Portret

De la Wikipedia, enciclopedia liberă.
Salt la navigare Salt la căutare
Notă despre dezambiguizare.svg Dezambiguizare - Dacă sunteți în căutarea altor semnificații, consultați Portret (dezambiguizare) .

Portretul este, în general, orice reprezentare a unei persoane în funcție de trăsăturile și asemănarea sa reală: se referă în mod corespunzător la o operă artistică realizată în contextul picturii, sculpturii, desenului, fotografiei sau chiar, prin extensie, descrierii literare a unei persoane.

În artă reprezintă unul dintre cele mai relevante subiecte, chiar dacă în antichitate portretizarea era considerată un gen mai scăzut decât scena istorică , care avea ca subiect acțiunile personajelor istorice.

Portretul nu este niciodată o adevărată reproducere mecanică a trăsăturilor, așa cum este în schimb o mască de ceară modelată pe o față sau orice impresie fotografică, dar sensibilitatea artistului în procesul de creație intră în joc pentru a se defini ca atare. interpretează trăsăturile modelelor după propriul gust și în funcție de caracteristicile și arta timpului în care lucrează. Au existat artiști care au practicat portretul pe scară largă și aproape exclusiv și civilizații întregi care au respins portretul care, așa cum istoricul de artă toscan Filippo Baldinucci (1624-1697) a numit „figură luată din natural” [1] (ca arhaic și clasic Arta greacă ). Prezența sau absența portretului fizionomic în anumite civilizații (care dețineau și mijloace artistice suficiente pentru a le produce) nu este o simplă chestiune de gust față de una sau alta formă artistică, ci condiții mentale și ideologice particulare intră în joc reflectate în evoluțiile și condițiile societăților în care au lucrat artiștii [2] .

Evoluția portretului

Portret intenționat al unui copil. Identificarea este dată doar de nume

Impulsul de a înfățișa, care fixează o anumită persoană, este un fapt spontan și primordial și se manifestă în cel mai naiv mod prin atribuirea unui nume unei imagini generice, așa cum se întâmplă în desenele copiilor. În acest caz putem vorbi despre un portret „intenționat”: singurul factor de recunoaștere este inscripția. Când o serie de valori sunt conectate la acest tip de portret care leagă imaginea de individ, poate într-un context religios, vorbim despre un portret „simbolic” [2] .

O a doua etapă a portretului este aceea în care, deși reprezentarea încă nu seamănă cu subiectul individual, există o serie de elemente care limitează reprezentarea generică la o anumită categorie de indivizi, facilitând identificarea acestora (de exemplu, atribute particulare, descrierea îmbrăcămintei , a obiectelor pertinente subiectului sau clasei sale sociale etc.): portretul „tipologic”, poate însoțit de inscripția numelui [2] .

Pentru a vorbi despre un portret real, trebuie să aveți o identificare a personajului pornind de la imitarea trăsăturilor individuale, fără alte artificii. Acesta este portretul „fizionomic”, care la rândul său este alcătuit din două straturi conectate: reprezentarea trăsăturilor somatice și căutarea expresiei psihologice a individului. Ultimul pas a fost de fapt fixarea în efigie a unei judecăți morale asupra persoanei portretizate, alegând o anumită atitudine de imortalizat, un gest, o expresie [2] .

Există, de asemenea, un portret de „reconstrucție”, în care artistul nu a văzut subiectul și încearcă, pe baza informațiilor aflate în posesia sa și a sensibilității sale, să le recreeze, atât în ​​fizionomie, cât și în psihologie, conform conceptului care a fost format. despre acea personalitate determinată. Acesta este cazul tipic al portretelor marilor personaje din trecut a căror imagine nu a fost transmisă (de la Homer la Apostoli , de exemplu). Deoarece aceste imagini sunt rezultatul invenției și al circumstanțelor timpului în care au fost realizate, este frecvent ca pentru aceeași personalitate istorică să existe și portrete reconstituite foarte diferite [2] .

Istoria portretului

Portretul reginei Nefertiti, Berlin

Preistorie și protoistorie

Aceleași faze care însoțesc evoluția producției unui portret din copilărie până la maturitate se regăsesc și în istoria artei. Craniile umane găsite în Ierihon , unde trăsăturile sunt recreate cu tencuială și ochii cu scoici, arată dorința de a reconstrui persoana decedatului, dar sunt portrete pe deplin „intenționate”, întrucât sunt legate de scheme complet generice, în ciuda faptului că ajutorul structurii osoase subiacente. Cu siguranță, primele reprezentări umane au avut implicații magice și sacre față de ceea ce au reprezentat. Credința că imaginea aderă indisolubil la ceea ce portretizează a rămas, de exemplu, într-un context negativ, ca în acele rituri care rezervă tratamente fatale pentru imaginile adversarilor, conform superstițiilor încă vii în moștenirile civilizației țărănești și pastorale [ 3]

Egiptenii

Egiptul antic este un exemplu tipic de cultură care, în ciuda mijloacelor tehnice complete, a evitat producerea de portrete fizionomice, cel puțin pentru marea majoritate a istoriei sale artistice . Aceleași figuri indicau, prin aplicarea diferitelor nume, diferite personaje, inclusiv portretele suveranilor, în care numele avea o valoare de identificare mult mai valabilă decât trăsăturile fizionomice, atât de mult încât există exemple de suverani descriși ca tauri. sau lei. Realismul a fost văzut ca ceva scăzut și contingent, potrivit scenelor vieții de zi cu zi a claselor inferioare. Portretul „tipologic” a rămas la modă, deși cu unele indicii de diferențiere fizionomică datorită procedurii particulare a sculptorilor de a lucra începând de la măști de ipsos modelate din reliefuri de lut cu trăsăturile defunctului [4] . Numai în Noul Regat , în urma reformei religioase a lui Amenophis IV , au fost produse în Egipt adevărate portrete fizionomice, cu accente psihologice, precum numeroasele portrete ale lui Akhenaton și ale reginei Nefertiti . Această paranteză s-a închis imediat cu revenirea la tradiție și la portrete după „tip”. În timpul dinastiei saitice târzii ( 663 - 525 î.Hr. ) a existat din nou o revenire la portretul realist, dar specificul fizionomic a fost în întregime superficial, legat mai mult de virtuozitatea tehnică decât de prezența intențiilor descriptive reale. După cucerirea grecească, portretul egiptean și-a pierdut caracteristicile pentru a intra în curentul elenistic [2] .

Civilizația estică

Șef regal sumerian în Luvru

În Mesopotamia încă din epoca sumeriană a existat o producție generică de portrete „intenționate” (care se disting doar prin numele imprimat) „tipologice” (în care s-au distins unele atribute ale unei clase de indivizi), asemănătoare cu Egiptul, dar cu o mai mare libertate ideologică care a caracterizat societatea vremii. Cele mai bune lucrări care au ajuns la noi privesc unele portrete ale suveranilor, marcați de un schematism care a fost menit să evidențieze mai presus de toate măreția suveranului și rafinamentul său. Din vremea lui Hammurabi ( 1728 - 1686 î.Hr. ) avem un cap rotund în Luvru caracterizat printr-o plasticitate excepțională a feței, cu obraji lăsați, o gură mică și alte elemente, care dezvăluie o intenție clară fizionomică. În timpul dominației asiriene ulterioare, deosebit de dură, tendința spre fizionomie a dispărut complet, revenind la modele fixe distinse doar prin inscripția numelui, lipsită și de atribute tipologice [2] .

Abia în perioada achemenidă ( 558 - 480 î.Hr. ) a existat o nouă umanizare a efigiilor regale, dar adevăratul pas înainte a venit în producția de monede, poate opera artiștilor greci, care de la sfârșitul secolului al V-lea î.Hr. prezintă portrete fizionomice care par manifesta mai devreme decât în Grecia în sine (cea a Tissaferne , sau cea a stateri de Cyzicus, este foarte caracteristic). Cu toate acestea, nu este clar dacă diferențele dintre un cap și celălalt, unite de unele atribute ale puterii (pălării, mustața căzută, barba), se datorează diferențelor fizionomice reale sau mai degrabă diferitelor mâini care au avut grijă de conuri [ 2] .

Grecia antică

Portretul lui Platon da Silanio, Luvru

Împreună cu descoperirea spațiului pictural, crearea adevăratului portret fizionomic este una dintre cele mai mari realizări ale civilizației grecești. Dar înainte de a ajunge la acest rezultat, grecii cunoșteau atât portretul „intenționat”, cât și portretul „tipologic”. Portretul grecesc ne este cel mai bine cunoscut prin copii romane, adesea de calitate pripită și slabă, fiind născut în cea mai mare parte în bronz , material care a fost reutilizat sistematic în timpul „foamei” de metale în urma prăbușirii economiei elenist-romane. Portretul grecesc avea ca punct de plecare sfera religioasă, dar spre deosebire de civilizațiile estice, grecii nu aveau intermediari majori cu zeitățile (precum suverani sau mari preoți), ci o relație directă și umană. Cele mai timpurii statui umane , cum ar fi Kouros si Kore a servit pentru a reprezenta dedicantul ofertele de la un altar sau defunctului la mormântul său. Cu toate acestea, erau efigii complet impersonale, simbolice, precum cele de pe stelele funerare de-a lungul perioadei arhaice (până în 480 î.Hr. ). În inscripții există o slăbire a relației magice dintre imaginea persoanei descrise, scoțând în evidență conceptul de reprezentare individuală ca operă de artă: din numele oamenilor pe care îi reprezintă sau din cuvintele lor la prima persoană, au fost adăugate nume ale sculptorilor (deci pentru a recunoaște că erau artefacte) și apoi pentru a ajunge la dicția mai detașată de „statuie de, imagine de, mnena (memorie) etc.” [2] .

Portretul lui Pericles

Cu toate acestea, au existat și constrângeri de natură morală care au împiedicat difuzarea portretelor, precum interzicerea expunerii oricărei imagini „private” într-un loc public fără acordul conducătorilor orașelor. Chiar și în întregul secol al V-lea î.Hr. nu exista un portret „privat”, deoarece sentimentul polisului era puternic, ceea ce vedea arta ca o manifestare esențial publică a comunității. Generice erau capetele pe ermii strategilor, iar pentru sportivi erau statuile „iconice”, unde erau specificate unele caracteristici fizice (înălțime, vârstă), dar o caracterizare personală absentă. Chiar și protagoniștii bătăliei de la Maraton înfățișați pe picturile descrise de Pausanias aveau portrete iconice, dovadă fiind mărturia numelor gravate pentru a recunoaște diferitele personaje (cam așa cum se întâmplă în ceramica contemporană). Anacreon a fost descris ca un muzician generic cu cetă și ca un „comaste” (participant la un banchet, ușor beat), Socrate ca un bărbat generic cu barbă [5] , Pericles ca un strateg generic (portretul lui Kresilas , în jurul anului 435 î.Hr. ), unde totuși, poate a existat o aluzie la forma alungită a craniului său, care a făcut obiectul glumelor în rândul scriitorilor de comedie, de parcă ar fi o caricatură , de la casca ridicată peste păr. Singurul portret al vremii despre care se poate spune că este fizionomic (deși nu este încă realist datorită idealizării) este cel al lui Platon din Silanion , cunoscut datorită copiilor din epoca romană. Cu ocazia ratată, trebuie să recunoaștem cu siguranță persistența rezistenței ateniene la portretul individual [2] .

Pentru a ajunge la portretul fizionomic real trebuie să așteptați până la mijlocul secolului al IV-lea î.Hr. Identificarea celui mai vechi exemplu este controversată: poate un herm al lui Temistocle găsit în copie în Ostia , realizat când era în viață în jurul anilor 480 - 460 î.Hr. (dar poate un portret de reconstrucție neo-mansardat ), sau imaginea lui Pausanias rege al Spartei ( 464 - 460 î.Hr. ) sau lucrările în cea mai mare parte obscure ale lui Demetrios din Alopece , căruia Quintilian i-a reproșat că preferă asemănarea canonului frumuseții. Tradiția târzie relatează că Phidias a fost criticat pentru că a inserat un autoportret al său în decorația sculpturală a scutului lui Athena Promachos, identificat de cărturari în figura lui Dedal , cu o individualitate marcată, chiar dacă este comparabilă cu centaurul metopei. 9 [2] .

elenism

Pictogramă lupă mgx2.svg Același subiect în detaliu: portret elenistic .

Marea personalitate a lui Lysippos și condițiile sociale și culturale schimbate au făcut posibilă depășirea ultimei reticențe față de portretul fizionomic și ajungerea la reprezentări fidele ale trăsăturilor somatice și ale conținutului spiritual al indivizilor. În crearea portretului lui Alexandru cel Mare, el a transformat defectul fizic care l-a obligat pe lider, potrivit surselor, să-și păstreze capul așezat sensibil pe un umăr într-o atitudine ascendentă care pare să facă aluzie la un anumit răpire ceresc, „o conversație tăcută” cu divinitate " [6] . Această lucrare a stat la baza portretului suveranului „inspirat”, care a avut o influență durabilă în portretele oficiale cu mult dincolo de epoca elenistică [2] .

Portretele lui Aristotel (executate când filosoful era încă în viață), cel reconstruit al lui Socrate de tip II, cel al lui Euripide de tip „Farnese”, au fost atribuite, de asemenea, o anumită concordanță cu Lisip sau cu cercul său. conotație în concordanță cu meritele din viața reală ale personajelor [2] .

După Lisip, între secolele II și I î.Hr. , a avut loc o dezvoltare foarte extinsă a portretului fizionomic grecesc și nu mai privea doar suverani și oameni deosebit de iluștri, ci și simpli indivizi: de fapt, în elenism arta era acum o dispoziția individului și nu mai exclusiv a comunității. Portretul onorific și portretul funerar au fost, de asemenea, răspândite [2] .

Printre capodoperele acestei perioade se numără portretele lui Demostene și Ermarco , bazate pe aspectul real al personajelor ( 280 - 270 î.Hr. ), portretul unui bătrân 351 de la Muzeul Național Arheologic din Atena , ( 200 î.Hr. ), capul în bronz al lui Antikythera (tot la Atena, aproximativ 180 - 170 î.Hr. ), portretul jalnic al lui Eutidem de Bactrian etc. Un exemplu de realism al modei este portretul de reconstrucție al Pseudo-Seneca din Napoli [2] .

În portretele oficiale, în locul tendinței mai pur „realiste”, a fost privilegiat să se ofere portretelor o valoare mai nobilă și mai demnă, cu expresii mai hieratice și detașate, precum portretele lui Antioh III al Siriei , ale lui Ptolemeu III , ale Berenicii II , al lui Ptolemeu VI , al lui Mithridates VI etc. [2] .

Etrusci și italice

Sarcofagul din Laertia Seianti

În Grecia, orice reprezentare umană a fost concepută ca o statuie întreagă, corpul fiind înțeles ca un întreg indiscernibil [7] . În epoca italică și celtică, pe de altă parte, a existat sugestia că personalitatea caracteristică a unei figuri era concentrată în cap și că aceasta era suficientă pentru a-i reprezenta întreaga individualitate. Această abordare, care a avut implicații enorme în arta romană, s-a manifestat deja în urnele cinerare unde un cap de proporții considerabil mai mari a fost altoit pe corpul mic și aspru. Alte exemple sunt Chiusino canopus , portretul cippus (răspândit de exemplu în Taranto ) sau capetele votive din teracotă. Acest obicei de a favoriza reprezentarea capetelor a reprezentat un teren mai predispus la exprimarea portretelor, chiar dacă nu există exemple cunoscute de portrete adevărate („fizionomice”) înainte de realizările din Grecia [2] .

De fapt, inițial toate reprezentările portretelor erau doar convenționale, „tipologice” și abia de la sfârșitul secolului al IV-lea î.Hr. începem să găsim indicații ale portretelor fizionomice. Celebrele sarcofage de lut din epoca arhaică cu cupluri ( Sarcofagul soților etc.) nu sunt altceva decât reprezentări idealizate ale morților, fără indicii realiste; Același lucru este valabil și pentru sarcofagele Vulci Tarquinia și Cerveteri sau urnele din Chiusi , Perugia și Volterra [2] .

Brutus din Muzeele Capitoliene (operă etruscă sau romană)

În producțiile de serie după tip (tânărul, bătrânul, matrona) a fost posibil cel mult să se adauge mici diversificări cu retușuri, în special în păr. Chiar și figurile din secolul al III-lea î.Hr. , comparate între ele pe un spectru larg, arată inevitabil modele stilistice, la care sculptorii au aderat, mai degrabă decât la trăsăturile reale ale defunctului. Între sfârșitul secolului al III-lea și începutul secolului al II-lea î.Hr., este plasată urna lui Larth Satinate Caesa da Chiusi , unde o anumită personalizare este dată de chelie. Caracterizarea în sarcofagul Laerthia Seianti din Muzeul Național Arheologic din Florența este, de asemenea, rară, aproape identică cu cea a rudei sale Thanunia din Muzeul Britanic . Certitudinea că aceste sarcofage au fost destinate „celor” decedați (care nu erau gata în ateliere pentru a fi vândute, altfel numele nu ar fi fost gravat în lutul proaspăt înainte de ardere) arată că în contextul etrusc interesul pentru fixarea trăsăturilor reale dintre cei decedați, acesta trebuia să fie destul de secundar și ocazional se referea doar la cazuri excepționale [2] .

În cele din urmă, etruscii au fost influențați de romani în producerea portretelor și nu invers, după cum demonstrează Arringatore , o statuie din bronz a lui Aulo Metello, databilă în primii treizeci de ani ai secolului I î.Hr., sau bustul de lut de la Civita. Castellana (în Villa Giulia ). În cele din urmă, unele capete de bronz de înaltă calitate aparțin portretului onorific (non-funerar), fragmente de statui, cu datări destul de controversate, cum ar fi capul unui tânăr de la Muzeul Național Arheologic din Florența , așa-numitul Capitoline Brutus secolul î.Hr. sau mai târziu), capul „din Bovianum” al cabinetului des Médailles al Bibliotecii Naționale din Paris (prima jumătate a secolului al II-lea î.Hr.), un cap fiesolan din Luvru (secolul I î.Hr.). Ele sunt, în mod alternativ, atribuite artei romane sau etrusce, un semn al localizării lor într-o țară de frontieră [2] .

Roma antică

Pictogramă lupă mgx2.svg Același subiect în detaliu: portret roman .

Roma republicană

Pictogramă lupă mgx2.svg Același subiect în detaliu: portret republican roman .

Cantitatea și calitatea mare a portretelor producției romane au denaturat uneori perspectiva de studiu a unor istorici care au văzut acolo singura civilizație antică dedicată în totalitate acestei arte. În realitate, dacă filiația portretului etrusc din cel roman pare clar, portretul elenistic a fost cu siguranță punctul de plecare pentru experiențele romane. În arta romană, portretul public onorific trebuie să se distingă de cel privat, legat de cultul strămoșilor [2] .

Folosirea efigiilor strămoșilor datează de la începutul republicii. Dar aceste imagini nu erau încă în stilul realist tipic perioadei Silla , un adevărat moment de separare de portretul elenistic , dar urmau naturalismului elenistic blând, așa cum arată „ statuia Barberini ” a unei vechi toge care deține cu mândrie statuile a strămoșilor săi [2] .

Exasperarea realității în portretul roman (așa-numitul portret roman republican ) a început, așadar, la începutul secolului I î.Hr. și a durat până la al doilea triumvirat ( 42 - 32 î.Hr. ), perioadă care a coincis cu o puternică exaltare a tradițiilor și virtuțile patricienilor, împotriva mișcării Gracchi și înaintarea forțelor plebei până la războiul social ( 91 - 88 î.Hr. ). În cele din urmă, a existat o conștientizare a valorii genei , care se reflectă în portrete. Stilul acestor lucrări este sec și meticulos în redarea epidermei brăzdate de ani și de condițiile dure ale vieții țărănești tradiționale. Există un anumit dispreț trufaș și o duritate inflexibilă, ca în celebrul portret 535 al Muzeului Torlonia . Aceste caracteristici par să se îndepărteze voluntar de la eleganța și mondenitatea portretelor elenistice libere. În ciuda scurtei durate a fenomenului artistic, acesta a fost una dintre primele „invenții” artistice romane [8] și a reflectat o situație istorică precisă, epuizându-se cu el [2] .

Odată cu răspândirea modei neo-mansardate ulterioare , clasele superioare au abandonat acest tip de portret, care, în schimb, a continuat să fie imitat de cei care priveau cu dorință la clasa patriciană, libertății , în special în monumentele sepulcrale [2] .

Roma imperială

Epoca lui August a fost caracterizată în toate evenimentele artistice de un clasicism înghețat. Particulară în portret a fost fuziunea tipului oficial cu tipul privat, datorită concepției neo-mansardate care vedea în reprezentare o idealizare sobră care era superioară sferei vieții contingente de zi cu zi a realismului. Odată cu epuizarea clasicismului, dualitatea dintre cele două tipuri de portrete s-a reluat, cu exemplul senzațional al celor două portrete ale lui Vespasian , unul vulgarizat expres ( Ny Carlsberg Glyptotek ) și unul de intelectualitate aristocratică ( Museo Nazionale Romano n. 330) [2 ] .

Ultima perioadă a epocii flaviene ne-a lăsat portrete de mare finețe, precum „doamna cu gât lung” a Muzeelor ​​Capitoliene (camera Împăraților nr. 33), care arată un element tipic al vremii, răsucirea capul [2] .

Cu Traian a avut loc o revoluție notabilă, care a dus la fuziunea dintre portretele private și publice. În expresia suveranului, se accentuează obiceiul omului de comandă, energie, autoritate și determinare militară, dar portretul rămâne uman, real. În timpul conducerii luiHadrian și a lui Antonini, au apărut noi tendințe, cum ar fi sculptarea unor sculpturi speciale care au fost realizate anterior cu pictură, cum ar fi sprâncenele sau irisele. În aceeași perioadă a avut loc și o elenizare profundă, care a aliniat gustul roman cu stilul contemporan la modă în Asia Mică, la curtea lui Herodes Atticus [2] .

Tetrarhii

O adevărată descoperire artistică a avut loc în timpul Severilor , care a implicat portretul ușor întârziat (după 220 ). Noutățile sunt deja vizibile în portretele lui Alexandru Sever și Gordian III , cu abandonarea plasticismului elenistic în favoarea unei forme simplificate, stereometrice , cu detalii precum părul și barba inserate cu gravura (aproape un burin ). Era începutul artei antice târzii din secolul al III-lea, care a reușit să reflecte în portrete cu forme care nu mai sunt legate organic între ele acea expresie a chinului interior într-unul dintre cele mai necăjite vremuri din istorie. Exemple din această perioadă variază de la portretul lui Decius până la cel al lui Dioclețian și include, de asemenea, portrete ale copiilor (portretul feminin, în schimb, a menținut mai des calmul tradițional). Portretul lui Gallienus pare solid, în timp ce portretul Tetrarhilor din Veneția apare acum simplificat brutal. Această revoluție se datorează atât extracției plebeiene și provinciale a unei mari părți a noii aristocrații romane, inclusiv a împăraților, cât și tendințelor religioase ale vremii care au influențat reprezentarea regală prin fixarea esenței sacre a funcției sale într-un hieratic vacu. Prevalența, chiar și în sfera privată, a homo spiritualis a dus la o slăbire a nevoii de probabilitate fizică a portretelor, accentuând în schimb formele slabe și expresivitatea ochilor măriți. La începutul secolului al V-lea, Paolino da Nola a scris cum ar „roși”, făcându-se pictat după adevăratul său aspect al unui Adam pământesc și al unui păcătos [2] .

Evul Mediu

Giotto , Enrico Scrovegni oferă îngerilor o reproducere a Capelei Scrovegni , în Judecata de Apoi , Capela Scrovegni, Padova

În timpul Evului Mediu, schimbarea intereselor reprezentărilor a făcut ca arta portretului să dispară din nou. Mentalitatea puternic pătrunsă de religia creștină , avea tendința de a nega importanța individualității oamenilor, preferând abstractizarea și simbolul (portretul „tipologic”) [2] . În absența unui element „burghez” care să exprime valorile seculare ale afirmării omului ca atare, în plinătatea existenței sale pământești, nevoia de a fixa adevăratele trăsături a dispărut inexorabil.

Trebuie să așteptăm până la sfârșitul Evului Mediu , când un soi de „burghezie” a reapărut pe scena europeană, pentru a vedea revenirea bazelor umaniste și raționale care permit producția de portrete. Probabil că astfel de condiții au avut loc deja la curtea lui Frederic al II-lea [9] , dar nu am primit mărturii fiabile despre portrete [10] .

Cel mai vechi portret fizionomic adevărat se află în sculptura celui al lui Carol I de Anjou de Arnolfo di Cambio ( 1277 ) și în pictura celui al lui Enrico degli Scrovegni în Judecata finală a capelei Arena din Padova, pictată de Giotto în jurul anului 1306 . Portretul ca gen autonom s-a născut câteva decenii mai târziu cu Simone Martini , mai întâi cu o pictură simbolică precum Sfântul Ludovic de Toulouse care îl încoronează pe fratele său Robert de Anjou ( 1317 ), apoi la Avignon ca o simplă reprezentare a unui personaj. Primele anumite dovezi pe care le-am primit sunt însă portretul de profil al lui Ioan cel Bun de către un pictor francez de la mijlocul secolului al XIV-lea, acum în Luvru [11] .

În ceea ce privește clasa „mijlocie”, în orașe precum Veneția , Florența , Napoli , Barcelona etc., a devenit frecventă finanțarea operelor de artă de către persoane private, de multe ori bancheri bogați, care în acest fel au expiat, poate în punctul moartea, păcatul cămătării . Astfel s-a născut obiceiul de a înfățișa clienții în actul de a dona opera de artă sau de a îngenunchea la poalele figurii sacre, adesea de proporții minime , pentru a simboliza smerenia lor în fața divinității [10] .

Renaştere

Renașterea a marcat un punct de cotitură în arta portretului datorită interesului reînnoit pentru lumea naturală, omul și expresia clasică a artei romane . Portretul privat a renăscut din a doua jumătate a secolului al XV-lea , chiar ca un gen independent. Unii atribuie lui Masaccio , în anii 1920 ai secolului al XV-lea, reluarea genului portret, conform mărturiei lui Vasari , care a văzut și a descris fresca pierdută a Sagra (1425-1427), unde numeroși demnitari florentini ai vremii au fost reprezentate.

Portretele cu medalii au devenit populare prin recuperarea modelelor antice de la începutul secolului al XV-lea. Maestro di grande finezza fu Pisanello , che diede un'aura di composta serenità e di fiera regalità ai ritratti di regnanti delle più importanti casate del Nord Italia. In questo periodo circolarono spesso piccoli ritratti miniati o dipinti, che diffondevano le effigi tra una corte e l'altra, magari nella prospettiva di intessere rapporti matrimoniali.

In pittura fece da apripista la scuola fiamminga , con le effigie dei potenti che si affrancano dalle composizioni religiose, occupando da soli l'intero spazio del dipinto ed assumendo un inedito carattere di persone "reali" e credibili. Per quanto si sa i più antichi ritratti a sé stanti dell'arte occidentale moderna solo databili al 1432 circa, opera di Jan van Eyck . Eseguirono ritratti di grandissimo pregio anche Rogier van der Weyden , Hans Memling , Hans Holbein il Giovane , Lucas Cranach il Vecchio e Albrecht Dürer . Se in Fiandra si affermò dagli anni trenta del XV secolo il ritratto di tre quarti, in Italia si preferì a lungo la posizione di profilo, dalle reminiscenze romano-imperiali, che meglio esprimeva le ambizioni aristocratiche dei nuovi signori delle corti [10] .

In scultura ebbe notevole diffusione il ritratto su busto fino alle spalle, soprattutto a Firenze ( Mino da Fiesole , Andrea del Verrocchio ) ea Napoli ( Francesco Laurana ).

Nella Trinità di Masaccio si ebbe un primo esempio di ritratto realistico di committenti di un'opera d'arte, raffigurati a dimensioni naturali rispetto alla divinità. Poco dopo si diffuse anche l'uso di inserire ritratti di personaggi contemporanei tra i personaggi delle scene dipinte, sia sacre sia profane: ad esempio la celeberrima Nascita di Venere sarebbe un ritratto di Simonetta Vespucci .

Tiziano , Ritratto di uomo col cappello rosso

Quasi tutti i più grandi maestri si dedicarono al ritratto ( Piero della Francesca , Antonello da Messina , Sandro Botticelli , Leonardo da Vinci , Tiziano , Raffaello ...) con qualche eccezione: Michelangelo ad esempio non riprodusse mai effigie veritiere di personaggi se non, forse, con intenti denigratori nel Giudizio Universale [12] . Alcuni ritratti raggiunsero straordinari effetti psicologici, come l'emblematica Monna Lisa (forse Lisa Gherardini ), o come le opere migliori di Tiziano . Nello stesso periodo si diffuse la pratica dell' autoritratto , prima come elemento in un quadro di gruppo (a questo proposito Leon Battista Alberti consigliò gli artisti di ritrarsi guardando l'osservatore), poi anche come soggetto indipendente (dalla seconda metà del XVI secolo).

Durante l'epoca del Manierismo si ebbero importanti serie di ritratti di artisti come Bronzino , Pontormo , Giovan Battista Moroni o Sofonisba Anguissola . L'uscita delle Vite del Vasari comportò una raccolta di ritratti di artisti, copiati da varie fonti. Più o meno contemporaneamente nacquero le serie di ritratti di uomini illustri presi dal vero (o copiati da immagini che si supponevano prese dal vero), delle quali ci resta quella universale degli Uffizi ( serie Gioviana ), ispirata a una perduta serie comasca nella casa di Paolo Giovio .

Il ritratto rinascimentale comportava sempre un elemento simbolico e idealizzato, non era mai una mera riproduzione delle fattezze. Oltre agli oggetti che rappresentavano la ricchezza e il prestigio del soggetto (gioielli, pellicce, broccati, per le donne acconciature elaborate e incarnato chiarissimo), fu tipico raffigurare oggetti e animali simbolici, derivati dalla simbologia della pittura sacra, come il cagnolino (fedeltà), il libro (erudizione), l'ermellino (incorruttibilità di spirito), ecc. L'idealizzazione umanistica dei soggetti non voleva però dire un ritratto "abbellito": anche i difetti fisici acquistavano la propria dignità all'interno di una raffigurazione perfetta formalmente (come il naso deformato nel Ritratto di nonno e nipote di Domenico Ghirlandaio , o lo strabismo nel Ritratto di Fedra Inghirami di Raffaello , ecc.).

Dal Rinascimento in poi i ritratti presentano anche minuziose riproduzioni della moda e del gusto nel vestire dell'epoca, che permettono spesso di ricostruirne l'evoluzione di decennio in decennio.

Barocco e Rococò

Durante il periodo barocco e rococò (XVII-XVIII secolo) l'arte del ritratto ebbe un'enfasi ancora maggiore, come immagine dell'opulenza carica dei simboli del potere e della ricchezza. I fiamminghi Anthony van Dyck e Pieter Paul Rubens furono tra gli artisti più richiesti per questo genere di opere. Altro eccelso ritrattista del periodo barocco fu poi lo spagnolo Diego Velázquez .

In questo periodo si diffuse lo studio per le espressioni facciali, che enfatizzassero particolari emozioni e stati d'animo. In particolare lo scultore Gian Lorenzo Bernini o il pittore Rembrandt esplorarono i vari effetti e espressioni che caratterizzano un volto umano ei diversi effetti dell'età. [13] A partire da questo interesse si arrivò alla creazione della prima caricatura , nata nell'ambito dell'accademia dei Carracci a Bologna . Bernini fu anche tra i primi a produrre un'"istantanea" di un soggetto in azione, coi busti di Scipione Borghese nell'atto di conversare ( 1632 ); molti esempi della ritrattistica di Bernini e dei suoi seguaci vengono per l'appunto definiti "ritratti parlanti". [14]

Frequente era la produzione di ritratti di gruppo, specialmente nei Paesi Bassi , con artisti come Frans Hals e lo stesso Rembrandt.

Il gusto rococò prevedeva una decorazione ricca e intricata, con attenzione ai dettagli e alla resa materica dei tessuti. I ritratti in questo periodo, grazie a questi accorgimenti tecnici, si caratterizzarono per una resa ancora maggiore della ricchezza e prestigio dei soggetti. I pittori francesi come François Boucher e Hyacinthe Rigaud furono i capiscuola in questo settore, mentre in Inghilterra spiccarono Thomas Gainsborough , Joshua Reynolds e John Hoskins il Vecchio . Altro celebre ritrattista attivo nella seconda metà del Settecento fu l'italiano Pompeo Batoni .

In questo periodo anche alcune pittrici raggiunsero notevole popolarità, specializzandosi spesso proprio nei ritratti, in una dimensione privata e civettuola tipicamente femminile, come Élisabeth Vigée Le Brun , Rosalba Carriera e Angelica Kauffmann .

Neoclassicismo e XIX secolo

Egon Schiele , Ritratto di Arthur Rössler

Alla fine del XVIII secolo si diffuse la nuova sensibilità neoclassica , che ebbe una preferenza per le tonalità chiare, le luci cristalline, la semplificazione delle linee e dei tratti somatici. Artisti di spicco di questo periodo furono i francesi Jacques-Louis David e Jean-Auguste-Dominique Ingres e l'italiano Antonio Canova , che recuperò una forma idealizzata ispirata all' arte greca .

Nell'epoca romantica (prima metà del XIX secolo ) gli artisti usarono nei ritratti pennellate forti e drammatiche, che portarono a un'accentuazione espressiva dei soggetti. Ebbe ampia diffusione anche il ritratto di soggetti comuni, non committenti dell'opera, che creavano composizioni di soggetto popolare e pittoresco, come la serie di malati mentali di Théodore Géricault ( 1822 - 1824 ). Lo spagnolo Francisco de Goya fu artefice di alcune immagini provocatorie e sperimentali, come la Maya Desnuda ( 1797 - 1800 ), che si ritiene essere un ritratto.

Gli artisti del Realismo della seconda metà del secolo crearono numerosi ritratti di gente comune ( Gustave Courbet ) e caricature dei contemporanei ( Honoré Daumier ). Henri de Toulouse-Lautrec si specializzò nei ritratti dei personaggi del teatro dell'epoca e di prostitute. Anche gli Impressionisti dipinsero ritratti, come Édouard Manet , Claude Monet , Edgar Degas e Pierre Auguste Renoir , di solito familiari o amici dei pittori stessi. La loro superficie brillante e la vividezza dei colori rende questi ritratti attraenti, spesso capaci di cogliere l'intimità domestica dei soggetti. I maestri del post-impressionismo , come Paul Gauguin e Vincent van Gogh , dipinsero numerosi ritratti ma sono soprattutto famosi i loro autoritratti.

Tra i ritrattisti della nuova borghesia a cavallo del XIX e XX secolo spiccarono per freschezza l'inglese John Singer Sargent o gli italiani Giovanni Boldini e Cesare Saccaggi .

Arte contemporanea

Amedeo Modigliani , Ritratto di Picasso , 1915

All'inizio del XX secolo le avanguardie interessarono anche il ritratto, che divenne gradualmente sempre più anti-naturalistico. Gustav Klimt circondò le sue figure di astratte decorazioni geometriche, i Fauves estremizzarono il colore e, nel ritratto di Geltrude Stein , Picasso sperimentò per la prima volta suggestioni cubiste . Ormai i caratteri "interiori" dell'individuo avevano preso più importanza dell'aspetto esteriore, liberando la creatività dell'artista nel connotare fantasticamente i ritratti.

Grande attenzione alla psicologia, anche in senso "patologico", emerge dalle opere degli espressionisti , come Otto Dix , Max Beckmann , Oskar Kokoschka , Egon Schiele . Celebre è la dimensione onirica di alcuni ritratti del surrealista Salvador Dalí . Nella ritrattistica merita un cenno la pittrice polacca Tamara de Lempicka , protagonista del movimento Art Déco .

Dalla metà del XX secolo in Europa e America il declino dell'interesse verso le rappresentazioni figurative a favore dell' astrattismo , portò al ridimensionamento della produzione di ritratti, affidati sempre più spesso alla fotografia . Tra i tanti fotografi che hanno operato nell'ambito del ritratto, ci sono gli americani Irving Penn e Richard Avedon . Lo stesso Andy Warhol , per creare la celebre serigrafia di Marilyn Monroe , si servì di una fotografia di Gene Korman usata per la pubblicità del film Niagara del 1953 . Tra gli artisti che continuarono a dedicarsi al ritratto ea focalizzare nello studio del volto umano ci furono Lucian Freud , Francis Bacon , Fernando Botero , Alex Katz e Chuck Close .

Note

  1. ^ Filippo Baldinucci, Vocabolario toscano dell'arte del disegno , Firenze, per Santi Franchi al segno della Passione, 1681. URL consultato il 25 maggio 2015 .
  2. ^ a b c d e f g h i j k l m n o p q r s t u v w x y z aa ab ac Bianchi Bandinelli, 1984, cit.
  3. ^ Per gli stessi motivi, ad esempio, in alcuni contesti esiste una riluttanza delle persone ad essere riprese fotograficamente.
  4. ^ Non venivano modellate sul volto del defunto direttamente.
  5. ^ Il cosiddetto Socrate di tipo I, realizzato poco dopo la sua morte, mentre le statue del filone del tipo II sono ritratti di ricostruzione fatti a partire da uno attribuibile a Lisippo verso l'ultimo trentennio del IV secolo aC, dotato di umanità e ilare serenità che sembra voler riflettere il suo pensiero.
  6. ^ Bianchi Bandinelli, 1984, cit., pag. 247.
  7. ^ Se i ritratti greci ci sono oggi noti in forma di busto o testa ciò è dovuto esclusivamente a frantumazioni accidentali oa copie romane.
  8. ^ sebbene gli artisti che crearono tali opere fossero quasi esclusivamente greci, ma il dato della nazionalità è secondario a quello della società e della cultura che permise questa forma artistica.
  9. ^ Per tutti gli imperatori precedenti i ritratti furono sempre convenzionali, con la sola eccezione, forse, di un ritratto di Carlo Magno a cavallo, andato perduto.
  10. ^ a b c De Vecchi-Cerchiari, cit.
  11. ^ Luciano Bellosi , Giotto , in Dal Gotico al Rinascimento , Scala, Firenze 2003, p. 145. ISBN 88-8117-092-2
  12. ^ Nelle statue dei Duchi medicei pose ritratti completamente astratti, tanto che ne subì anche lamentele, che liquidò ribadendo l'immortalità della sua arte, la quale sarebbe sopravvissuta a chi si ricordasse le fattezze dei duchi.
  13. ^ Proprio all'inizio del Seicento la tradizione del ritratto si arricchisce di nuovi tagli compositivi e dell'indagine psicologica del personaggio, in genere il committente che vuole riconoscersi nel dipinto. Soprattutto nel Nord Europa ed in Spagna si sviluppa questo genere che, parallelamente ai ritratti di corte ( Diego Velázquez , Van Dyck , Rubens ), offre la possibilità di autocelebrazione anche ai rappresentanti delle emergenti classi borghesi e mercantili: commercianti, birrai, magistrati, membri di associazioni. Nasce così la grande pittura olandese di Rembrandt , Hals , Vermeer . Le pitture di ritratti di gruppo rappresentano i membri di una stessa milizia civica, di una stessa gilda o di persone che comunque condividono la medesima professione. Ne sono esempi celebri la Ronda di notte , la Lezione di anatomia del dottor Tulp , i sei sindaci dei drappieri di Amsterdam di Rembrandt ed il Banchetto degli ufficiali della Guardia Civica di San Giorgio di Hals.
  14. ^ Si veda a questo proposito la recensione della mostra "I marmi vivi. Bernini e la nascita del ritratto barocco" (Firenze, 2009)

Bibliografia

Voci correlate

Altri progetti

Collegamenti esterni

Controllo di autorità Thesaurus BNCF 10545 · LCCN ( EN ) sh99001681 · GND ( DE ) 4006627-7 · BNF ( FR ) cb11932843f (data) · NDL ( EN , JA ) 00572338