Rococo

De la Wikipedia, enciclopedia liberă.
Salt la navigare Salt la căutare
Notă despre dezambiguizare.svg Dezambiguizare - Dacă sunteți în căutarea desertului napolitan, consultați Roccocò .
Sala ovală a hotelului Soubise din Paris
Altarul lui Wies
Interiorul Bisericii Sf. Maria Victoriei din Ingolstadt (numită și Asamkirche din Ingolstadt)

Rococo este un stil ornamental care s-a dezvoltat în Franța în prima jumătate a secolului al XVIII-lea ca evoluție a barocului târziu . Termenul derivă din franceza rocaille , un tip de decor realizat cu pietre, roci și scoici, folosit ca înfrumusețare a pavilioanelor și a peșterilor de grădină .

Se distinge prin marea eleganță și somptuozitate a formelor, caracterizate prin ondulații ramificate în bucle și arabescuri florale ușoare, prezente mai ales în decorațiuni , în mobilier , în modă și în producția de obiecte. Acesta contrastează puternic cu greutatea și culorile mai puternice adoptate din perioada barocă anterioară. Stilul tinde să reproducă sentimentul tipic al vieții aristocratice fără griji sau roman ușor, mai degrabă decât bătălii eroice sau figuri religioase. La sfârșitul secolului, rococo a fost la rândul său înlocuit de stilul neoclasic .

De la baroc la rococo

După opulența barocului, care prosperase de-a lungul secolului al XVII-lea, inclusiv mari artiști precum Gian Lorenzo Bernini , Francesco Borromini și Pietro da Cortona , la începutul secolului al XVIII-lea , stilul rococo s-a născut în Franța . Se dezvoltă ca o elaborare extremă a motivelor deja prezente în baroc, reduse la o scară mai umană, în special în decorațiuni interioare, mobilier și arte aplicate .

Istorie

Stilul rococo francez a fost folosit inițial în artele decorative și pentru designul interior . Succesiunea la tron ​​a lui Ludovic al XV-lea al Franței a adus o schimbare în rândul artiștilor de curte și, în general, în moda vremii. Spre sfârșitul domniei anterioare, bogatele motive baroce cedau deja locul unor elemente mai ușoare, cu mai multe curbe și motive mai naturale. Un prim semn al evoluției a avut loc sub Regența lui Filip al II-lea de Bourbon-Orléans, unde liniile moi și culorile pastelate câștigă rigoarea și culorile îndrăznețe. Un exemplu este Galeria Dorée de la Hôtel de Toulouse din Paris.

Aceste elemente erau deja evidente și se regăseau, de exemplu, în proiectele arhitecturale ale lui Germain Boffrand și ale elevului său Nicolas Pineau . În timpul domniei lui Ludovic al XV-lea, viața de curte s-a îndepărtat de palatul Versailles aducând schimbarea artistică în palatul regal și apoi permițându-i răspândirea în întreaga societate franceză. Delicatetea și bucuria motivelor rococo au fost adesea văzute ca o reacție la excesele prezente în regimul lui Ludovic al XIV-lea . O lucrare exemplară este somptuosul Hôtel de Soubise din Paris.

Anii 1750 au reprezentat perioada de cea mai mare vitalitate și dezvoltare a rococo-ului din Franța . Stilul s-a dezvoltat mult dincolo de arhitectură și a implicat, de asemenea, mobilier, sculptură și pictură. Printre cele mai exemplare lucrări se numără cele ale artiștilor Germain Boffrand pentru arhitectură; Lambert-Sigisbert Adam, pentru sculptură; și Jean-Antoine Watteau , François Boucher și Jean-Marc Nattier , pentru pictură.

Rococo a păstrat încă aroma barocă a formelor complexe și complicate, dar din acel moment a început să integreze trăsături diferite și originale, cum ar fi includerea temelor orientale sau a compozițiilor asimetrice.

Stilul rococo s-a răspândit în principal datorită artiștilor francezi și publicațiilor de atunci. A fost ușor acceptat în zonele catolice din Germania , Boemia și Austria, unde a fost „fuzionat” cu barocul german. În special în sud, rococoul german a fost aplicat cu entuziasm în construcția de biserici și palate; arhitecții își decorau adesea interiorul cu „nori” din stuc alb. Printre cei mai importanți exponenți ai rococo-ului german putem menționa sculptorul și dulgherul Guillielmus de Groff și arhitectul Joseph Greissing . [1]

În Italia , stilul baroc târziu al lui Francesco Borromini și Guarino Guarini a evoluat în Rococò în Torino , Veneția , Napoli și Sicilia , în timp ce în Toscana și Roma arta era încă puternic legată de baroc.

Un interior în stil rococo

În Anglia , noul stil a fost considerat „gustul francez pentru artă”, arhitecții englezi nu au urmat exemplul colegilor lor continentali, totuși argintăria, porțelanul și mătăsile au fost puternic influențate de rococo. Thomas Chippendale a transformat aspectul mobilierului englezesc studiind și adaptând noul stil. William Hogarth a ajutat la crearea unei teorii a frumuseții rococo; fără a se referi în mod intenționat la noul stil, el a declarat în Analiza frumuseții ( 1753 ) că curbele S prezente în Rococo erau baza frumuseții și grației prezente în artă și natură.

Sfârșitul Rococo începe în jurul anului 1760, când oameni ca Voltaire și Jacques-François Blondel critică superficialitatea și degenerarea artei. Blondel, în special, s-a plâns de amestecul incredibil de scoici, dragoni, stuf, palmieri și plante din arta contemporană. În 1780 , Rococo a încetat să fie la modă în Franța și a fost înlocuit de ordinea și seriozitatea stilului neoclasic al cărui purtător de etalon este Jacques-Louis David .

Rococo a rămas popular în provincie și în Italia până la a doua fază a neoclasicismului, așa-numitul „ stil imperial ”, când datorită guvernului napoleonian a fost definitiv eliminat.

Un interes reînnoit pentru Rococo a avut loc între 1820 și 1870 . Anglia este prima care a reevaluat „stilul Ludovic al XIV-lea”, așa cum a fost numit eronat la început și a plătit sume mari pentru a cumpăra obiecte rococo second-hand care ar putea fi găsite la Paris . Dar și artiști importanți precum Delacroix și patroni precum împărăteasa franceză Eugénie redescoperă valoarea harului și ușurinței aplicate artei și designului.

Rococo aplicat artelor

Mobila si obiecte decorative

Detaliu dintr-un confesional în stil rococo de Joseph Anton Feuchtmayer

Temele ușoare, dar complicate, ale designului rococo sunt mai potrivite pentru obiecte la scară mai mică decât să se impună (ca în baroc) în arhitectură și sculptură. Prin urmare, nu este surprinzător faptul că rococo-ul francez a fost folosit mai ales în interiorul caselor. Figurile de porțelan, argintărie și, mai presus de toate, mobilierul au început să aplice rococo atunci când înalta societate franceză a încercat să-și mobileze casele în noul stil.

Rococo iubește caracterul exotic al artei chineze și în Franța se complacă în producția așa-numitei chinoiserie , chinoiserie din porțelan și veselă, boiserie, ecrane. În Germania, în grădini sunt create pavilioane și pagode grandioase, cum ar fi frumoasa Chinesische Haus din parcul Sanssouci din Potsdam .

O dinastie de dulgheri parizieni, unii dintre ei născuți în Germania , dezvoltă un stil de linii curbate și sinuoase în trei dimensiuni, unde suprafețele furnirate sunt completate de incrustări în materiale prețioase precum bronz , lemn prețios, țestoasă, marmură, fildeș, mamă de perla. Autorii majori ai acestor lucrări răspund la numele lui Antoine Gaudreau, Charles Cressent , Jean-Pierre Latz, Jean-Françoise Oeben , Jean-Henri Riesener și Bernard II van Risenbergh.

Designerii francezi precum François de Cuvilliérs și Nicolas Pineau exportă stilul către München și Sankt Petersburg , în timp ce germanul Juste-Aurèle Meissonier se mută la Paris . Însă fondatorul și precursorul Rococo din Paris a fost Simon-Philippe Poirier. În Franța, stilul a rămas destul de sobru și caracterizat de o eleganță și rafinament extrem, deoarece ornamentele, în principal din lemn, erau mai puțin masive și apăreau ca un amestec de motive florale, scene, măști grotești, picturi și incrustări de pietre semiprețioase. Cu toate acestea, în Bavaria și în sudul Germaniei, stilul a devenit cu adevărat bogat și redundant, atât de mult încât să creeze adevărate minuni.

Rococo englezesc tinde să fie mai moderat, parțial din motive puritaniste și parțial din motive economice. Designerul de mobilier Thomas Chippendale păstrează liniile curbate, dar se scurtează cu scumpele frunze franceze. Cel mai mare exponent al rococo-ului englez a fost probabil Thomas Johnson, sculptor și designer de mobilă activ la Londra la mijlocul anilor 1700.

În Italia, cel mai mare exponent al rococoului în mobilier este dulgherul și sculptorul Pietro Piffetti , activ la Torino între a treia decadă a secolului al XVIII-lea și 1777. Din 1731 a devenit primul dulgher al lui Carlo Emanuele al III-lea și o mare producție a fost destinată Casei. de Savoia. Contrar stilului Chippendale, codul stilistic al lui Piffetti este exprimat nu atât în ​​curbe, cât și în bogăția sculpturii, folosind multe materiale, inclusiv materiale prețioase (fildeș, țestoasă, argint etc.). Deosebit de impresionantă este biblioteca construită pentru Villa della Regina din Torino și acum la Palatul Quirinal . Biblioteca Piffetti - Palatul Quirinal

Arhitectură

Partea centrală a Palatului Electorului din Trier .

Apărut pentru prima dată în unele camere din Versailles , Rococo a fost reînviat în unele palate pariziene precum Hôtel de Soubise și s-a răspândit mai târziu în toată Europa. [2]

Castelul Solitude din Stuttgart , Biserica Altarului Bavaresc din Wies și Palatul Sanssouci din Potsdam sunt câteva exemple de arhitectură rococo din Europa. În acest context continental, unde Rococo este complet sub control, sculpturile sunt exprimate sub formă de ornamente florale, linii întrerupte și scene fantastice.

În Germania, artiști francezi și germani precum Cuvilliés, Johann Balthasar Neumann și Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff au creat instalația Pavilionului Amalienburg , în Parcul Castelului Nymphenburg din München și a castelelor din Würzburg , Sans-Souci din Potsdam , Charlottenburg din Berlin , Brühl în Westfalia, Bruchsal , Castelul Solitude din Stuttgart și Schönbrunn în Viena .

În decorațiunile interioare, Rococo suprimă diviziunile arhitecturale ale arhitravei , frizelor și cornișelor , pentru pitoresc, curios și capricios, realizat din materiale plastice, cum ar fi lemnul sculptat și stucul . Pereții, tavanele, mobilierul și obiectele din metal și porțelan se reunesc într-un tot omogen. Nuanțele Rococo sunt nuanțe pastelate mult mai deschise decât culorile obraznice ale Barocului .

Tencuiala rococo a artiștilor italieni și elvețieni, cum ar fi Bagutti și Artari, este o caracteristică a clădirilor lui James Gibbs și ale fraților Franchini, care operează în Irlanda , care au reprodus orice a fost făcut în Anglia.

În Anglia, unul dintre picturile lui William Hogarth Marriage à la Mode , pictat în 1745, prezintă un set de camere într-un palat londonez, unde stilul rococo se găsește doar pe tencuială și tavan. Apoi se produce o mulțime de vaze chinezești în care mandarinii (demnitari imperiali chinezi) sunt descriși satiric și reprezentați ca mici monstruozități.

Pictura

Scena de țară de François Boucher , 1747, Muzeul Național Stockholm .

Deși își are originea pur în artele decorative, Rococo și-a arătat influența și în pictură. Pictorii au folosit culori delicate și forme curbate, decorându-și pânzele cu heruvimi și mituri de dragoste. Portretul a fost, de asemenea, popular printre pictorii rococo. Opiniile lor erau pastorale și adesea pictau mesele pe iarba cuplurilor aristocratice. Scena galantă , o variantă aristocratică a scenei de gen , s-a impus și ea cu un succes considerabil în domeniul aristocratic, reprezentând femeile angajate în toaletă, în budouri sau în rituri hedoniste care devin un simbol al unei viziuni mai șirete și mondene a artei.

Marele interes pentru o investigație rațională a realității și-a găsit expresia în pictura vederilor ( vedutism ). Caracterizate prin reprezentarea fidelă a locurilor și peisajelor, vederile au scopuri documentare, respectând indicii optici obținuți dintr-o viziune directă a realității. Acest gen este afirmat mai ales cu turismul cultural al Marelui Tur . Așa-numitul capriccio a avut un mare succes în peisaj. Legat de dimensiunea fantasticului, capriccio are ca obiect peisaje de invenție pură împrăștiate cu ruine clasice de fapt plasate în diferite situri.

Jean-Antoine Watteau ( 1684 - 1721 ) este considerat cel mai important pictor rococo și a avut o mare influență asupra succesorilor săi, printre care François Boucher ( 1703 - 1770 ) și Jean-Honoré Fragonard ( 1732 - 1806 ), doi maeștri ai perioadei târzii . Atingerea delicată și melancolia a lui Thomas Gainsborough ( 1727 - 1788 ) reflectă, de asemenea, spiritul rococo.

Sculptură

Étienne Maurice Falconet , Dragoste amenințătoare , 1757, Paris, Muzeul Luvru .

Sculptura este un alt domeniu în care au lucrat artiști rococo. Étienne Maurice Falconet ( 1716 - 1791 ) este considerat unul dintre cei mai buni reprezentanți ai rococo-ului francez. În general, acest stil a fost exprimat cel mai bine prin sculptura delicată din porțelan, mai degrabă decât prin statuile impunătoare din marmură. Falconet însuși a fost directorul unei celebre fabrici de porțelan din Sèvres . Temele dragostei și bucuriei au fost reprezentate în sculptură, precum și natura și liniile curbate și asimetrice.

Sculptorul Edmé Bouchardon (1698-1762) l-a reprezentat pe Cupidon ocupat să-și sculpteze săgețile de dragoste din clubul lui Hercule ; această statuie păstrată acum în muzeul Luvru reprezintă un simbol excelent al stilului rococo. Semizeul se transformă în copilul tandru, bastonul care sparge oasele se transformă în săgeți care lovesc inima, când marmura este înlocuită atât de liber de stuc . În acest sens, putem menționa sculptorii francezi Nicolas Coustou , Guillaume Coustou , Robert Le Lorrain, Michel Clodion și Jean-Baptiste Pigalle .

Muzică

Stilul galant a fost echivalentul rococoului în istoria muzicii , precum și între muzica barocă și muzica clasică și nu este ușor să definești acest concept cu cuvinte. Muzica rococo s-a dezvoltat în afara muzicii baroce, în special în Franța. Poate fi considerat ca o muzică foarte intimă redată în forme extrem de rafinate. Printre principalii exponenți ai acestui curent îi putem menționa pe Jean-Philippe Rameau și Carl Philipp Emanuel Bach .

Rococo în Italia

Detaliu al Galeriei Stucco din Palazzo Pianetti din Jesi .
Detaliu hol central al cabanei de vânătoare din Stupinigi .

De asemenea, în Italia , Rococò, urmând exemplul francez, a creat o reînnoire notabilă în domeniul decorării și picturii interioare. Acest lucru s-a întâmplat mai ales în regiunile nordice ( Liguria , Piemont , Lombardia , Veneto ), în timp ce în centrul Italiei, probabil datorită influenței Bisericii, stilul nu s-a dezvoltat semnificativ. O excepție este orașul Jesi din Marche, care a fost afectat de o anumită influență austriacă datorită exploatărilor eroice ale familiei Pianetti în serviciul habsburgilor din asediul Vienei împotriva turcilor . Încă un alt discurs trebuie făcut pentru Sicilia ; aici s-a dezvoltat o evoluție a barocului dar cu o aromă mai spaniolă și foarte asemănătoare cu cea platerescă .

Arhitectură

Cei mai mari interpreți ai rococoului în arhitectură sunt sicilianul Filippo Juvarra , care a lucrat mult la Torino ca arhitect al Casei de Savoia , Luigi Vanvitelli , care a lucrat pentru borbonii din Napoli .

Printre cele mai importante realizări ale lui Filippo Juvarra ne amintim: cabana de vânătoare din Stupinigi , Reggia di Venaria Reale , bazilica Superga și Palazzo Madama din Torino.

Pictura

Piazza San Marco , înainte de 1723, pictată de Canaletto

În domeniul picturii, cei mai mari interpreți ai rococo pot fi considerați artiștii care lucrează la Veneția ; printre ele se pot considera cele mai importante figuri: Giambattista Tiepolo, de care ne amintim Portretul lui Antonio Riccobono , San Rocco și Ercole sufocă Antaeus ; Canaletto care a creat lucrări printre care: Piazza San Marco , San Cristoforo San Michele și Murano , Caii San Marco de pe piață , Câmpul Rialto din Veneția și Peisajul râului cu coloană și arc de triumf ; Francesco Guardi care a pictat aproximativ opt sute șaizeci de lucrări, inclusiv Miracle of a Dominican saint , Concerto di dame la Casino dei Filarmonici și La Carità . În școala napolitană cele mai reprezentative două personalități ale perioadei sunt: Francesco De Mura și Corrado Giaquinto . Primul, un conducător autentic al scenei artistice locale după moartea maestrului său Solimena, a fost implicat în multe biserici și palate din oraș, dar a primit și comisioane de la Bourbonii din Napoli și Spania și de la Savoia; în timp ce al doilea a fost apreciat și a avut importanță la nivel european, fiind printre cei mai căutați pictori din acea perioadă. De fapt, a pictat lucrări și biserici și palate cu fresce pentru papi și cardinali din Roma, pentru Savoia din Torino, pentru Braganza din Portugalia și pentru regalii din Spania la Napoli și Madrid, cu fresce la palatul regal, atât de mult ca să influențeze și Antonio Antonio Velázquez , Mariano Salvador Maella și alți pictori spanioli. Alți artiști importanți, chiar dacă au fost descoperiți mai târziu, sunt Giovanni Battista Piazzetta și Sebastiano Ricci .

Sculptură

În sectorul sculpturii, care a fost de fapt foarte sărac în această perioadă, se remarcă Giacomo Serpotta care, în special la Palermo , a creat lucrări pentru diverse biserici din oraș, printre care putem menționa Oratoriile Santa Cita, San Lorenzo și del Rosario în San Domenico și Biserica San Francesco d'Assisi . Chiar și unii sculptori care au făcut fântâni în Roma și în Palatul Regal din Caserta pot fi considerați inspirați din stilul rococo.

Rococo și Biserica Catolică

Filippo Juvarra, Bazilica Superga (Torino)

O viziune critică asupra rococo în contextele ecleziastice a fost susținută de Enciclopedia Catolică . Pentru biserică, s-a spus, stilul rococo poate fi asimilat muzicii seculare , spre deosebire de muzica sacră . Lipsa sa de simplitate, exterioritatea și frivolitatea au un efect distractiv de la amintire și rugăciune. Moalețea și harul său nu se potrivesc casei lui Dumnezeu. Astăzi, această afirmație este contrastată cu cea a multor critici, care văd în expresia rafinată rococo stilul cel mai apropiat de harul și frumusețea cerului.

În dezvoltarea rococo, se va găsi o decorație compatibilă cu aspectul sacru al bisericilor. În orice caz, este foarte diferit dacă stilul este folosit într-o formă moderată ca de către maeștrii francezi sau dacă este dus la extreme prin opulența formelor artiștilor germani.

Artiștii francezi par să nu fi considerat niciodată frumusețea compoziției obiectul principal, în timp ce germanii au făcut măreția replicilor scopul lor cel mai important.

În cazul obiectelor mari, sculptura rococo poate avea succes, dar dacă această grațiune este evitată, există o asemănare cu barocul. Elementele imaginative ale acestui stil nu se potrivesc zidurilor mari ale bisericilor. În orice caz, totul trebuie standardizat în funcție de situațiile și circumstanțele locale. Materialele utilizate în stilul rococo includ lemnul sculptat, fierul și bronzul utilizate la construcția balustradelor și a porților. Elementul distinctiv este aurirea care face ca materialele metalice reci să fie mai acceptabile pentru introducerea într-un mediu non-profan.

Notă

  1. ^ Muzele , vol. 5, Novara, De Agostini, 1965, p. 401.
  2. ^ Spiriti Andrea, primul și al doilea rococo: artă și spațiu , comunicări sociale. MAG. AGO., 2006 (Milano: Viață și gândire, 2006).

Bibliografie

Elemente conexe

Alte proiecte

linkuri externe

Controllo di autorità Thesaurus BNCF 16013 · LCCN ( EN ) sh85007868 · GND ( DE ) 4124930-6 · BNF ( FR ) cb11930975v (data) · BNE ( ES ) XX540967 (data)
Estratto da " https://it.wikipedia.org/w/index.php?title=Rococò&oldid=122520946 "