Muzică italiană

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Muzica italiană a fost în mod tradițional unul dintre indicatorii culturali ai identității naționale și etnice italiene și ocupă o poziție importantă în societate și politică. Inovația muzicală italiană, la scară muzicală , armonie , notație și teatru muzical , a permis dezvoltarea operei , la sfârșitul secolului al XVI-lea , și o mare parte a muzicii clasice europene moderne, cum ar fi simfonia , concertul și sonata , care acoperă un spectru larg a operelor instrumentale clasice și populare și a muzicii atât din surse locale, cât și din surse importate.

Muzica populară italiană este o parte importantă a patrimoniului muzical al țării și cuprinde o gamă largă de stiluri regionale, instrumente și dansuri. Muzica instrumentală și vocală clasică este o parte emblematică a identității italiene, variind de la muzică culturală experimentală și fuziuni internaționale până la muzică simfonică și de operă. Opera este o parte integrantă a culturii muzicale italiene și a devenit un segment important al muzicii populare. Chiar și cântecul napolitan și tradiția compozitorilor sunt stiluri naționale populare, care sunt o parte importantă a industriei muzicale italiene, alături de genurile importate precum jazz , rock și hip hop-ul Statelor Unite .

Caracteristici

Muzica italiană a fost ținută cu mare respect de-a lungul istoriei și multe piese de muzică italiană sunt considerate a fi de înaltă artă. Mai mult decât alte elemente ale culturii italiene, muzica este în general eclectică, dar unică în comparație cu muzica altor națiuni. Nici o mișcare protecționistă parohială nu a încercat vreodată să mențină muzica italiană curată și liberă de influența străină, cu excepția unei perioade scurte de timp sub regimul fascist din anii 1920 și 1930. ^[1] Ca rezultat, muzica italiană a păstrat elemente ale multor popoare care au dominat sau au influențat țara, inclusiv franceză, germană și spaniolă. Contribuțiile istorice la muzica țării sunt, de asemenea, o parte importantă a mândriei naționale. Istoria relativ recentă a Italiei include dezvoltarea unei tradiții a operei care s-a răspândit în întreaga lume ; înainte de dezvoltarea identității italiene sau a unui stat italian unificat, peninsula italiană a contribuit la inovații importante în muzică, inclusiv la dezvoltarea notației muzicale și a cântării gregoriene .

Identitate socială

Italia are un puternic sentiment de identitate națională printr-o cultură distinctă - un sentiment de apreciere pentru frumusețe și emoționalitate, care este puternic evidențiat în muzică. Problemele culturale, politice și sociale sunt adesea exprimate și prin muzică în Italia. Loialitatea față de muzică este țesută integral în identitatea socială a italienilor, dar niciun stil nu a fost considerat un „stil național” tipic. Majoritatea muzicii populare sunt localizate și unice într-o mică regiune sau oraș. ^{[2] [3]} Moștenirea clasică a Italiei este totuși un punct important al identității țării, în special opera; piesele tradiționale de operă rămân o parte populară a muzicii și o componentă integrantă a identității naționale. Producția muzicală a Italiei rămâne caracterizată de „o mare diversitate și independență creativă (cu) o bogată varietate de tipuri de expresie”. ^[3]

Odată cu accelerarea industrializării în cursul secolelor 20 și 21, societatea italiană s-a mutat treptat de la o bază agricolă la un centru urban și industrial. Această schimbare a slăbit cultura tradițională în multe părți ale societății; un proces similar a avut loc și în alte țări europene, dar, spre deosebire de acestea, Italia nu a avut inițiative majore de conservare a muzicii tradiționale. Imigrația din Africa de Nord, Asia și alte țări europene a dus la diversificarea în continuare a muzicii italiene. Muzica tradițională exista doar în buzunare mici, mai ales ca parte a campaniilor dedicate păstrării identităților muzicale locale. ^[4]

Politică

Muzica și politica s-au împletit în Italia de secole. La fel cum multe opere de artă renascentistă italiană au fost comandate de regalitate și de Biserica Romano-Catolică , multă muzică a fost, de asemenea, compusă pe baza unor astfel de comisii - muzică de curte de fundal, muzică de încoronare, pentru nașterea unui moștenitor regal, marșuri regale și alte ocazii . Compozitorii care s-au rătăcit au avut anumite riscuri. Printre cele mai cunoscute dintre aceste cazuri s-a numărat compozitorul napolitan Domenico Cimarosa, care a compus imnul republican de scurtă durată pentru Republica Napoletană din 1799 . Când republica a căzut, a fost judecat pentru trădare împreună cu alți revoluționari. Cimarosa nu a fost executat de monarhia restaurată, ci a fost exilat. ^[5]

Muzica a jucat, de asemenea, un rol în unificarea peninsulei. În această perioadă, unii lideri politici au încercat să folosească muzica pentru a crea o identitate culturală unificatoare. Un exemplu este corul „ Va, Pensiero ” din opera lui Giuseppe Verdi Nabucco . Lucrarea vorbește despre Babilonul antic, dar corul conține sintagma „ O patria mea ”, aparent despre lupta israeliților, dar și o referință subtil acoperită la destinul unei Italii încă neunite; întreg corul a devenit imnul neoficial al Risorgimento , impulsul de a unifica Italia în secolul al XIX-lea . Numele lui Verdi era, de asemenea, sinonim cu unitatea italiană, deoarece „ Verdi ” putea fi citit ca un acronim pentru Vittorio Emanuele, regele Italiei , monarhul Savoyard care a devenit în cele din urmă Vittorio Emanuele II , primul rege al Italiei unite. Astfel, „ Viva Verdi ” a fost un strigăt de raliu pentru patrioți și a apărut adesea în scrierile de pe zidurile din Milano și din alte orașe din ceea ce făcea atunci parte din teritoriul austro-ungar . Verdi a avut probleme cu cenzura înainte de unificarea Italiei. Opera sa Un bal de mascaradă s-a intitulat inițial Gustavo III și a fost prezentată la opera San Carlo din Napoli , capitala Regatului celor două Sicilii , la sfârșitul anilor 1950. Cenzorii napoletani s-au opus complotului realist cu privire la asasinarea lui Gustav al III-lea , regele Suediei , în 1790. Chiar și după schimbarea complotului, cenzorii napoliteni au respins-o încă. ^[6]

Mai târziu, în era fascistă a anilor 1920 și 1930, a avut loc cenzura guvernului și interferența cu muzica, deși nu pe o bază sistematică. Exemple proeminente includ binecunoscutul manifest anti-modernist din 1932 ^[7] și interzicerea Povestii fiului schimbat de Gian Francesco Malipiero de către Mussolini , după o execuție din 1934. ^[8] Comunicarea muzicală media critica adesea muzica care era perceput ca radical politic sau insuficient italian. ^[3] Presa generală, precum Enciclopedia modernă italiană , a avut tendința de a trata compozitorii preferați în mod tradițional precum Giacomo Puccini și Pietro Mascagni cu aceeași concizie ca și compozitorii și muzicienii care nu erau atât de favorizați: moderniști precum Alfredo Casella și Ferruccio Busoni ; adică intrările de enciclopedie ale vremii erau simple liste de repere ale carierei, cum ar fi compozițiile și pozițiile în predare. Chiar și dirijorul Arturo Toscanini , un adversar declarat al fascismului, ^{[9] a} primit același tratament neutru și îndepărtat, fără a menționa deloc poziția sa „anti-regim”. ^[10] Poate că cel mai cunoscut episod de muzică care se confruntă cu politica îl implică pe Toscanini însuși. Fusese forțat să părăsească regia muzicală a La Scala din Milano în 1929, pentru că a refuzat să înceapă orice interpretare cu piesa fascistă, „ Giovinezza ”. Pentru această insultă la adresa regimului, el a fost atacat și bătut pe stradă în afara operei de la Bologna după o reprezentație din 1931. ^[11] În perioada fascistă, presiunea politică a împiedicat dezvoltarea muzicii clasice, deși cenzura nu a fost atât de sistematică ca în naziști. Germania . O serie de „legi rasiale” au fost adoptate în 1938, refuzând astfel compozitorilor și muzicienilor evrei să aparțină asociațiilor profesionale și artistice. ^[12] Deși nu a existat nicio fugă masivă de evrei italieni din Italia în acel moment (comparativ cu situația din Germania), ^[13] compozitorul Mario Castelnuovo-Tedesco , un evreu italian, a fost unul dintre cei care au emigrat. Au emigrat și unii dușmani neevrei ai regimului: Toscanini, de exemplu. ^{[1] [14]}

Mai recent, în a doua jumătate a secolului al XX-lea , în special în anii 1970 și nu numai, muzica a fost înțepenită în continuare de politica italiană. ^[14] O renaștere a rădăcinilor a stimulat interesul pentru tradițiile populare, condus de scriitori, colecționari și artiști tradiționali. ^[3] Dreptul politic din Italia a văzut această renaștere înrădăcinată cu dispreț, ca un produs al „claselor defavorizate”. ^[15] Scena revivalistă a devenit astfel asociată cu opoziția și a devenit un vehicul pentru „protestarea capitalismului de piață liberă ”. ^[3] La fel, scena muzicii clasice de avangardă a fost asociată și promovată de Partidul Comunist Italian din anii 1970, o schimbare care poate fi urmărită până la revoltele și protestele studențești din 1968 . ^[4]

Muzica clasica

Italia a fost mult timp un centru pentru muzica clasică europeană, iar la începutul secolului al XX-lea muzica clasică italiană a forjat un sunet național distinctiv romantic și melodic. Așa cum este tipic pentru operele lui Giuseppe Verdi , era o muzică în care „... Liniile vocale domină întotdeauna complexul tonal și nu sunt niciodată umbrite de acompaniamentele instrumentale ...” ^[16] Muzica clasică italiană a rezistat „jongleriei armonice germane” ^{[ 17]} - adică armoniile dense ale lui Richard Wagner , Gustav Mahler și Richard Strauss . De asemenea, muzica italiană nu a avut prea multe în comun cu reacția franceză la acea muzică germană - impresionismul lui Claude Debussy , de exemplu, în care dezvoltarea melodică este în mare parte abandonată pentru crearea unei stări de spirit și a unei atmosfere, prin sunetele acordurilor individuale. ^[18]

Muzica clasică europeană s-a schimbat dramatic în secolul al XX-lea . Noua muzică a abandonat o mare parte din școlile istorice de armonie și melodie dezvoltate la nivel național în favoarea muzicii experimentale , a atonalității , a minimalismului și a muzicii electronice , care utilizează caracteristici care au devenit comune muzicii europene în general și nu tuturor. ”Italia în special. ^[19] Aceste schimbări au făcut, de asemenea, muzica clasică mai puțin accesibilă pentru mulți oameni. Compozitori importanți din această perioadă sunt Ottorino Respighi , Ferruccio Busoni , Alfredo Casella , Gian Francesco Malipiero , Franco Alfano , Bruno Maderna , Luciano Berio , Luigi Nono , Sylvano Bussotti , Salvatore Sciarrino , Luigi Dallapiccola , Carlo Jachino , Gian Carlo Menotti , Jacopo Napoli și Goffredo Petrassi .

Operă

Același subiect în detaliu: opera italiană .

Lucrarea își are originea în Italia la sfârșitul secolului al XVI-lea în perioada Cameratei florentine . De-a lungul secolelor care au urmat, tradițiile operei s-au dezvoltat la Napoli și Veneția; lucrările lui Claudio Monteverdi , Alessandro Scarlatti și, mai târziu, Gioachino Rossini , Vincenzo Bellini și Gaetano Donizetti au înflorit. Opera a rămas forma muzicală cea mai strâns legată de muzica italiană și identitatea italiană. Acest lucru a fost cel mai evident în secolul al XIX-lea prin lucrările lui Giuseppe Verdi , o icoană a culturii italiene și a unității pan-italiene. Italia a menținut o tradiție muzicală de operă romantică la începutul secolului al XX-lea , exemplificată de compozitorii așa-numitei Școli tinere , a cărei muzică a fost ancorată în secolul anterior, inclusiv Arrigo Boito , Ruggero Leoncavallo , Pietro Mascagni și Francesco Cilea . Giacomo Puccini , care a fost un compozitor verist , a fost descris de Encyclopedia Britannica Online drept omul care „a dus practic la sfârșitul istoriei operei italiene”. ^[20]

După primul război mondial , însă, lucrarea a scăzut în comparație cu înălțimile populare ale secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea. Cauzele au inclus îndepărtarea culturală generală de romantism și apariția cinematografiei , care a devenit o sursă majoră de divertisment. O a treia cauză este faptul că „internaționalismul” adusese opera italiană contemporană într-un stat în care nu mai era „italiană”. ^[4] Aceasta a fost opinia a cel puțin unui eminent muzicolog și critic italian, Fausto Terrefranca, care, într-o broșură din 1912 intitulată Giacomo Puccini e opera Internazionale, ^[21] l-a acuzat pe Puccini de „profiterare” și că a abandonat tradițiile italiene. Opera romantică tradițională rămăsese populară; de fapt, editorul de operă dominant la începutul secolului al XX-lea a fost Casa Ricordi , care s-a concentrat aproape exclusiv pe opere populare până în anii 1930, când compania a autorizat compozitori mai neobișnuiți și mai puțin atrăgători. Apariția editorilor relativ noi precum Carisch și Suvini Zerboni a contribuit, de asemenea, la alimentarea diversificării muncii italiene. ^[4] Opera rămâne o parte importantă a culturii italiene; un interes reînnoit pentru munca în sectoarele societății italiene a început în anii 1980. Printre compozitorii acestei epoci ne amintim de cunoscutul Aldo Clementi și de colegii mai tineri precum Marco Tutino și Lorenzo Ferrero . ^[4]

Muzică sfântă

Italia, fiind una dintre națiunile fundamentale ale catolicismului, are o lungă istorie de muzică pentru Biserica Romano-Catolică . Până în jurul anului 1800 era posibil să asculți cântarea gregoriană și polifonia renascentistă , cum ar fi muzica lui Palestrina , Lassus , Anerio și alții. Din aproximativ 1800 până în 1900 a fost un secol în care s-a auzit un tip de muzică sacră mai popular, operatic și mai distractiv, cu excepția cântării și polifoniei menționate mai sus. La sfârșitul secolului al XIX-lea, Mișcarea Ceciliană a fost inițiată de muzicieni care au luptat pentru a restabili această muzică. Această mișcare a luat avânt nu în Italia, ci în Germania, în special la Regensburg . Mișcarea a atins apogeul în jurul anului 1900 odată cu ascensiunea lui Don Lorenzo Perosi și a susținătorului său (și viitor sfânt), Papa Pius X. ^[22] Cu toate acestea, apariția Vaticanului II aproape că a șters toată muzica în limba latină din Biserică, înlocuind-o încă o dată cu un stil mai popular. ^[23]

Muzica instrumentala

Succesul operei în muzica italiană tinde să ascundă zona importantă a muzicii instrumentale. ^[24] Din punct de vedere istoric, o astfel de muzică include o gamă largă de muzică instrumentală sacră, concerte instrumentale și muzică orchestrală în operele lui Andrea Gabrieli , Giovanni Gabrieli , Girolamo Frescobaldi , Arcangelo Corelli , Tomaso Albinoni , Antonio Vivaldi , Domenico Scarlatti , Luigi Boccherini , Muzio Clementi , Luigi Cherubini , Giovanni Battista Viotti și Niccolò Paganini . Compozitorii de operă lucrau ocazional sub alte forme, de exemplu Cvartetul în mi minor al lui Giuseppe Verdi . Donizetti , al cărui nume este identificat cu începutul operei italiene, a scris și 18 cvartete de coarde. La începutul secolului al XX-lea, după o perioadă de criză care a durat aproape un secol, muzica instrumentală a început să crească în importanță, proces care a început în jurul anului 1904 cu a doua Simfonie a lui Giuseppe Martucci , o lucrare pe care Gian Francesco Malipiero a numit-o „punctul de plecare pentru renașterea muzicii italiene non-opera ”. ^[25] Câțiva compozitori timpurii din această epocă, precum Leone Sinigaglia , au folosit tradiții populare indigene.

Începutul secolului al XX-lea este, de asemenea, marcat de prezența unui grup de compozitori numit generația anilor optzeci (generația din 1880), inclusiv Franco Alfano , Alfredo Casella , Gian Francesco Malipiero , Ildebrando Pizzetti și Ottorino Respighi . Acești compozitori, urmând calea luată mai întâi de Martucci menționat mai sus, s-au concentrat de obicei pe scrierea de opere instrumentale mai degrabă decât pe operă. Membrii acestei generații au fost figuri dominante în muzica italiană după moartea lui Puccini în 1924, anul cu care tindem să indicăm și sfârșitul istoriei operei italiene. ^[4] Au apărut noi organizații pentru a promova muzica italiană, precum Festivalul de muzică contemporană de la Veneția și Maggio Musicale Fiorentino . Fundația de către Guido Gatti a periodicului Il Pianoforte și apoi Revista muzicală au contribuit, de asemenea, la promovarea unei viziuni mai largi a muzicii în ceea ce privește climatul politic și social permis. În ceea ce privește secolul al XX-lea, este important să menționăm figura lui Mario Castelnuovo-Tedesco , pianist și compozitor amintit ca unul dintre cei mai importanți autori pentru chitara clasică din secolul al XX-lea. Majoritatea italienilor, cu toate acestea, au preferat piese normale mai tradiționale și stabilite și doar o mică parte din public a căutat noi stiluri experimentale de muzică clasică. ^[4]

Florida este, de asemenea, școala de instrumentiști și dirijori, care a inclus (și contează) unii dintre cei mai importanți interpreți ai secolului al XX-lea; ar trebui să menționăm, printre alții, pe Arturo Benedetti Michelangeli , Cvartetul italian , I Musici , Salvatore Accardo , Maurizio Pollini , Uto Ughi , Aldo Ciccolini , Severino Gazzelloni , Arturo Toscanini , Mario Brunello , Ferruccio Busoni , Bruno Canino , Claudio Abbado , Carlo Maria Giulini , Oscar Ghiglia și Riccardo Muti .

Balet

Contribuțiile italiene la balet sunt mai puțin cunoscute și apreciate decât în ​​alte sectoare ale muzicii clasice. Italia, în special Milano, a fost un centru al baletului curții încă din secolul al XV-lea , influențată de distracțiile obișnuite în sărbătorile regale și nunțile aristocratice. Printre coregrafii și compozitorii baletului se numără Fabritio Caroso și Cesare Negri . Stilul de balet cunoscut sub numele de „ochelarii italieni ” exportat în Franța din Italia a prins și primul balet interpretat în Franța (1581), Ballet Comique de la Reine , a fost coregrafiat de un italian, Baltazarini di Belgioioso, ^[26] cel mai cunoscut din versiunea franceză a numelui său, Balthasar de Beaujoyeulx. Primul balet a fost însoțit de o instrumentare considerabilă, cu cântare de coarne, tromboni, tobe, dulcimere, cimpoi etc. Deși muzica nu a supraviețuit, se speculează că dansatorii înșiși ar fi putut juca instrumentele pe scenă. ^[27] Apoi, în urma Revoluției Franceze , Italia a devenit din nou un centru de dans, în mare parte datorită eforturilor lui Salvatore Viganò , un coregraf care a colaborat cu unii dintre cei mai importanți compozitori ai vremii. A devenit profesor de dans la La Scala în 1812. ^[26] Cel mai cunoscut exemplu de balet italian din secolul al XIX-lea este probabil Excelsior , cu muzică de Romualdo Marenco și coregrafie de Luigi Manzotti . A fost compus în 1881 și este un mare tribut adus progresului științific și industrial al secolului al XIX-lea. Este încă interpretat și a fost pus în scenă în 2002.

În prezent, marile case de operă italiene întrețin companii de balet. Ele există pentru a oferi dansuri scenice și ceremoniale în multe opere, cum ar fi Aida sau La traviata . Aceste companii de dans mențin de obicei un sezon separat de balet și interpretează repertoriul standard al baletului clasic, dintre care puțin este italian. Echivalentul italian al baletului rus Bolshoi și al unor companii similare care există doar pentru a cânta în balet, independent de o operă, este Corpul de balet al Teatro alla Scala . În 1979, o companie de dans modern, Aterballetto , a fost fondată în Reggio Emilia de Vittorio Biagi .

Muzică experimentală

Muzica experimentală este un domeniu larg și vag definit, care include muzica creată prin abandonarea conceptelor clasice tradiționale de melodie și armonie și utilizarea noii tehnologii electronice pentru a crea sunete imposibile până acum. În Italia, unul dintre primii care și-au dedicat atenția muzicii experimentale a fost Ferruccio Busoni , a cărui publicație din 1907, Sketch of a New Aesthetic of Music , a discutat despre utilizarea noilor sunete electrice și a altor sunete în muzica viitorului. El a vorbit despre nemulțumirea sa față de constrângerile muzicii tradiționale:

În mod similar, Luigi Russolo , pictorul și compozitorul futurist italian, a scris despre posibilitățile muzicii noi în afișele sale din 1913 L'arte dei noori și La musica futurista . De asemenea, a inventat și a construit instrumente precum intonarumori , în principal percuție, care au fost folosite într-un precursor al stilului cunoscut sub numele de musique concrète . Unul dintre cele mai influente evenimente din muzica de la începutul secolului al XX-lea a fost revenirea lui Alfredo Casella din Franța în 1915; Casella a fondat Societatea Italiană de Muzică Modernă , care a promovat mai mulți compozitori cu stiluri disparate, variind de la experimentale la tradiționale. După o dispută cu privire la valoarea muzicii experimentale în 1923, Casella a format New Music Corporation pentru a promova muzica experimentală modernă. ^[4]

În anii 1950, Luciano Berio a experimentat cu instrumente însoțite de sunete electronice pe bandă. În Italia modernă, o organizație importantă care promovează cercetarea în muzica de avangardă și electronică este CEMAT , Federația centrelor de muzică electroacustică italiene. A fost fondată în 1996 la Roma și este membră a CIME, Confédération Internationale de Musique Electroacoustique . CEMAT promovează activitățile proiectului „Sonora”, lansat în comun de către Departamentul pentru Artele Spectacolului, Ministerul Afacerilor Culturale și Direcția Relații Culturale din Ministerul Afacerilor Externe cu scopul promovării și diseminării muzicii contemporane. .

Muzica clasică în societate

Muzica clasică italiană s-a dezvoltat treptat mai experimentală și progresivă spre mijlocul secolului al XX-lea, în timp ce gusturile populare tindeau să se țină de compozitorii și compozițiile consacrate din trecut. ^[4] Programul 2004-2005 de la Teatrul San Carlo din Napoli este tipic Italiei moderne: dintre cele opt opere reprezentate, cea mai recentă a fost realizată de Puccini. În muzica simfonică, dintre cei 26 de compozitori a căror muzică a fost cântată, 21 dintre ei erau din secolul al XIX-lea sau mai devreme, compozitori care foloseau melodiile și armoniile tipice epocii romantice. Această concentrare este comună altor tradiții europene și este cunoscută sub numele de postmodernism , o școală de gândire care se bazează pe concepte armonice și melodice anterioare care preced concepțiile atonalității și disonanței . ^[29] Această atenție acordată compozitorilor istorici populari a contribuit la menținerea unei prezențe constante a muzicii clasice într-o mare parte a societății italiene. Când muzica face parte dintr-o expoziție sau întrunire publică, ea este adesea aleasă dintr-un repertoriu foarte eclectic care include probabil muzică clasică și muzică populară bine-cunoscute.

Unele opere recente au devenit parte a repertoriului modern, inclusiv partituri și piese de teatru de compozitori precum Luciano Berio , Luigi Nono , Franco Donatoni și Sylvano Bussotti . Acești compozitori nu fac parte dintr-o școală sau tradiție distinctă, deși împărtășesc anumite tehnici și influențe. În anii 1970 , muzica clasică de avangardă devenise legată de Partidul Comunist Italian , în timp ce în deceniul următor a continuat o reapariție a interesului popular, cu fundații, festivaluri și organizații create pentru a promova muzica modernă. Spre sfârșitul secolului al XX-lea, sponsorizarea guvernului instituțiilor muzicale a început să scadă și multe coruri RAI și orchestre de oraș au fost închise. În ciuda acestui fapt, un număr de compozitori au câștigat faima internațională la începutul secolului XXI . ^[4]

Muzică tradițională italiană

Același subiect în detaliu: muzică tradițională italiană .

Muzica tradițională italiană are o istorie profundă și complexă. ^[30] De când unificarea națională a venit târziu în peninsula italiană , muzica tradițională a numeroaselor sale sute de culturi nu prezintă un caracter național omogen. Mai degrabă, fiecare regiune și comunitate posedă o tradiție muzicală unică care reflectă istoria, limba și compoziția etnică a acelui loc. ^[31] Aceste tradiții reflectă poziția geografică a Italiei în sudul Europei și în centrul Mediteranei; Le influenze celtiche , romane e slave, come la geografia grezza e il dominio storico delle piccole città , si sono tutte combinate per consentire a diversi stili musicali di coesistere in una stretta prossimità.

Gli stili folcloristici italiani sono molto diversi e includono canzoni monofoniche , polifoniche e responsoriali , musica corale, strumentale e vocale e altri stili. Il canto corale e le forme polifoniche delle canzoni si trovano principalmente nell'Italia settentrionale, mentre a sud di Napoli il canto solista è più comune ed i gruppi di solito usano il canto all'unisono in due o tre parti trascinate da un singolo esecutore. Il canto ballata settentrionale è sillabico, con un ritmo rigoroso e testi comprensibili, mentre gli stili del sud usano un tempo di rubato e uno stile vocale commosso e agitato. ^[32] I musicisti folk usano il dialetto della propria tradizione regionale; questo rifiuto della lingua italiana standard nella canzone popolare è quasi universale. C'è poca percezione di una tradizione popolare italiana e la musica popolare del paese non è mai diventata un simbolo nazionale. ^[32]

Regioni

Alcuni nomi geografici comuni utilizzati come punti di riferimento in Italia. ^[33]

La musica folk è a volte divisa in diverse sfere di influenza geografica, un sistema di classificazione di tre regioni, meridionale, centrale e settentrionale, proposto da Alan Lomax nel 1956 ^[34] e spesso ripetuto. Inoltre Curt Sachs ^[35] proponeva l'esistenza di due tipi di musica popolare piuttosto distinti in Europa: continentale e mediterraneo e altri ^[36] hanno collocato la zona di transizione dalla prima a quest'ultima all'incirca nell'Italia centro-settentrionale, approssimativamente tra Pesaro e La Spezia . Le parti centrali, settentrionali e meridionali della penisola condividono determinate caratteristiche musicali e sono distinte dalla musica della Sardegna . ^[32]

Musicisti folk italiani si esibiscono a Edimburgo

Nelle valli piemontesi e in alcune comunità liguri dell'Italia nord-occidentale, la musica conserva la forte influenza dell'antica Occitania . I testi dei trovatori occitanici sono alcuni dei più antichi esempi conservati di canzoni in volgare e gruppi moderni come Gai Saber ^[37] e Lou Dalfin conservano e rendono contemporanea la musica occitana. La cultura occitana conserva le caratteristiche dell'antica influenza celtica, attraverso l'uso di flauti a sei o sette fori ( fiffaro ) o delle cornamuse ( piva ). La musica del Friuli-Venezia Giulia , nel nordest dell'Italia, condivide molto di più con l'Austria e la Slovenia, comprese le varianti del valzer e della polka . Gran parte del Nord Italia condivide con aree dell'Europa più a nord un interesse per il canto delle ballate (chiamato canto epico lirico ) e il canto corale. Anche le ballate, solitamente pensate come un veicolo per una voce solista, possono essere cantate in cori. Nella provincia di Trento i "cori popolari" sono la forma più comune di produzione musicale. ^[38]

Differenze musicali evidenti nel tipo meridionale includono un maggiore uso del canto a intervallo parziale e una maggiore varietà di strumenti popolari. Le influenze celtiche e slave del gruppo e le opere corali a voci aperte del nord cedono a una forte monodia araba, greca e nordafricana influenzata dal sud. In alcune parti della Puglia ( Grecia salentina , per esempio) il dialetto Griko è comunemente usato nella canzone. La città pugliese di Taranto è la patria della tarantella , una danza ritmata largamente eseguita nel sud Italia. La musica pugliese in generale, e la musica salentina in particolare, è stata ben studiata e documentata dagli etnomusicologi e da Aramirè.

La musica della Sardegna è meglio conosciuta per il canto polifonico dei tenores . Il suono dei tenores richiama le radici del canto gregoriano, ed è simile ma distintivo al trallalero ligure. Gli strumenti tipici includono le launeddas , una triplice pipa sarda utilizzata in modo sofisticato e complesso. Efisio Melis era un noto suonatore di launeddas degli anni '30 . ^[39]

Canzoni

Le canzoni popolari italiane includono ballate , canzoni liriche, ninne nanne e canzoni per bambini, canzoni di stagione basate su festività come il Natale , canzoni legate ai fatti della vita che celebrano matrimoni, battesimi e altri eventi importanti, canzoni di ballo, richiami del bestiame e canzoni professionali, legate a professioni come pescatori, pastori e soldati. Le ballate ( canti epico-lirici ) e le canzoni liriche ( canti lirico-monostrofici ) sono due importanti categorie. Le ballate sono più comuni nell'Italia settentrionale, mentre le canzoni liriche prevalgono più a sud. Le ballate sono strettamente legate alla forma inglese, con alcune ballate inglesi esistenti in esatta corrispondenza con una canzone italiana. Altre ballate italiane sono più strettamente basate su modelli francesi. Le canzoni liriche sono una categoria diversa che consiste di ninne nanne, serenate e canti di lavoro, e sono spesso improvvisate anche se basate su un repertorio tradizionale. ^[32]

Altre tradizioni della canzone popolare italiana sono meno comuni delle ballate e delle canzoni liriche. Strofiche , laude religiose, a volte in latino, sono ancora occasionalmente eseguite, e sono note anche canzoni epiche, specialmente quelle della celebrazione del maggio . I cantanti professionisti di sesso femminile eseguono nenie in uno stile simile a quelli di altre parti d'Europa. Lo Jodel esiste nell'Italia settentrionale, sebbene sia più comunemente associato alle musiche popolari di altre nazioni alpine. Il Carnevale italiano è associato a diversi tipi di canzoni, in particolare il Carnevale di Bagolino , Brescia . Cori e ottoni fanno parte della festa di metà quaresima, mentre la tradizione della canzone di supplica si estende attraverso molte feste durante tutto l'anno. ^[32]

Strumenti

La strumentazione è parte integrante di tutti gli aspetti della musica popolare italiana. Esistono diversi strumenti che conservano le forme più antiche anche se i modelli più recenti si sono diffusi altrove in Europa. Molti strumenti italiani sono legati a certi rituali o occasioni, come la zampogna o cornamusa , che in genere si ascolta solo a Natale. ^[40] Gli strumenti folk italiani possono essere suddivisi in categorie di corde , fiati e percussioni . ^[41] Gli strumenti comuni comprendono la fisarmonica diatonica , una fisarmonica più strettamente associata al saltarello ; la fisarmonica diatonica è la più comune nell'Italia centrale, mentre le fisarmoniche cromatiche prevalgono nel nord. Molti comuni ospitano bande di ottoni , che si esibiscono con gruppi di revival delle radici; questi gruppi sono basati sul clarinetto , la fisarmonica , il violino e piccoli tamburi, decorati con campane. ^[32]

Gli strumenti a fiato italiani comprendono in particolare una varietà di flauti folk. Tra questi ci sono tubi, flauti globulari e trasversali , nonché varie varianti del flauto di pan . I doppi flauti sono più comuni in Campania, Calabria e Sicilia. ^[42] Una brocca di ceramica chiamata quartara viene anche usata come strumento a fiato, soffiando attraverso un'apertura nel collo stretto della bottiglia; si trova nella Sicilia orientale e in Campania. Le cornamuse singole ( ciaramella ) e doppie ( piffero ) vengono comunemente suonate in gruppi di due o tre. ^[32] Sono note molte cornamuse popolari, tra cui la zampogna dell'Italia centrale; I nomi dialettali per la zampogna variano in tutta Italia: baghèt a Bergamo , piva in Lombardia, müsa ad Alessandria , Genoa , Pavia e Piacenza , e così via.

La zampogna , una cornamusa popolare.

Numerosi strumenti a percussione fanno parte della musica popolare italiana, tra cui blocchi di legno, campane, nacchere , tamburi. Diverse regioni hanno la loro forma distinta di sonagli, tra cui la raganella e le conocchie calabresi, un bastone da pastore con sonagli permanenti e col significato rituale della fertilità. Il sonaglio napoletano è il triccaballacca , fatto di diverse bacchette in una cornice di legno. I tamburini e il tamburello ), come vari tipi di tamburi, come il putipù , tamburo a frizione. Il Tamburello , pur sembrando molto simile al tamburello occidentale contemporaneo, è in realtà suonato con una tecnica molto più articolata e sofisticata (influenzata dal modo di suonare mediorientale), dandole una vasta gamma di suoni. Lo scacciapensieri è uno strumento peculiare, che si trova solo nel nord Italia e in Sicilia. ^[32]

Gli strumenti a corda variano ampiamente in base alla località, senza alcun rappresentante di rilievo nazionale. Viggiano è sede di una tradizione di arpa , che ha una base storica in Abruzzo , Lazio e Calabria .

La Calabria , da sola, ha 30 strumenti musicali tradizionali, alcuni dei quali hanno caratteristiche fortemente arcaiche e sono in gran parte estinti altrove in Italia. È la patria della chitarra a quattro o cinque corde chiamata chitarra battente e un violino a tre corde chiamato lira , ^[43] che si trova anche in forme simili nella musica di Creta e dell'Europa sud-orientale. Un violino ad una corda, chiamato torototela , è comune nel nord-est del paese. L'area in gran parte di lingua tedesca del Trentino-Alto Adige è nota per la cetra e la ghironda si trova in Emilia, Piemonte e Lombardia. ^[32] Tradizioni esistenti, radicate e diffuse confermano la produzione di strumenti effimeri e giocattolo fatti di corteccia, canna , foglie, fibre e steli, come emerge, ad esempio, dalla ricerca di Fabio Lombardi .

Danza

La danza è parte integrante delle tradizioni popolari in Italia. Alcune danze sono antiche e, fino a un certo punto, esistono tutt'ora. Ci sono danze magico-rituali di propiziazione e danze del raccolto, tra cui le danze "di raccolta del mare" delle comunità di pescatori in Calabria e le danze della vendemmia in Toscana. Tra le danze famose troviamo la tarantella meridionale; forse la più iconica delle danze italiane, la tarantella è in 6/8 e fa parte di un rituale popolare destinato a curare il veleno causato dai morsi della tarantola . Le famose danze toscane recitano ritualmente la caccia alla lepre, o mostrano lame in danze con armi che simulano o richiamano le mosse del combattimento, o usano le armi come strumenti stilizzati della danza stessa. Ad esempio, in alcuni villaggi nel nord Italia, le spade sono sostituite da mezzi cerchi di legno ricamati con il verde, simili alle cosiddette "danze della ghirlanda" nell'Europa settentrionale. ^[44] Ci sono anche danze di amore e di corteggiamento, come la danza duru-duru in Sardegna. ^[45]

Molte di queste danze sono attività di gruppo, il gruppo si organizza in file o cerchi; alcune - le danze di amore e di corteggiamento - coinvolgono le coppie, sia una singola che più coppie. La tammuriata (eseguita al suono del tamburello) è un ballo di coppia eseguito nel sud Italia e accompagnato da una canzone lirica chiamata strambotto . Altre danze per coppie sono indicate collettivamente come saltarello . Vi sono, tuttavia, anche danze soliste; la più tipica di queste sono le "danze di bandiera" di varie regioni d'Italia, in cui il danzatore passa una bandiera o una bandierina del paese attorno al collo, attraverso le gambe, dietro la schiena, spesso lanciandola in alto in aria e catturandola. Queste danze possono anche essere eseguite in gruppi di ballerini solisti che agiscono all'unisono o coordinando la bandiera che passa tra i ballerini. L'Italia settentrionale ospita anche la monferrina , una danza accompagnata che è stata incorporata nella musica d'arte occidentale dal compositore Muzio Clementi . ^[32]

L'interesse accademico nello studio della danza dalla prospettiva della sociologia e dell'antropologia è stato tradizionalmente trascurato in Italia, ma attualmente sta mostrando una rinnovata vita a livello universitario e post laurea. ^[46]

Musica popolare

La prima musica popolare italiana è stata l'opera del XIX secolo. L'opera ha avuto un effetto duraturo sulla musica classica e popolare italiana. Le melodie d'opera si sono diffuse attraverso bande di ottoni e gruppi itineranti. La Canzone napoletana è una tradizione distinta che divenne parte della musica popolare nel XIX secolo ed è stata un'immagine iconica della musica italiana all'estero entro la fine del XX secolo. ^[32] Gli stili importati sono diventati anche una parte importante della musica popolare italiana, a cominciare dal Café chantant francese negli anni '90 e poi dall'arrivo del jazz americano negli anni '10 . Fino a quando il fascismo italiano divenne ufficialmente "allergico" alle influenze straniere verso la fine degli anni '30, la musica ei musicisti di musica americana erano piuttosto popolari; Il grande jazzista Louis Armstrong girò l'Italia fino al 1935 con grande successo. ^[47] Negli anni '50 gli stili americani divennero più importanti, specialmente il rock . La tradizione dei cantautori ebbe un grande sviluppo alla fine degli anni '60, mentre la scena rock italiana presto si diversificò in stili progressivi , punk , funk e folk . ^[32]

Prime canzoni popolari

L' opera italiana divenne immensamente popolare nel XIX secolo ed era conosciuta anche nelle zone più rurali del paese. La maggior parte dei villaggi ha avuto occasionali produzioni operistiche e le tecniche utilizzate nell'opera hanno influenzato le musiche popolari paesane. L'opera si è diffusa attraverso compagnie itineranti e bande di ottoni , concentrate in un villaggio locale. Queste bande civiche ( banda comunale ) usavano strumenti per eseguire arie d'opera, con tromboni o filicorni per le parti vocali maschili e le cornette per le parti femminili. ^[32]

Anche la musica regionale nel XIX secolo divenne popolare in tutta Italia. Notevole tra queste tradizioni locali era la canzone napoletana . Anche se ci sono canzoni anonime e documentate provenienti da Napoli di molti secoli fa, ^[48] il termine canzone napoletana ora si riferisce generalmente a una grande quantità di musica popolare relativamente recente, composta da 'O sole mio , Torna a Surriento e Funiculì funiculà . Nel XVIII secolo molti compositori, tra cui Alessandro Scarlatti , Leonardo Vinci e Giovanni Paisiello , contribuirono alla tradizione napoletana utilizzando la lingua locale per i testi di alcune delle loro opere comiche . Più tardi altri, il più famoso fu Gaetano Donizetti , composero canzoni napoletane che ottennero grande fama in Italia e all'estero. ^[32] La tradizione della canzone napoletana si formalizzò negli anni trenta del secolo scorso con un concorso annuale di canzoni per l'annuale Festival di Piedigrotta , ^[49] dedicato alla Madonna di Piedigrotta , nota chiesa nella zona di Mergellina a Napoli. La musica si identifica con Napoli, ma è famosa all'estero, essendo stata esportata sulle grandi ondate di emigrazione da Napoli e dall'Italia meridionale all'incirca tra il 1880 e il 1920. La lingua è un elemento estremamente importante della canzone napoletana, che è sempre scritta e rappresentata in napoletano . Le canzoni napoletane in genere usano armonie semplici e sono strutturate in due sezioni, un ritornello e versi narrativi, spesso in chiavi in maggiore o minore, in contrasto o in parallelo. ^[32] In termini non musicali, ciò significa che molte canzoni napoletane possono suonare gioiose un minuto e malinconiche un attimo dopo.

La musica di Francesco Tosti era popolare all'inizio del XX secolo e viene ricordata per le sue canzoni leggere ed espressive. Il suo stile divenne molto popolare durante la Belle Époque ed è spesso noto come musica da salone. Le sue opere più famose sono Serenata , Addio e la popolare canzone napoletana Marechiaro , i cui testi sono del noto poeta dialettale napoletano, Salvatore di Giacomo .

La musica popolare registrata iniziò nel tardo XIX secolo, con stili internazionali che influenzarono la musica italiana alla fine degli anni '10; tuttavia, l'ascesa dell' autarchia , la politica fascista dell'isolazionismo culturale nel 1922 portò a un ritiro dalla musica popolare internazionale. Durante questo periodo i musicisti italiani famosi viaggiarono all'estero e impararono elementi del jazz, della musica latinoamericana e di altri stili. Queste musiche influenzarono la tradizione italiana, che si diffuse in tutto il mondo e fu ulteriormente diversificata in seguito alla liberalizzazione dopo la seconda guerra mondiale . ^[32]

Sotto le politiche isolazioniste del regime fascista , che salì al potere nel 1922, l'Italia sviluppò una cultura musicale insulare. Le musiche straniere furono soppresse mentre il governo di Mussolini incoraggiava il nazionalismo e la purezza linguistica ed etnica. Artisti popolari, tuttavia, viaggiarono all'estero e riportarono nuovi stili e tecniche. ^[32] Il jazz americano ha avuto un'influenza importante su cantanti come Alberto Rabagliati , che divenne noto per uno stile swingante . Elementi di armonia e melodia del jazz e del blues erano usati in molte canzoni popolari, mentre i ritmi venivano spesso dalle danze latine come il tango , la rumba e la beguine . I compositori italiani incorporarono elementi di questi stili, mentre la musica italiana, in particolare la canzone napoletana, entrò a far parte della musica popolare in tutta l'America Latina. ^[32]

Pop moderno

Tra i musicisti pop italiani più famosi degli ultimi decenni ci sono Domenico Modugno , Mina , Patty Pravo , Mia Martini , Adriano Celentano e, più recentemente, Zucchero Fornaciari , Mango , Claudio Baglioni , Vasco Rossi , Irene Grandi , Gianna Nannini e le superstar internazionali Eros Ramazzotti , Laura Pausini e Andrea Bocelli . I musicisti che compongono e cantano le loro canzoni sono chiamati cantautori . Le loro composizioni si concentrano tipicamente su temi di rilevanza sociale e sono spesso canzoni di protesta : questa ondata è iniziata negli anni '60 con musicisti come Fabrizio De André , Paolo Conte , Giorgio Gaber , Umberto Bindi , Gino Paoli e Luigi Tenco . I temi sociali, politici, psicologici e intellettuali, principalmente sulla scia del lavoro di Gaber e De André, divennero ancora più predominanti negli anni '70 attraverso autori come Lucio Dalla , Pino Daniele , Francesco De Gregori , Ivano Fossati , Francesco Guccini , Edoardo Bennato , Rino Gaetano e Roberto Vecchioni . Lucio Battisti , dalla fine degli anni '60 fino alla metà degli anni '90, ha fuso la musica italiana con il rock e il pop britannico e, ultimamente nella sua carriera, con generi come synthpop , rap , techno ed eurodance , mentre Angelo Branduardi e Franco Battiato hanno intrapreso la carriera più orientata alla tradizione della musica pop italiana. ^[50] C'è qualche genere di incrocio tra i cantautori e quelli che sono visti come cantanti della "musica di protesta". ^[51]

Le colonne sonore, sebbene siano secondarie al film, sono spesso acclamate dalla critica e molto popolari nel loro genere. Tra le prime musiche per i film italiani degli anni '30 fu il lavoro di Riccardo Zandonai con le colonne sonore dei film La Principessa Tarakanova (1937) e Caravaggio, il pittore maledetto (1941). Tra gli esempi del dopoguerra vi sono Goffredo Petrassi con Non c'è pace tra gli ulivi (1950) e Roman Vlad con Giulietta e Romeo (1954). Un altro noto compositore di musica da film fu Nino Rota , la cui carriera nel dopoguerra comprendeva le colonne sonore per i film di Federico Fellini e, più tardi, La serie Il Padrino . Altri importanti compositori di colonne sonore sono Ennio Morricone , Riz Ortolani e Piero Umiliani . ^[52]

Danza moderna

Lo stesso argomento in dettaglio: Italo disco , Italo house e Italo dance .

L'Italia è stata un paese importante per quanto riguarda l' electronic dance music , soprattutto sin dalla creazione dell' italo disco tra la fine degli anni '70 e l'inizio degli anni '80. Il genere, originato dalla discoteca , fondeva "melodie melodiche" con musica pop ed elettronica , ^[53] facendo uso di sintetizzatori e drum machine , che spesso davano un suono futuristico. Secondo un articolo di The Guardian , in città come Verona e Milano , i produttori lavorerebbero con i cantanti, usando sintetizzatori e drum machine di massa e incorporandoli in un mix di musica sperimentale con una "sensibilità classic-pop" ^[53] che dovrebbe essere mirato ai night club . ^[53] Le canzoni prodotte sarebbero state vendute più tardi da etichette e aziende come la Discomagic di Milano. ^[53] L'italo disco ha influenzato diversi gruppi elettronici, come i Pet Shop Boys , Erasure e New Order , ^[53] oltre a generi come Eurodance , Eurobeat e freestyle . Verso il 1988, tuttavia, il genere si era fuso con altre forme di danza europea e musica elettronica, una delle quali era l' italo house . Italo house mescola elementi di italo disco con l' house music tradizionale; il suo suono era generalmente edificante e faceva un forte uso di melodie al pianoforte. Entro la seconda metà degli anni '90 è emerso un sottogenere di Eurodance noto come italo dance . Prendendo spunto dall'italo disco e dalla italo house, l'italo dance includeva generalmente i riff del sintetizzatore, un suono melodico e l'uso dei vocoder . Nel corso degli anni ci sono stati diversi importanti compositori e produttori di musica dance italiana, come Giorgio Moroder , che ha vinto tre Premi Oscar per la sua musica. È accreditato da AllMusic come "Uno dei principali architetti del suono da discoteca". ^[54]

Stili importati

Durante la Belle Époque , la moda francese di eseguire musica popolare al café-chantant si diffuse in tutta Europa. ^[55] La tradizione aveva molto in comune con il cabaret , e c'è sovrapposizione tra café-chantant , café-concert , cabaret , music hall , vaudeville e altri stili simili, ma almeno nella sua manifestazione italiana, la tradizione è rimasta in gran parte apolitica, concentrandosi sulla musica leggera , spesso osé, ma non oscena. Il primo café-chantant in Italia fu il Salone Margherita , inaugurato nel 1890 nei locali della nuova Galleria Umberto a Napoli. ^[56] Altrove in Italia, il Gran Salone Eden di Milano e il Music Hall Olympia di Roma furono aperti poco dopo. Il café-chantant era alternativamente conosciuto nella forma italianizzata di caffè-concerto . La cantante principale, di solito una donna, era chiamato una chanteuse in francese; il termine italiano, sciantosa , è stato coniato direttamente dal francese. Le stesse canzoni non erano francesi, ma erano canzoni allegre o leggermente sentimentali composte in italiano. Quella musica passò di moda con l'avvento della prima guerra mondiale .

L'influenza delle forme pop americane fu forte dalla fine della seconda guerra mondiale . I sontuosi numeri di show di Broadway, le big band , il rock and roll e l' hip hop continuano ad essere popolari. Anche la musica latina, in particolare la bossa nova brasiliana, è popolare e il genere portoricano del reggaeton sta rapidamente diventando una forma di musica dance tradizionale. Non è raro che artisti moderni pop italiani come Laura Pausini , Eros Ramazzotti , Zucchero Fornaciari o Andrea Bocelli pubblichino nuove canzoni in inglese o spagnolo in aggiunta o al posto di canzoni in italiano. Così, le revisioni musicali, che sono i programmi più comuni dell'attuale televisione italiana, possono facilmente passare, in una sola serata, da un numero di big band con ballerini a un imitatore di Elvis a un cantante pop che esegue un'interpretazione di un'aria pucciniana.

Il jazz si fece strada in Europa durante la prima guerra mondiale grazie alla presenza di musicisti americani nelle bande militari che suonavano musica sincopata . ^[57] Eppure, anche prima, l'Italia ricevette un accenno della nuova musica dall'altra parte dell'Atlantico sotto forma di cantanti e ballerini creoli che si esibirono all'Eden Theatre di Milano nel 1904; si pubblicizzarono come i "creatori del cakewalk". Le prime vere orchestre jazz in Italia, tuttavia, furono formate negli anni '20 da bandleader come Arturo Agazzi e godettero di un immediato successo. ^[47] Nonostante le politiche culturali anti-americane del regime fascista negli anni '30, il jazz americano rimase popolare.

Negli anni immediatamente successivi alla guerra, il jazz decollò in Italia. Tutti gli stili jazz americani del dopoguerra, dal bebop al free jazz e alla fusion , hanno i loro equivalenti in Italia. L'universalità della cultura italiana ha fatto sì che i club di jazz si diffondessero in tutta la penisola, che tutti gli studi radiofonici e televisivi avessero band house basate sul jazz, che i musicisti italiani iniziassero a coltivare una sorta di jazz domestico, basato su forme di canzoni europee, tecniche di composizione classica e musica popolare. Attualmente tutti i conservatori di musica italiana hanno dipartimenti di jazz, e ci sono festival del jazz ogni anno in Italia, il più noto dei quali è il Festival Umbria Jazz , e ci sono pubblicazioni di rilievo come la rivista Musica Jazz .

Il pop rock italiano ha prodotto grandi star come Zucchero Fornaciari e ha portato a molti successi. I media del settore, in particolare la televisione, sono veicoli importanti per tale musica; lo spettacolo televisivo Sabato Sera è caratteristico. ^[58] L'Italia era in prima linea nel movimento del progressive rock degli anni '70, uno stile che si sviluppò principalmente in Europa ma conquistò anche un pubblico in altre parti del mondo. A volte è considerato un genere separato il rock progressivo in Italia . Gruppi italiani come The Trip , Area , Premiata Forneria Marconi (PFM), Arti e Mestieri , Banco del Mutuo Soccorso , New Trolls , Goblin , Osanna , Saint Just e Le Orme hanno incorporato un mix di rock sinfonico e musica folk italiana ed erano popolari in tutta Europa e negli Stati Uniti. Altre band progressive come Perigeo, Balletto di Bronzo , Museo Rosenbach , Rovescio della Medaglia , Biglietto per l'Inferno o Alphataurus rimasero poco conosciute, ma i loro album sono oggi considerati classici dai collezionisti. Alcune band o artisti di avanguardia ( Area , Picchio dal Pozzo , Opus Avantra , Stormy Six , Saint Just , Giovanni Lindo Ferretti ) hanno guadagnato notorietà per il loro suono innovativo. I concerti rock progressivi in Italia tendevano ad avere una forte venatura politica e un'atmosfera energica.

La scena hip hop italiana iniziò nei primi anni '90 con gli Articolo 31 di Milano, il cui stile era principalmente influenzato dal rap della East Coast . Gli altri primi gruppi dell'hip hop erano tipicamente orientati politicamente, come il 99 Posse , che in seguito divenne più influenzato dal trip hop britannico. Gruppi più recenti includono i gangsta rap come La Fossa in Sardegna. Altri stili importati di recente comprendono techno , trance ed electronica eseguiti da artisti come Gabry Ponte , Eiffel 65 e Gigi D'Agostino . ^[59] L'hip hop è particolarmente caratteristico dell'Italia meridionale, un fatto ha contribuito a considerare da parte di alcuni osservatori la cultura meridionale come più "africana" che "europea", così come il concetto meridionale di rispetto e onore , una forma verbale di giostra medievale ; entrambi i fatti hanno contribuito a identificare la musica del sud italiano con lo stile hip-hop afroamericano . ^[60] Inoltre ci sono molte band in Italia che suonano uno stile chiamato Patchanka , che è caratterizzato da un misto di musica tradizionale , punk , reggae , rock e testi politici. I Modena City Ramblers sono una delle band più famose conosciute per il loro mix di irlandese, italiano, punk, reggae e molte altre forme di musica. ^[59]

L'Italia è diventata anche una sede di numerosi progetti di fusione mediterranea. Tra questi figurano gli Al Darawish , una band multiculturale con base in Sicilia e guidata dal palestinese Nabil Ben Salaméh . La Luigi Cinque Tarantula Hypertext Orchestra è un altro esempio, così come l'album TaraGnawa dei Phaleg e Nour Eddine. Mango è uno degli artisti più noti che ha fuso il pop con la world e suoni mediterranei, album come Adesso , Sirtaki e Come l'acqua sono esempi del suo stile. Anche il popolare cantante napoletano Massimo Ranieri ha pubblicato un CD, Oggi o dimane , della tradizionale canzone napoletana con ritmi e strumenti nord africani. ^[59]

Industria

All'interno di un ipermercato Feltrinelli con file di CD.

Un recente rapporto di economia dice che l'industria musicale in Italia ha prodotto 2,3 miliardi di euro nel 2004. Tale somma si riferisce alla vendita di CD, elettronica musicale, strumenti musicali e vendita di biglietti per spettacoli dal vivo; rappresenta una crescita del 4,35% durante il 2004. La vendita effettiva di album musicali è leggermente diminuita, ma c'è stato un aumento compensativo della musica scaricata digitalmente a pagamento da siti approvati dal settore. A titolo di paragone, l'industria discografica italiana è all'ottavo posto nel mondo; gli italiani possiedono 0,7 album musicali pro capite rispetto agli Stati Uniti, al primo posto con 2.7. Il rapporto cita un aumento del 20% nel 2004 rispetto al 2003 delle royalties retribuite per la musica live e on-air. ^[61]

A livello nazionale ci sono tre reti televisive gestite dallo stato e tre private. Tutte trasmettono musica dal vivo almeno una parte del tempo, dando lavoro a musicisti, cantanti e ballerini. Molte grandi città italiane dispongono anche di emittenti televisive locali, che possono offrire musica dal vivo o musica dialettale spesso di interesse solo nelle immediate vicinanze. Gli ipermercati di libri e CD sono entrati nel mercato italiano negli ultimi dieci anni. La più grande di queste catene è Feltrinelli , in origine una casa editrice negli anni '50. Nel 2001 ha raggiunto il livello di Multimedia Store e ora vende enormi quantità di musica registrata. Dal 2006 ci sono 14 mega store di questo tipo in Italia, con altri pianificati. FNAC è un'altra grande catena, originariamente francese. Ha sei grandi punti vendita in Italia. Questi negozi servono anche come sedi per spettacoli musicali, ospitando numerosi concerti a settimana.

Locali, festival e vacanze

L'annuale Festival di Ravello è un luogo di musica popolare in Italia. Qui un'orchestra inizia ad allestire un palcoscenico affacciato sulla costiera amalfitana .

I locali per la musica in Italia comprendono concerti presso il molti conservatori musicali , sale sinfoniche e teatri d'opera . L'Italia ha anche molti noti festival musicali internazionali ogni anno, tra i quali il Festival dei Due Mondi a Spoleto , il Festival Puccini e il Festival Wagner di Ravello . Alcuni festival offrono locali ai compositori più giovani di musica classica producendo e mettendo in scena le opere vincenti nelle competizioni. Il vincitore, ad esempio, del Concorso Internazionale "Orpheus" per la New Opera e la musica da camera - oltre a vincere un considerevole premio in denaro - può vedere il suo lavoro musicale presentato al Festival di Spoleto. ^[62] Ci sono anche dozzine di master class in musica sponsorizzati privatamente, che ogni anno allestiscono concerti per il pubblico. L'Italia è anche una destinazione comune per le orchestre conosciute dall'estero; in quasi ogni momento durante la stagione più impegnata, almeno un'orchestra importante di altre parti dell'Europa o del Nord America sta tenendo un concerto in Italia. Inoltre la musica pubblica può essere ascoltata in dozzine di concerti pop e rock durante tutto l'anno. L'opera all'aria aperta può anche essere ascoltata, ad esempio, nell'antico anfiteatro romano , l' Arena di Verona .

Una banda musicale dell'Esercito Italiano

Anche le bande militari sono popolari in Italia. A livello nazionale una delle più note è la Banda musicale della Guardia di Finanza (Dogana italiana/Polizia di frontiera); si esibisce molte volte all'anno.

Molti teatri inoltre organizzano abitualmente non solo traduzioni italiane di musical americani, ma anche vere commedie musicali italiane, come vengono chiamate dal termine inglese musical . In italiano, questo termine descrive una sorta di dramma musicale non originario dell'Italia, una forma che utilizza l'idioma americano del jazz-pop e la musica ei ritmi rock per portare avanti una storia in una combinazione di canzoni e dialoghi.

La musica nei rituali religiosi, in particolare in quelli cattolici, si manifesta in vari modi. Le band parrocchiali, per esempio, sono abbastanza comuni in tutta Italia. Possono essere piccole con quattro o cinque membri o arrivare fino a 20 o 30. Si esibiscono comunemente in feste religiose caratteristiche di una particolare città, di solito in onore del santo patrono della città. I capolavori orchestrali / corali storici eseguiti in chiesa da professionisti sono ben noti; questi comprendono opere come lo Stabat Mater di Giovanni Battista Pergolesi e il Requiem di Verdi . Il Concilio Vaticano II , dal 1962 al 1965, rivoluzionò la musica nella Chiesa cattolica romana , portando ad un aumento del numero dei cori amatoriali che si esibiscono regolarmente per i vari servizi religiosi; il Conciglio ha anche incoraggiato il canto congregazionale degli inni e negli ultimi 40 anni è stato composto un vasto repertorio di nuovi inni. ^[63]

Festival di Sanremo 16 febbraio 2013

Non c'è molta musica natalizia originale dell'Italia. Il più famoso canto natalizio italiano è " Tu scendi dalle stelle ", le parole italiane moderne che furono scritte da Papa Pio IX nel 1870. La melodia è una versione in chiave maggiore di una vecchia canzone napoletana più antica, "Quanno Nascette Ninno". Oltre a questo gli italiani in gran parte cantano traduzioni di canti che provengono dalla tradizione tedesca e inglese (" Silent Night ", per esempio). Non c'è musica nativa laica natalizia italiana, il che spiega la popolarità delle versioni in lingua italiana di " Jingle Bells " e " White Christmas ". ^[64]

Il Festival di Sanremo è un luogo importante per la musica popolare in Italia. Si tiene ogni anno dal 1951 e va in scena al Teatro Ariston di Sanremo. Dura una settimana a febbraio e offre ai veterani e ai nuovi artisti la possibilità di presentare nuove canzoni. Vincere il concorso è stato spesso un trampolino di lancio per il successo del settore. Il festival è trasmesso in televisione a livello nazionale per tre ore a notte, è ospitato dai più noti personaggi televisivi italiani ed è stato un trampolino di lancio per artisti come Domenico Modugno , forse il più famoso cantante pop italiano degli ultimi 50 anni.

Gli spettacoli televisivi di varietà sono la sede più adatta per la musica popolare. Cambiano spesso, ma Buona Domenica , Domenica In e I raccomandati sono popolari. La trasmissione musicale più duratura in Italia è La Corrida - Dilettanti allo sbaraglio , un programma settimanale di tre ore di dilettanti e aspiranti musicisti. ^[65] Iniziò alla radio nel 1968 e si è trasferito in TV nel 1988. Il pubblico in studio porta campanacci e sirene e sono incoraggiati a mostrare una disapprovazione bonaria. La città con il maggior numero di concerti rock (di artisti nazionali e internazionali) è Milano, con un numero vicino alle altre capitali europee della musica, come Parigi, Londra e Berlino.

Istruzione

Statua di Beethoven Conservatorio di Napoli

Molti istituti di istruzione superiore insegnano musica in Italia. Circa 75 conservatori di musica offrono formazione avanzata per futuri musicisti professionisti. Ci sono anche molte scuole private di musica e laboratori per la costruzione e la riparazione di strumenti. Anche l'insegnamento privato è abbastanza comune in Italia. Gli studenti delle scuole elementari e delle superiori possono aspettarsi di avere una o due ore settimanali di insegnamento musicale, generalmente in canto corale e teoria musicale di base, sebbene le opportunità parascolastiche siano rare. ^[66] Sebbene la maggior parte delle università italiane abbia classi in materie correlate come la storia della musica, le esecuzioni musicali non sono una caratteristica comune dell'istruzione universitaria.

L'Italia ha un sistema specializzato di scuole superiori; gli studenti frequentano, a loro scelta, una scuola superiore per studi umanistici, scienze, lingue straniere o arte e musica (nel "liceo musicale", dove gli strumenti, la teoria musicale, la composizione e la storia musicale vengono insegnati come materia principale). L'Italia ha programmi ambiziosi e recenti per avvicinare i bambini a più musica. Inoltre con la recente riforma dell'istruzione, uno specifico Liceo musicale e coreutico (scuola secondaria di II livello, età 14-15-18-19) è esplicitamente indicato dai decreti legge. ^[67] Eppure questo tipo di scuola non è stato istituito e non è effettivamente operativo. La rete televisiva statale ha avviato un programma per utilizzare la moderna tecnologia satellitare per trasmettere musica corale nelle scuole pubbliche. ^[68]

Studi

La cultura nel campo del collezionismo, della conservazione e della catalogazione di tutte le varietà musicali è vasta. In Italia, come altrove, questi compiti sono distribuiti tra diverse agenzie e organizzazioni. La maggior parte dei grandi conservatori di musica conserva reparti che sovrintendono alla ricerca connessa con le proprie collezioni. Tale ricerca è coordinata su scala nazionale e internazionale tramite Internet. Un'importante istituzione in Italia è IBIMUS, l' Istituto di Bibliografia Musicale , a Roma. Lavora con altre agenzie su scala internazionale attraverso il RISM, il Répertoire International des Sources Musicales , un inventario e un indice di materiale di provenienza. Inoltre la Discoteca di Stato di Roma, fondata nel 1928, detiene la più grande collezione pubblica di musica registrata in Italia con circa 230.000 esempi di musica classica, musica folk, jazz e rock, registrati su tutti i mezzi dagli antichi cilindri di cera fino ai moderni sistemi elettronici.

Lo studio accademico della musica tradizionale italiana iniziò intorno al 1850, con un gruppo di primi etnografi filologici che studiarono l'impatto della musica su un'identità nazionale pan-italiana. Un'identità italiana unificata iniziò a svilupparsi solo dopo l'integrazione politica della penisola nel 1860. L'attenzione era allora sul valore lirico e letterario della musica, piuttosto che sulla strumentazione; questa focalizzazione rimase fino all'inizio degli anni '60. Due riviste folcloristiche contribuirono a incoraggiare il fiorente campo di studi, la Rivista Italiana delle Tradizioni Popolari e Lares , fondate rispettivamente nel 1894 e nel 1912. I primi importanti studi musicali furono sulle launeddas sarde del 1913-1914 di Mario Giulio Fara, sulla musica siciliana, pubblicata nel 1907 e nel 1921 da Alberto Favara e sulla musica dell'Emilia Romagna nel 1941 di Francesco Balilla Pratella .

Le prime registrazioni della musica tradizionale italiana arrivarono negli anni '20, ma furono rare fino alla fondazione del Centro Nazionale Studi di Musica Popolare presso l' Accademia Nazionale di Santa Cecilia a Roma. Il Centro sponsorizzò numerosi viaggi per la raccolta di canzoni attraverso la penisola, in particolare nell'Italia meridionale e centrale. Giorgio Nataletti fu una figura determinante nel Centro e fece anche numerose registrazioni. Lo studioso americano Alan Lomax e l'italiano Diego Carpitella fecero un'indagine esaustiva sulla penisola nel 1954. All'inizio degli anni '60 un radicale risveglio incoraggiò ulteriori studi, specialmente delle culture musicali del nord, che molti studiosi avevano in precedenza considerato come piccola cultura popolare . I più eminenti studiosi di questo periodo furono Roberto Leydi , Ottavio Tiby e Leo Levi . Durante gli anni '70 a Leydi e Carpitella furono assegnate le prime due cattedre di etnomusicologia nelle università, con Carpitella all' Università di Roma e Leydi all' Università di Bologna . Negli anni '80 gli studiosi italiani iniziarono a concentrarsi meno sulla realizzazione di registrazioni e più sullo studio e sulla sintesi delle informazioni già raccolte. Altri hanno studiato la musica italiana negli Stati Uniti e in Australia e le musiche popolari dei recenti immigrati in Italia. ^[32]

Note

Bibliografia

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Altri progetti

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• Wikimedia Commons contiene immagini o altri file su musica dell'Italia

Collegamenti esterni

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• SIBMAS , su archive.is . Elenco internazionale di collezioni e istituzioni per lo spettacolo
• Concertoggi , su concertoggi.it . Programma frequentemente aggiornato di concerti
• Newsletter di musica italiana contemporanea: archivio , su amic.it .

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