Muzică modernă
Această intrare sau secțiune pe tema muzicii nu menționează sursele necesare sau cei prezenți sunt insuficienți . |
Termenul de muzică modernă indică muzica cultă compusă în prima jumătate a secolului al XX-lea , adică, istoric, este plasată între muzica romantică și muzica contemporană .
Prin urmare, muzica modernă reunește compozitori foarte diferiți, precum Claude Debussy , Erik Satie , Leoš Janáček , Grupul celor Șase , Igor 'Fëdorovič Stravinskij , Béla Bartók , George Enescu , Richard Strauss , Maurice Ravel , Școala a II-a din Viena și Jean Sibelius .
Precursorii
Rădăcinile muzicii moderne datează din a doua jumătate a secolului al XIX-lea , cu complexitatea armonică a operelor târzii ale lui Richard Wagner , bogăția formală a lui Johannes Brahms și noile concepte armonice, melodice și ritmice ale lui Claude Debussy .
Continuatorii discursului lui Wagner și Brahms sunt Gustav Mahler și Richard Strauss . Prin intermediul lor este posibil să se traseze o linie de continuitate între romantismul german și așa-numita a doua școală din Viena , ai cărei exponenți cei mai proeminenți sunt Arnold Schönberg și elevii săi Alban Berg și Anton Webern . Introducerea unor elemente stilistice și formale importante, precum atonalitatea și dodecafonia, se datorează celei de-a doua școli din Viena .
Intuiția tânărului Schönberg , așa cum ni se spune în Manualul său de armonie , este că sistemul tonal și-a atins limitele odată cu Wagner. Este necesar să se introducă conceptele de tonalitate lărgită și emancipare a disonanței , care permit sistematizarea utilizării consonanței și disonanței într-un mod diferit (considerat în sistemul lui Schönberg o consonanță îndepărtată ).
Această reflecție îl va conduce, în anii douăzeci , la teorizarea unui sistem formal de organizare definit Metodă de compoziție cu doisprezece note , sau dodecafonie , în care regulile armoniei tonale nu mai contează, înlocuite de relații de interval între notele individuale ale totalului. cromatic.
În paralel cu reflecția care are loc în lumea vorbitoare de limbă germană , avem experiențele futuristilor italieni (bruitisme, Luigi Russolo ), ale franco-americanului Edgard Varèse (care operează emanciparea zgomotului și subliniază importanța timbrului și ritmului ), de americanul Charles Ives (care pune accentul pe aspectele pitorești ale muzicii și utilizează elemente compoziționale similare colaj), precum și de către francez Olivier Messiaen , precursor al viitoarei școlii de serie al doilea război mondial și inspiratorul compozitori fantomatică anii șaptezeci .
Influența lui Igor 'Stravinskij și a lui Béla Bartók asupra noilor generații va fi fundamentală, atât pentru conceptele revoluționare de ritm expuse în Festivalul de primăvară din prima, cât și pentru achiziționarea patrimoniului muzical popular către muzica cultă în întreaga producție a al doilea.
Alte concepte importante prezente în muzică la începutul secolului al XX-lea sunt următoarele:
- Muzica populară , ca sursă de inspirație pentru compozitor (vezi Béla Bartók și Zoltán Kodály );
- Atonalitate dincolo de a doua școală din Viena (vezi Aleksandr Skrjabin , Nikolaj Roslavec , Willem Pijper );
- Futurism (vezi Luigi Russolo , George Antheil );
- Neoclasicism (vezi Igor 'Stravinskij , Sergej Prokof'ev , Grupul celor șase , Alfredo Casella );
- Fuziune de cultură și muzică populară ( a se vedea Ralph Vaughan Williams , George Gershwin , Kurt Weill );
- Experimentalism radical (vezi Charles Ives , Henry Cowell );
- Experimente cu microintervale (vezi Harry Partch , Ivor Darreg , Alois Hába , Ivan Vyšnegradskij );
- Materismo (vezi Edgard Varèse );
- Așa-numitul „modernism moderat” (vezi Ernst Toch , Maurice Ravel ).
Între cele două războaie
În timpul naziștilor , multe forme de muzică contemporană (de exemplu, Jazz ) erau considerate „ artă degenerată ” și interzise. Expoziția de muzică degenerată , desfășurată la Düsseldorf în 1938 , cu ocazia Reichsmusiktage („zilele muzicale ale Reichului”) a inclus, printre altele, lucrări de Paul Hindemith , a doua școală din Viena și Kurt Weill , forțând mulți dintre artiști la emigrare sau exil. În același timp, politica culturală a regimului a promovat producția și ascultarea de muzică inofensivă, de exemplu, muzică populară , muzică de uz (sau „ Gebrauchsmusik ”), operete , muzică de dans și marșuri militare, care au favorizat propaganda . Mulți compozitori au fost persecutați și uciși pentru originea lor evreiască .
După Revoluție , în Uniunea Sovietică s-au încercat numeroase experimente în toate domeniile culturii și artelor, inclusiv muzica. Odată cu apariția stalinismului , a început o nouă direcție, începând din 1932 , numită „ Realismul socialist ”, având tendința de a supune artele doctrinei partidului. Scurta paranteză a liberalismului care a avut loc după 1956 nu a fost totuși suficientă pentru a dezvolta un curent de avangardă , așa cum a făcut-o și în alte națiuni europene .
Dacă în Germania nazistă și în națiunile supuse ei a existat o tăietură clară cu trecutul recent, atât din cauza cenzurii, cât și a exterminării sau exilului la care au fost forțați cei mai buni compozitori, în alte națiuni a existat în schimb o continuitate mai mare în evoluția limbajului muzical. De exemplu, în Regatul Unit Benjamin Britten , în Italia Alfredo Casella , Ottorino Respighi și Gian Francesco Malipiero , iar în Franța Grupul celor Șase , erau compozitori tradiționaliști și inovatori.
