Istoria picturii
Acest articol sau secțiune referitoare la pictură este considerat a fi verificat . |
Această intrare sau secțiune despre subiectele istoriei artei și picturii nu citează sursele necesare sau cei prezenți sunt insuficienți . |
Istoria picturii este o ramură a istoriei artei care se ocupă de picturi și, mai general, de opere de artă bidimensionale create cu tehnici legate de desen și de desenarea culorilor.
De la preistorie până la lumea contemporană , a reprezentat o tradiție continuă printre cele mai răspândite și semnificative în domeniul artelor figurative, care îmbrățișează într-o oarecare măsură toate culturile și continentele. [1] Până în secolul al XX-lea , în Europa și în țările influențate de acesta, reprezentarea picturală avea în principal subiecte „figurative”, adică reprezentând caracteristicile și activitățile umane, cel mult teme religioase, simbolice și transcendente, în timp ce în secolul al XX-lea au fost dezvoltate abordări mai abstracte și conceptuale , cu experimentarea de noi tehnici în căutarea de noi orizonturi.
Dezvoltarea picturii orientale a avut un curs propriu, paralel cu cel occidental, dar nu fără puncte de contact, mai ales începând cu epoca modernă. [2] Arta africană , islamică , indiană , [3] chineză și japoneză [4] au avut toate influențe semnificative asupra artei occidentale și invers. [5]
Variații stilistice
Reprezentarea oricărui subiect pe o suprafață bidimensională pune mai multe probleme artistului, care este obligat să facă unele alegeri de stil, favorizând un efect sau altul. De exemplu, se poate încerca să redăm artificial un efect tridimensional sau, dimpotrivă, să stilizăm o figură prin comprimarea acesteia în format bidimensional. De-a lungul timpului, în funcție de locuri, școli și personalități artistice, au fost privilegiate diferite componente, care au dus la rezultate extrem de variate.
Printre elementele fundamentale ale stilului unei reprezentări se numără linia, destinată atât ca contur al figurilor, cât și ca element determinant al motivelor stilizate. În primul caz, istoricul de artă Roberto Longhi a vorbit despre o linie rapidă care îmbunătățește mișcarea, linia „funcțională”, în al doilea dintr-o linie „florală” (linia arabescelor , gotica , arta japoneză și Libertatea ).
Un alt element cheie este culoarea , care poate fi aplicată alegând mai degrabă o gamă de tonuri decât alta și favorizând efecte modeste sau, dimpotrivă, luminoase și contrastante. Coloristii puri sunt artiștii care creează efecte comparabile cu cele ale unui covor, unde tot accentul este pus pe combinația de culori: printre acestea unele curente ale artei bizantine , impresioniștii , faveii , artiștii aborigeni .
Împreună cu culoarea, intră în joc efectele luminii, care pot da iluzia volumului, adâncimii, distanței. Iluminarea poate fi puternică și bruscă, ca în Caravaggio , sau delicată și sufocată, ca în Leonardo da Vinci .
Un al patrulea element poate fi considerat compoziția imaginii, destinată atât ca alegere a combinațiilor, cât și ca criteriu pentru aranjarea figurilor astfel încât să creeze un efect de adâncime.
În mod firesc, aceste caracteristici sunt combinate pentru a obține cele mai disparate stiluri: sinteza dintre volum și perspectivă a artiștilor din Renașterea timpurie, culoarea și forma venețienilor , atenția lenticulară la efectele luminoase ale flamandilor .
Variații tehnice
Pictura a suferit numeroase modificări din punct de vedere al tehnicii, începând de la picturile murale găsite în Egipt , realizate cu pigmenți naturali, trecând la frescă , tehnică folosită de câteva secole, în special în pictura religioasă occidentală.
În reprezentările orientale, însă, în imperiile marilor dinastii chineze și japoneze , se obișnuia să se folosească țesături și mătase ca suporturi, colorate cu cerneală. Trecem apoi la tempera pe lemn , în Evul Mediu târziu în Italia și Spania , unde se obișnuia să reprezinte subiecte religioase.
În secolul al XV-lea a început răspândirea culorii uleiului , în special de către pictorii flamande , în special de Jan van Eyck , considerat inițiatorul acestei tehnici. De-a lungul mai multor secole, tehnica uleiului a rămas, dar a fost reprezentată pe diferite suporturi, cum ar fi lemnul , hârtia , masonitul și telefonul ; a durat până în secolul XXI, timp în care au apărut primele produse industriale, precum culorile acrilice , caracterizate prin nuanțe mai strălucitoare.
Culorile se obțin inițial prin măcinarea pământului, sunt prezenți ocri galbeni și roșii, de-a lungul secolelor se adaugă noi pigmenți în paletă, acest lucru depinzând de disponibilitatea materiei prime. De exemplu, albastrul a fost rar și, prin urmare, foarte scump în Italia : prin urmare, a fost obținut din mărunțirea lapis lazuli.
Amestecurile pentru obținerea culorilor sunt îmbogățite și, de asemenea, amorsarea suportului contribuie la rezistența lucrării și la luminozitate. Grundele plăcilor servesc pentru a face absorbția culorilor mai omogenă și pentru a se fixa mai bine. Lacurile finale, obținute din rășini, protejează lucrarea și saturează culorile, făcându-le mai „încărcate”.
Modul de inserare a figurilor în spațiu se schimbă, de exemplu odată cu nașterea perspectivei cu un punct de fugă infinit.
Variații conceptuale
Funcția artei se schimbă, de la celebrare și simbolică poate fi un mod de a descrie realitatea într-un mod naturalist, până la a deveni o interpretare a realității liberă de imitația realității, ca și pentru arta abstractă.
Multe dintre regulile create sunt supărate cu arta conceptuală atunci când pictura nu mai este o imitație a Naturii, ci devine interpretarea ei.
Tratatele de pictură
Există mai multe tratate de pictură în istorie din Naturalis Historiae a lui Pliniu care ne-a ajuns prin Vitruvius până la cel al lui Leonardo da Vinci la Manualul lui Gino Piva [6] . Cennino Cennini a scris un manual real în secolul al XIV-lea în care descrie modalitățile de pregătire a lucrării și instrumentele până la tehnicile de reprezentare a subiectelor. La baza unei bune reprezentări se află desenul, proiectarea picturii începe cu schițele și studiile. Pentru a putea picta trebuie să știi mai întâi să desenezi.
Un alt tratat important este cel al lui Leonardo da Vinci, unde există numeroase note cu privire la studiul percepției realității și a reprezentării sale, de exemplu, modul în care un subiect aflat la distanță apare mai clar și mai plin decât unul din prim-plan (acesta este numită perspectivă aeriană). Descrie pregătirea tabelului și schițarea culorii, procedurile de imitare a naturii, pictarea peisajelor și a subiectelor. De asemenea, foarte importante sunt adnotările referitoare la portret, deoarece expresia rezultată dintr-o dispoziție afectează mușchii feței. De asemenea, detaliază diferențele anatomice ale subiecților în funcție de vârstă și sex.
Unul dintre cele mai importante tratate pe această temă, din nefericire înțeleasă greșit din motive atribuite perioadei fasciste, este cartea (aproape un breviar) de Leone Augusto Rosa: „Tehnica picturii de la vremurile preistorice până astăzi”. Poate fi găsit în principalele biblioteci naționale. Este un adevărat tratat împărțit în două părți, prima analitică și descriptivă, a doua cu o cantitate incredibilă de informații și rețete prețioase, care nu pot fi găsite în altă parte. Un manual științific, de bază pentru cei care doresc să învețe dintr-o condiție de experiență experimentală toate cunoștințele despre tehnicile antice și moderne, dezvăluite, fără misterele rețetelor secrete. O piatră de hotar în știința tehnicilor de pictură care anticipează cele mai exacte și sofisticate investigații de astăzi.
Contextul istoric și social
Perioadele istorice ale istoriei artei și curentele artistice fundamentale pot fi astfel împărțite:
Pictura preistorică
Herodot a povestit cum pictura sa născut ca un desen care a trasat o umbră pe un perete, realizată de o fată pentru a repara trăsăturile bărbatului ei care plecau la război. În această legendă putem înțelege deja unele dintre caracteristicile de bază ale picturii: bazarea pe un semn, scopul fixării aspectului lucrurilor și simplitatea relativă, în comparație cu alte forme artistice posibile.
Cele mai vechi mărturii ale picturii, legate de arta ruptă preistorică , prezintă scene de vânătoare cu figuri subțiri trasate prin frecarea unei pietre sau a unei brățări pe un perete stâncos, cărora li s-au adăugat apoi culori folosind diferite pământuri colorate și / sau pigmenți de origine vegetală în mare parte . Reprezentarea oamenilor și a animalelor respectă reguli intuitive, bazate pe suprapunere și plasare la diferite niveluri ale subiecților, pentru a da o idee despre o acțiune dezvoltată în timp și spațiu, într-un mod nu foarte diferit de ceea ce fac copiii desen.
Descoperirile din peșterile Lascaux datează din 15000 î.Hr .; figurile umane erau stilizate, asemănătoare firelor, în timp ce animalele erau voluminoase, de asemenea, deoarece aceste imagini erau legate de scopuri de propoziție pentru vânătoare, cu un sens magico-religios, doreau abundență. În peștera Pech-Merle , din departamentul Lot , Franța, puteți vedea amprente de mână obținute prin suflarea culorii și lăsând o siluetă neutră într-un strop de culoare.
Pictura precolumbiană
Pictura precolumbiană nu s-a dezvoltat la fel de mult ca arhitectura și sculptura, dar există multe rămășițe arheologice ale picturii murale, în special în Mexic: în Teotihuacán , pereții clădirilor au fost acoperiți cu un strat de stuc pictat cu scene narative sau motive decorative. ; în templele mayașe din Bonampak și Chichen Itza , au fost decorate cu fresce în stil realist care povestesc evenimente istorice, în Cacaxtla au fost descoperite recent picturi murale reprezentând zei, preoți și războinici. Picturi murale au fost găsite și în America de Sud, în general cu modele geometrice, ca în Tierradentro (Columbia), sau teme mitologice, ca în Panamarca (Peru).
Trebuie menționat, de asemenea, capacitatea extraordinară a multor popoare (Maya, Mixtec și Aztec) pentru scrierea pictografică, în special în codici ilustrate, care obișnuiau să aibă figuri și simboluri de proiectare atentă și intensitate cromatică, de a nara fapte istorice sau mitologice, precum Codex Nuttall (British Museum). Alte mostre de pictură precolumbiană se găsesc în decorarea ceramicii, în special navele mayașe, cultura peruană Moche și Nazca.
Mural în Tetitla, Teotihuacan.
Fresca structurii 1 din Bonampak.
Pictura pe perete a Omului - Jaguar în Cacaxtla.
Huaca de la Luna , Peru.
Pagina 74 din Codul Dreda .
Pagina 56 din Codul Borgia , arată Zeul Mictlantecuhtli și Quetzalcoatl .
Pictează pe o vază mayașă.
Pictura ceramica; Recuay culture, Peru.
Pictura orientală
Pictura chineză este una dintre cele mai vechi tradiții artistice continue din lume. Cele mai vechi picturi nu erau reprezentative, ci ornamentale și constau în simboluri sau desene, mai degrabă decât imagini. Inițial, ceramica era pictată cu spirale, linii, puncte sau animale. Abia în perioada regatelor în război (403-221 î.Hr.), artiștii au început să reprezinte lumea din jurul lor.
Pictura japoneză include o mare varietate de genuri și stiluri, cum ar fi o lungă istorie de sinteză între estetica nativilor japonezi și adaptarea la curenții importați.
Istoria picturii coreene datează din jurul anului 108 d.Hr., când apare prima dată ca o formă independentă. Între acea vreme și picturile și frescele care apar pe mormintele dinastiei Goryeo nu s-a dezvoltat prea mult, atât de mult încât până în dinastia Joseon influența principală a fost încă pictura chineză, chiar dacă înfățișează peisaje coreene, teme budiste și pe ceruri. observație în linie, aceasta din urmă, cu dezvoltarea rapidă a astronomiei coreene.
Pictura occidentală
Pictura în antichitate
În arta egipteană , picturile realizate în morminte, în legătură cu continuarea vieții decedatului în lumea extraterestră. Alte picturi sunt realizate pentru celebrarea exploatărilor faraonilor. Pictura este amestecată cu basorelief , adesea colorată și pictată, și cu scriere hieroglifică . Liniile sunt rigide, iar figurile statice, întotdeauna reprezentate în profil, cu excepția ochilor și a umerilor frontali. Printre culorile folosite de artiștii egipteni, ( albastru egiptean ), unul dintre cei mai vechi pigmenți artificiali produși de om, apare deja din Regatul Antic . Utilizarea sa s-a extins cu mult dincolo de granițele geografice și temporale ale Egiptului Antic, devenind unul dintre cei mai consacrați pigmenți ai antichității.
În arta cretană, decorațiunile și scenele de dansuri și jocuri rituale au ajuns la noi: în frescă datând din 1500 î.Hr., reprezentând Taurokatapsia (unde acrobatul, pentru a-și demonstra superioritatea asupra forțelor naturii, trebuia să sară pe spate a unui taur), liniile sunt moi și curbate, figurile sunt de asemenea aranjate într-un mod ușor oblic, accentuând efectul mișcării.
Chiar și în arta etruscă se observă un dinamism mai mare, o multitudine de linii curbate fac figura mai naturală.
Pictura greacă și romană
Grecii au fost prima populație care a adus o dezvoltare deplină artei picturii, punând problema luminii, a spațiului, a culorii, a variațiilor de ton și a efectelor tehnicii (emailuri, impasto, glazuri ...). Aceste probleme au fost abordate și rezolvate în secolul al V-lea î.Hr. și au fost documentate în secolul al IV-lea.
Pliniu cel Bătrân în Naturalis historia , povestește despre provocarea dintre pictorii Zeusi și Parrasio : disputa se referea la care dintre cei doi era cel mai bun în imitarea naturii. Primul și-a arătat fresca înfățișând struguri și unele păsări s-au dus să-l ciocnească, apoi a venit rândul celui de-al doilea și cei prezenți i-au cerut să mute perdeaua pentru a-și arăta lucrarea: apoi au înțeles că a câștigat pentru că perdeaua a fost pictată: în timp ce primul înșelase animale, al doilea înșelase ochiul celor prezenți, demonstrându-și superioritatea tehnică.
Pentru producția din timpul elenismului avem puțină documentație, dar puținele rămășițe sugerează că problemele picturale au fost continuate, cu o dezvoltare similară în multe privințe cu cea a sculpturii , către o deplină libertate tehnică și spațială. Libertatea de atingere și de apăsare a acelei perioade a făcut să se vorbească despre „impresionism”, făcând o paralelă cu civilizația modernă.
Marea majoritate a picturilor grecești ne sunt cunoscute doar din fragmente, reconstrucții pornind de la surse literare, reflectate în alte culturi (cum ar fi cele etrusce ) și unele copii romane (inclusiv mozaicuri ). O descoperire singulară este mormântul Scafandrului , din Paestum , unic de acest gen și picturile extraordinare prezente în Ipogeo dei Cristallini din Napoli.
Reconstrucția picturii grecești monumentale prin ceramografie (lucrări realizate pe vaze) este o operație dificilă, dar practicată pe scară largă, care duce totuși la rezultate discutabile. Federico Zeri , cu titlu de exemplu, a comparat opera acestor cărturari cu cei care doreau să înțeleagă pictura monumentală a lui Rafael și Michelangelo, căutând ecourile sale în producția olarilor din Deruta sau Gubbio .
Pictura în Evul Mediu
Pictura medievală se dezvoltă din formele artei antice târzii: imagini din ce în ce mai hieratice și simbolice, reflectarea unei concepții tot mai profunde a spiritualității, își fac apariția încă din secolul al IV-lea în catacombele Romei , dar și în mozaicurile din Santa Costanza. sau Santa Maria Maggiore . Imaginile sunt preluate din repertoriul creștin, a cărui spiritualitate condiționează subiecții într-un mod fundamental. De exemplu, sinodul din Efes din 431, care a definit-o pe Maria ca Theotókos , Maica Domnului, oferă punctul de plecare primelor imagini oficiale ale Fecioarei. Trebuie avut în vedere că, dacă data din 476 acăderii Imperiului Roman de Vest este stabilită ca începutul Evului Mediu, acest lucru nu se poate aplica scrisorii în ceea ce privește pictura: de fapt, există o continuitate între artă înainte și după data respectivă.
Cu Bizanț, pictura medievală devine din ce în ce mai definită: arta bizantină (330-1453), pe de o parte, este doar un aspect al artei medievale, dar pe de altă parte, este axa sa de susținere. Formele sale, canonizate în urma schismei iconoclaste de către al doilea conciliu de la Niceea din 787, erau cele universal răspândite în întreaga lume creștină, deși cu semnificații regionale diferite din când în când, atât în est, cât și în vest. Cu toate acestea, diferența în ceea ce privește recepția actelor Sinodului de la Niceea a dat naștere la ceea ce separă atunci atât de clar pictura celor două părți ale Europei: deja cu cărțile Carolini ale lui Carol cel Mare (sec. VIII), pictura a fost conturată în Occident. ca o simplă ilustrare a evenimentului biblic. Imaginile bisericilor devin biblia pauperum , biblia săracilor, în care analfabetii pot înțelege ce analfabetism le face imposibilă citirea în Scripturi. Pictura bisericilor sau iconostaselor devine astfel o decorație demnă de respect, dar nu strict „artă sacră” deoarece icoana rămâne în Răsărit. Aici imaginile sfinte sunt venerate ca Prezență în absența persoanei reprezentate: din acest motiv orientalii încă mai venerează astăzi imaginile sărutându-le și închinându-se în fața lor.
Chiar și cu o diversitate de bază a interpretării imaginii pictate, estul și vestul au rămas unite în forme picturale până la sfârșitul secolului al XIII-lea, influențându-se reciproc, experimentând renașterea clasică sau evoluții mai simbolice. Este important să menționăm în acest context faimoasele cruci și altarele pictate de Coppo di Marcovaldo , Giunta Pisano , Cimabue . Ulterior, pornind de la Italia, se întâmplă ca, datorită schimbării condițiilor socio-economice, dar mai ales datorită unei dezvoltări teologice și filosofice care subliniază din ce în ce mai mult diferența dintre est și vest, încă o altă renaștere clasică a școlii romane și florentine ( Pietro Cavallini , Jacopo Torriti , Giotto di Bondone ) ia o întorsătură definitivă și face un pas decisiv către forme mai naturaliste. Capela Sancta Sanctorum a Scalei Santa din Roma , dar mai ales ciclul din Assisi, sunt demonstrația completă a modului în care noile instanțe culturale, teologice și filozofice modifică conceptul de corporalitate și relația cu sacrul din imaginea pictată.
Odată cu goticul , inaugurat în Italia de școlile florentine și sieneze , faza terminală a picturii medievale are loc către forme din ce în ce mai naturaliste, din ce în ce mai filosofice și progresiv din ce în ce mai puțin teologice, până la Renaștere .
Pictura renascentistă și manieristă
Secolul al XIV-lea este legat artistic de evoluția unor factori politici și sociali importanți și de prezența decisivă a unor artiști care în primele decenii au creat un nou concept de spațiu și contact cu realitatea în lucrările lor. Aceste aspecte se manifestă în tendința către o „pictură de povești” care trece ulterior într-un fel de „cronică ilustrată”. Cu mijlocul secolului acele componente decorative care acordă atenție culorii și eleganței formale sunt accentuate atât în Toscana, cât și în nordul Italiei. Activitatea lui Giotto în Toscana, Romagna, Padova și Lombardia este decisivă pentru dezvoltarea picturii în aceste zone, unde în același timp este necesar să se observe intersecția cu alte tendințe care interferează cu „ Giottismul ” de bază.
Pentru artiștii florentini ai lui Giotto, factorul de cel mai mare interes este arhitectura, care nu trece neobservată nici măcar în Siena, unde mediul mai conservator este legat de tradiția linearistă de origine bizantină îndepărtată. Ambrogio Lorenzetti este cel care încearcă „sinteza între cele două culturi” și, în același mod, influențează mediul florentin în ceea ce privește culoarea și eleganța liniară. La Florența „verbul giottesc” se manifestă în opera elevilor maestrului înșiși ( Stefano , Maso , Giottino , Taddeo Gaddi ), care evidențiază în special structurile arhitecturale.
Bernardo Daddi este mai atent la dezvoltarea aspectelor colorist-liniare, influențat de climatul sienez. Un artist polifacetic și elegant este, de asemenea, Andrea di Cione , cunoscută sub numele de l'Orcagna, care în a doua jumătate a secolului al XIV-lea a reprezentat noile gusturi ale bogatei și stabilite burghezii florentine, atribuite intonației romanciere a lui Sacchetti .
Secolul al XV-lea s-a deschis în toată Europa în numele gustului rafinat și curtenitor al goticului târziu . Primele inovații către o reprezentare mai puțin idealizată și mai pătrunsă a realității au fost înregistrate în Ducatul Burgundiei și în școala pariatiană de miniatură , de unde au luat aminte noii anchetatori ai realității școlii flamande : Jan van Eyck , Rogier van der Weyden , Robert Campin .
Prima revoluție renascentistă în pictură s-a datorat lui Masaccio din Florența. Prieten al lui Filippo Brunelleschi și Donatello , deja în lucrările timpurii ale Tripticului de la San Giovenale (1423) și-a arătat cunoștințele despre perspectiva centrată liniară, dezvoltată de Brunelleschi cu câțiva ani mai devreme, în jurul anilor 1416-1417. Adevărate puncte de rupere cu tradiția anterioară au fost frescele Capelei Brancacci (1424-1427) și ale Treimii (1426-1428), unde o reînnoită căutare a realismului și o respingere a elementelor decorative („ornate”). Masaccio a murit foarte tânăr, dar lecția sa nu s-a pierdut, fiind preluată de primii studenți, inclusiv Filippo Lippi , iar mai târziu de noii maeștri ( Paolo Uccello , Beato Angelico , Andrea del Castagno ), care au diluat noutățile cu elemente ale tradiției anterioare și cu primele influențe ale artei flamande , obținând rezultate care s-au întâlnit cu un larg consens al publicului.
Între timp, un nou curent numit „pictură ușoară” s-a dezvoltat la Florența, care îl avea ca principal exponent pe Domenico Veneziano . Relativ puține lucrări ale artistului sunt păstrate astăzi, dar exemplul său a jucat un rol fundamental în formarea lui Piero della Francesca , primul artist care a combinat o construcție solidă în perspectivă cu o lumină foarte clară care îmbibă culorile și luminează umbrele, la care a adăugat o simplificare geometrică a figurilor. Capodoperele sale, caracterizate printr-un echilibru foarte măsurat suspendat între matematică și sentiment, au fost produse în timpul călătoriilor sale, răspândind știrile florentine dincolo de granițe, în special în noul centru cultural Urbino . Celălalt mare exportator al Renașterii florentine a fost Donatello care, deși a fost sculptor, în șederea sa fundamentală din Padova ( 1443 - 1453 ) a influențat școala picturală locală atât de profund încât să genereze o nouă revoluție. În atelierul paduan al lui Francesco Squarcione , iubitorul revigorării clasice, au fost instruiți cei mai viitori maeștri din tot nordul Italiei: Andrea Mantegna pentru Mantua , Cosmè Tura pentru Ferrara , Vincenzo Foppa pentru Lombardia , Carlo Crivelli pentru Marche , Michael Pacher pentru Alpi. Fiecare dintre acești artiști a fost la originea școlilor picturale care au elaborat declinații originale ale Renașterii, oferind Quattrocento-ului italian acea extraordinară bogăție de fațete care îi aparține.
În același timp, la Veneția, Giovanni Bellini , urmând exemplul lui Antonello da Messina (la rândul său influențat de Piero), a reînnoit școala locală, încă legată de exemplul bizantin și gotic, dezvoltând o sensibilitate mai mare la culoare și peisaj, cu accente intense. asupra umanității personajelor și asupra conectivului atmosferic care leagă toate elementele reprezentării. Aceasta a stat la baza dezvoltărilor ulterioare ale picturii „tonale” de Giorgione , Cima da Conegliano și Tiziano .
La Florența, pe de altă parte, noua generație de artiști a urmat exemplul producției mature a lui Filippo Lippi , punând accentul mai presus de toate pe armonia desenului și pe jocul liniar din contururi. A questa corrente si riferirono Antonio del Pollaiolo , maestro nella rappresentazione drammatica del movimento, Sandro Botticelli , interprete dell'ideale dell'armonia laurenziana , e Filippino Lippi , in cui la linea genera già quelle bizzarrie che preludono alle inquietudini del Manierismo .
Gli ultimi decenni del secolo vedono la formazione di nuovi linguaggi che, grazie all'attività di autentici geni, aprono la strada alle novità del secolo successivo: il dolcissimo sfumato di Leonardo da Vinci , il colorismo e la monumentalità isolata delle figure di Pietro Perugino (che fu maestro di Raffaello ), il titanismo del giovane Michelangelo .
Col nuovo secolo la scena fiorentina passa in mano a nuovi maestri "eccentrici", che partendo dall'esempio dei geni della stagione precedente, arrivano a una nuova sintesi formale. Andrea del Sarto prima, Pontormo e Rosso Fiorentino poi generano uno stile cerebrale e tormentato, da cui si sviluppò, una generazione dopo, il Manierismo vero e proprio, quello di Vasari , Francesco Salviati e Jacopino del Conte , che si diffuse in tutta Europa. La presa di coscienza del valore creativo dell'artista portò alla nascita delle prime accademie e della storiografia artistica.
Pittura barocca, rococò e neoclassica
Già a partire dalla fine del Cinquecento prende le mosse da Bologna , con i Carracci , una riflessione pittorica che rielabora il dato reale in chiave classicista. Parallelamente Michelangelo Merisi, detto Caravaggio , recupera una visione della realtà molto personale, estremamente legata al dato ottico incapace però di comprendere la realtà spirituale, fatto questo che si dimostra essere il filo conduttore della sua parabola umana ed artistica. Dell'epoca barocca possiamo ricordare anche lo spagnolo Diego Velázquez .
Il Rococò diviene un'appendice in tono più misurato e vivibile del Barocco , i veneziani Giambattista Pittoni e Giambattista Tiepolo ne divengono i maggior rappresentanti, e un riferimento per tutta l'arte mondiale dell'epoca. Nel Settecento l'attenzione per il paesaggio si accentua, e si assiste a uno snellimento notevole delle rappresentazioni. Si assiste ad una ripresa di istanze classicistiche ( Neoclassicismo ): si riprendono storie tratte dalla mitologia a cui la pittura dell'epoca è strettamente legata. A Venezia nasce una scuola di vedutisti italiani: il Canaletto , Bellotto e Guardi ; a Roma Giovanni Paolo Pannini . La pittura di veduta è caratterizzata da un forte grado di aderenza al vero, una grande vastità degli orizzonti e un ampio uso della prospettiva.
Pittura nel XIX secolo
Nell' Ottocento si abbandona l'arte classica: l'artista si svincola dalle regole tradizionali. I temi della campagna e del lavoro sono quelli che più interessano i pittori. All'inizio del secolo si sviluppa la corrente del Romanticismo , un moviemento di origini tedesche, che si estende anche in Inghilterra, a seguito del declino dell' Illuminismo . Pittori come Géricault , Delacroix e Friedrich emergono come importanti artisti, mentre in Inghilterra William Turner dà un'impronta personale al sentire visivo romantico.
Intorno al 1840, in Francia nasce il realismo che vede in Gustave Courbet il suo principale esponente. Si ricordano inoltre le importanti le figure di Honoré Daumier , Jean-François Millet e Gustave Caillebotte .
Le esperienze del realismo e del romanticismo furono indispensabili per una nuova corrente artistica che ruppe definitivamente gli schemi del passato: l' Impressionismo . Nato a Parigi nella seconda metà del secolo, il movimento fu caratterizzato da un interesse rivolto al colore piuttosto che al disegno, dalla riscoperta della pittura di paesaggio (già ripresa precedentemente da molti pittori, tra cui Camille Corot ) e della soggettività dell'artista che prediligeva la rappresentazione delle sue emozioni a discapito dell'importanza del soggetto. I dipinti di questi artisti ribelli alla convenzioni, tra cui Monet , Degas , Manet , Cézanne , Renoir , Morisot , erano realizzati, spesso en plein air , con rapidi colpi di spatola, creando un alternarsi di superfici uniformi e irregolari. Oltre al colore, la luce fu particolarmente studiata. A questi impressionisti francesi arriva, più tarda e ragionata la risposta italiana, dopo i lavori di ricerca insieme a Monet a Parigi negli anni del 1870, da parte di Filippini , con una maggiore introspezione di una sensibilità tormentata e di attenzione ai temi sociali, e con pennellate che restano di matrice scapigliata , che influenzeranno tutta l'arte del paesaggio italiano. [7] .
La rivoluzione portata dai pittori impressionisti, aprì così le porte a nuove correnti, come il post-impressionismo , con i dipinti di Paul Gauguin , l' espressionismo , con Edvard Munch e Vincent van Gogh e il Puntinismo , che in Italia sarà chiamato Divisionismo , con Pellizza da Volpedo , Paul Signac e Georges Seurat .
La pittura di genere una rappresentazione pittorica dell'epoca, con scene che rappresentano aspetti della vita di tutti i giorni, fu a lungo considerata un genere "minore", decisamente inferiore per valore alla pittura storico-religiosa. Iniziò ad essere apprezzata da una ristretta cerchia di collezionisti prima dell'alta nobiltà e poi della borghesia, fino a trovare la sua celebrazione nei tempi moderni anche in funzione della loro testimonianza intima della storia vissuta, ma è nell'Ottocento che trova la sua massima espressione divenendo anche fortemente introspettiva, con il veneto Antonio Rotta , la sue opere Il Caso senza Speranza e La morte del pulcino sono divenuti alcuni dei dipinti di genere più celebri della pittura italiana, a cui seguì anche Vincenzo Petrocelli .
Pittura del XX secolo
La grande "conquista" del Novecento, è proprio l'astrazione: l'artista non dipinge più ciò che vede (questo ruolo è lasciato alla fotografia ), ma ciò che sente dentro, nella sua interiorità. In quest'ambito si analizzano con molta attenzione il fenomeno della percezione visiva ed il mutevole effetto che provocano i vari colori sull'osservatore. Distinguiamo nel Novecento due grandissimi filoni di arte figurativa: l' astrattismo , contrapposta a una pittura ancora figurativa, nonostante nella maggior parte dei casi non ricerchi la rappresentazione fotografica della realtà.
Il Novecento è stato un secolo che ha visto innumerevoli artisti, esponenti di diverse avanguardie , relative all'arte pittorica. Agli inizi del secolo, iniziano ad assumere una propria identità gli artisti che hanno ereditato la lezione dell'impressionismo. Di questi ricordiamo i Fauves , gruppo francese di artisti, il cui più grande esponente fu Henri Matisse ; i fauves possono essere considerati i primi veri avanguardisti del novecento. Tradizionalmente si tende erroneamente a inglobare questo gruppo in quello degli espressionisti , legati invece alla scuola tedesca, la quale poetica è profondamente differente da quella fauvista.
Il gruppo degli espressionisti, chiamato in Germania Die Brücke è in certi sensi anche contrapposto al movimento francese: questi ultimi raffiguravano l'armonia, la gioia di vivere, tradotta in colori particolarmente accesi e pennellate molto dolci (quindi più vicini agli impressionisti in questo senso), mentre i tedeschi rappresentavano la società dell'epoca, spesso con denunce sociali, legate a problemi come la prostituzione: tutto ciò tradotto in pennellate particolarmente dure, forme spigolose e colori contrastanti tra di loro. Un importante esponente dei Die Brücke fu Ernst Ludwig Kirchner , autore di capolavori come Marzella , Cinque donne per strada e Scena di strada berlinese .
Nel 1907 Pablo Picasso disegnò il quadro che ha fatto da spartiacque dall'antichità alla modernità: Les demoiselles d'Avignon . Oltre per il soggetto raffigurato di cinque prostitute, già visto nell'opera di Kirchner, la rivoluzione di quest'opera risiede nella composizione, che rompe definitivamente con i canoni classici. Le figure sono spigolose, con volti che riprendono le maschere africane e sembrano incastrate nella piattezza dello sfondo. Questo quadro è il primo quadro della corrente cubista , altra grande avanguardia del Novecento. A Picasso, che più volte dipinse ed espose insieme a lui, risponderà ormai naturalizzato italiano Ibrahim Kodra , con una innovativa interpretazione personale del cubismo, di tipo fantastico,con la peculiarità che le scomposizioni tipiche del cubismo analitico vengono proposte secondo un'impostazione propria più del cubismo sintetico . Ebbero un ruolo fondamentale nella storia della pittura anche i futuristi , la cui poetica era relativa alla rottura totale con il passato ea studi della dimensione tempo. Grandi esponenti furono Umberto Boccioni e Giacomo Balla . Carlo Carrà ebbe un importante ruolo nella scuola futurista, ma si dissociò in parte, seguendo poi la corrente metafisica , rappresentata da Giorgio de Chirico .
Pionieri del XX secolo
Di seguito i maggiori esponenti delle avanguardie del Novecento.
Fauvisme
Die Brucke
Cubismo
Futurismo
Der Blaue Reiter
Suprematismo
Dadaismo
De Stijl
Ritorno all'ordine
- Giorgio de Chirico , corrente metafisica
- Antonio Donghi
- Mario Sironi
- Ardengo Soffici
- Gino Severini
- Felice Casorati
- Achille Funi
- Aligi Sassu
- Fausto Pirandello
- Mario Tozzi
Surrealismo
Espressionismo Astratto
Pop Art
Arte informale
Transavanguardia
Street Art
Iperrealismo
Astrattismo e Arte informale
In seguito all'esperienza del fauvismo e del cubismo , l' astrattismo nasce dalla scelta degli artisti di negare la rappresentazione della realtà per esaltare i propri sentimenti attraverso forme, linee e colori. Punto di riferimento fondamentale è il testo di Wilhelm Worringer "Astrazione ed empatia", del 1908 , dove l'arte viene interpretata in base all'intenzionalità dell'artista.
Il termine "astrattismo", viene spesso usato per indicare quelle forme d'arte visuale non figurativa, dove l'immagine rappresentata, spesso, non ha alcun appiglio che consenta la sua riconducibilità alla sua immagine reale. Tuttavia in alcune accezioni con "astrattismo" si intende (in senso restrittivo) solamente la ricerca della forma pura per tramite di colori e forme geometriche, come nelle opere di Piet Mondrian , Josef Albers e Mario Radice , mentre le altre esperienze non figurative vengono definite con nomi propri, quali espressionismo astratto , informale e simili i cui grandi esponenti sono stati Jackson Pollock , Mark Rothko , Alberto Burri , Emilio Vedova e Yves Klein .
Fondamentale trattato nella storia della pittura e primo dell'astrattismo, è stato Punto, Linea e Superficie di Kandinksy , nel quale l'artista russo descrive minuziosamente i tre enti fondamentali della rappresentazione bidimensionale, appunto il punto, la linea e la superficie. Il punto viene inteso come l'ente in eterno stato di quiete, in quanto adimensionale; la linea è conseguenza del punto, definita come "il punto strappato dal suo stato di quiete". Essa viene poi analizzata in base al suo andamento, ai suoi spigoli e alle sue angolature. La superficie viene invece intesa come "il supporto sul quale si opera", che è in grado di aprire orizzonti relativi all'arte figurativa.
Dada e surrealismo
Espressionismo astratto
Pop art
Pittura del XXI secolo
La Biennale di Venezia e la Quadriennale di Roma sono i più importanti palcoscenici per l'arte contemporanea italiana. A queste va aggiunta la Triennale di Milano che si propone istituzionalmente un campo d'azione più vasto facendo interagire industria, mondo produttivo e arti applicate. Tra gli artisti di ultima generazione, hanno avuto riconoscimento internazionale Umberto Pettinicchio , Maurizio Cattelan , Salvatore Garau , Mimmo Paladino .
Note
- ^ Bruce Cole e Adelheid M. Gealt, Art of the Western World: From Ancient Greece to Post Modernism , Simon and Schuster, 15 dicembre 1991, ISBN 978-0-671-74728-2 . URL consultato l'8 settembre 2011 .
- ^ The Meeting of Eastern and Western Art , Revised and Expanded edition (Hardcover)by Michael Sullivan ,
- ^ July 10, 1994, Art View; Eastern Art Through Western Eyes , in New York Times , 10 luglio 1994. URL consultato il 30 novembre 2010 .
- ^ Japonisme: The Japanese Influence on Western Art Since 1858 (Paperback) by Siegfried Wichmann# Publisher: Thames & Hudson; New Ed edition (19 November 1999), ISBN 0-500-28163-7 , ISBN 978-0-500-28163-5
- ^ The Meeting of Eastern and Western Art , Revised and Expanded edition (Hardcover)by Michael Sullivan , Publisher: University of California Press; Rev Exp Su edition (1 June 1989), ISBN 0-520-05902-6 , ISBN 978 0520059023
- ^ autore di diversi manuali di pittura e restauro tra cui "manuale pratico di tecnica pittorica"
- ^ Francesco Filippini e Monet, dalla Francia il pittore bresciano importò nuova pittura, Mef Bernardelli Curuz, stilearte.it quotidiano di cultura dal 1995, 15 maggio 2018
Bibliografia
- Per la pittura greca: Ranuccio Bianchi Bandinelli e Mario Torelli, L'arte dell'antichità classica, Etruria-Roma , Utet, Torino 1976.
- Per la pittura medievale: André Grabar, Le origini dell'estetica medievale , Jaca Book, Milano 2001. ISBN 88-16-40551-1
Altri progetti
-
Wikimedia Commons contiene immagini o altri file su storia della pittura
