Muzică de scenă

Pentru muzica de scenă (sau muzică incidentală ) ne referim la setul de piese muzicale care, într-un spectacol de teatru de cuvinte, contribuie, cum ar fi scenografia , costumele și tehnologia iluminării pentru a însufleți expresia dramaturgică, unită într-un spectacol de teatru muzical , adică într-o operă , într-o operetă sau într-un musical . În aceste cazuri, de fapt, acțiunea scenică se desfășoară de obicei printr-o integrare foarte strânsă între actorie și muzică (exprimată de cele mai multe ori prin modalitățile de cântec sau dans ), în timp ce în cazul muzicii compuse pentru teatru (și prin urmare „ muzica scenică ” propriu-zisă) aceasta intervine aproape întotdeauna fără a interfera cu dezvoltarea poveștii, suprapunându-se asupra acționării ca fundal, creând cezure între o scenă și alta sau comentând (de asemenea ca piesă solo și / sau corală) situația dramatică.

Limitele dintre genurile muzicale sunt evident imprecise și, în unele cazuri, foarte nedeterminate. În cazul unuia dintre cei mai mari compozitori de teatru din secolul al XX-lea, colaboratorul german Kurt Weill al lui Bertolt Brecht , operele sale sunt adesea atribuite de unii în domeniul muzicii accidentale, în timp ce, probabil, cel puțin în cazul Operei Threepenny (cel mai faimos fruct al colaborării celor doi), ar trebui să vorbim de „teatru muzical”.

În acest sens, discuția despre relația dintre muzică și teatru este foarte dificilă, mai ales dacă ne referim la un trecut foarte îndepărtat. Din cele mai vechi timpuri, legătura dintre cele două arte a fost foarte strânsă, gândiți-vă doar la origini, la tragedia greacă , în care elementul muzical avea o mare importanță. Aici, de asemenea, pentru a rămâne pe subiectul exact al „muzicii de scenă”, este recomandabil să se trateze doar cazurile în care nu există riscul confuziei între vocea în cauză și „teatrul muzical”.

De la Renaștere până la nașterea operei

Primele cazuri semnificative de muzică scenică reală pot fi găsite în reprezentări teatrale documentate ale Evului Mediu târziu și ale Renașterii timpurii, în special în mediul toscan. Polifonie profană, în diversele sale genuri și stiluri, precum minciuna , vânătoarea etc. apare în unele reprezentări sacre, precum „Reprezentarea lui Avraam și Isaac” de Feo Belcari, Florența, 1449 sau „Reprezentarea lui San Giovanni și Paolo” de Lorenzo de Medici , Florența, 1489. În această perioadă începe să încolțească sămânța melodramei, care va duce, un secol mai târziu, la nașterea operei. Între timp, după cum s-a afirmat „profesia” de „ compozitor ”, au fost create însoțiri muzicale din ce în ce mai bogate pentru spectacolele reprezentate în diferitele curți. „Maeștrii capelei” au fost cei care au oferit compoziția, fără prea multe distincții între muzica compusă pentru banchete și cea pentru scenă. Lucrările dramaturgilor din secolul al XVI-lea sunt însoțite de muzică din ce în ce mai specifică. Pentru un text de Ruzante , Adrian Willaert a compus piesa „Zoia zentil”, Claudio Merulo s-a ocupat de muzică, în 1574, pentru „Tragedia” de Cornelio Frangipane cel Tânăr și foarte importante pentru dezvoltarea madrigalului au fost muzica compusă de Philippe Verdelot pentru comediile La mandrake și Clizia ale lui Machiavelli .

Această creștere treptată a importanței muzicii în cadrul spectacolului teatral a dus, la sfârșitul secolului al XVI-lea , după cum sa menționat deja, la adevărate spectacole de „teatru muzical”, în care actoria vorbită a fost înlocuită cu „recitar cantando”. Spectacolele care marchează nașterea operei au fost Dafne și Euridice ale lui Jacopo Peri (Florența, 1598 și 1600), Euridice ale lui Giulio Caccini (Florența, 1602), ultimele două din Euridice ale lui Rinuccini și Reprezentarea Animei și Corpul lui Emilio de 'Cavalieri (Roma, 1600). Din acest moment, cele două genuri teatrale, muzicală și proză, iau personaje de autonomie decisivă și urmează căi diferite.

Muzica de scenă a avut o cale similară și în alte țări europene.

Anglia

În Anglia , odată cu afirmarea teatrului elizabetan , există o utilizare foarte intensă a muzicii, muzică adesea prevăzută de autor și specificată în subtitrări. Robert Johnson , Thomas Morley și John Wilson au scris muzică pentru piese de teatru shakespeariene , dar nu rămâne nimic din aceste compoziții. De-a lungul celei de-a doua jumătăți a secolului al XVII-lea, un gen teatral la fel de popular ca „ masca ” a dat o mulțime de lucrări compozitorilor, printre care se poate aminti Matthew Locke .

Cel mai mare reprezentant al compozitorilor englezi de muzică de scenă a fost, fără îndoială, Henry Purcell , autorul unor partituri semnificativ mai mari decât cele ale contemporanilor săi.

Franţa

Ceea ce Purcell a reprezentat în Anglia găsește un omolog în Franța în opera lui Jean Baptiste Lully , colaborator al Molière și muzician de curte al lui Louis XIV . A compus muzica pentru numeroase spectacole ale marelui dramaturg, îmbogățindu-le deseori cu intervenții dansate, astfel încât să ducă la nașterea unui adevărat gen teatral, de mare succes în Franța, „ comédie-ballet ”.

Din secolul al XVIII-lea până în zilele noastre

Muzica de scena de-a lungul secolelor următoare a fost un domeniu în care mulți muzicieni au încercat mâna lor la, cu o mai mare sau frecvență mai mică: Henry Purcell ( Abdelazer ), Georg Friedrich Händel ( Alchimistul ), Franz Joseph Haydn ( distrasă ), Wolfgang Amadeus Mozart ( Thamos, regele Egiptului ), Ludwig van Beethoven ( Egmont ), Carl Maria von Weber ( Preciosa ), Franz Schubert ( Rosamunde ), Felix Mendelssohn ( Visul unei nopți de vară ), Robert Schumann ( Manfred ), Georges Bizet ( L'Arlésienne ) și Edvard Grieg ( Peer Gynt ), până la Kurt Weill , Paul Dessau și Hanns Eisler . O activitate deosebit de intensă în acest domeniu a avut-o, în secolul al XX-lea , muzicienii francezi din grupul celor Șase , adepți ideali ai lui Eric Satie („Cinq grimaces pour le songe d'une nuit d’été”), dintre care au lăsat semnificative lucrează în special Darius Milhaud și Arthur Honegger .

În Italia, pe lângă incursiunile episodice în domeniul muzicii de scenă ale compozitorilor dedicați în principal muzicii contemporane , cum ar fi, de exemplu, Luciano Berio și Sylvano Bussotti , s-a format o generație de muzicieni după război care, deși nu a neglijat alte forme mai „înalte” în compoziție, au devenit adevărați „specialiști” ai genului. Printre acestea ne putem aminti în primul rând de Fiorenzo Carpi , colaborator istoric al Piccolo Teatro di Milano , autor al nenumăratelor comentarii muzicale regizate de Giorgio Strehler și de mulți dintre cei mai mari regizori italieni, Gino Negri , compozitor eclectic de muzică pentru proză și operă, Sergio Liberovici , Giancarlo Chiaramello , Nino Rota însuși, deși sporadic. Generației următoare aparțin alți muzicieni precum Nicola Piovani , Germano Mazzocchetti , Arturo Annecchino , Stefano Marcucci , Bruno Coli , Antonio Di Pofi , Massimiliano Pace , Francesco Di Fiore , Matteo Musumeci .

Bibliografie

• Dicționar Enciclopedic Universal de Muzică și Muzicieni, UTET Unione Tipografica Torinese 1984

linkuri externe

• ( EN ) muzică incidentală , pe Encyclopedia Britannica , Encyclopædia Britannica, Inc.

Portal de muzică clasică

Portal de teatru