Arta pop

De la Wikipedia, enciclopedia liberă.
Salt la navigare Salt la căutare
Notă despre dezambiguizare.svg Dezambiguizare - Dacă căutați alte semnificații, consultați Pop art (dezambiguizare) .
Roy Lichtenstein , Whaam! , 1963

Pop art (scurt pentru Popular Art), este o mișcare de artă născută în Statele Unite la sfârșitul anilor 1950 și începutul anilor 1960 . Această mișcare este o expresie a societății și a imaginației colective și este o artă care vizează masa și nu unicul individ. Artiștii sunt inspirați de obiecte ale realității cotidiene, de exemplu televizor, frigider, afiș, mașină de spălat, mașină, cutii, reviste și ziare [1] și le descriu în lucrări, îndepărtându-le din mediul lor natural și izolându-le. Lucrările acestei mișcări nu sunt altceva decât produse comerciale. [2]

Principalii artiști ai acestui curent sunt Andy Warhol , Roy Lichtenstein , Claes Oldenburg , Richard Hamilton , Robert Rauschenberg și Jasper Johns . [2]

Originea și contextul social

Această mișcare artistică s-a dezvoltat în lumea occidentală după război. În acea perioadă intră în joc obiecte noi care nu existaseră până în acel moment, devenind imediat parte din viața omului, care nu mai poate face fără ele. De exemplu, aceste articole sunt mașini utilitare, afișe, frigidere, mașini de spălat, conserve, detergenți și băuturi ambalate. Toate aceste obiecte devin noile simboluri ale societății de consum în care s-a născut arta pop. Spre deosebire de celelalte mișcări artistice care se dezvoltă în această perioadă, cum ar fi fenomenul Happening și New Dada, arta populară se îndepărtează de orice formă de critică și se concentrează doar pe arătarea realității.

Prin urmare, mediul urban în care se dezvoltă această nouă formă de expresie este un mediu caracterizat de psihologia deșeurilor și a consumului care duc la schimbarea structurii sociale în țările industrializate unde se dezvoltă o cultură de masă și, de fapt, lucrările nu sunt altceva decât produse comerciale. Artiștii acestei mișcări se îndreaptă spre universul marilor metropole moderne și se mișcă în scena urbană, considerată ca un spectacol vizual. Orașul în care se naște arta pop este un oraș agresiv, plin de contradicții și lucruri rele. Cu toate acestea, pentru artistul Pop, acest model de oraș își asumă un rol viu și familiar, la care nu poate renunța.

Putem defini acest curent artistic ca artă realistă, în care artistul încearcă să reproducă un realism modern ținând cont de transformările mediului. În anii cincizeci ai secolului al XX-lea, savantul francez Roland Barthes afirmă că presa și societatea prin comunicarea mass-media atribuie o valoare liniștitoare în conștiința colectivă prin obiecte care transmit seninătate și care sunt supuse unui proces de venerație și susține că tot ceea ce creează nesiguranță trebuie eliminat. În același timp, se dezvoltă gândul lui Marshall McLuhan , care a susținut că în evoluția comunicării mass-media ar fi fundamentale și afirmă că tocmai artiștii trebuie să concepă schimbările. [3]

Tehnici și teme

Artiștii de artă pop au pus sub semnul întrebării problema reproductibilității artei în epoca industrială, cum și dacă să mențină caracterul exclusiv al operei de artă sau dacă să reconcilieze realitatea consumistă cu propriul limbaj. Din diferitele răspunsuri date acestor întrebări s-a născut diversitatea stilurilor și tehnicilor tipice artei pop. Pe de o parte, creația artistică a devenit mecanică, pe de altă parte, s-au recuperat lecțiile principalelor avangarde ale secolului al XX-lea: de la provocările dadaismului care au amestecat mai întâi arta și realitatea, la colaje foto sau imagini publicitare cu un cubist încă aroma, până la întâmplări sau gesturi teatrale, în care artistul creează opera de artă direct în fața spectatorilor, lăsând loc improvizației.

Tema principală a artei pop este angoasa existențială a societății de consum, în care omul îl reprezintă pe consumator. Interesul artistului vizează imagini și descrieri ale vieții de zi cu zi a omului și a lumii artificiale în care trăiește alcătuită din infinite produse industriale de uz comun și mass-media (TV, radio ...). Lucrările arată o lume plină de culoare, plină de bucurie care ascunde de fapt anxietatea și angoasa care se eclipsează în spatele culorilor pline și vii. Subiectul reprezentării devine mediul urban, deci găsim imagini din televiziune, cinema și publicitate care sunt reprezentate prin pictură și sculptură.

Artiștii transformă orice aspect al realității moderne caracterizat de mass-media în artă și tocmai din unirea artei cu acestea din urmă ajungem la nașterea artei pop. În lucrările lor, artiștii pop nu lasă niciodată să se scurgă o judecată personală. După cum am spus deja, artiștii Pop reprezintă adesea fotografii sau reproduceri de materiale obținute din mass-media, prin urmare scad diferitele coduri și mecanisme pentru a le reprezenta prin artă din comportamentul societății. Este important să ne amintim că acest curent artistic este caracterizat de diferite stiluri care sunt abordate în studiul diferitelor elemente: [2]

  • Fotografie
  • Reelaborarea imaginilor publicitare
  • Cărți de benzi desenate
  • Spectacole și improvizații, unde artistul își creează lucrările în fața spectatorilor.

Pop art în Europa

La sfârșitul anilor cincizeci ai secolului al XX-lea, arta pop sa născut în Europa, în special în Anglia și Italia.

Pop art engleză

În Anglia, în anii patruzeci, caracteristicile acestui curent artistic fuseseră anticipate de Eduardo Paolozzi . Dar adevăratul fondator al artei pop este englezul Richard Hamilton , care în 1956 a creat colajul intitulat Doar ce este ceea ce face casele actuale atât de diferite, atât de atrăgătoare? (Dar ce face casele de astăzi atât de diferite, atât de atractive?) Care este considerat manifestul acestei noi tendințe. Lucrarea se concentrează pe narcisismul locuitorilor unei case burgheze.

Lucrarea descrie personaje tipice perioadei precum culturistul, care exprimă importanța sportului ca mijloc de modificare a corpului, soția, care este reprezentată goală și are funcția de a-l seduce pe tânărul soț și, în final, pe chelneriță, ceea ce confirmă starea burgheză a tânărului cuplu. Un alt aspect care ne atrage atenția sunt obiectele prezente în reprezentare, de exemplu lampa cu binecunoscutul brand Ford, mâncarea preambalată pe masă, electrocasnicele și acadea roșie cu cuvântul Pop în prim-plan. Multe dintre imaginile descrise în lucrare sunt tăieturi de ziare și titlul în sine a fost configurat ca și cum lucrarea ar fi un panou publicitar. În cele din urmă, există un alt aspect al lucrării care ne atrage atenția și este tavanul apartamentului, care arată ca curba Lunii văzută din spațiu. [4]

În același timp, se dezvoltă alte moduri de a vedea curentul Pop, spre exemplu, spre deosebire de culorile strălucitoare, vesele și strălucitoare ale lui Hamilton, putem observa lucrarea Love Wall de Peter Blake , care aduce fotografii cu icoane precum Marilyn Monroe aproape de fotografiile mătușii sale. preferând utilizarea alb-negru pentru a trezi un sentiment de nostalgie. Dar este important să ne amintim că Peter Blake este renumit pentru crearea copertei albumului muzical al Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band of the Beatles la sugestia lui Paul McCartney și aspectul inovator stă în transferul pe pânză a imaginii fotografice. a personajelor.simbolul celor patru băieți ai formației. [5]

Pop art italian

În Italia, arta Pop s-a dezvoltat datorită sosirii unor lucrări ale artiștilor pop americani la expoziția contemporană a Bienalei de la Veneția, în ciuda unor critici împotriva acesteia, acuzându-l că conține „semințele unui nou fascism” [6] . Roma este orașul în care această mișcare artistică se dezvoltă tocmai datorită contactului strâns cu capitala americană. Și tocmai la Roma, în 1959, Cy Twombly se oprește și se instalează, foarte atașat de arta pop din Statele Unite, chiar dacă el însuși nu aderă la mișcare. Principalii exponenți în Italia sunt:

  • Michelangelo Pistoletto (1933), artist experimental. În seria sa de picturi în oglindă oglinda joacă un rol fundamental, deoarece prin ea publicul poate participa la lucrare. În viața sa artistică abordează și arta săracă și arta conceptuală, de fapt în 1967 dă viață tuturor artelor (muzică, pictură, dans ...) și aceasta este o procedură de experimentare.
  • Pino Pascali (1935-1968), artist ironic care anticipează arta săracă.
  • Mario Schifano (1934-1997). În lucrările sale abordează alegerile artiștilor americani, dar diferența constă în faptul că Schifano creează picături pe pânze. Cu această tehnică, el arată cum obiectele timpului nostru și ale societății de consum sunt destinate să dispară și să moară.
  • Enrico Baj (1924-2003) artist dedicat imaginilor science fiction. El pictează grotesc personaje fictive care sunt adesea monstruoase, vii și expresive și sunt realizate din materiale sărace, dar poartă medalii. Fundalul acestor lucrări sunt tapetele sau țesăturile pentru saltele. [7]

Scopul acestor lucrări este de a exprima denunțarea și avertizarea. [7] După 2000, artistul sicilian Arrigo Musti dezvoltă un manifest „Impop” („Artă impopulară”, inspirat de la distanță de Pop-Art, în care îi plasează în centrul subiecților săi pe cei care sunt considerați ultimii din lume.

Pop art în Statele Unite

În Statele Unite, arta Pop s-a dezvoltat în anii șaizeci ai secolului al XX-lea. Își găsește centrul artistic în New York- ul anilor șaizeci și își are rădăcinile în arta americană din anii precedenți și în poetica New Dada. În comparație cu Anglia, este o artă mai grosieră și tocmai în străinătate își atinge adevăratul succes prin capacitatea artiștilor de a obține un efect deosebit asupra publicului, grație creației unor lucrări uimitoare pornind de la obiecte comune și de utilizare cotidiană. Obiectul este protagonistul imaginii artistice și este modificat de forma sa reală.

Acestea sunt obiecte de uz zilnic, cum ar fi, de exemplu, cutii de băuturi răcoritoare, conserve, vedete de film, personaje de spectacol și sport, decupaje de benzi desenate și panouri publicitare sau obiecte consumate, care sunt reprezentate cu tehnici diferite și izolate sau mărite de parcă ar fi sculpturi deci nu mai sunt obiecte banale. Pop Artul american prezintă mecanismele limbajului popular, temele lucrărilor sunt teme banale, efemere, care descriu societatea de consum în care au loc.

În cadrul acestor lucrări nu se inițiază nicio critică socială, dimpotrivă, este asistată realitatea marilor orașe americane, iar opera de artă devine doar un produs comercial. Culorile care ies în evidență în aceste lucrări sunt vii și luminoase, adică culorile reclamelor, supermarketurilor și semnelor iluminate. Sunt opere anonime, impersonale, dar fascinante, nu fac altceva decât să exprime condițiile societății în care se nasc. Nu au un mesaj de comunicat, ci vor să arate obiectul descris, izolându-l de contextul în care este situat și arătând cu un voal de ironie defectele, excesele și superficialitatea societății din acei ani. [5]

Principalii exponenți sunt:

  • Roy Lichtenstein ( New York , 1923-1997) [8]
  • George Segal ( New York 1924 - South Brunswichk , New Jersey 2000) descrie piese din ipsos cu oameni care sunt descriși în viața de zi cu zi, împreună cu obiecte reale, cum ar fi mesele. În realizarea acestor lucrări, Segal s-a inspirat din distribuțiile oamenilor care au fost prinși în erupția Vezuviului în 79 d.Hr., în Herculaneum și Pompei. [9]
  • Andy Warhol ( Philadelphia , New York (1930), 1928-1987) [10]
  • Claes Oldenburg ( Stockholm , 1929) operele sale descriu obiecte de zi cu zi care sunt mărite și studiate în detaliu, cu tehnica tridimensională care conduce subiectul la nerecunoscut. [11]
  • Robert Rauschenberg (Porth Arthur, Texas, 1925-2008) [12]
  • Jasper Johns ( Augusta, Georgia , 1930) este considerat un artist de tranziție între informal și neorealism, el însuși refuzând să fie numit artist pop. Reprezintă obiecte ale realității comune menținând în același timp un stil compozițional și pictural. Mai târziu se va desfășura pe deplin în sfera artei informale folosind tehnica de eclozare diagonală. [2]
  • James Rosenquist ( Grand Forks , 1933) în lucrările sale descrie în principal imagini care se apropie de panourile publicitare. Folosește în principal colajul. [9]
  • Tom Wesselmann ( Cincinnati , Ohio 1931-2005) s-a născut în provincia americană și se concentrează pe crearea de imagini de zi cu zi cu obiecte reale referitoare la hrană, corpul feminin și tot ce poate fi consumat. [9]

Hiperrealismul american

Hiperrealismul american, numit și fotorealism , s-a născut în Statele Unite la sfârșitul anilor șaizeci și s-a dezvoltat ca o mișcare derivată din Pop Art. Se extinde la domeniul publicității și al designului vizual. Scopul artiștilor este de a descrie subiecte reale în cele mai mici detalii și de a le face cât mai reale; în pictură se folosesc tehnicile de fotografie, digitalizarea computerizată și aerografia. În sculpturi, pe de altă parte, utilizează tehnica rășinilor sintetice sau a fibrelor de sticlă finisate cu țesături pentru haine sau obiecte și sunt realizate cu piese din ipsos de lucruri sau personaje. [13]

Robert Rauschenberg

Robert Rauschenberg , în 1964, a câștigat Bienala de la Veneția și a adus arta Pop la succes internațional. Sosirea acestei noi arte scandalizează opinia publică și creează controverse. Dar tocmai din acest episod este recunoscută în Europa arta pop americană. Stilul său este mai direct, nu se concentrează doar pe reproducerea obiectelor, ci le introduce în interiorul unui tablou, combinându-le cu alte obiecte și cu părți pictate, dându-le un sens subiectiv. El folosește tehnica combinației, pentru a evita categoriile de rutină, el însuși explicând acest lucru afirmând:

<Dacă aș fi sunat ce fac pictură, mi-ar fi spus că sunt basoreliefuri sau tablouri>.

Motto-ul său principal nu este să trăiești în trecut, dar nici măcar să anticipezi viitorul. [12]

Roy Lichtenstein

Roy Lichtenstein este un pictor, designer grafic și designer industrial englez. În 1960 a început să se inspire din limbajul benzilor desenate și a adus imaginile mai aproape de farmecul vizual al fotografiei, aceste imagini sunt realizate prin tehnica picturii și afișate pe pânze mari, în special el folosește metoda pointilistă pentru a face figurile similare la matrița tipografică. În anii șaptezeci, pe lângă benzi desenate, alege să imite operele de artă și să le insereze în propriile elaborări. Mai exact, își realizează lucrările după o tehnică precisă și inflexibilă, plecând de la o schiță pe care apoi o transferă pe pânză și apoi o retrage în creion.

Este important să subliniem modul în care Liechtenstein extrage subiectul descris din contextul său natural, îl mărește pentru a arăta tehnica punctilistă și folosește tonuri reci fără nuanțe, cu contururi foarte marcate. Subiectul este plasat pe același plan cu fundalul, astfel încât orice formă de perspectivă este eliminată, astfel încât spațiul să se aplatizeze. Caracteristicile pe care le găsim în lucrările sale sunt legendele fără un sens real, transcrise în nori mici ca „gândul” persoanei pictate și tocmai pentru că nu au niciun sens, nu ajută prea mult, dacă nu pentru a ne face să înțelegem că inspirația este dată de benzi desenate.

Dar care este scopul lui Lichtenstein? Scopul său este de a face lucrarea cât mai impersonală posibil, astfel încât subiectul descris să nu transmită emoții, precum societatea de consum în care trăiește, unde emoțiile, sentimentele și senzațiile sunt plate. Criticii din primii ani au fost precauți față de Lichtenstein, deoarece a folosit protagonistele benzilor desenate în lucrările sale și a creat situații și atmosfere reci. Talentul său a fost recunoscut ulterior cu ocazia expoziției monografice de la galeria Leo Castelli din New York. Este cel mai de succes artist comercial în domeniul comunicării publicitare (încă și astăzi). [8]

Lichtenstein și benzi desenate

Lichtenstein afirmă că arta pop este artă comercială. Tocmai din acest motiv își dezvoltă majoritatea operelor începând de la benzi desenate contemporane și comerciale sau benzi desenate de aventură în care omul câștigă întotdeauna împotriva răului (mitul american al supermanului). Lichtenstein afirmă:

"O caracteristică a benzilor desenate este de a exprima o pasiune violentă și emoție într-un stil complet mecanic și detașat. Exprimarea ei cu un stil pictural ar însemna diluarea ei. Tehnica pe care o folosesc nu este comercială, este doar aparent și modul de a vedea și compune și unifică este diferit și are un alt scop. ". [14]

M-Poate

În 1965, Roy Lichtenstein a realizat M-Maybe, aflat în prezent la muzeul Ludwig din Köln. Lucrarea descrie fața unei femei, realizată prin reunirea a numeroase puncte roșii care creează culoarea pielii. Tehnica folosită este cea a tipografiei. Folosiți foarte puține culori, aproximativ trei sau patru. În partea de sus, gândul fetei este scris într-un balon, extrapolat din contextul benzii desenate, își pierde sensul. [8]

Andy Warhol

Andy Warhol este artistul pop american care reprezintă cel mai bine acest stil. Pasiunea sa pentru artă s-a născut când s-a îmbolnăvit în copilărie și mama i-a oferit materialul necesar pentru a desena. Abilitatea sa principală este de a avea abilități excelente de observare. Cariera sa a început la New York ca agent de publicitate. În 1963 a creat un mare centru de producție artistică numit „La Factory”, unde profesorul și elevii care locuiesc împreună rămân și are sarcina de a-i învăța ce să facă și ce să nu facă. De asemenea, creează o revistă despre scriere și publicare în modă și cinema, numită Interviu.

Warhol a fost criticat pentru apropierea artei de civilizația tehnologică, considerată o amenințare periculoasă pentru valorile societății moderne. Obiectele (devenite acum icoane ale vremii) reproduse în operele sale sunt reprezentate cu răceală și sunt pictate pe pânză așa cum sunt aranjate în supermarketuri. Obiectele pictate erau toate cele de uz zilnic. Tehnica preferată de Warhol este cea a serigrafiei , adică o procedură cu două scheme de compoziție: prima schemă vede mărirea și izolarea imaginii, a doua este o repetare în serie cu variații ale luminozității imaginii (a doua metodă ne o va găsi în filmele experimentale produse de Warhol).

Warhol produce imagini ale unor oameni celebri din spectacol și chipuri cunoscute ale politicii, totuși, aducând aceste figuri să fie impersonale, adică își pierd propria valoare ideologică, deoarece toate sunt plasate pe același nivel. Aceste personaje sunt transformate în icoane și caracteristicile lor sunt evidențiate prin utilizarea de culori contrastante. De fapt, ceea ce reprezintă artistul nu este persoana, ci imaginea publică pe care presa o prezintă societății. [15]

Relația dintre Warhol și lumea cinematografiei

Între 1963 și 1968 Warhol a produs 650 de filme experimentale cu compania sa de film The Factory. Filme experimentale Warhol:

  • 1963, Sleep : film despre un poet care doarme șase ore
  • 1964, Empire : film despre aceeași imagine cu Empire State Building timp de opt ore
  • 1966, Chealsea Girl : Treats of Sexual Voyeurism
  • 1970, Trash - Deșeurile din New York , s-a născut mai târziu și vorbește despre tinerii dependenți de droguri.

A produs filme substanțial mute, care urmăresc să ofere un ritm cinematografic diferit ideilor avangardiste (au analizat doar aspecte psihologice și introspective). Filmele filmului sunt separate de flash-uri de lumină care creează o scanare constantă în film, fiecare film are 30 de metri, deoarece Warhol face ca aceeași scenă să se repete. Deci, pe scurt, sunt împușcați cu cadre normale și apoi sunt încetiniți pentru a da un sentiment al timpului care trece chiar și prin diferențele de luminozitate. [10]

Orange Marilyn

Orange Marilyn este una dintre cele mai faimoase lucrări ale lui Warhol, în care se folosește metoda de mărire și izolare a imaginii. Artistul se joacă foarte mult cu contrastul culorilor și creează o greșeală deliberată în marginile ușor rupte în ceea ce privește culoarea. Prin lucrare nu descoperim personalitatea actriței ci doar imaginea ei care vine în societate cu fotografiile și diferitele lucrări care o reprezintă. În concluzie, Warhol devine o icoană pentru societate și chiar unul dintre fanii săi a încercat să-l omoare împușcându-l. Acest episod a dus la închiderea fabricii și la sfârșitul perioadei sale mari de activitate. [16]

Documentare

Notă

  1. ^ Protagoniști și forme de artă 3 p. 246
  2. ^ a b c d artă italiană 3 p. 1084
  3. ^ Protagoniști și forme ale artei 3 , p. 248
  4. ^ Protagoniști și forme de artă 3 p. 246
  5. ^ a b Protagonisti și forme de artă 3 p. 247
  6. ^ Franco Passoni, Nu ne place pentru că conține semințele unui nou fascism ( PDF ), în Avanti! , 2 august 1964, p. 6.
    „Nu ne place [Pop art] pentru că, poate involuntar din partea artiștilor, conține semințele unui nou fascism, al unei indiferențe violente și absolute, care este cel mai periculos lucru pe care îl are pictura și cultura vremii noastre. poate naște., ceea ce necesită în schimb o mare conștiință și responsabilitate civilă » .
  7. ^ a b Protagonisti și forme de artă 3 p. 252
  8. ^ a b c Protagonisti și forme de artă 3 p. 250
  9. ^ a b c Protagonisti și forme de artă 3 p. 251
  10. ^ a b Protagonisti și forme de artă 3 p. 248
  11. ^ Arta italiană 3 p. 1087
  12. ^ a b artă italiană 3 p. 1085
  13. ^ Protagoniști și forme de artă 3, p. 252
  14. ^ Arta italiană, p. 1090
  15. ^ Protagoniști și forme de artă 3 p. 249.250
  16. ^ Protagoniști și forme de artă p. 249

Bibliografie

Elemente conexe

Alte proiecte

linkuri externe

Controlul autorității Thesaurus BNCF 31666 · Europeana agent / base / 147 311 · LCCN (EN) sh85104862 · GND (DE) 4076259-2 · BNF (FR) cb119328396 (data) · BNE (ES) XX529169 (data) · NDL (EN, JA) 00.569.127
Artă Portal de artă : accesați intrările Wikipedia care se ocupă de artă
Adus de la „ https://it.wikipedia.org/w/index.php?title=Pop_art&oldid=121369756 ”