Muzica clasica

Dezambiguizare - Dacă sunteți în căutarea perioadei din istoria muzicii dintre baroc și romantism, consultați Clasicism (muzică) .

Fotomontaj al compozitorilor clasici. Sus de la stânga la dreapta: Antonio Vivaldi , Johann Sebastian Bach , Georg Friedrich Händel , Wolfgang Amadeus Mozart , Ludwig van Beethoven ;
al doilea rând: Gioachino Rossini , Felix Mendelssohn , Frédéric Chopin , Richard Wagner , Giuseppe Verdi ;
al treilea rând: Johann Strauss II , Johannes Brahms , Georges Bizet , Pëtr Il'ič Čajkovskij , Antonín Dvořák ;
rândul din spate: Edvard Grieg , Edward Elgar , Sergei Rachmaninov , George Gershwin , Aram Il'ič Chačaturjan

Muzica clasică Termenul se referă la cultură , sacru și muzică profană , compusă sau având rădăcini în contextul culturii occidentale . Acoperă aproximativ o perioadă de timp care începe din secolul al XI-lea și se extinde până în secolul al XX-lea ^[1] sau, în funcție de convenții, până în epoca contemporană . Această perioadă include, în special, perioada caracterizată prin dezvoltarea și utilizarea predominantă a armoniei tonale , codificată între secolele XVII și XIX ^[2] . În contexte mai specializate, termenul „muzică clasică” poate fi, de asemenea, referit, într-un sens mai restrictiv, la perioada muzicală numită clasicism ^[3] , dar în limbajul comun expresia este înțeleasă în sensul său cel mai larg (spre deosebire de muzica ușoară) sau muzică populară ).

Limitele categoriei sunt neclare și discutabile, întrucât marca clasicismului este atribuită în general de posteritate; prin urmare, ceea ce astăzi este definit ca „clasic” nu a fost neapărat așa în momentul în care a fost compus. În special, în funcție de context, conceptul de „muzică clasică” poate include sau nu muzica cultă contemporană. Indicația „muzicii clasice” cu referire la muzica cultă europeană apare la începutul secolului al XIX-lea , pentru a „canoniza” perioada de la Bach la Beethoven , trecând prin Haendel și Mozart , ca epoca de aur a muzicii ^[4] și primele referințe la această utilizare, după cum sa raportat în Oxford English Dictionary , datează din jurul anului 1836. ^{[1] [5]}

O caracteristică importantă a muzicii europene de cultură este abandonarea tradiției orale și introducerea unui sistem de notație muzicală , dezvoltat treptat începând cu secolul al IX-lea . ^[6] De-a lungul timpului improvizația și ornamentarea extemporaneă sau ad libitum , utilizate în mod obișnuit până în secolele XVII și XVIII , au pierdut treptat spațiu în interpretarea repertoriului scris, în care testamentul compozitorului, transferat la notație, este interpretat în limitele compoziției în sine, nu mai permit spațiu pentru modificări arbitrare ale muzicii de către interpreți. ^{[7] [8] [9]}

Caracteristici

Având în vedere varietatea extrem de largă de forme, stiluri, genuri și perioade istorice percepute în general ca „muzică clasică”, este dificil de identificat caracteristici comune care pot caracteriza toate lucrările de acest tip. Cele mai tipice descrieri sunt vagi și de diverse feluri, referindu-se poate la perspectiva istorică (ceva „compus cu mult timp în urmă”, o afirmație destul de discutabilă dacă luăm în considerare însăși conceptul de muzică clasică contemporană ). Cu toate acestea, există caracteristici pe care muzica clasică le împarte cu puține sau deloc alte genuri de muzică. ^[10] Printre caracteristicile determinante, se numără adoptarea unui sistem de notație muzicală care a permis trecerea de la tradiția orală la literatura scrisă, modificând profund transmisia muzicii și schimbând radical atât modul de a studia și comunica, cât și cel de a transmite repertoriul către posteritate. Un alt punct cheie, posibil prin tranziția de la cultura muzicală orală la cea scrisă, este dezvoltarea unei armonii solide și metodice care face posibilă construirea compozițiilor muzicale de dimensiuni și complexități considerabile, fără precedent și care nu sunt comparabile cu alte culturi muzicale., Mulțumesc de asemenea, la introducerea tehnicii de modulare și aplicarea acesteia la construcția discursului muzical, permițând o mai mare varietate.

Literatură

O caracteristică fundamentală a muzicii clasice occidentale este abandonarea, începând din secolul al IX-lea , a tradiției orale, care a caracterizat muzica din antichitate și care continuă să caracterizeze muzica populară și cea a multor culturi non-europene. Repertoriul este pus în scris în notație muzicală , cu crearea unei părți muzicale sau a unui scor pentru fiecare instrument și, în muzica de ansamblu, un scor care permite ca părțile tuturor instrumentelor să fie observate împreună. Această notație determină, în general, precis ritmul și intonația și, în cazul în care sunt implicați doi sau mai mulți muzicieni (atât cântăreți, cât și instrumentiști), specifică modul în care sunt coordonate diferitele părți individuale. Notarea muzicii, pe lângă păstrarea operelor în timp, a făcut posibilă crearea compozițiilor cu un nivel ridicat de complexitate: muzica contrapuntică , cum ar fi în fugele lui Bach , ajunge la o elaborare extraordinară prin combinația multor linii melodice care, deși clar distincte, se potrivesc perfect atât la nivel ritmic, cât și la nivel armonic. Acest lucru a permis, de asemenea, dezvoltarea unei logici armonice coerente care ar fi imposibil de adus la niveluri similare de complexitate prin improvizare. ^[11]

Instrumentaţie

Același subiect în detaliu: Woodwind , Brass (muzică) , Corzi (muzică) , Percuție și tastaturi (muzică) .

O trupă de tineri în timpul unei execuții

Instrumentele cele mai frecvent utilizate în repertoriul de muzică clasică au fost inventate în mare parte înainte de mijlocul secolului al XIX-lea (adesea mult mai devreme) și și-au dezvoltat forma modernă între secolele al XVI - lea și al XIX-lea. Cele mai comune instrumente sunt prezente în orchestră sau în formație , împreună cu numeroase alte instrumente destinate în principal utilizării solo (cum ar fi pianul , clavecinul și orga ). Orchestra simfonică este cea mai cunoscută formație muzicală de ansamblu pentru publicul larg pentru interpretarea muzicii clasice ^[12] și include familiile de corzi , vânturi ( vânturi și alamă ) și percuție . Trupa este un alt ansamblu muzical care interpretează adesea muzică clasică; este alcătuit din instrumente aparținând familiilor de lemn, alamă și percuție. De obicei are o varietate mai largă (în special în alamă) și o cantitate mai mare de instrumente de suflat decât orchestra, dar nu are o secțiune de coarde.

La sfârșitul secolului al XIX-lea compozitorii au început să se intereseze de culturile populare sau extra-europene și, uneori, au introdus sunete de instrumente din alte culturi muzicale, cum ar fi gamelanul . Instrumentele electrofonice , cum ar fi chitara electrică și undele Martenot , pot fi, de asemenea, prezente în repertoriul secolelor 20 și 21 . Atât compozitorii de muzică clasică, cât și cei de muzică pop au experimentat, în ultimele decenii, introducerea de instrumente electronice precum sintetizatorul și tehnici digitale, precum utilizarea eșantioanelor sau sunetelor generate de computer .

Organic

Același subiect în detaliu: muzică de cameră .

Pe baza ansamblului, în termeni generali distingem în general muzica instrumentală solo (sau neînsoțită), muzica de cameră , care oferă în schimb un ansamblu general nu foarte extins, în care fiecare instrument își păstrează un rol individual și muzica simfonică sau muzica orchestrală. .

Un cvartet de coarde , un exemplu de pregătire pentru muzică de cameră

Genurile de cameră variază foarte mult în funcție de mărimea și tipul personalului; este foarte obișnuit să găsești un instrument melodic împreună cu un instrument polifonic (de exemplu, flaut și pian sau vioară și pian), grupuri de trei, patru sau cinci instrumente, cu sau fără pian, care pot fi tonal foarte omogene, poate aparținând aceeași familie (de exemplu, trio sau cvartet de coarde ) sau nu. ^[13]

În unele compoziții poate exista un solist sau un instrument cu un rol clar preeminent. Solistul poate fi însoțit de alte instrumente (în general polifonice, cum ar fi clavecinul sau pianul) sau de orchestră. Exemple de acest tip sunt concertul , în care solistul se opune unei orchestre sau unui alt ansamblu (de exemplu, corzi și bas continuu în concertele baroce); există concerte în care există mai mulți soliști care comunică între ei și cu orchestra (exemple cunoscute sunt concertul pentru două vioare de Bach sau concertul pentru vioară și violoncel de Brahms ). Marele concert , popular în baroc, a implicat contrastul dintre ansamblu (numit tutti sau ripieno sau concerto grosso ) și un grup restrâns de soliști (în general două vioară și violoncel sau două vioară, viola și violoncel, numite concertino ). ^[14]

Orchestra

Același subiect în detaliu: Orchestra .

Orchestra Filarmonicii din Dublin care interpretează Simfonia Nr. 4 de Ceaikovski în Charlotte, Carolina de Nord

Până la Renaștere nu existau instrumente mici și în muzica medievală instrumentele erau împărțite în două categorii: cele mai sonore, mai potrivite pentru a fi utilizate în aer liber sau în biserici, și cele mai puțin sonore, destinate utilizării în interior. Inițial instrumentele erau folosite doar pentru dublarea sau însoțirea vocilor, iar primele ansambluri instrumentale care pot fi considerate proto-orchestre s-au născut în secolul al XVI-lea, de compoziție foarte eterogenă și utilizate în serviciul liturgic sau în acompaniamentul dansurilor și pentru divertisment. Termenul de orchestră (folosit deja de la vechii greci pentru a indica cel mai scăzut nivel al scenei în teatre, destinat corului) a revenit în uz în Renaștere pentru a indica zona din fața scenei teatrale, în care muzicienii erau de obicei plasat, iar termenul a început să fie folosit și pentru a indica echipa instrumentală în anii șaptezeci ai secolului al șaptesprezecelea ^[15] .

Orchestra barocă a fost adesea compusă din doar siruri de caractere și instrumente delegate pentru a efectua basso continuo ( clavecin , chitarrone , archlute , theorbo ), la care vânturilor ar putea fi adăugate, atât ca ad libitum dublarea piese si ca piese reale, de obicei , adânciturile , oboi , coarne , uneori cu trâmbițe și timpane . ^[12] În anii treizeci și patruzeci ai secolului al XVIII-lea , orchestra s-a născut în sensul modern al termenului, cu corzile flancate stabil de vânturi, de obicei două oboi, două coarne și unul sau doi fagoti, în cea mai solemnă muzică uneori. de asemenea, trâmbițe și tromboni; timpanii și flautul ar putea fi de asemenea prezenți, adesea cântați de un oboist. În timpul clasicismului, în ultimele două decenii ale secolului al XVIII-lea, instrumentele prezentate anterior ad libitum, precum flautele, clarinetele, trompetele și percuția, au devenit parte a personalului stabil al orchestrei. Odată cu romantismul, dimensiunea orchestrei a crescut progresiv, iar în al doilea sfert al secolului al XIX-lea au dispărut tastaturile folosite în realizarea basului continuu. Atât numărul de elemente din fiecare secțiune a corzilor, cât și numărul și varietatea vânturilor și a percuțiilor cresc, până la gigantismul orchestrelor wagneriene și mahleriene ^[15] .

Dezvoltarea intonației

Același subiect în detaliu: Intonație (muzică) și Temperament (muzică) .

Exemplu de scări temperate și naturale: se observă că scara naturală , alcătuită din intervale de amplitudine diferită, nu poate fi tradusă pur și simplu pe alte grade decât fundamentalul (în exemplu, de la C la D major), spre deosebire de cel bazat pe temperament egal

Legată de dezvoltarea instrumentelor există problema construcției scărilor pe care trebuie modelată intonația lor. În timp ce unele instrumente (cum ar fi corzile) au posibilitatea de a se acorda liber și, prin urmare, de a se adapta la orice fel de scară ( tonală sau altfel), în alte instrumente, intonația poate fi schimbată numai cu acordarea (de exemplu, clavecin, harpă, pian) sau poate fi chiar legat de construcție (de exemplu, multe instrumente de suflat).

O altă problemă a apărut odată cu dezvoltarea armoniei tonale și ulterior practica modulației , adică trecerea între diferite tonuri din aceeași compoziție: intonația naturală , oferind tonuri și semitonuri de amplitudine neconstantă, nu se pretează cu ușurință acestei practici. , necesitând pe unele instrumente (clavecin sau lăută, de exemplu) să modifice reglajul pentru a schimba tasta. Teoreticienii muzicii au studiat, prin urmare, noi scale și temperamente (adică schimbări în amplitudinea cincimi și pătrimi în raport cu intonația lor naturală) care ar oferi soluții de compromis între perfecțiunea intonației intervalelor (care era cât mai aproape posibil de intonația lor naturală ) și cea mai mare omogenitate posibilă a intervalelor în sine în cadrul scalei, pentru a permite modulații. ^[16]

Temperamentul egal s-a consolidat treptat în secolele al XVIII-lea și al XIX-lea, însă diferitele temperamente istorice sunt adesea folosite în interpretarea filologică a muzicii antice. De exemplu, temperamentul mezotonic sau temperamentele Werckmeister sunt adesea folosite în interpretarea informată istoric a muzicii timpurii și baroce .

Forme

În formă muzicală se numește organizarea elementelor muzicale într-o compoziție sau parte dintr-o compoziție. În spatele fiecărui act compozițional, de la cel mai mic la cel mai mare, există de fapt o tendință spre organizare, chiar dacă acest lucru nu implică faptul că activitatea compozițională poate fi redusă la o aplicare mecanică a schemelor prestabilite. Studiul formei muzicale are mai mult un interes pedagogic decât analitic sau critic și, în lucrările cu o anumită complexitate, sunt luate în considerare în general aspecte diferite ale organizării formale. ^[17] De exemplu, Felix Salzer ^[18] propune o distincție între structură în sensul analizei schenkeriene melodice și armonice, formă în sensul organizării și subdiviziunii acestei structuri în secțiuni ale compoziției și relațiile care apar între aceste secțiuni. , și proiectarea în sensul organizării superficiale a materialului ritmic și tematic. ^[17]

În timp ce cele mai populare stiluri se bazează în cea mai mare parte pe forme simple, precum dansul sau forma cântecelor, muzica clasică a dezvoltat un număr mare de genuri extrem de sofisticate și forme de muzică vocală și instrumentală. ^[19] Compozițiile pot avea o organizare internă variată a materialului muzical, iar compozitorii clasici aspiră adesea să pătrundă în muzica lor cu o relație foarte complexă între conținutul emoțional și instrumentele intelectuale cu care sunt obținute. Multe dintre cele mai populare opere de muzică clasică folosesc dezvoltarea muzicală , procesul prin care o idee sau un motiv muzical este redefinit și elaborat în contexte diferite. O compoziție de muzică clasică poate fi văzută de obicei ca un discurs, în care elementele muzicale de sens autonom (idei muzicale, teme, fraze) sunt elaborate pentru a forma o cale muzicală mai largă. Exemple de formă sau structurare a unei compoziții sau a unei părți a acesteia sunt forma sonată , forma Lied , rondo sau fuga .

Complexitate

Compozițiile din repertoriul clasic dezvoltă o complexitate artistică adesea remarcabilă, care ia naștere din dorința de a transmite un discurs emoțional articulat și se realizează cu cercetarea și aplicarea tehnicilor și procedurilor compoziționale non-banale, precum atenția la construcția frazării și armonizarea , utilizarea modulațiilor (schimbarea tonalității), dezvoltarea tematică și contrapunctul . Prin urmare, construcția duce la dezvoltarea diverselor forme și structuri muzicale, menționate în secțiunea anterioară . Compozițiile mai complexe, cum ar fi sonata , simfonia , concertul , opera sau oratoriul , sunt în general alcătuite dintr-o ierarhie de unități mai mici, în ordinea complexității crescânde prin gravuri , fraze muzicale , perioade , secțiuni și mișcări. (în general în muzica instrumentală) sau în acte (în operă și teatru muzical, adesea, dar nu întotdeauna la rândul lor, care pot fi subdivizate în scene , posibil descompozabile în piese închise , de exemplu recitative , arii sau arii ) până la compoziție în întregime.

Complexitatea crescândă a muzicii a dat naștere nevoii de a studia logic componentele sale și relațiile dintre ele, ducând la nașterea unei discipline cunoscute sub numele de analiză muzicală . Analiza unei compoziții își propune să obțină o mai bună înțelegere a muzicii prin studiul formal al structurilor sale și este foarte utilă nu numai în predarea compozițională (modele de predare pe care să se bazeze pentru a-și structura ideile muzicale) și interpretativă (ajutând interpretul să să înțelegeți funcționarea interioară a unei compoziții și permițând astfel să fie exprimată mai bine), dar și în ascultare, permițându-vă să urmăriți discursul muzical într-un mod mult mai clar și să îi apreciați subtilitățile. Analiza muzicală sa născut ca o disciplină sistematică și riguroasă de la sfârșitul secolului al XIX-lea, dar principalele concepte analitice sunt bine precedate, pot fi găsite deja în secolul al XVII-lea și s-au dezvoltat treptat în cele ce urmează. ^[20]

Pentru a satisface nevoile de expresivitate tehnică și muzicală cerute de complexitatea compozițiilor, interpreții de muzică clasică trebuie să atingă standarde înalte de măiestrie tehnică. Este necesar un nivel considerabil de cunoaștere a scrierii muzicale, o bună citire la vedere , abilitate și experiență în a cânta în ansamblu , cunoaștere aprofundată a principiilor tonalității și armoniei , cunoaștere a practicii de interpretare și familiaritate cu stilul și limbajul muzical inerent un anumit compozitor, perioadă sau stil de muzică. Toate acestea se reflectă în nevoia muzicienilor clasici de a studia mult, articulată într-un curs lung de pregătire și a unui nivel ridicat de educație, în general într-o măsură mult mai mare decât muzicienii care practică genuri „populare”. Acest lucru a condus în cursul istoriei la nașterea și dezvoltarea școlilor de învățământ superior, inclusiv conservatoare , dedicate studiului muzicii clasice. ^[21]

Istorie

Același subiect în detaliu: Istoria muzicii .

Istoria muzicii clasice acoperă o perioadă lungă de timp, timp în care a existat o evoluție continuă a stilului muzical și a tehnicilor de joc. În mod convențional, sunt identificate perioade istorice suficient de caracterizate, însă această diviziune (ca întotdeauna în istoriografie) este doar formală. Evoluția a fost continuă și graduală și adesea neomogenă din punct de vedere geografic, astfel încât orice miză temporală trebuie considerată pur orientativă. Mai mult, stiluri diferite diferă adesea în diferite aspecte și principii. ^[22]

O altă problemă importantă în viziunea istoriei muzicii clasice este tendința de a concentra atenția asupra unui număr limitat de compozitori și figuri muzicale, uneori mergând până la identificarea unor stiluri sau perioade întregi în câteva nume. Și aceasta este în mod evident o tendință reductivă, deoarece „marii” compozitori, deși sunt excelenți din punct de vedere estetic și au jucat un rol de o importanță considerabilă în evoluția muzicii, sunt doar vârful unei panorame muzicale mult mai complexe și populate din multe alte figuri mai puțin cunoscute publicului, dar și de o mare importanță istorică și în care există o mulțime de alte producții muzicale de o calitate excelentă legate de nume mult mai puțin celebre. ^[23]

Punctul central este legat de faptul că viziunea modernă a muzicii clasice nu derivă liniar din importanța artistică sau istorică, ci este filtrată de modalitățile sociale prin care muzica în sine trece la masa ascultătorilor, în primul rând instituția concertului. public, sa stabilit în secolul al XIX-lea. Din acest motiv, „repertoriul celebru” de astăzi nu reflectă neapărat importanța istorică și calitatea estetică a muzicii, ci mai presus de toate reflectă muzica care ar putea fi inclusă în programele de concert din secolul al XIX-lea, filtrate în continuare de aprecierea burgheziei care alcătuia publicul unor astfel de concerte. Din acest motiv, de exemplu, Beethoven este mult mai cunoscut decât Desprez , în ciuda faptului că calitatea artistică și importanța istorică a muzicii acestuia din urmă nu sunt nicidecum inferioare celei lui Beethoven; producția marelui flamand este, de fapt, în esență polifonie sacră și, într-o măsură mai mică, profană, care nu a avut loc în repertoriul concertistic din secolul al XIX-lea, care în schimb a consacrat Beethoven și alte nume excelente publicului larg. ^[24]

Viziunea muzicii este, prin urmare, condiționată de istoria recepției muzicii în sine și variază în timp, urmând și evoluția contextelor sociale în care a fost inserată muzica, adesea într-un mod foarte precis și funcțional. Prin urmare, datorită evoluției panoramei religioase, polifonia sacră renascentistă foarte rafinată rămâne puțin cunoscută, în mod similar pentru transformarea teatrului dintr-o cameră de zi lumească și splendoarea curților într-o sală de concerte modernă, interes pentru opera din secolul al XVII-lea. casa a fost pierdută și, cu puține excepții, a secolului al XVIII-lea. ^[23] În cursul secolului al XX-lea, totuși, istoriografia muzicală s-a dezvoltat foarte mult și, mai ales începând cu anii șaizeci / șaptezeci, filologia muzicală și studiul practicii de performanță istorică, datorită cărora a fost studiată multă muzică din trecut. și este din nou efectuat și înregistrat.

Din motive similare, importanța și faima compozitorilor s-au schimbat considerabil de-a lungul timpului, așa că nu ar trebui să fie surprinzător faptul că chiar și cei care sunt acum considerați cei mai mari nume din istorie au fost văzuți într-un mod remarcabil diferit în trecut, și în mod similar nume mari ale trecutul de astăzi a fost redus semnificativ. De exemplu, muzica lui Bach , deja demodată în ultimii ani ai vieții sale, a fost uitată și după moartea sa a fost cunoscută și studiată doar ca interes teoretic și formal de către un cerc limitat de cărturari și a fost redescoperită și readusă în atenția publicului larg abia în 1829, când Felix Mendelssohn a dirijat o interpretare a Patimii conform lui Matei : muzica sa, de fapt, după ce a fost uitată din cauza pierderii funcției sale ecleziastice și de curte, a găsit o nouă poziție în context a noilor tendințe ale romantismului, care i-a dat o viață nouă în sălile de concert. ^[23] În mod similar, dintre cele trei nume care astăzi aproape identifică clasicismul , și anume Haydn , Mozart și Beethoven , doar primul ar fi fost recunoscut la aceste vârfuri de către un public al vremii, fiind sărbătorit ca fiind cel mai mare compozitor viu al timpului său, în timp ce Mozart probabil ar fi primit prioritate de exemplu de Salieri ^[25] și Beethoven Rossini . ^[26]

Legătură cu muzica antică

Același subiect în detaliu: Muzica antichității .

Există foarte puține cunoștințe despre muzica antichității, deoarece absența unei tradiții scrise a împiedicat transmiterea repertoriului. Prin urmare, studiile se bazează pe surse indirecte pentru a studia muzica și rolul său cultural și social. Muzica era adesea considerată un bun de consum efemer, spre deosebire de alte forme de artă, și lipsea aceeași dorință de a structura un repertoriu și de a-l transmite. La un nivel ipotetic, Burgh (2006) studiază și sugerează posibila influență a muzicii antice asupra muzicii clasice occidentale, revenind la muzica Egiptului antic , având în vedere scrierea chironomică și orchestra egipteană veche, care datează din 2.695 î.Hr. ^{[27 ]}

Mesopotamia

În ceea ce privește culturile mesopotamiene, nu mai există multe dovezi directe ale culturii lor muzicale. Basoreliefurile , tablele și descoperirile arheologice oferă câteva informații despre instrumentele utilizate, în principal flauturi, harpe destul de avansate, percuție și lire care ar putea atinge dimensiuni gigantice. Muzicienii sumerieni și babilonieni au fost împărțiți în două caste, Nar a fost repartizat la muzica celebrării și laudelor, iar gala la muzica lamentării. Rolul important al muzicii în religie este mărturisit, cu imnuri și cântece însoțite de instrumente în liturghie. În unele texte sacre care au ajuns până în prezent, unele inscripții sunt interpretate ca indicații muzicale referitoare la cântarea și acompaniamentul responsorial. Unele texte menționează numele instrumentelor și informațiile de acordare, iar un text a fost interpretat ca o notație muzicală pentru însoțirea unui imn. ^[28]

Cultura mesopotamiană a avut o influență semnificativă asupra culturii occidentale, recunoscută și de autorii greci și latini, iar în practica cântărilor psalmodice mesopotamiene putem întrezări un germen de practici liturgice evreiești și creștine, în care găsim rădăcinile îndepărtate ale muzicii culte occidentale. . O altă influență, deși evident indirectă și nu este legată de muzica antichității, se datorează faptului că mulți muzicieni au fost inspirați în compozițiile lor de redescoperirea culturii mesopotamiene, precum Händel , Rossini , Verdi , Prokof'ev și Martinů . ^[29]

Evreii antici

Muzica a jucat un rol important în cultura evreiască, iar dovezile semnificative provin din Biblie . În Geneza ^[30] și în alte cărți ulterioare există informații despre instrumentele muzicale folosite de evrei, împărțite în trei categorii: coarne și trâmbițe, apanajul clasei preoțești, acordofoane (lire și lire) folosite de muzicieni în serviciul Templul și alte aerofoane, cum ar fi flauturi și fluiere, folosite de oameni. La Bibbia riporta anche testimonianze del simbolismo musicale religioso, come il suono del sofar , associato alla manifestazione divina (ad esempio nel sacrificio di Isacco ^[31] o nella manifestazione sul monte Sinai ^[32] ), o l'impiego di complessi musicali grandiosi nelle celebrazioni più solenni, come il trasporto dell' Arca a Gerusalemme ^[33] o la consacrazione del Tempio. ^[34] Altra testimonianza molto significativa è il Salmo 137 , nel periodo della cattività babilonese . Con la nascita delle sinagoghe , il culto era incentrato sulla lettura intonata dei salmi, detta cantillazione , trasmessa anche alla liturgia cristiana antica e nella quale affonda le proprie radici la monodia liturgica medievale, che è fra le basi della musica colta europea.

Antica Grecia

Lo stesso argomento in dettaglio: Musica nell'antica Grecia .

Tracce significative sono state lasciate dalla cultura greca, nella quale la musica rivestiva un ruolo significativo. I greci hanno sviluppato una raffinata teoria filosofica della musica, studiando gli intervalli e costruendo scale. ^[35] Tale interesse era soprattutto teorico e speculativo e c'era una certa distinzione con la musica d'uso. I greci hanno infatti sviluppato un sistema di notazione musicale basato sulle lettere dell'alfabeto, che però era di utilità meramente pratica e veniva infatti impiegato nella musica di consumo, ma non studiato e trattato dai teorici, motivo per il quale di esso rimangono pochissime conoscenze e solo un limitato numero di frammenti, a differenza delle teorie speculative, trasmesse ai posteri. Due tra i principali strumenti della musica greca erano l' aulos , strumento aerofono ad ancia associato a Pan e al culto orgiastico, e la lyra , cordofono associato ad Apollo e alla razionalità.

La dicotomia fra il dionisiaco e l'apollineo che caratterizza diversi aspetti della cultura greca si ritrova quindi anche nella musica, emblematizzate dai miti legati a tali strumenti. Secondo la leggenda l'aulos sarebbe stato infatti inventato da Atena e il suo suono doveva simulare l'atroce lamento di Medusa , da lei trasformata da magnifica fanciulla in creatura mostruosa. Specchiandosi la dea constatò quanto brutta fosse l'espressione del suo bellissimo viso nello sforzo del suonare e gettò via lo strumento che venne raccolto da Marsia , il cui deforme aspetto di satiro invece non poteva certo peggiorare di molto. La lyra invece sarebbe stata inventata da Ermes il quale, dopo aver rubato una mandria di vacche al dio Apollo, trovò una tartaruga . Con il suo guscio come cassa costruì lo strumento, con il cui suono prodigioso poté accompagnare il canto. Apollo fu talmente colpito dalla bellezza di tale musica da accettare la lyra da Ermes in riparazione per la mandria di vacche. Marsia sfidò poi Apollo, tentando con la musica di ergersi al livello degli dei, ma quest'ultimo poteva associare al suono della sua lyra la razionalità della parola, preclusa invece allo strumento a fiato, vincendo in questo modo la sfida e condannando Marsia alla decorticazione. Tale mito mostra anche un altro legame, per certi aspetti paradossale, tra apollineo e dionisiaco, in quanto l'aulos, strumento associato all'orgiasmo, sarebbe stato inventato dalla dea della ragione, mentre lo strumento per eccellenza della razionalità, la lyra, sarebbe stato ideato dal dio del sogno. ^[36]

Tale racconto mitico riflette la concezione musicale dicotomica dei greci, nella quale la musica aveva un ruolo importante sia nell'estasi orgiastica sia nella declamazione della poesia, massima espressione di razionalità. La musica greca era basata sulle harmoniai (o modi ), a ciascuna delle quali era associata una scala e un insieme di elementi ritmici e melodie tradizionali, ea ciascuna di esse era anche associato un effetto sull'animo umano ( ethos ). Ad esempio l'armonia dorica era associata alla virtù e alla compostezza, mentre quella frigia era associata alla frenesia e all'entusiasmo orgiastico. Questo effetto era tenuto in grande considerazione, e Platone suggeriva quale dovesse essere l'uso educativo e quale quello diseducativo, e dunque bandito, della musica nella sua Repubblica ^[37] , mentre Aristotele teorizzava la "catarsi omeopatica", che prevedeva l'impiego dell'ethos negativo per epurare omeopaticamente l'anima. ^[38]

Musica medievale e rinascimentale

Questa voce o sezione sull'argomento musica classica è ritenuta da controllare . Motivo : Ci sono informazioni completamente travisate. Partecipa alla discussione e/o correggi la voce. Segui i suggerimenti del progetto di riferimento .

Musicista che suona una viella in un manoscritto Medievale del XIV secolo.

La chanson Belle, bonne, sage di Baude Cordier , un pezzo del' ars subtilior compreso nel Codice di Chantilly .

Johannes Ockeghem , Kyrie "Au travail suis," estratto

Lo stesso argomento in dettaglio: Musica medievale e Musica rinascimentale .

Lo stesso argomento in dettaglio: Musica antica .

Lo stesso argomento in dettaglio: Lista di compositori medievali e Lista di compositori rinascimentali .

Il periodo medievale comprende musica da dopo la caduta dell'Impero Romano, a circa il 1400 ^[39] . Il canto monofonico , chiamato anche gregoriano o canto gregoriano , era la forma dominante fino a circa il 1100. ^[39] La polifonia (più voci), si sviluppò dal canto monofonico, dal tardo medioevo al rinascimento , sfociando nel complesso mottetto . Il periodo rinascimentale è andato dal 1400 al 1600 circa ed è stato caratterizzato da un maggiore uso della strumentazione , più linee melodiche intrecciate, e l'uso dei primi strumenti bassi. Si diffuse l'utilizzo della danza come forma di socializzazione e cominciarono a standardizzarsi forme musicali appropriate per accompagnare la danza.

È in questo periodo che inizia a formarsi la notazione di musica su un pentagramma e di altri elementi di notazione. ^[40] Questa invenzione rese possibile la separazione della composizione di un brano musicale dalla sua trasmissione; senza musica scritta, la trasmissione era orale, ed era soggetta a cambiamenti ogni volta che veniva trasmessa ad altri esecutori. Con una partitura musicale , l'opera musicale poteva essere eseguita senza la presenza del compositore. ^[39] L'invenzione della stampa a caratteri mobili , nel XV secolo , apportò conseguenze di vasta portata sulla conservazione e la trasmissione della musica. ^[41]

Fra i tipici strumenti a corda del primo periodo vi furono l' arpa , il liuto , la viella , la ribeca e il salterio , mentre fra gli strumenti a fiato il flauto diritto e traversio , la bombarda (progenitore dell' oboe ), la tromba e la cornamusa . Esistevano anche dei semplici organi ma erano in gran parte confinati alle chiese, anche se ne esistevano varietà portatili . ^[42] Più tardi, nel periodo, vennero realizzate le prime versioni di strumenti a tastiera come il clavicordo e il clavicembalo . Le viole da gamba apparvero nel XV secolo e le viole da braccio solo nel secolo successivo. ^[43]

L'epoca dell'armonia tonale

Il periodo della pratica comune è quello in cui presero forma molte delle idee che compongono la musica classica occidentale, venendo standardizzate e codificate. Ebbe inizio con l' epoca barocca , che va dal 1600 circa alla metà del XVIII secolo . Seguì il periodo del classicismo, che terminò all'incirca intorno al 1820. L'epoca romantica si sviluppò nel XIX secolo, terminando intorno al 1910.

Musica barocca

Fra gli strumenti della musica barocca: ghironda , clavicembalo , viola da gamba , liuto , violino barocco e chitarra barocca

Lo stesso argomento in dettaglio: Musica barocca .

Lo stesso argomento in dettaglio: Lista di compositori barocchi .

La musica barocca è caratterizzata dall'uso di complesso contrappunto tonale e dall'uso del basso continuo . La musica è diventata più complessa rispetto alle canzoni dei periodi precedenti. ^[12] L'inizio della forma sonata scaturì dalla canzona , di fatto una nozione più formalizzata di tema e variazioni . ^[44]

Durante l'epoca barocca, la musica per tastiera, suonata sul clavicembalo e sull' organo divenne sempre più popolare, e la famiglia dei violini e degli strumenti a corda assunse la forma generalmente presente al giorno d'oggi. L'opera, come dramma musicale messo in scena, iniziò a differenziarsi da precedenti forme musicali e drammatiche, e le forme vocali, come la cantata e l' oratorio divennero più comuni. ^[45] I cantanti iniziarono ad aggiungere abbellimenti alle linee melodiche. ^[12] Gli ensemble strumentali cominciarono a distinguersi ea standardizzarsi per dimensione, dando origine alle prime orchestre, con musica da camera scritta per piccoli gruppi di strumenti in cui le parti erano interpretati da singoli strumenti (anziché masse orchestrali). Si diffuse il concerto come veicolo per le esecuzioni di solista accompagnato da un'orchestra, anche se il rapporto tra solista e orchestra era relativamente semplice.

I compositori iniziarono a utilizzare modulazioni sempre più complesse ea scrivere brani in tonalità con molte alterazioni, incompatibili con il temperamento mesotonico in uso nel Rinascimento. A livello teorico, vari autori (a iniziare da Simone Stevino , 1605) iniziarono a sostenere l'adozione del temperamento equabile , che tuttavia era praticamente impossibile da realizzare esattamente nell'accordatura degli strumenti a tastiera. Nella pratica musicale si diffusero piuttosto i cosiddetti buoni temperamenti ( Andreas Werckmeister , 1686) che permettevano di suonare in qualsiasi tonalità, con gradi di consonanza degli accordi principali leggermente diversi a seconda della tonalità e dello schema di accordatura adottato. Questo rese possibile la pubblicazione di raccolte di brani scritti programmaticamente in tutte le tonalità, la più celebre delle quali è il Clavicembalo ben temperato di Johann Sebastian Bach .

Classicismo

Joseph Haydn (1732–1809) c. 1770

Lo stesso argomento in dettaglio: Classicismo musicale .

Il periodo del classicismo musicale, da circa il 1750 al 1820, stabilì molte delle norme di composizione, presentazione e stile, e fu quello in cui il pianoforte diventò lo strumento a tastiera predominante. Le forze di base necessari per un'orchestra diventarono un po' più standardizzate (anche se sarebbero cresciute a seguito di una gamma più ampia di strumenti sviluppata nei secoli successivi). La musica da camera crebbe fino a includere gruppi con 8 o 10 esecutori per la serenata . L' opera continuò a svilupparsi, secondo gli stili regionali dell'opera italiana, francese e tedesca. L' opera buffa vide aumentare la sua popolarità, la sinfonia divenne una vera e propria forma musicale e il concerto venne sviluppato come veicolo per mettere in mostra le doti di virtuosità del solista. Le orchestre non richiedevano più la presenza di un clavicembalo (che aveva fatto parte del continuo tradizionale nel periodo barocco) ed erano spesso dirette dal primo violino chiamato konzertmeister . ^[46]

Gli strumenti a fiato divennero più raffinati. Mentre gli strumenti ad ancia doppia come l' oboe e il fagotto vennero in qualche modo standardizzati nel periodo barocco, il clarinetto e la famiglia degli strumenti ad ancia singola, non vennero ampiamente utilizzati fino a Mozart che ampliò il suo ruolo nell'orchestra da camera e nelle impostazioni del concerto.

Musica romantica

Lo stesso argomento in dettaglio: Musica romantica .

La musica del periodo romantico, da circa il primo decennio del XIX secolo alla metà del XX secolo, è stata caratterizzata da una maggiore attenzione alla linea melodica estesa, così come agli elementi espressivi ed emotivi, in parallelo al romanticismo in altra forme artistiche. Le forme musicali hanno cominciato a creare una rottura rispetto a quelle del classicismo (anche se quelle erano state oggetto di codifica), con pezzi in forma libera, come notturno , fantasie e preludi composti secondo delle linee che ignoravano o minimizzavano l'esposizione e lo sviluppo dei temi. ^[47] La musica divenne più cromatica, dissonante, e timbricamente colorata, con tensioni (rispetto alle norme accettate dalle vecchie forme) su tonalità crescenti. ^[48] Il lied giunse a maturità, come fece il Grand opéra , alla fine trasceso da Richard Wagner nel ciclo del Ring . ^[49]

Nel XIX secolo le istituzioni musicali si affrancarono dal controllo di ricchi mecenati, e compositori e musicisti poterono costruirsi una vita autonoma dall'influenza della nobiltà. Il crescente interesse per la musica, da parte della classe media in tutta l'Europa occidentale, stimolò la creazione di organizzazioni per l'insegnamento, l'esecuzione e la conservazione della musica. Il pianoforte , che raggiunse la sua costruzione moderna in questo periodo (in parte grazie ai progressi industriali in metallurgia ) divenne molto popolare presso la classe media, le cui richieste fecero nascere un gran numero di costruttori di pianoforte. Inoltre questo strumento, per via della sua grande capacità espressiva, fu il più utilizzato dai compositori dell'epoca, poiché il principale intento dei musicisti di allora era quello di dare una grande mutevolezza di suoni e di emozioni, facendo del pianoforte lo strumento principe di quel periodo. Molte orchestre sinfoniche datano la loro fondazione in questa epoca. ^[48] Alcuni musicisti e compositori furono le stelle del XIX secolo; Franz Liszt e Niccolò Paganini , furono sia virtuosi del loro strumento che compositori. ^[50]

Le famiglie di strumenti utilizzati, specie in orchestra, andarono incontro ad un incremento. Iniziarono ad apparire una vasta gamma di strumenti a percussione . Gli ottoni assunsero ruoli più important; l'introduzione della valvola rotativa rese possibile suonare una più ampia gamma di note. La dimensione dell'orchestra (in genere circa quaranta elementi in epoca classica) crebbe fino a raggiungere e superare il centinaio di musicisti. ^[48] La Sinfonia n. 8 di Gustav Mahler (1906), per esempio, venne eseguita da più di 150 strumentisti e da un coro di più di 400 cantanti.

Le idee e le istituzioni culturali europee cominciarono a seguire l'espansione coloniale in altre parti del mondo. Ci fu anche un aumento, soprattutto verso la fine del periodo, del nazionalismo in musica (eco, in alcuni casi, dei sentimenti politici del tempo), in quanto compositori come Edvard Grieg , Nikolai Rimsky-Korsakov e Antonín Dvořák inserirono nelle loro composizioni temi tradizionali delle loro terre. ^[51]

Musica moderna e contemporanea

Lo stesso argomento in dettaglio: Musica moderna e Musica contemporanea .

L'inizio del XX secolo vede una diffusa crisi politica, sociale e culturale, che porta alla Prima guerra mondiale . Il crollo del mondo del XIX secolo trova un corrispettivo nel crollo dell'impianto tonale tradizionale. Nasce la musica moderna , in cui i compositori, in vario modo, respingono i valori tradizionali della pratica comune, come la tonalità, la melodia e la struttura. Pur nella grande varietà di tendenze creative, le esperienze più influenti da principio furono in Francia quelle di Claude Debussy , Maurice Ravel e del cosiddetto Gruppo dei Sei ; ea Vienna, dagli anni Venti, la teoria dodecafonica elaborata da Arnold Schönberg e proseguita dai suoi discepoli Alban Berg e Anton Webern . Le tecniche compositive sviluppate da Olivier Messiaen costituirono un modello e fonte di ispirazione per molti musicisti appartenenti alle correnti di avanguardia a partire dal secondo dopoguerra: tra questi, Pierre Boulez , Luigi Nono e Karlheinz Stockhausen . A partire dagli anni Cinquanta, si iniziò a sperimentare da un lato l'utilizzo dell' elettronica (vedi Stockhausen ), dall'altro da parte musicisti come John Cage si fece strada un nuovo principio che introduceva nelle composizioni elementi di casualità ( musica aleatoria ). A partire dagli anni Sessanta le tendenze e gli stili si moltiplicano, mentre sono molte le personalità eclettiche difficilmente riconducibili ad una specifica corrente ^[52] .

Significato della notazione scritta

Visione modernista del significato della composizione

Le visioni moderniste sostengono che la musica classica è considerata soprattutto una "tradizione musicale scritta", conservata in notazione musicale , invece di essere trasmessa oralmente, a memoria. Mentre ci sono differenze tra le particolari interpretazioni di un'opera classica, un pezzo di musica classica è generalmente ritenuto trascendere qualsiasi interpretazione. L'uso della notazione musicale è un metodo efficace per trasmettere la musica classica, in quanto la musica scritta contiene le istruzioni tecniche per l'esecuzione delle opere.

La partitura scritta, comunque, di solito non contiene istruzioni esplicite su come interpretare il pezzo in termini di esecuzione, a parte le indicazioni per le dinamiche , il tempo e l'espressione (in una certa misura). Questo è lasciato alla discrezione degli esecutori, che sono guidati dalla loro esperienza personale, dall'educazione musicale, dalla conoscenza del linguaggio dell'opera, dai loro gusti artistici personali, e dall'accumulo di pratiche esecutive storiche.

Critiche alla visione modernista

Alcuni critici esprimono il parere che è solo dalla metà del XIX secolo, e soprattutto nel XX secolo, lo spartito ha cominciato ad avere un alto significato. In precedenza, l' improvvisazione , la flessibilità ritmica, la deviazione dalla partitura e la tradizione orale sulla esecuzione erano parte integrante dello stile della musica. Nel XX secolo, questa tradizione orale e di trasmissione delle caratteristiche stilistiche nella musica classica è definitivamente scomparsa. Oggi i musicisti usano lo spartito per eseguire la musica ma, nonostante questo, vi sono notevoli controversie su come eseguire i pezzi.

Alcune citazioni che mettono in risalto questa critica della sopravvalutazione modernista dello spartito:

• "... uno degli equivoci moderni più ostinati in materia di musica barocca è che era prevista una regolarità metronomica" (Baroque Interpretation in Grove 5th edition di Robert Donington)
• "La storia di questa particolare idea è piena di vicoli ciechi e progetti falliti. È giunto il momento che queste idee sbagliate siano affrontate con rigore accademico." History of Metaphysics di Andrew Pyle
• "Troppi insegnanti, condizionati dalle idee del XX secolo, insegnano Bach e altra musica barocca esattamente nel modo sbagliato. Questo porta a ciò che il musicologo Sol Babitz chiama macchina da cucire Bach ." ^[53]
• "... la tendenza a guardare allo stesso modo, il suono e il pensiero. I conservatori ne hanno la colpa e sono stati in colpa per molti anni. Ogni musicista sensibile in giro per il mondo ha notato la stessa cosa. I conservatori, da Mosca e Leningrado alla Juilliard, Curtis e Indiana, stanno producendo un prodotto standardizzato.
  [...] Chiarezza, ritmo immodificato, tecnica semplice, musicalità . Ho messo la parola musicalità tra virgolette, perché, come spesso non è, si tratta di un falso tipo di musicalità - una musicalità che vede l'albero e non la foresta, che si prende cura del dettaglio, ma ignora il quadro; una musicalità che è legata alla nota stampata piuttosto che al significato emotivo di un pezzo.
  Resta il fatto che oggi ci sia una uniformità terribile e anche una spaventosa mancanza di conoscenza della cultura e delle esecuzioni tradizioni del passato." ("Music Schools Turning out Robots?" ^[53] di Harold C. Schonberg)

Improvvisazione

Un tempo l' improvvisazione giocava un ruolo importante nella musica classica. Un esempio residuo di questa tradizione improvvisatoria nella musica classica può essere ascoltato nella cadenza , un passaggio presente soprattutto nel concerto , progettato per consentire ad interpreti qualificati di esporre il loro virtuosismo sullo strumento. Tradizionalmente questa era improvvisata dall'esecutore; tuttavia, è spesso scritta in anticipo per (o occasionalmente da) l'esecutore. L'improvvisazione è un aspetto importante nelle esecuzioni autentiche di opere di epoca barocca e del bel canto (in particolare nelle opere di Vincenzo Bellini ), ed è meglio esemplificato dall' aria con da capo , una forma adottata, in genere, da cantanti famosi e che prevede l'esecuzione di variazioni della materia tematica l'aria nella sezione di ricapitolazione (sezione 'B' / la parte da capo ). Un esempio è la complessa variazione, anche se pre-scritta cantata dal soprano Beverly Sills , Da tempeste il legno infranto dall'opera Giulio Cesare di Händel.

La sua trasmissione scritta, insieme alla venerazione professata per certe opere classiche, ha portato l'aspettativa degli ascoltatori a pensare che gli esecutori riusciranno a rendere un'opera musicale in un modo tale da riprodurre in dettaglio le intenzioni originali del compositore. Nel corso del XIX secolo i dettagli che i compositori inserivano nello loro partiture erano generalmente aumentati. Eppure la tendenza odierna è opposta - ammirazione di artisti che eseguono nuove "interpretazioni" del lavoro del compositore - e non è insolito per un compositore lodare un esecutore per aver ottenuto una migliore realizzazione rispetto all'intento originale del compositore. Gli interpreti di musica classica spesso raggiungono alta reputazione per la loro musicalità, anche se non hanno mai composto un pezzo in vita loro. In generale tuttavia, sono i compositori che vengono ricordati più degli esecutori.

Il primato della partitura scritta dal compositore ha portato anche oggi, a un ruolo relativamente minore svolto dalla improvvisazione nella musica classica, in netto contrasto con la prassi dei musicisti che hanno vissuto durante l'epoca barocca, classica e romantica. L'Improvvisazione nell'esecuzione di musica classica, che era comune sia durante l'epoca barocca che nel XIX secolo, andò fortemente diminuendo nella seconda metà del XIX secolo e nel XX. Durante il periodo classico, Mozart e Beethoven, spesso improvvisavano cadenze ai loro concerti per pianoforte (incoraggiando in tal modo anche altri a farlo), ma fornirono anche cadenze scritte per l'utilizzo da parte di altri solisti. Nell'opera lirica, la pratica di cantare rigorosamente aderenti allo spartito, vale a dire come scritto , è stata notoriamente propagata dal soprano Maria Callas , che ha chiamato questa pratica inquadrare in modo rigido ed era dettata dal voler comprendere meglio l'intenzione del compositore, soprattutto durante lo studio della musica per la prima volta.

Relazioni con altre tradizioni musicali

Musica popolare

La musica classica ha spesso incorporato elementi o materiali tematici presi dalla musica popolare del tempo del compositore. Gli esempi comprendono la musica utilizzata da Brahms nelle canzoni delle bevute dello studente in Academic Festival Overture , le musiche di Kurt Weill in L'opera da tre soldi , e l'influenza del jazz , agli inizi del XX secolo, su compositori come Maurice Ravel , esemplificata dal movimento intitolato "Blues" nella sua sonata per violino e pianoforte. ^[54] Alcuni compositori postmoderni , minimalisti e postminimalisti riconoscono di essere debitori alla musica popolare. ^[55]

Numerosi esempi mostrano l'influenza nella direzione opposta, tra cui canzoni popolari tratte da musica classica. Si ricordi l'uso del Canone di Pachelbel nel 1970, e il fenomeno di crossover con il quale i musicisti classici hanno raggiunto il successo nel campo della musica popolare. ^[56]

Musica folk

Alcuni compositori di musica classica hanno spesso fatto uso di musica folk (musica creata da musicisti che non hanno normalmente una preparazione musicale e spesso portatori di una tradizione puramente orale). Alcuni compositori di musica classica, come Dvořák e Smetana , hanno spesso utilizzato pezzi di musica folk, ^[57] per conferire un'impronta nazionalistica alle loro opere, mentre altri come Bartók hanno usato temi specifici tratti di peso da musiche popolari del loro paese d'origine. ^[58]

Commercializzazione

Alcuni pezzi di musica classica sono stati spesso usati per motivi commerciali (sia nella pubblicità che nelle colonne sonore cinematografiche). In alcuni spot pubblicitari televisivi, diversi temi sono divenuti degli stereotipi , in particolare l' ouverture da Also sprach Zarathustra di Richard Strauss (resa famosa dalla colonna sonora del film 2001: Odissea nello spazio ) e l'inizio di "O Fortuna" di Carl Orff pezzo tratto dai Carmina Burana , spesso utilizzato in film di genere horror ; altri esempi sono il Dies Irae dal Requiem di Verdi , In the Hall of the Mountain King dal Peer Gynt di Edvard Grieg , le battute iniziali Sinfonia n. 5 di Beethoven , la Cavalcata delle Valchirie da Die Walküre di Wagner e diversi altri. La romanza " Nessun dorma " dall'opera Turandot di Giacomo Puccini , ad esempio, è stata utilizzata per la colonna sonora del Campionato mondiale di calcio 1990 . Alcune battute del Gran vals per chitarra di Francisco Tárrega sono state utilizzate dalla Nokia come suoneria predefinita per i suoi dispositivi, nota come Nokia tune e divenuta estremamente celebre.

Diverse opere di animazione statunitensi hanno utilizzato pezzi di musica classica. Fra le più note il film di Walt Disney , Fantasia , quello di Tom and Jerry Johann Mouse , e quelli della Warner Bros. ' The Rabbit of Seville e What's Opera, Doc? .

Allo stesso modo, i film e la televisione spesso utilizzano frammenti di musica classica per trasmettere raffinatezza e opulenza: alcuni dei pezzi più spesso utilizzati in questa categoria comprendono Eine kleine Nachtmusik di Mozart , Le quattro stagioni di Vivaldi , Una notte sul Monte Calvo di Mussorgsky (orchestrato daRimskij-Korsakov ), e l' ouverture dal Guglielmo Tell di Rossini .

Shawn Vancour sostiene che la commercializzazione di musica classica agli inizi del XX secolo serviva a danneggiare l'industria musicale attraverso una rappresentazione inadeguata. ^[59]

Note

Bibliografia

• Stephen Bertman, Handbook to Life in Ancient Mesopotamia , Oxford University Press, 2005, ISBN 978-0-19-518364-1 .
• Theodore W. Burgh, Listening to Artifacts: Music Culture in Ancient Israel/Palestine , T.& T.Clark Ltd, 2006, ISBN 0-567-02552-7 .
• Mario Carrozzo, Cristina Cimagalli, Storia della musica occidentale , Armando Editore, 2008.
• Donald Jay Grout, A History of Western Music , WW Norton, 1973, ISBN 0-393-09416-2 .
• Donald J. Grout, Palisca, Claude V.,A History of Western Music , Norton, 1988, ISBN 978-0-393-95627-6 .
• Johnson, Julian (2002), Who Needs Classical Music?: Cultural Choice and Musical Value . Oxford University Press, 140pp.
• Adele T. Katz (1946; reprinted 2007), Challenge to Musical Tradition – A New Concept of Tonality . Alfred A. Knopf/reprinted by Katz Press, 444pp., ISBN 1-4067-5761-6 .
• Michael Kennedy (2006), The Oxford Dictionary of Music , 985 pages, ISBN 0-19-861459-4
• Norman Lebrecht,When the Music Stops: Managers, Maestros and the Corporate Murder of Classical Music , Simon & Schuster, 1996, ISBN 978-0-671-01025-6 .
• Don Michael Randel (a cura di),The Harvard Dictionary of Music , Harvard University Press, 2003, ISBN 978-0-674-01163-2 .
• Stanley Sadie e John Tyrrell (a cura di), The New Grove Dictionary of Music and Musicians , 2ª ed., Oxford University Press, 2001, ISBN 978-0195170672 .
• Jan Swafford, The Vintage Guide to Classical Music , New York, Vintage Books, 1992, ISBN 0-679-72805-8 .

Altri progetti

• Wikiversità contiene risorse su musica classica
• Wikimedia Commons contiene immagini o altri file su musica classica

Collegamenti esterni

• Historical classical recordings from the British Library Sound Archive (disponibili solo ai membri dell' Unione europea )
• Lista cronologica di compositori classici , su discogs.com .

Portale Musica classica : accedi alle voci di Wikipedia che trattano di musica classica