo nei teatri di Venezia, Firenze e Napoli. In Italia, sulla scia dell'esempio veneziano, l'attività dei teatri d'opera aperti al pubblicosi diffuse, a partire dalla metà del XVII secolo, anche in altri centri come Bologna , Firenze , Genova , Pisa , Livorno , Modena , Ferrara , Parma , Napoli , Palermo , Milano ecc., attraverso modelli di gestione dei teatri adattati alla diversa struttura sociale e politica locale. ^[16] Nel resto dei paesi europei la vita operistica ruotava generalmente attorno a una corte. ^[17] in forma quasi esclusiva ( Parigi e Madrid ) o prevalente ( Vienna e Londra ). Solo in Germania gli spettacoli operistici si articolavano su modelli non troppo dissimili da quelli italiani, con città di grandi e medie dimensioni che fin dal XVII secolo si erano dotate di strutture teatrali adeguate, anche private. A Monaco di Baviera fu aperto un teatro stabile fin dal 1657 (l' Opernhaus am Salvatorplatz rimasto in funzione fino al 1822 ), ad Amburgo si inaugurò nel 1678 il primo teatro pubblico tedesco e Dresda si impose fin dai primi decenni del Settecento come una piazza di prim'ordine.

In tutta Europa (ad eccezione della Francia che aveva sviluppato un proprio genere di teatro per musica, la tragédie-lyrique ), dominò comunque, durante tutta l'età barocca e per tutto il Settecento, l'opera italiana, che si impose come fenomeno transnazionale, al punto che tra i maggiori compositori del genere possiamo indicare tre compositori d'area germanica, quali Händel , Gluck e Mozart . L'Italia possedeva all'epoca buoni conservatori musicali e le più importanti compagnie liriche erano formate in maggiore o minor misura da interpreti italiani. I compositori italiani venivano contesi dalle corti europee e quelli di altri paesi dovettero quasi sempre orientare la propria produzione secondo le consuetudini e lostile dell'opera italiana. Soprattutto a Vienna, la cultura italiana dominò nel XVII e per buona parte del XVIII secolo. I poeti di corte, autori dei libretti d'opera, erano sempre italiani; basti ricordare Apostolo Zeno e Pietro Metastasio ; come pure i maestri di cappella; basti ricordare i nomi di Antonio Caldara e Antonio Salieri .

Tavola sinottica dei compositori barocchi (1550 -1750)

Claudio Monteverdi

Lo stesso argomento in dettaglio: Claudio Monteverdi .

Claudio Monteverdi

Claudio Monteverdi ( Cremona , 9 maggio 1567 – Venezia , 29 novembre 1643 ) fu il primo grande operista nella storia della lirica e fra i massimi compositori del suo tempo.

Fu il creatore del linguaggio lirico, un linguaggio che doveva esaltare la voce umana ed essere in funzione della verità dell'espressione. L'Orfeo ( 1607 ) di Monteverdi è la prima opera, nella storia del melodramma in musica, degna di tale nome. In essa Monteverdi riesce a fondere perfettamente i vari generi di intrattenimento, dai canti madrigaleschi, alle scene a sfondo pastorale, passando per le musiche suonate a corte in occasione di feste e balli, sublimandoli con la sua arte e mettendoli al servizio di un coerente sviluppo drammaturgico. I personaggi acquistano, ne L'Orfeo, una dimensione e uno spessore nuovi e delle connotazioni di dolente umanità. Con Il ritorno d'Ulisse in patria ( 1640 ) e L'incoronazione di Poppea ( 1643 ), Monteverdi si rivela ancora una volta artista dall'ispirazione ricca e multiforme e dalle tecniche musicali e armoniche raffinatissime. Dà infatti vita a una nuova sublime creazione, animata da un profondo patetismo ed espressione di una perfezione formale, sia sotto il profilo musicale sia drammaturgico, che per lungo tempo resterà ineguagliata.

Monteverdi fu anche compositore di madrigali , ascrivibili a un genere che con lui raggiunse la propria espressione più alta e di musica strumentale e sacra (celebre il suo Magnificat composto per Papa Pio V )

Henry Purcell

Lo stesso argomento in dettaglio: Henry Purcell .

Henry Purcell

Henry Purcell ( Westminster , Londra , 10 settembre 1659 – Westminster , Londra , 21 novembre 1695 ) è stato uno dei più grandi compositori britannici. Durante gli ultimi anni della sua vita scrisse alcune opere teatrali come Dido and Æneas , The Prophetess (The History of Dioclesian) , King Arthur , The Indian Queen , Timon of Athens , The Fairy Queen e The Tempest . Compose anche della musica notevole per gli anniversari di compleanno e per il funerale della Regina Maria II .

Antonio Vivaldi

Lo stesso argomento in dettaglio: Antonio Vivaldi .

Antonio Vivaldi

Antonio Vivaldi ( Venezia , 4 marzo 1678 – Vienna , 28 luglio 1741 ) è un celebre violinista e compositore del periodo barocco. Fu anche un sacerdote, e per tale motivo – e per il colore dei suoi capelli – venne soprannominato "Il prete rosso".

La sua composizione più nota sono i quattro concerti per violino conosciuti come Le quattro stagioni , celebre e straordinario esempio di "musica a soggetto".

Il recupero della sua opera è un fatto relativamente recente e viene individuato nella prima metà del XX secolo . Avvenne grazie soprattutto agli sforzi di Alfredo Casella , il quale nel 1939 organizzò la Settimana di Vivaldi , evento che viene ricordato come storico in quanto, da allora, le opere del compositore veneziano hanno riscosso pieno successo.

Innovando dal profondo la musica dell'epoca, Vivaldi diede più evidenza alla struttura formale e ritmica del concerto , cercando ripetutamente contrasti armonici e inventando temi e melodie inconsuete. Il suo talento consisteva nel comporre una musica non accademica, chiara ed espressiva, tale da poter essere apprezzata dal grande pubblico e non solo da una minoranza di specialisti.

Vivaldi è considerato uno dei maestri della scuola barocca italiana, basata sui forti contrasti sonori e sulle armonie semplici e suggestive. Johann Sebastian Bach fu profondamente influenzato dalla forma del concerto vivaldiano: egli trascrisse alcuni concerti per clavicembalo solista e alcuni concerti per orchestra, tra questi il famoso Concerto per quattro violini e violoncello, archi e continuo (RV 580) .

Johann Sebastian Bach

Lo stesso argomento in dettaglio: Johann Sebastian Bach .

Johann Sebastian Bach

Johann Sebastian Bach ( Eisenach , 31 marzo 1685 – Lipsia , 28 luglio 1750 ) fu un compositore tedesco e organista del periodo barocco , universalmente considerato uno dei più grandi geni della musica di tutti i tempi.

Le sue opere sono famose per profondità intellettuale, padronanza dei mezzi tecnici ed espressivi, bellezza artistica e sono state di ispirazione per la gran parte dei compositori che si sono susseguiti nella tradizione europea .

Il contributo di Johann Sebastian Bach alla musica o, per utilizzare un'espressione resa popolare dal suo allievo Lorenz Christoph Mizler , alla "scienza della musica", è di frequente paragonato al contributo di William Shakespeare alla letteratura inglese e di Isaac Newton alla fisica . Durante la sua vita, egli compose oltre 1000 opere. La sua raccolta di preludi e fughe chiamata Il clavicembalo ben temperato costituisce un repertorio monumentale e definitivo per quello che riguarda lo stato della forma detta fuga in ambito barocco. Esplorò compiutamente la possibilità di eseguire sulla tastiera composizioni in tutte le 24 tonalità maggiori e minori, come risultato dell'abbandono del sistema di accordatura mesotonica a favore dei cosiddetti "buoni temperamenti" (che precorsero la successiva adozione, nel corso del XIX secolo, del temperamento equabile ).

Georg Friedrich Händel

Lo stesso argomento in dettaglio: Georg Friedrich Händel .

Georg Friedrich Händel

Georg Friedrich Händel ( Halle , 23 febbraio 1685 – Londra , 14 aprile 1759 ) fu uno dei maggiori compositori del XVIII secolo . In passato il nome veniva trascritto come George Frideric Handel, o Haendel o ancora, ma meno di frequente, Hendel.

Nacque nella città di Halle , nella regione tedesca della Sassonia , da una famiglia borghese (il padre era un barbiere-cerusico) e trascorse gran parte della vita all'estero, frequentando numerose corti europee. Morì a Londra all'età di settantaquattro anni.

Händel visse dal 1706 al 1710 in Italia , dove raffinò la sua tecnica compositiva, adattandola a testi in italiano; rappresentò opere nei teatri di Firenze , Roma , Napoli e Venezia e conobbe musicisti coevi come Scarlatti , Corelli , Marcello . A Roma fu al servizio del cardinale Pietro Ottoboni , mecenate anche di Corelli e Juvarra .

Dopo essere stato per breve tempo direttore musicale alla corte di Hannover , nel 1711 si trasferisce a Londra per rappresentarvi Rinaldo , che riscuote un notevole successo. A Londra Händel decide così di stabilirsi e fondare un teatro reale dell'opera, che sarà conosciuto come Royal Academy of Music . Fra il 1720 e il 1728 , scriverà per questo teatro quattordici opere. Händel compose quarantadue opere di genere serio per il teatro diventate famose (e molte delle quali tutt'oggi rappresentate in tutto il mondo).
Fu autore anche di venticinque oratori altrettanto celebri (incluso il suo capolavoro Messiah ).

Scrisse poi molte pagine di musica per orchestra . Tra esse comprendevano anthem , sorta di inni celebrativi, e sonate sacre, oltre a centoventi cantate, diciotto concerti grossi , dodici concerti per organo e trentanove fra sonate, fughe , suite per clavicembalo .

Altri compositori

Il panorama della musica in quest'epoca non era certo ristretto ai cinque compositori sopra ricordati. Nel secolo e mezzo di evoluzione che contraddistingue l'epoca barocca, emersero paradigmi musicali estremamente eterogenei: fu questa l'epoca in cui vennero codificati o fondamentalmente rivisitati alcuni fra gli stili e le forme musicali fondamentali nella musica classica , come il concerto , l' opera lirica e gran parte della musica sacra .

Per ciò che riguarda lo sviluppo del concerto grosso fondamentale è stato l'apporto di Händel , ma anche dell'italiano Arcangelo Corelli la cui op. 6 è considerata una delle massime espressioni. Ancora nel campo della musica strumentale bisogna ricordare l'opera di Georg Philipp Telemann che i suoi contemporanei consideravano il massimo musicista tedesco (assai più che non Bach, come si ricorda sopra).

Nel caso del concerto solista il nome di Vivaldi è quello che più facilmente viene citato, ma altri artisti a lui contemporanei contribuirono in modo fondamentale nello sviluppo di questi stile, fra i quali non si possono non ricordare Alessandro Marcello , Giuseppe Torelli .

Tavola diacronica dei compositori barocchi

Qui di seguito sono raggruppati dei compositori barocchi per data di nascita secondo le periodizzazioni fatte da Suzanne Clercx ^{[18] [19]} .

Note

Bibliografia

• ( EN ) Manfred Bukofzer, Music in the Baroque Era . New York, WW Norton & Co., 1947. ISBN 0-393-09745-5
• ( EN ) Little, Meredith Ellis. 2001a. "Passepied". The New Grove Dictionary of Music and Musicians , edited by Stanley Sadie and John Tyrrell. New York: Grove's Dictionaries.
• ( EN ) Little, Meredith Ellis. 2001b. "Rigaudon". The New Grove Dictionary of Music and Musicians , edited by Stanley Sadie and John Tyrrell. New York: Grove's Dictionaries.
• ( EN ) Mackay, Alison, and Craig Romanec. [nd] " Baroque Guide ". [1] website.
• ( EN ) Strunk, Oliver. 1952. Source Readings in Music History. From Classical Antiquity to the Romantic Era. . London: Faber & Faber, p. 393-415, "Stile Rappresentativo".
• ( DE ) Sachs, Curt. 1919. "'Barokmusik". Jahrbuch der Musikbibliothek Peters 1919 , 7–15.
• ( FR ) Claude V. Palisca, La Musique Baroque , Actes Sud, 1994
• ( EN ) Claude V. Palisca, "Baroque", Grove Music Online, ed. L. Macy (Accessed August 21, 2007), (subscription access)
• Philippe Beaussant , Vous avez dit baroque? , Actes Sud (Collection Babel), 1994 ISBN 2-7427-0123-0
• ( EN ) Julie Anne Sadie, Companion to baroque music , Los Angeles, University of California Press, 1998. ISBN 978-0-520-21414-9
• ( FR ) Michel Bosc , Musique baroque française, splendeurs et résurrection , 2009, ISBN 978-1-4452-0102-3
• Giuseppe Bardone "Incontri musicali" Milano, Studio Emme, 2015

Voci correlate

• Concerto (composizione musicale)
• Basso continuo
• Fortspinnung

Altri progetti

• Wikimedia Commons contiene immagini o altri file su musica barocca

Collegamenti esterni

• ( EN ) Musica barocca , su Enciclopedia Britannica , Encyclopædia Britannica, Inc.

Portale Musica classica : accedi alle voci di Wikipedia che trattano di musica classica