Muzică populară americană
Muzica populară americană , la care se face referire și prin termenul de muzică populară americană sau traducerea în limba engleză Muzică populară americană , privește tradiția muzicii populare din Statele Unite ale Americii . Această țară a văzut apariția stilurilor muzicale populare care au avut o mare influență în culturile din întreaga lume, inclusiv genuri precum ragtime , blues , jazz , swing , rock , R&B , doo-wop , gospel , muzică soul , funk , heavy metal , punk , discotecă , muzică house , techno , salsa , grunge și muzică hip hop . În plus, industria muzicală americană vede o diversificare largă, susținând, de asemenea, numeroase stiluri de muzică regională, cum ar fi zydeco , klezmer și slack-key .
Multe stiluri de muzică populară americană au apărut de la începutul secolelor al XIX-lea și al XX-lea, dezvoltând, cu sprijinul industriei muzicale, o lungă serie de forme de muzică care foloseau elemente de blues sau alte genuri populare . Aceste stiluri muzicale includeau muzică country, R&B, jazz și rock. Schimbări importante în dezvoltarea muzicii populare americane între începutul anilor 1960 și 1970, cu formarea de noi genuri precum heavy metal, punk, soul și hip hop. În timp ce aceste stiluri nu sunt „populare” în sensul „ mainstream ”, ele păstrează în continuare caracteristica utilizării înregistrărilor și suporturilor de vânzare. Prin urmare, toate aceste genuri sunt definite ca fiind populare, spre deosebire de acele tradiții mai vechi care aparțin muzicii populare sau muzicii culte . Spectacolele de menestrel au fost, așadar, percepute în mod eronat de public ca spectacole de stil afro-american .
Primele forme de muzică populară
Primele forme ale muzicii populare americane care au transcendut muzica populară în grupuri etnice sau regiuni individuale au fost cântecele sentimentale ale lui Stephen Foster și ale contemporanilor săi, muzica compusă pentru spectacolele menestrelor , producțiile teatrale care au întâlnit cântarea, dansul și comicul. spectacole. În special, emisiunile menestrel introduse africane instrumente și dansuri combinate cu actorii cu fețele lor vopsite în negru, astfel , urmând tehnicile blackface [1] . La mijlocul secolului al XIX-lea, companiile itinerante au adus această muzică nu numai în Statele Unite, ci și în Regatul Unit , în Europa de Vest și uneori chiar în Africa și Asia .
Contribuția populației americane negre la construcția culturii populare a țării sale se remarcă cu câțiva ani înainte de războiul civil , adică la Teatrul African Grove din New York în anii 1920 și la publicarea primelor compoziții de muzicieni negri precum Francis Johnson în 1818. Chiar și aceste figuri importante trebuiau încă să se încadreze în convențiile muzicii europene. Prima melodie de menestrel care a avut popularitate pe scară largă a fost „ Jump Jim Crow ” de Thomas „Daddy” Rice , care datează din 1832 și a avut un mare succes în Londra când Rice a cântat-o în 1836. Rice a folosit un dans pe care l-a copiat de la un tânăr. man., pe o arie adaptată dintr-un Giga irlandez . Elementele afro includeau utilizarea banjo - ului , despre care se credea că derivă din instrumentele cu coarde din Africa de Vest și ritmuri suplimentare [2] . Multe dintre piesele din spectacolele de menestrel sunt amintite și astăzi. Acesta este cazul lui Daniel Emmett sau Stephen Foster , care este considerat de David Ewen „printre primii compozitori americani și unul dintre cei mai mari compozitori din lume” [3] . Cântecele lui Foster erau tipice epocii jonglerilor, cu sentimentalismul lor mort și acceptarea sclaviei. Cu toate acestea, Foster a făcut mai mult decât alți scriitori ai perioadei pentru a umaniza negrii menționați în „Nelly Was a Lady”, o melodie melancolică despre un bărbat negru îndurerat de pierderea soției sale [4] .
Spectacolele de menestrel marchează începutul unei lungi tradiții muzicale afro-americane adecvate publicului popular și a fost, de asemenea, prima formă muzicală americană care a fost apreciată la nivel internațional în secolul al XIX-lea. După cum subliniază Donald Clarke, spectacolele de menestrel conțineau „esența muzicii negre, într-un moment în care acțiunile cele mai importante erau făcute de albi, astfel încât aceste cântece și dansuri de origine neagră erau imitate de interpreții albi doar pentru a fi preluați din cele negre, care au închis cercul imitându-se " . Clarke atribuie utilizarea feței negre unei dorințe a americanilor albi de a glorifica existența brutală atât a negrilor liberi, cât și a sclavilor, prezentându-i ca fericiți și fără griji. [4]
Spectacolele de menestrel au rămas și au continuat să aibă popularitate în cea mai mare parte a secolului al XIX-lea, scăzând treptat odată cu începutul secolului al XX-lea. În această perioadă, a apărut o formă de teatru risipitor și elaborat numită Extravaganza și inaugurată de Charles M. Barras în The Black Crook [5] Acest gen de spectacole a fost puternic criticat de presa și bisericile din perioadă, deoarece erau considerate stimulatoare sexual. și provocator, femeile cântând cântece obscene îmbrăcate în haine transparente. David Ewen le-a descris ca fiind începutul „carierelor lungi și active în exploatarea sexuală” a teatrului muzical și a cântecului popular american. Mai târziu extravaganța a preluat elemente din spectacolele burlesce , care erau producții satirice și parodice care au devenit foarte faimoase în secolul al XIX-lea [1] .
La fel ca Extravaganze și Burlesque, soiurile erau producții comice, populare de la mijlocul până la sfârșitul secolului al XIX-lea, și mai târziu au evoluat în vodevil . Această formulă a fost sugerată de producătorul Tony Pastor, care a încercat să încurajeze femeile și copiii să participe la spectacole; Acest public a fost ezitant, deoarece teatrul a fost mult timp frecventat de o mulțime aspră și dezordonată, dar vodevilul i-a introdus în curând la acest tip de divertisment, oferind cântăreților precum Gus Edwards posibilitatea de a scrie melodii care au rămas de-a lungul secolelor. Unul dintre cele mai populare vodevile a fost Ziegfeld Follies , o serie de cântece și cascadorii care au avut o mare influență asupra dezvoltării musicalului de pe Broadway și asupra muzicii Tin Pan Alley .
Tin Pan Alley
Tin Pan Alley a fost o zonă a Union Square din New York, unde cel mai mare centru de edituri de muzică s-a dezvoltat la mijlocul anilor 1890. Compozitorii din această perioadă au scris cântece banale sau balade sentimentale. [6] . În această perioadă s-a dezvoltat simțul conștiinței naționale și SUA au devenit o putere mondială recunoscută, mai ales după războiul spaniol-american și cântecele au ajutat la popularizarea acestor idei.
Unii dintre cei mai renumiți editori ai Tin Pan Alley au fost Willis Woodward, M. Witmark & Sons, Charles K. Harris și Edward B. Marks și Joseph W. Stern. Stern și Marks au devenit unii dintre cei mai cunoscuți compozitori și au început să scrie împreună cu pasiune în 1894. Pe lângă cântece populare, balade celebre și alte melodii, unii editori s-au specializat în lucruri dure și dure. Cântecul Coon a fost un alt sector important al Tin Pan Alley, derivat din cântecele moderate ale menestrelilor cu „o vervă și o electricitate” care ar putea „fi deja asociate cu regimul ritmic” . Primul cântec Coon Song a fost diluată publicată în 1883, urmat de un val de shouters con Ernest Hogan și mai Irwin .
Broadway
La începutul secolului al XX-lea a cunoscut și creșterea Broadway, un grup de teatre specializate în musicaluri . Broadway a devenit unul dintre cele mai importante centre din lumea producției muzicale, producând simultan o vastă coevență de cântece, atât de mult încât astăzi este considerată de Donald Clarke drept epoca de aur a cântecului scris . Nevoia de a adapta cântecele plăcute la constrângerile teatrului și dramaturgiei a împins și a încurajat creșterea compoziției și succesul compozitorilor precum George Gershwin , Vincent Youmans , Irving Berlin și Jerome Kern . Acești compozitori au scris melodii care sunt încă populare astăzi și sunt cunoscute sub numele de Great American Songbook .
De-a lungul secolului al XIX-lea, opera a fost foarte populară în rândul claselor superioare, deși au urmat și alte stiluri de musicaluri teatrale, cum ar fi opereta , opera baladă și opera comică . Opereta engleză a lui Gilbert și Sullivan a fost deosebit de populară atât de mult încât inițial cunoscătorii americani s-au străduit să găsească un public. George M. Cohan a fost primul compozitor american de muzicale de teatru și primul care s-a desprins de operetă, adesea menționat pentru că a fost primul care a folosit limbajul vernacular în opera sa. Cu toate acestea, la începutul secolului al XX-lea, scriitorii, compozitorii și muzicienii de muzică neagră au avut o influență profundă asupra muzicii de teatru începând cu lucrările lui Will Marion Cook , James Reese Europe și James P. Johnson ; Una dintre cele mai cunoscute prime piese de muzicale negre a fost Shuffle Along din 1921.
Operetele și producțiile casnice importate atât de albi precum Cohan, cât și de negri ca Cook, Europa și Johnson au avut o influență formativă puternică asupra Broadway. Compozitori precum Gershwin, Porter și Kern au făcut din teatrul muzical de comedie o distracție, cu un mod de simțire complet american care nu mai depindea de modelele europene. Majoritatea acestor personaje, cu excepția lui Cole Porter , erau evrei care erau descendenți din imigrația secolului al XIX-lea care a urmat persecuțiilor Imperiului Rus . Mulți dintre primii muzicieni au fost apoi influențați de muzica neagră, prezentând elemente de jazz precum In Dahomey ; Mulți dintre compozitorii evrei ai acestor lucrări au văzut legături între muzica tradițională afro-americană de note albastre și muzica tradițională evreiască.
Melodiile de pe Broadway au fost înregistrate la începutul anilor 1900, dar nu au găsit niciun răspuns popular în afara teatrelor până mult mai târziu. They Didn't Believe Me de Jerome Kern a fost una dintre primele melodii cunoscute la nivel național. Inovațiile târzii ale lui Kern includeau o structură de poveste mai credibilă decât cele destul de fără formă create mai devreme, începând cu Show Boat din 1927. George Gershwin era atunci efectiv cel mai influent compozitor de pe Broadway de la Swanee și lucrări ulterioare pentru orchestra de jazz. Cea mai lungă compoziție a sa ar putea fi Porgy și Bess , o poveste despre doi negri care, în intențiile lui Gershwin, era un fel de „operă populară” și crearea unui nou stil de teatru muzical bazat pe idiomuri americane [2] .
Ragtime
Ragtime a fost un stil de muzică de dans pe bază de pian, folosit cu ritmuri și cromatisme sincopate. Unul dintre cei mai renumiți compozitori ai acestui gen a fost, fără îndoială, Scott Joplin . Donald Clarke consideră ragtimeul ca punctul culminant al conului melodiei, folosit anterior în spectacolele de menestrel și vodevil, apoi filtrat în logica mainstream. Apoi sugerează că sunetul distinctiv al ragtime-ului ar putea proveni din imitația atentă a banjo - ului afro-american, dar cu utilizarea instrumentelor de la tastatură [7] .
Datorită în esență naturii afro-americane a ragtime-ului, este de obicei considerat primul stil de muzică populară americană aparținând muzicii negre. Cântecele populare Ragtime au fost scrise și lansate pe partituri, dar stilul general a fost interpretat informal la nivel național. Acești muzicieni amatori au jucat urmând forme libere de ragtime care au devenit astfel unul dintre cele mai influente genuri pentru jazz timpuriu [2] .
Primele înregistrări de muzică populară
Invenția cilindrului fonograf al lui Thomas Edison a dat naștere muzicii înregistrate. Primul cilindru care a fost gravat a fost „Semper Fidelis” al trupei Marinei Statelor Unite. La început, cilindrii erau fabricați cu ușurință, dar odată cu creșterea profiturilor datorită vânzărilor în continuă creștere, distribuția a crescut. aceste prime melodii înregistrate erau un amestec de vodevil, cvartete de muzică frizer , marșuri, operă, cântece noi și alte arii populare. Multe standarde populare vin la noi din această perioadă: „The Good Old Summertime” , „Shine On Harvest Moon” și „Over There” . Au început să circule primele mari hituri din domeniul jazzului, inaugurate de înregistrările din 1917 ale Original Dixieland Jass Band , urmate de King Oliver's Creole Jazz Band , care cânta într-un stil de jazz mai autentic New Orleans [2] .
A durat mult până când blues-ul a devenit parte a istoriei muzicii populare înregistrate în America. Acest lucru s-a întâmplat în jurul anului 1920, când cântărețele clasice de blues , precum Ma Rainey , Bessie Smith și Mamie Smith, au devenit foarte populare. Primul hit recunoscut a fost „Crazy Blues” al lui Mamie Smith. Aceste bluze de oraș care au cântat au schimbat ideea muzicii populare conform cărora melodiile simple trebuiau jucate de oricine, fără a fi neapărat asociate cu munca unui individ. Interpreți precum Sophie Tucker , cunoscută pentru „Some of These Days” , au fost asociați cu hiturile lor, iar interpretarea lor individuală a devenit la fel de importantă ca piesa în sine [2] .
În același timp, companii de înregistrări precum Paramount Records și OKeh Records au lansat muzică de curse , care avea ca scop bluesul să vizeze un public afro-american. Printre numele care au inspirat generațiile următoare din acest domeniu, ar trebui să ne amintim de Charley Patton , Lonnie Johnson și Robert Johnson .
Jazz popular (1920-1935) și swing (1935-1947)
Jazz-ul este un tip de muzică caracterizat prin note albastre , sincope , swing , cântare și contra-cântare , poliritmuri , improvizație . Născut ca un gen de muzică de dans , jazz-ul a fost mult timp considerat un „gen muzical popular și vernacular, care abia mai târziu a devenit o formă sofisticată de cultură , găsind interacțiuni semnificative cu muzica marilor săli de concert” [8] . Dezvoltarea jazz-ului a fost contemporană cu formarea ragtime-ului modern, blues-ului, gospel-ului și country-ului, fiecare dintre ele trebuind privite ca parte a unui continuum fără limite clare între ele; Jazz-ul, în special, era mai profund legat de ragtime, de la care se poate distinge printr-o utilizare mai mare a improvizației ritmice complicate, unde notele sunt adesea plasate departe de bare. Primele formații de jazz au adoptat apoi o mulțime de vocabularul blues-ului, cum ar fi falduri, note albastre, zgomote instrumentale și pete.
Paul Whiteman a fost cel mai faimos dirijor al trupei din anii 1920 și a revendicat pentru el titlul de „Regele Jazzului”. În ciuda utilizării sale și a celorlalți mari muzicieni de jazz alb din această perioadă, generații succesive de amatori de jazz au considerat adesea că muzica lui Whiteman nu are legătură cu adevăratul jazz. Cu toate acestea, introducerea combinației de jazz și orchestre grozave a fost preluată în mod repetat de compozitorii și aranjatorii din ultimele decenii.
Whiteman a comandat Rapsodia în albastru a lui Gershwin, care a debutat cu Orchestra lui Whiteman. Trupa lui Ted Lewis, în anii 1920, a fost a doua ca popularitate doar pentru Paul Whiteman și, după unii, jazz-ul său a fost mai adevărat și mai puțin pretențios decât al lui Whiteman, în special la înregistrările de la sfârșitul anilor 1920. Alte formații de jazz din acest deceniu au inclus Harry Reser , Leo Reisman , Abe Lyman , Nat Shilkret , George Olsen , Ben Bernie , Bob Haring , Ben Selvin , Earl Burtnett , Gus Arnheim , Rudy Vallee , Jean Goldkette , Isham Jones , Roger Wolfe Kahn , Sam Lanin , Vincent Lopez , Ben Pollack și Fred Waring .
În anii 1920, muzica jucată de acești artiști era extrem de populară și era în general etichetată drept jazz. Astăzi acest tip de muzică este adesea disprețuit de puriștii de jazz și etichetat ca „muzică dulce”. Muzica care este considerată în mod obișnuit astăzi drept jazz tinde să fie interpretată de minorități. În anii 1920 și 1930, majoritatea publicului american a ascultat ceea ce am considera acum ca „muzică dulce”, în timp ce jazzul mai extrem a fost clasificat ca „muzică fierbinte” sau „muzică de curse”.
Cea mai influentă etichetă a acestei perioade a fost Victor Talking Machine ( RCA Victor începând cu 1928), care înainte de moartea lui Eddie King în 1926, a fost un brand determinant în dezvoltarea „jazzului dulce”. King era cunoscut în cercuri ca fiind un autoritar care interzicea să bea la locul de muncă și era obligat să înceapă să lucreze cu muzică scrisă, cu excepția solo-urilor acceptate de standardele de muzică populară ale vremii. Aceste constrângeri i-au enervat pe mulți dintre muzicienii de jazz ai lui Victor și l-au făcut pe King unul dintre cele mai mari stereotipuri ale severității și limitărilor impuse de producători procesului artistic.
În 1935, muzica swing a înlocuit jazz-ul în recordul său de popularitate. Swing-ul se caracterizează printr-o secțiune ritmică puternică de contrabas și tobe, cu tempo-uri ritmice medii sau rapide și unități ritmice, cum ar fi nota swing . Swing a fost un tip de jazz din anii 1930 îmbinat cu elemente de blues și sensibilitatea mai „pop” a Tin Pan Alley [9] . Swing a folosit mai multe trupe decât alte tipuri de jazz, un dirijor scriind deseori aranjamentele și descurajând improvizația care fusese o parte cheie a nașterii jazzului. La sfârșitul anilor 1930, cântăreții și-au asumat un rol predominant, vorbind adesea în centrul scenei, în urma grevelor Federației Americane a Muzicienilor , care a făcut apoi înregistrări cu numeroase formații costisitoare și prohibitive [9] . Muzica swing a fost însoțită de dansul swing , care a fost foarte popular în mod special în rândul tinerilor americani negri.
Diversificarea blues-ului și popularizarea acestuia
În plus față de muzica populară de jazz și swing ascultată de majoritatea americanilor, au existat o serie de alte genuri care au găsit popularitate în anumite grupuri sociale, cu publicuri care aparțineau unor minorități sau zone rurale. Născut în anii 1920, blues și-a văzut expansiunea până în anii 1940, când s-a diversificat în stiluri muzicale noi și diferite. Accelerarea timpului cu adăugarea unui stil mai energic a dus la ritm și blues (R&B), amestecul de blues și melodia celtică sau engleză a dus la muzică country , iar fuziunea imnurilor și a muzicii spirituale cu structurile tipice ale bluesului a fost numită muzică gospel . Fuziunea acestor genuri a fost cea care la sfârșitul anilor 1940 a dezvoltat rock and roll-ul nașterea care a dominat piața americană de la începutul anilor 1960.
Muzica country a fost inițial un amestec de blues afro-americani și spirituale cu muzica populară apalachiană , adaptată pentru un public popular începând din anii 1920. De o importanță deosebită în dezvoltarea genului au fost ariile irlandeze și scoțiene, muzica de dans, baladele și stil vocal [10] , dar și Muzica nativilor americani, spaniolilor, germanilor, francezilor și mexicanilor. Instrumentația primei țări a fost compusă în mare parte din lăutărie europeană și instrumente africane, cum ar fi banjo. Abia mai târziu a fost adăugată chitara. Muzica country a folosit apoi elemente de derivare africană, cum ar fi cântarea și contracântarea, muzica improvizată și ritmurile sincopate. Chiar mai târziu, ca urmare a popularității muzicii hawaiene la începutul anilor 1900 și a influenței unor muzicieni precum Sol Hoopii și Lani McIntyre , instrumente precum ukulele și chitara Steel au devenit obișnuite în țară [11] . Rădăcinile muzicii country moderne se găsesc în general în 1927, când cercetătorul de talente Ralph Peer a înregistrat Jimmie Rodgers și The Carter Family . Aceste înregistrări sunt acum considerate fundamentul muzicii country moderne. Deși a existat anterior muzică pe care acum o considerăm country, așa cum explică Ace Collins, aceste înregistrări au avut efecte „foarte marginale și inconsistente” pe piața muzicală americană și au fost comparabile doar superficial cu ceea ce a devenit muzica hillbilly [12] . Pe lângă Rodgers și Carters, un muzician pe nume Bob Wills a fost foarte influent în evoluțiile timpurii ale swingului occidental , un stil foarte popular în anii 1920 și 1930 și este acum recunoscut ca fiind cel mai responsabil pentru introducerea influențelor. muzica country.
Rhythm and blues (R&B) este un stil muzical născut între anii '30 și '40, care vede utilizarea unor instrumente mai complexe pe ritmuri și tempo-uri rapide tipice pentru blues. Autorul Amiri Baraka a descris R&B timpuriu ca „mari unități ritmice care aleargă puternic în spatele țipetelor albastre ale cântăreților care trebuiau să strige pentru a fi auziți cu privire la ecoul și tamburul diferitelor instrumente electrificate și secțiuni ritmice”. [13] R&B a fost înregistrat în această perioadă, dar fără a fi promovat de casele de înregistrare despre care credeau că nu era suficient de moale pentru un public numeros, în special pentru clasa de mijloc albă, datorită versurilor sugestive și ritmurilor împinse. Dirijori precum Louis Jordan au fost inovatori în sunetul R&B. Orchestra lui Jordan a fost caracterizată de o mică secțiune de corn, o instrumentație ritmică importantă și a folosit melodii cu teme și versuri blues. La sfârșitul anilor 1940 a produs 19 dintre cele mai mari hituri ale genului și a pregătit calea pentru alți contemporani precum Wynonie Harris , John Lee Hooker și Roy Milton .
Spiritualele creștine și blues-ul rural au fost rădăcinile din care s-a născut ceea ce se numește acum muzică gospel. Născut în jurul anilor 1920, când bisericile afro-americane au caracterizat prima evanghelie sub formă de proclamații ale credincioșilor care își afirmă devotamentul religios (mărturisesc) într-un mod improvizat și adesea muzical. Evanghelia modernă s-a dezvoltat datorită muncii compozitorilor, dintre care unul dintre cei mai importanți a fost Thomas A. Dorsey , care a scris melodii bazate pe spiritualuri și imnuri de familie, îmbinându-le cu ritmurile de blues și jazz [14] . De la aceste biserici de la începutul anilor 1900, muzica gospel s-a răspândit prin țară, rămânând aproape în întregime asociată cu bisericile afro-americane care se amestecau adesea cu coruri cu unul sau mai mulți soliști.
Rock and roll-ul este un tip de muzică populară care s-a dezvoltat inițial din country, blues și R&B. Până atunci a fost cu siguranță cel mai popular gen din lume, a văzut dezbateri aprinse despre originile și evoluțiile sale. Istoricul muzicii Robert Palmer a menționat că influențele acestui stil sunt printre cele mai disparate, inclusiv „barul afro-caraibian din Bo Diddley ” , elemente ale swing-ului Big Band și elemente ale muzicii latine precum Cuban Son și ritmuri. Alți autori precum George Lipsitz susțin că rock and roll-ul a apărut în zonele urbane americane, unde s-a format o cultură de lucru poliglotă care a elaborat semnificațiile sociale exprimate anterior izolat, găsind o nouă expresie în mediile urbane și în amestecul de blues, muzică country ., polka , zydeco și latin.
Anii 1950 și 1960
La mijlocul anilor 1920, țara a cunoscut o serie de schimbări foarte importante în muzica populară americană. În această perioadă, condițiile muzicii pop au evoluat enorm; prețurile din ce în ce mai mici ale înregistrărilor muzicale au stimulat cererea, generând profituri din ce în ce mai mari pentru industria discurilor. Drept urmare, vânzarea de muzică a devenit din ce în ce mai importantă, odată cu formarea unei serii de vedete pop de masă care au văzut o popularitate fără precedent. Multe dintre aceste vedete timpurii au fost cântăreți de melodii romantice italo-americane precum Dean Martin , Rudy Vallee , Tony Bennett , Perry Como , Frankie Laine și cel mai faimos dintre toți a fost Frank Sinatra , „primul care a generat reacții isterice în rândul fanilor săi” [ 7] . El a fost primul care a reprezentat un precursor al ceea ce a devenit ulterior epoca starurilor pop adolescente, care a început în anii 1960. În această perioadă, multe grupuri definite ca pop Bubblegum precum The Monkees au fost alese exclusiv pentru aspectul estetic și abilitatea de a vinde discuri, fără a lua în considerare abilitățile muzicale. Totuși, aceeași perioadă a văzut zorii unor noi forme de muzică pop destinate să rămână prezente în domeniul muzicii populare americane, precum rock, soul sau pop-folk. Până la sfârșitul anilor 1960, două ramuri au schimbat complet peisajul muzicii populare: nașterea contraculturilor care se opuneau muzicii de masă prin asocierea lor adesea cu activismul social și politic și trecerea de la compozitori profesioniști la muzicieni care erau simultan cântăreți și cântece scriitori: compozitorii .
Primul stil de rock and roll care a intrat de fapt în mainstream-ul muzicii populare a fost rockabilly-ul , care a îmbinat sunetul nașterii rock cu muzica country. I musicisti neri di rock and roll avevano avuto, fino a quel momento, un limitato successo nel mercato mainstream, e solo alcuni osservatori di allora credevano che i musicisti bianchi avrebbero potuto cantare il R&B o il country in modo credibile ed ottenendo successo. Sam Phillips della Sun Records di Memphis in Tennessee , fu l'unico a riconoscere il talento musicale di Elvis Presley , che divenne uno dei musicisti più venduti nella storia della musica, e portò il rock and roll al pubblico di tutto il mondo [9] . Il successo di Presley fu preceduto da quello di " Rock Around the Clock " di Bill Haley , che molti prendono come punto di partenza per quella che oggi chiamiamo l'epoca del rock. Comunque La musica di Haley era “arrangiata maggiormente" e “molto più calcolata" dei “i ritmi più rilassati" del rockabilly, che inoltre non utilizzavano i sassofoni oi cori introdotti da Halley [15] .
La musica R&B rimase estremamente popolare tra i neri per tutti gli anni '50, anche se questo stile non era considerato appropriato per i bianchi e per la classe media nera a causa della sua natura suggestiva. Molti brani di musica R&B furono popolarizzati da musicisti bianchi come Pat Boone , che lo resero più appetibile ad un pubblico ampio ed alla possibilità di entrare nelle classifiche pop. Sul finire degli anni '50 ci fu un'ondata di popolarità per il blues-rock nero e per il R&B con influenze country, ed alcuni musicisti di colore guadagnarono una fama senza precedenti fra gli ascoltatori; fra questi vi erano Bo Diddley e Chuck Berry . In quegli anni i produttori di R&B cambiarono gradualmente opinione riguardo ai progetti basati sul rock come Little Richard e Fats Domino .
Il doo wop è un tipo di musica di armonie vocali cantata in gruppo che divenne popolare negli anni '50. Sebbene sia a volte considerata un tipo di rock, il doo wop è più precisamente una fusione di voce R&B, gospel e jazz con strutture blues e pop [9] , ma bisogna anche dire che durante gli anni '60 le linee di demarcazione tra odo wop, R&B ed altri stili fra loro collegati era molto confusa. Il odo wop divenne così il primo stile derivato dal R&B "che prese forma, delineandosi come qualcosa di riconoscibilmente nuovo, differente, strano" [16] Con la crescita di popolarità del odo wop si aggiunsero molte innovazioni come l'introduzione di un cantante basso, pratica che fu introdotta da Jimmy Ricks dei The Ravens [9] . I cantanti di odo wop erano originariamente tutti di colore, ma divennero famosi anche gruppi di bianchi e misti. Tra questi sono da sottolineare gruppi di italo-americani come i Dion & the Belmonts , come anche i gruppi vocali femminili, spesso formati da sole donne come The Queens e The Chantels [9] .
Gli anni '50 videro poi un certo numero di brevi mode che ebbero un grande impatto sulla musica futura. Musicisti come Pete Seeger ed i The Weavers , popolarizzarono una forma di revival vecchio stile della musica anglo-americana [17] . Questo ambito venne poi associato a politiche di sinistra ed al comunismo , che la condusse ad un declino della accettazione di questi artisti, che vennero criticati ed inseriti in liste nere . Non di meno, queste forme di pop-folk esercitarono una profonda influenza nelle forme di folk-rock degli anni '50 e negli stili correlati. Accanto allo sporadico successo della popolarizzazione della musica folk di matrice inglese, arrivarono una serie di mode incentrate sui balli latini come il mambo , rumba , cha cha cha ed il boogaloo . Sebbene il loro successo fu sporadico e di breve durata, la musica latina continua ad influenzare il rock, il soul ed altri stili, altre a trovare una linea di continuazione nella musica salsa degli anni '70.
Country: Il suono di Nashville
A partire dagli anni '20, uno stile musicale inizialmente chiamato musica old-timey o anche hillbilly iniziò ad essere registrato e diffuso nelle radio rurali del sud e del midwest. I primi artisti includevano the Carter Family, Charlie Poole and his North Carolina Ramblers e Jimmie Rodgers. Inizialmente la diffusione di questo genere fu di carattere regionalistico, ma in seguito agli spostamenti di popolazioni dovuto alla seconda guerra mondiale , il genere iniziò a diffondersi. Il dopoguerra vide l'incremento dell'interesse verso gli stili specialistici che includevano anche il race e l' hillbilly ; questi stili furono poi ribattezzati rispettivamente come rhythm and blues ed il country e western . Le major ebbero alcuni successi nella promozione di questi due tipi di country: I nuovi musicisti del sud come Tex Williams o il cantante Frankie Laine , che mescolavano il pop al country in uno stile sentimentale convenzionale. Questo periodo vide poi il sorgere di Hank Williams un cantante country bianco che aveva imparato il blues nel nordest dell' Alabama dal musicista nero chiamato Tee-Tot. Prima della sua morte, Hank Williams registrò 11 singoli che vendettero quasi un milione di copie, affermandosi come un pioniere del Suono di Nashville .
Il suono di Nashville fu un tipo di musica country popolare che sorse negli anni '50, che fondeva il jazz e lo swing delle big bandcon il lirismo dell'honky-tonk country. Il successo popolare delle registrazioni di Hank Williams convinse le major che la musica country potesse arrivare finalmente alle masse. Le compagnie discografiche provarono quindi a spogliare il country dagli elementi ruvidi dello honky-tonk, rimuovendo così il suono rurale che aveva reso famoso Williams. L'industria di Nashville reagì alla nascita del rockabilly di Elvis Presley con un mercato che mescolava il country al pop. Chet Atkins , mente della divisione country della RCA, rese il suono di Nashville più innovativo abbandonando le sonorità ruvide del country, mentre Owen Bradley usò sofisticate tecniche di produzione e strumentazioni più dolci che divennero poi uno standard nel suono di Nashville. All'inizio degli anni '60 il suono di Nashville fu preso a modello da molti altri musicisti tradizionali, che svilupparono altre scene simili come il suono di Lubbock ed il Suono di Bakersfield .
Negli anni '50, il tipo di musica country più ascoltato aveva sonorità riconducibili a Nashville, che aveva uno stile limpido ed orientato verso il pop. Ma molti musicisti preferivano sonorità più dure e più vicine al suono di Lubbock o al suono di Bakersfield, quest'ultimo inventato da musicisti come Wynn Stewart , che utilizzava elementi dello swing dell'ovest e del rock, assieme a ritmiche spezzate e voce honky tonk . Questo stile musicale fu reso celebre da musicisti come Buck Owens e Merle Haggard , che ne seguirono le orme.
La musica Soul
La musica Soul è una combinazione di R&B e gospel evolutasi durante gli anni '50 negli Stati Uniti. La musica Soul è caratterizzata dall'utilizzo di tecniche gospel con l'applicazione di maggior enfasi nei vocalizzi e l'utilizzo di temi secolari. Le registrazioni degli anni '50 di Sam Cooke , Ray Charles e James Brown sono comunemente considerate lo sviluppo della musica Soul. Le prime registrazioni di Solomon Burke per la Atlantic Records codificarono lo stile e, come sottolinea Peter Guralnick, "fu solo con l'incontro tra Burke e la Atlantic Records che si può vedere qualcosa che assomigli ad un movimento" .
La Motown Record Corporation di Detroit nel Michigan , divenne famosa per un tipo di Soul dall'attitudine fortemente pop, apprezzato da un ampio pubblico di ascoltatori. Un importante centro di registrazione di musica Soul fu poi Florence , in Alabama , dove operava il FAME Studios . Jimmy Hughes , Percy Sledge e Arthur Alexander registrarono al FAME Studio e più tardi, negli anni '60, anche Aretha Franklin volle registrare in quella zona.
A Memphis , la Stax Records produsse registrazioni di pionieri del Soul come Otis Redding , Wilson Pickett e Don Covay . Dal 1968 il movimento Soul cominciò a disgregarsi, con James Brown e Sly & the Family Stone che iniziarono ad espandere ed astrarre sia il Soul che il rhythm and blues in altre forme. Guralnick scrisse che la morte di Martin Luther King nel 1968, fu uno degli eventi che determinò la spaccatura dell'era del soul.
Il rock degli anni '60
Il primo nuovo genere rock degli anni '60 fu la musica surf, di cui fu pioniere Dick Dale . Il surf era un rock perlopiù strumentale e basato sulla chitarra distorta e metallica, e fu associato alla cultura giovanile del surf del sud della California. Dale lavorò con Leo Fender allo sviluppo dell'amplificatore " Fender Showman e ... all'unità di riverbero che avrebbe dato alla musica surf il suono fuzzy che lo contraddistingue" [18]
Ispirata alle liriche tipiche del surf, se non alle sonorità, i Beach Boys iniziarono la loro carriera nel 1961 con una hit dal titolo Surfin' USA . Il loro suono non era strumentale, non aveva la stessa impostazione della chitarra, ma fu pieno di "ricchi, densi ed indiscutibili" "vocalizzi fluttuanti, con armonie alla The Four Freshman che cavalcano una carica ronzante e propulsiva" [19] . L'autore dei Beach Boys, Brian Wilson sviluppò gradualmente un suono sempre più eccentrico, sperimentando con nuove tecniche da studio di registrazione, tanto da essere poi associato alle nascenti controculture .
La controcultura fu un movimento che includeva attivismo politico, specialmente in opposizione alla guerra del Vietnam ed alla promozione di varie ideali hippie . Gli Hippie erano spesso associati a due generi musicali: Il folk rock ed il country rock di persone come Bob Dylan e Gram Parsons , e il rock psichedelico di gruppi come Jefferson Airplane e The Doors . Questo movimento era strettamente connesso all'esplosione della British Invasion , un'ondata di band del Regno Unito che divenne popolare nel corso degli anni '60, prima con band come the Beatles , the Rolling Stones e The Zombies e più tardi con gruppi come Moody Blues e The Who . Il suono di queste band era abbastanza duro per l'epoca, con i Beatles originariamente conosciuti per le cover di canzoni di autori rock di colore come Little Richard , Chuck Berry , Smokey Robinson , The Shirelles e gli Isley Brothers . éPiù tardi, con lo svilupparsi della controcultura, anche i Beatles iniziarono ad usare tecniche avanzate e strumenti inconsueti come il sitar , aggiungendo anche più originalità ai testi.
Il folk-rock vide sporadicamente il successo a livello mainstream di gruppi come Kingston Trio ed Almanac Singers , mentre Woody Guthrie e Pete Seeger aiutarono a ridicolizzare politicamente la musica folk rurale dei bianchi [9] . I musicisti popolari come Bob Dylan videro una crescita di consensi verso la metà degli anni '60, fondendo il folk con il rock e consolidando i legami con la nascente scena connessa al movimento per i diritti civili. Dylan aprì la strada ad un certo numero di gruppi country rock come The Byrds e Flying Burrito Brothers , ed a cantautori con orientamenti folk come Joan Baez ed la canadese Joni Mitchell . Comunque, verso la fine della decade, i cantautori come James Taylor e Carole King mantennero poco la predisposizione a tematiche politiche e sociali, orientandosi su liriche che vertevano di più su una ricerca interiore ed emozionale.
Il Rock psichedelico era un rock duro e guidato dalla chitarra, spesso associato alla città di San Francisco, California. Sebbene i Jefferson Airplane fu l'unico gruppo psichedelico di San Francisco ad entrare nelle classifiche nazionali con brani come Somebody to Love e White Rabbit , i Grateful Dead , con il loro misto di folk, country e bluegrass, "unirono tutti gli elementi della scena di San Francisco e vennero ... a rappresentare la controcultura al resto del paese" . I Grateful Dead divennero poi famosi per aver introdotto la controcultura ed il resto del paese alle idee di personaggi come Timothy Leary , specialmente per l'uso dell' LSD a scopi spirituali e filosofici [20]
Gli anni '70 ed '80
La musica rock si diversificò seguendo i turbolenti cambiamenti politici, sociali e musicali degli anni '60 e dei primi '70. Quello che era formalmente catalogato come rock and roll , evolse in una macro categoria chiamata semplicemente musica rock , un termine ombrello che includerà poi diversi stili musicali come heavy metal , punk rock e qualche volta la musica hip hop . Nel corso degli anni '70, comunque, molti di questi stili non presero parte al mercato delle multinazionali, ma trovarono la loro evoluzione nelle varie scene musicali underground.
I primi anni '70 videro l'affermarsi di un'ondata di cantautori che volgevano lo sguardo a tematiche introspettive, profondamente emotive e testi personalistici, che si ispirava al folk rock degli anni '60. Fra questi vi erano James Taylor , Carole King ed altri, tutti conosciuti per la loro abilita nel comporre testi e liriche. Nello stesso periodo sorse il Southern rock ed il country rock , entrambi generi di matrice blues che espressero gruppi come Allman Brothers Band e Lynyrd Skynyrd [21] . Negli anni '70, si sviluppò poi un genere di rock leggero , una tipologia di semplice, discreto e pregno di pop-rock, esemplificato da un certo numero di band come gli America oi bread , gran parte dei quali sono oggi poco ricordati oggi, ma furono autori di brani da classifica allora [9] . Fra questi vi erano i gruppi da arena rock come i Chicago oi Styx che videro i maggiori successi.
Sempre all'inizio degli anni '70, sorse un nuovo stile di musica country dal suono ruvido e duro, che divenne presto la forma di country più popolare. Era la outlaw country , un genere che includeva star mainstream come Willie Nelson e Waylon Jennings [2] . L'outlaw country era un sottogenere contraddistinto da un approccio rock, con testi e liriche che dirigevano l'attenzione su tematiche come criminalità, droga ed alcolismo, con esecutori che portavano spesso capelli lunghi, indossavano pelle e cuoio, e sembravano hippies , in contrasto con i precedenti cantanti country, con capelli corti e puliti dei musicisti dal suono di Nashville [9] .
Sulla metà degli anni '70, la disco, una forma di musica da ballo, si sviluppò nei club di dance music underground, per divenire poi mainstream e popolare. La disco raggiunse il suo apice dopo il film La febbre del sabato sera , ed il conseguente successo degli autori della colonna sonora, The Bee Gees . Il periodo della disco, fu comunque breve, e negli anni '80, fu rimpiazzata con vari generi che presero le mosse dal punk rock e dalla new wave. Bruce Springsteen divenne una delle maggiori star tra la fine degli anni '70 e l'inizio degli '80, con liriche dense ed imperscrutabili e canzoni inneggianti che risuonarono tra la classe sia media, che operaia [9] .
1970: Il funk ed il soul
Nei primi anni '70 la soul music fu influenzata dal rock psichedelico e da altri stili. I fermenti socio-culturali e politici di quel periodo influenzarono artisti come Marvin Gaye e Curtis Mayfield che realizzarono interi album con commenti e dichiarazioni sociali. Artisti come James Brown invece si indirizzarono maggiormente sulla musica da ballo , che poi evolse verso il funk . Il funk fu poi caratterizzato da band come Parliament-Funkadelic , The Meters e dallo stesso Brown, ma anche da gruppi più versatili come War , i Commodores ed i Earth, Wind and Fire allora molto popolari. Sempre durante i '70 di divennero mainstream e molto comuni gli spettacoli di blue-eyed soul come quelli degli Hall & Oates di Filadelfia oppure band di strada come i The Delfonics o gli Unifics della Howard University.
Sul finire dei '70 il Philly soul , il funk, il rock e molti altri generi musicali venivano costantemente influenzati e contaminati dalle tracce della disco music . In questo periodo gruppi funk come The O'Jays e The Spinners produssero molti brani da classifica. Dopo la fine della disco music nel 1980, la soul decadde gradualmente, per poi subire l'ennesima metamorfosi. Con l'introduzione di influenze della musica electro e del funk, la soul divenne meno grezza e con produzioni più patinate, trasformandosi in un nuovo genere che presto fu ribattezzato R&B, chiamato anche R&B contemporaneo , per distinguerlo dal rhythm and blues delle origini.
Il pop degli anni '80
La nascita dell'underground
Durante gli anni '70, emersero un numero di diversi stili in contrasto radicale con la musica popolare americana più mainstream. Anche cs questo genere non aveva la larga popolarità in senso di vendite delle forme mainstream, furono comunque considerate un esempio di popular music , per le insite differenze con la musica folk e con la musica colta . Nei primi anni '70 gli afro-americani ed i portoricani di New York svilupparono la cultura hip hop , che produssi lo stile musicale denominato hip hop . Più o meno nello stesso periodo, i latini, in particolari modo i cubani ed i portoricani, sempre a New York, apportarono profonde innovazioni alla musica salsa , combinando molte forme di musica latina con il R&B ed il Rock. I generi del punk rock e dell' heavy metal furono più attentamente associati al Regno Unito degli anni '70, mentre molti americani evolsero più tardi nei '70 e negli anni '80. Nel frattempo a Detroit venne a formarsi lentamente una serie di generi di musiche elettroniche come la house music o la techno , che divennero più tardi la parte più consistente della musica popolare mondiale.
L'hip hop
La salsa
Il punk e l'alternative rock
Il punk fu un tipo di musica di protesta e di ribellione che nacque negli anni '70 come reazione alla musica popolare di quel periodo - in particolari modo la disco music che veniva vista da questi autori come insipida e senza ispirazione. Il punk discende da band americane come Velvet Underground , The Stooges ed i New York Dolls [9] . Il punk veniva suonato ad alto volume, con aggressività e generalmente in modo semplice, richiedendo agli esecutori solo nozioni musicali semplici e di base. Più tardi nel decennio, band inglesi come Sex Pistols e The Clash trovarono fama di breve durata a casa e, in misura minore, negli Stati Uniti. I gruppi americani di questo ambito includevano tra i più famosi i Ramones , ma venivano spesso associati al punk anche i primi Talking Heads , che ne esprimevano una versione più "intellettuale", prima di essere associati alla new wave [9] . Altri importanti esponenti furono Blondie , Patti Smith e Television . Molte di queste band diedero il loro apporto a ciò che fu poi chiamato il "ground zero" [22] del punk rock, ossia il club chiamato CBGB's . I piccoli club di New York sfociarono poi nel festival del 1975 da cui emersero le "40 migliori band senza registrazioni", tra cui le band citate in precedenza: The Ramones, Sex Pistols, Blondie ed altre simili.
L' Hardcore punk fu la risposta dei giovani americani alla esplosione globale della scena punk rock della fine dei '70. I primi gruppi hardcore americani si spogliano delle tendenze elitarie ed intellettualistiche di alcuni gruppi punk rock e new wave, con brani spesso brevi, veloci e distorti, i cui testi parlano ad una gioventù ostile. L'hardcore esplose nelle metropoli americane come Los Angeles, Washington, DC, New York e Boston e gran parte delle città americane ebbero la loro scena locale fino alla fine degli anni '80 [23]
L' alternative rock è invece un diverso raggruppamento di gruppi rock, che si svilupparono in America dalla scena Hardcore degli anni '80, mantenendo uno statuto politico di aperta opposizione alla logica del mercato mainstream. I sottogeneri che si svilupparono nel decennio, includono l' indie rock , Gothic rock , noise rock , grunge , college rock ed altro ancora. Molte delle band cosiddette alternative, avevano in comune il debutto nella scena punk, il quale aveva posto le basi per musica underground ed alternativa degli anni '70. Anche se questo genere è considerato parte del rock, spesso gli stili che lo compongono pescano ispirazioni di matrice folk americana, reggae e jazz.Come il punk e l'hardcore, il rock alternativo ebbe un cospicuo successo mainstream nell'America degli anni '80, ma con il lavoro incessante di tour, college radio, fantine e passaparola, le bande alternative hanno posto le fondamenta per l'innovazione del genere nella coscienza pubblica americana nella decade successiva.
Heavy metal
Blues
Tra il XX e il XXI secolo il genere musicale del Blues trova un importante esponente in BB King , chitarrista di fama internazionale.
Gli anni '90
Forse il più importante cambiamento della musica popolare americana degli anni '90 fu il sorgere dell' alternative rock attraverso la popolarità ottenuta dalla musica grunge . Questo movimento era formato da gruppi esplicitamente anti-mainstream che aumentarono la loro fama nel corso dei primi anni del decennio. Il genere, nei suoi primi sviluppi era principalmente promosso dalla Sub Pop Records , una società fondata da Bruce Pavitt e John Poneman . Tra i primi gruppi significativi che firmarono per l'etichetta vi furono i Green River (due membri dei quali presero poi parte ai Pearl Jam ), i Sonic Youth (anche se non erano una band grunge, ebbero una notevole influenza sulle band grunge, tanto che fu grazie all'insistenza di Kim Gordon se i Nirvana firmarono poi per la David Geffen Company ) ed i Nirvana. Il grunge è un sottogenere dell'alternative rock con un suono "basato su chitarre fangose, scure e sanguinanti" [24] , delineato sull'heavy metal, sul punk e su elementi di band come i Sonic Youth ed al loro uso non convenzionale di ribaltamento della canzone pop. Il grunge divenne commercialmente di successo tra il 1991 ed il 1994. Band di città degli Stati Uniti del Nord-Est del Pacifico come Seattle o Washington furono responsabili della creazione e della diffusione ad un pubblico maistream del grunge. Più tardi gruppi post-grunge come The Foo Fighters e Creed alleggerirono le sonorità rendendole più radiofoniche e diverse dal grunge a cui si ispiravano. Anche gruppi Pop punk come i Green Day ed Blink 182 arrivarono alla popolarità. Nella seconda metà degli anni '90 fu la volta del Nu metal da cui sorsero band come Linkin Park , Korn , Limp Bizkit e Slipknot . La cultura indipendente produsse invece generi dell'underground come il lo-fi ( Beck , Sparklehorse , Guided By Voices ), il math rock ( Slint , Shellac ) ed il post rock ( Mogwai , Explosions in the Sky ). L' Emocore ed il Post-hardcore divennero più conosciuti con gruppi come At the Drive-In ed i Fugazi .
Il Gangsta rap è invece un tipo di hip hop più radicalmente caratterizzato da testi incentrati su tematiche maschiliste, e su immagini fisiche e pericolose della criminalità.
E ancora, nel XX secolo, per quanto riguarda la direzione d'orchestra ricordiamo l'importante figura, affermatasi a livello internazionale, di Leonard Bernstein . Nel XX secolo ricordiamo, inoltre, la figura del compositore Leroy Anderson , noto anche per il particolare brano strumentale The Typewriter (1950), utilizzato anche nei film. e di Samuel Barber .
Tra il XX e il XXI secolo si affermano Earl Scruggs , leggenda della musica bluegrass e della musica country e Marilyn Manson .
Importante esponente del genere pop è stato Michael Jackson . Tra le cantanti di maggior successo, in diversi generi musicali, ricordiamo Mariah Carey , con canzoni di successo come Without You (1994), Luther Vandross , Selena , nota esponente della cosiddetta musica Tex-Mex e ancora per il pop latino e la dance pop spicca Jennifer Lopez .
Gli anni '00 del nuovo millennio
Impatto sociale ed internazionale
Note
- ^ a b Ewen, David, Panorama of American Popular Music , Prentice Hall, 1957, ISBN 0-13-648360-7 .
- ^ a b c d e f Clarke, Donald, The Rise and Fall of Popular Music , St. Martin's Press, 1995, ISBN 0-312-11573-3 .
- ^ Ewen, pg. 69 Ewen claims Dan Emmett was a “popular-song composer”, then goes on another, and even more significant, was his contemporary, Stephen Foster—America's first major composer, and one of the world's outstanding writers of songs.
- ^ a b Clarke, pgs. 28–29 Clarke notes the song "Massa's in the Cold Ground" as a clear attempt to sentimentalize slavery, though he notes that many slaves must have loved their masters, on whom they depended for everything . Clarke also notes that songs like "Nelly Was a Lady" describe the black experience as ordinary human feelings; they are people as real as the characters in Shakespeare.
- ^ Ewen, pg. 81 When Milly Cavendish stepped lightly in front of the footlights, wagged a provocative finger at the men in her audience, and sang in her high-pitched baby voice, “You Naughty, Naughty Men” – by T. Kennick and G. Bicknell—the American musical theater and the American popular song both started their long and active careers in sex exploitation.
- ^ Ewen, pg. 94 Ewen claims New York was the music publishing center of the country by the 1890s, and says the ''publishers devised formulas by which songs could be produced with speed and dispatch... Songs were now to be produced from a serviceable matrix, and issued in large quantities: stereotypes for foreign songs, Negro songs, humorous ditties, and, most important of all, sentimental ballads
- ^ a b Garofalo, pg. 72 The first pop vocalist to engender hysteria among his fans (rather than simple admiration or adoration) was an Italian American who refused to anglicize his name—Frank Sinatra, the "Sultan of Swoon"
- ^ Ferris, pg. 228 Conceived as dance music, and long considered a kind of popular or vernacular music, jazz has become a sophisticated art form that has interacted in significant ways with the music of the concert hall.
- ^ a b c d e f g h i j k l Garofalo, Reebee,Rockin' Out: Popular Music in the USA , Allyn & Bacon, 1997, ISBN 0-205-13703-2 .
- ^ Sawyers, June Skinner,Celtic Music: A Complete Guide , Da Capo Press, 2000, ISBN 0-306-81007-7 .
- ^ Garofalo, pg. 45 The ukulele and steel guitar were introduced to this country by the Hawaiian string bands that toured the country after Hawaii became a US territory in 1900 .
- ^ Collins, pg. 11 In addition, Collins notes that early pseudo-country musicians like Vernon Dalhart who had made their name recording 'country music songs' were not from the hills and hollows or plains and valleys. These recording stars sang both rural music and city music, and most knew more about Broadway than they did about hillbillies. Their rural image was often manufactured for the moment and the dollar . In contrast, Collins later explains, both the Carter Family and Rodgers had rural folk credibility that helped make Peer's recording session such an influential success; it was the Carter Family that was Ralk Peer's tie to the hills and hollows, to lost loves and found faith, but it took Jimmie Rodgers to connect the publisher with some of country music's other beloved symbols—trains and saloons, jail and the blues
- ^ Baraka, Amiri (Leroi Jones), Blues People: Negro Music in White America , William Morrow, 1963, ISBN 0-688-18474-X . , cited in Garofalo, pg. 76
- ^ Broughton, Viv and James Attlee. "Devil Stole the Beat" in the Rough Guide to World Music, Volume 2 , pg. 569 Its seminal figure was a piano player and ex-blues musician by the name of Thomas A. Dorsey (1899–1993), who began composing songs based on familiar spirituals and hymns fused to blues and jazz rhythms. (emphasis in original)
- ^ Gillett, Charlie, The Sound of the City: The Rise of Rock and Roll , Outerbridge and Dienstfrey, 1970, ISBN 0-285-62619-1 . ; citato in Garofalo.
- ^ Marcus, Greil, Is This the Woman Who Invented Rock and Roll?: The Deborah Chessler Story , in Rolling Stone , 24 giugno 1993, p. 41. ; citato in Garofalo
- ^ John Gilliland, Play A Simple Melody: American pop music in the early fifties , in Pop Chronicles , Digital.library.unt.edu, 1969.
- ^ Szatmary, pgs. 69–70 Also a guitar enthusiast who had released a few undistinctive singles on his own label in 1960, Dale worked closely with Leo Fender, the manufacturer of the first mass-produced, solid-body electric guitar and the president of Fender Instruments, to improve the Showman amplifier and to develop the reverberation unit that would give surf music its distinctively fuzzy sound.
- ^ Rolling Stone , pg. 251 Though the Beach Boys' instrumental sound was often painfully thin, the floating vocals, with the Four Freshman-ish harmonies riding over a droned, propulsive burden ("inside outside, USA" in "Surfin' USA"; "rah, rah, rah, rah, sis boom bah" in "Be True to Your School") were rich, dense and unquestionably special.
- ^ Garofalo, pg. 218 The Grateful Dead combined the anticommercial tendencies of white middle-class youth with the mind-altering properties of lyseric acid diethylamide (LSD).
- ^ David Szatmary ,Rockin' in Time: A Social History of Rock-And-Roll , Prentice Hall, 2000, ISBN 0-13-188790-4 .
- ^ CAS – Central Authentication Service , su search.proquest.com . URL consultato l'8 agosto 2014 .
- ^ Blush, Steven, American Hardcore: A Tribal History , Feral House, 2001, ISBN 0-922915-71-7 .
- ^ Garofalo, pg. 448 Garofalo describes a sampler called Sub Pop 200 as an early anthology of the dark, brooding guitar-based sludge that came to be known as grunge.
| Controllo di autorità | LCCN ( EN ) sh85088876 |
|---|
