Schelomo

Schelomo , rapsodie ebraică pentru violoncel și orchestră , este o compoziție a lui Ernest Bloch scrisă în 1916.

Istoria compoziției

Printre compozitorii de muzică majori ai secolului al XX-lea, criticul muzical francez Antoine Goléa l-a clasat pe Ernest Bloch drept una dintre figurile remarcabile alături de Béla Bartók, Georges Enesco și Manuel de Falla, în considerarea personalității sale al cărei caracter trebuie să fie legat de temperamentul muzicianul elvețian este considerat și în contextul muzicii vremii.

Nu este lipsit de interes faptul că primul instrument pe care Bloch l-a învățat a fost vioara, începând să o cânte la vârsta de nouă ani și pentru care a început să compună câteva piese mici de băiat. Dorința de a se dedica compoziției a ajuns să-l convingă să finalizeze studiul viorii alături de cel al armoniei și al contrapunctului pe care a început să-l întreprindă la vârsta de paisprezece ani sub îndrumarea lui Emile Jacques -Dalcroze, cărturar și reformator al educației pentru tineri. prin inițiere în ritmurile fundamentale ale corpului uman și aplicarea lor la dansul colectiv. În 1896, în posesia unei remarcabile învățături tehnice, Bloch a părăsit Geneva pentru prima dată la vârsta de șaisprezece ani pentru a merge la Bruxelles pentru a se perfecționa urmând școala de vioară a celebrului muzician belgian Eugène Ysaÿe, fără a neglija totuși studiile sale de compoziţie.

Abilitățile specifice timbrale și expresive ale viorii sunt, împreună cu influența stilului de joc particular al lui Ysaÿe, cheia înțelegerii personalității puternice a lui Ernest Bloch, un artist cu un temperament liric, profund, înflăcărat, nostalgic și pasional. Cu toate acestea, în ciuda cunoștințelor sale tehnice profunde despre instrument, el nu a ales să urmeze o carieră de solist virtuos, preferând să se dedice compoziției. Pentru vioară a scris numeroase pagini, îndreptându-și atenția și asupra altor instrumente cu coarde, cum ar fi viola și violoncelul; această producție, deși nu este partea principală a operei lui Bloch din punct de vedere cantitativ, este cea în care muzicianul elvețian a putut să se exprime cu o mai mare vigoare creativă și în care a oferit tot ce este mai bun din el ^[1] .

Bloch a compus Schelomo , o rapsodie ebraică pentru violoncel și orchestră, în 1916 la Geneva, cu puțin timp înainte de a părăsi Elveția pentru a se muta în Statele Unite ale Americii; au fost anii teribili în care primul război mondial a izbucnit în Europa și în acea perioadă muzicianul se gândea la greutățile poporului evreu și la suferințele întregii umanități, împins de război până la culmea groazei. În Schelomo, alături de caracterul pur evreiesc al compoziției, sentimentul uman al autorului iese în evidență cu o claritate extremă ^[2] .

Crearea Rapsodiei dezvăluie modul în care un solist virtuos nu poate fi doar un consilier foarte valid în ceea ce privește soluțiile tehnice pentru compozitor, ci și poate oferi un stimul prețios pentru o compoziție. Așa că Bloch, după ce l-a întâlnit pe violoncelistul Alexandre Barjansky, a decis să schimbe proiectul de a compune un ciclu de muzică pentru voce solo și orchestră intitulat Ecclesiast și să-l înlocuiască cu o altă lucrare în care ar fi încredințat mesajele biblice vocea dar către cea „mai pătrunzătoare și mai complexă”, complet liberă, a violoncelului ^[3] .

Interpretată pentru prima dată în mai 1916 la New York, Schelomo va deveni cea mai faimoasă și populară dintre compozițiile lui Bloch și una dintre cele mai mari opere de literatură pentru violoncelul secolului al XX-lea ^[4] .

Structura compoziției

Tema spirituală a lui Schelomo este cuvântul Eclesiastului, referitor la deșertăciunea deșertăciunilor și a tuturor lucrurilor deșarte. Deși nu există o certitudine istorică cu privire la identitatea Ecleziastului, autorul cărții este adesea atribuit regelui Solomon (Schelomo, în ebraică), de unde și titlul rapsodiei lui Bloch. În timp ce violoncelul solo reprezintă vocea regelui biblic, orchestra traduce răspunsurile poporului său. Întregul dă naștere unui dialog jalnic și în același timp grandios, a cărui temă este vanitatea aspirațiilor umane.

În Schelomo, pesimismul predomină asupra permanenței durerii. Ceea ce a spus Bloch însuși despre caracterul evreiesc al muzicii sale confirmă caracterul său universal: „Nu propun sau doresc să realizez o reconstrucție fidelă a muzicii evreilor și nici nu-mi bazez munca pe melodii evreiești mai mult sau mai puțin autentice. Nu sunt arheolog. Cred că esențialul este să scrii muzică bună și sinceră. Ce mă interesează este conținutul spiritului evreilor, viața complexă, înflăcărată, agitată, care vibrează pentru mine în Biblie; vigoarea și candoarea patriarhilor, violența de exprimare a cărților profeților, dragostea înnăscută pentru dreptate, disperarea predicatorilor din Ierusalim, măreția Cărții lui Iov, senzualitatea Cântării Cântărilor. Este tot ceea ce doresc să interpretez cu muzica mea, ceea ce se află în profunzimea noastră " ^[2] .

De asemenea, trebuie remarcat modul în care producția nobilă și vastă a lui Bloch, dacă, pe de o parte, este caracterizată de spiritul sufletului evreiesc antic, pe de altă parte, își manifestă poziția muzicală în secolul al XX-lea, plasându-se între post-debussism și anumite experiențe ale muzicii franceze, cum ar fi coeval. Acesta este cazul, de exemplu, Concerto grosso pentru coarde și pian (1924-25), Concerto pentru vioară și orchestră și compoziții de cameră (Cvartete pentru corzi, Sonate pentru vioară și pian, piese pentru pian) ^[5] . Ebraica, după Massimo Mila, și mai exact orientală în muzica lui Bloch „nu puteți observa decât câteva calități în ea: simț constructiv redus, legănare indolentă a melodiei într-un spațiu nedeterminat, o notă de rapsodic, un verbalism răspândit și uneori querulos, nazal al melodiei " ^[6] .

Bloch este, pe de altă parte, un compozitor care înțelege muzica ca mesaj și care tinde să se exprime prin modernitate neoclasică și ecouri târzii ale romantismului european, dezvăluind uneori originile sale, dar exprimându-se cu vigoare și decizie. La fel ca Anton Bruckner, Bloch este un muzician lent și mistic, într-un anumit sens depășit ^[5] . Massimo Mila observă din nou: „Ascultându-se reciproc devine fierbinte, gândurile sale izvorăsc reciproc și se succed ca niște note febrile, de multe ori ultima notă a unei propoziții este prima unui nou codicil ... încheie el cu reticență și nu întotdeauna știe să abandoneze o idee muzicală atunci când aceasta este epuizată: aceasta este mai degrabă încercată, reluată, ridicată într-un gest inutil de perorație " ^[6] . Și totuși, muzica lui Bloch este bogată și productivă, deoarece este profund inspirată; apoi în ceea ce privește melodismul dens și emoțional sau rigoarea arhaică, aceștia reprezintă cei doi poli ai artei sale muzicale care au exercitat o influență deloc neglijabilă asupra muzicii secolului al XX-lea în Europa, inclusiv în Italia ^[5] .

Am spus deja despre atmosfera de pesimism care îl caracterizează pe Schelomo, însă nu atât de mult pentru această componentă se datorează vasta popularitate a operei, ci mai ales de lirismul înflăcărat care devine, în ciuda atmosferei sumbre, un sursă de consolare și de frumusețe ^[7] .

Atmosfera de disperare este redată efectiv prin recurgerea lui Bloch la calea orientală a două „secunde mărite” ^[2] . Intervalul esențial al scării ebraice este surplusul de secundă, format din trei semitonuri și urmat de o secundă secundară de semiton. Acest al doilea exces se găsește atât înainte de tonic, cât și, foarte des, între gradul trei și al patrulea al scalei minore. Când aceste două excese secundare se găsesc împreună în aceeași scară, între gradul trei și opt există o succesiune formată dintr-un al doilea exces, două secunde minore și încă un al doilea exces. Această succesiune conferă întregii scale o expresie deosebit de dureroasă și tristă; este o succesiune de intervale care pot fi găsite în multă muzică tradițională evreiască și nu numai în ea ^[8] .

În ceea ce privește atmosfera de pesimism, Bloch a dorit să clarifice modul în care aceasta a constituit caracterul particular al lui Schelomo, observând: «Aproape toate lucrările mele se termină optimist sau cel puțin cu o licărire de speranță. Acesta este singurul care se termină în cel mai negru pesimism, justificat în plus de natura temei " ^[9] .

Trei secțiuni pot fi identificate în rapsodie, cu o inițială moderată lentă cu un curs foarte liber ^[10] . Ideea resemnării și echanimității își găsește cea mai completă expresie în dezvoltarea aproape independentă a părții orchestrale înfrumusețate cu culori exotice pe de o parte și monologul violoncelului solo pe de altă parte. Celor din urmă Bloch îi încredințează executarea unei cadențe care acoperă următoarea secțiune ^[3] , în Allegro moderato tempo , în care o temă tipic ebraică este inițial anunțată de oboi și expusă ulterior de diferitele secțiuni ale întregii orchestre și violoncel solo. în timpul unei largi progresii dramatice ^[10] . Secțiunea finală Andante moderato propune materialul auzit la început într-o atmosferă liniștită și meditativă; se încheie, amintind recitativul introductiv, cu partea încredințată violoncelului solo al cărui sunet cu un ton resemnat dispare așa cum este indicat în partitura „lipsind aproape nimic” ^[3] .

Discografie parțială

Printre principalii interpreți ai lui Schelomo trebuie amintit Leonard Rose, care avea afinități deosebite cu această lucrare și care a realizat două gravuri foarte apreciate din Rapsodia lui Bloch: prima dată la 21 aprilie 1951 cu Mitropoulos și Filarmonica din New York (împreună cu prima sa înregistrarea Primului Concert Saint-Saëns) pe care Stereo Review l-a descris drept „expresia perfectă a acestui partener Bloch pasionat” și a doua oară la 29 ianuarie 1961 (în stereo) cu Eugene Ormandy și Philadelphia Orchestra, dând dovada „unui lectură ferventă și pasională "conform judecății lui Gramophone (Richard Evidon: The Doyen of American Cellists, pagina 7 - Sony BMG, 2018).

• Natalie Clein; BBC Symphony Orchestra, Ilan Volkov (Hyperion)
• Marc Coppey; Deutsches Symphonie-Orchestre Berlin, Kirill Karabits (Audit)
• Curdin Coray; Royal Philharmonic Orchestra, Howard Griffiths (Cocoș)
• Emanuel Feuermann; National Orchestral Association, Leon Barzin (Philips)
• Pierre Fournier; Berliner Philharmoniker, Alfred Wallenstein (Deutsche Grammophon)
• Ofra Harnoy; London Philharmonic Orchestra, Sir Charles Mackerras (RCA BMG)
• Lynn Harrell; Orchestra Concertgebouw, Bernard Haitink (Decca)
• Maria Kliegel; Orchestra Simfonică Națională a Irlandei, Gerhard Markson (Naxos)
• Mischa Maisky; Orchestra Filarmonică Israel, Leonard Bernstein (Deutsche Grammophon)
• Georges Miquelle; Orchestra Eastman-Rochester, Howard Hanson (Mercury)
• André Navarra; Orchestra Filarmonicii Cehe, Karel Ančerl (Supraphon)
• Zara Nelsova; Utah Symphony Orchestra, Maurice Abravanel (Vanguard Classics)
• Gregor Piatigorsky; Boston Symphony Orchestra, Charles Munch (RCA BMG)
• Leonard Rose; Orchestra Philadelphia, Eugene Ormandy (Sony BMG)
• Leonard Rose; Orchestra Filarmonică-Simfonică din New York, Dimitri Mitropoulos (Sony BMG)
• Mstislav Rostropovich, Orchestre National de France, Leonard Bernstein (EMI)
• János Starker, Israel Philharmonic Orchestra, Zubin Mehta (Decca)
• Torleif Thedeen; Orchestra Simfonică Malmö, Lev Markiz (BIS)
• Christine Walewska; Orchestrul Național al Operei de Monte-Carlo, Eliahu Inbal (Philips)
• Raphael Wallfisch; Orchestra Națională BBC, din Țara Galilor, Benjamin Wallfisch (Nimbus Records)

Notă

Bibliografie

• Antoine Goléa: Ernest Bloch; O voce în deșert, în muzica modernă, vol. VI - Recuperarea tradiției (Fratelli Fabbri Editori, 1967)
• Giacomo Manzoni: Ghid pentru ascultarea muzicii simfonice, ediția XVII (Feltrinelli, 1987)
• Massimo Mila: O scurtă istorie a muzicii (Einaudi editore, Torino 1963)
• Istoria muzicii (editat de Eduardo Rescigno): vol. IX - Muzică contemporană (Fratelli Fabbri Editori, 1964)