Sculptura greacă
Sculptura este probabil cel mai cunoscut aspect al artei grecești . Acest lucru se datorează numărului mai mare de descoperiri arheologice primite până în prezent în comparație, de exemplu, cu cele ale picturii care are o rezistență mai mică a materialelor utilizate. Cu toate acestea, doar o mică parte a producției sculpturale grecești a ajuns la noi. Multe dintre capodoperele descrise în literatura antică sunt acum pierdute, grav mutilate sau ne sunt cunoscute doar prin copii romane . De la Renaștere , multe sculpturi au fost restaurate și de artiști moderni, modificând uneori aspectul și semnificația operei originale.
Utilizare, tehnici și materiale
Sculptură monumentală
Arta în Grecia a fost legată în principal de nevoile de închinare, cel puțin în cele mai vechi timpuri, la fel și sculptura, deși nu au lipsit monumentele comemorative pentru victoriile în luptă, de exemplu. Marile realizări artistice au avut loc la comanda comunității religioase sau de stat, cu toate acestea, în Grecia, cetățeanul privat, care concepea arta ca o ofertă în onoarea zeilor sau a morților, își putea investi propriile resurse modeste pentru a dedica lucrări în sanctuare în timp ce în civilizațiile orientale inițiativa persoanelor private din domeniul artei a rămas complet necunoscută. Statuile au mărturisit prezența continuă a devotului, deși deconectat de la orice referință personală, rămânând concepute după o tipologie abstractă, cea a kouros-ului sau a kore- ului. [1] Temele au fost aceleași care au fost realizate în celelalte arte, figura umană, mitul și scenele din viața de zi cu zi, în timp ce reprezentarea luptelor istorice a avut loc în principal prin povești mitice și doar rareori în mod direct, așa cum a fost caz în rândul egiptenilor și asirienilor. Cele mai utilizate materiale au fost piatra ( marmura sau calcar ), bronzul , lemnul, teracota etc.
În cele mai vechi perioade sculpturile din piatră erau executate cu cizelarea directă; instrumentele folosite erau subbia , burghiul și diferitele dalte, toate acționate cu ciocanul. Transportul blocurilor de piatră a fost problematic și costisitor, astfel încât statuile monumentale au fost tăiate în forma lor aproximativă în carierele unde au fost abandonate dacă au prezentat risc de fractură și unde au rămas până în prezent. [2] Capetele și brațele, dacă nu erau aderente la corp, au fost sculptate separat și unite mai târziu cu cârlige metalice și pene de piatră, de obicei înecate în plumb topit, în timp ce piese mai mici puteau fi atașate cu beton. Aceste sculpturi au fost întotdeauna pictate, deoarece culoarea a fost un aspect al realității fenomenale ca oricare alta și, pe lângă faptul că au fost colorate, statuile au fost înfrumusețate cu adăugarea de accesorii din diferite materiale: au fost inserate ochi de piatră colorate, pastă de sticlă sau fildeș; bucle metalice, diademe, cercei și coliere; sulițe, săbii, frâiele și căprioarele; material pierdut în cea mai mare parte și din care rămân urme în găurile de susținere.
Odată cu creșterea în mărime a lucrărilor, în timpul secolului VII î.Hr., statuile din bronz au început să fie produse cu tehnica de turnare gol la interior , care a fost practicată în Egipt , din cele mai vechi timpuri și care sa răspândit în timpul secolului VI î. Atât pierduți tehnica cerii și tehnica matricei sablate. În ultimul proces, figura a fost realizată de obicei în secțiuni, modelul a fost realizat din lemn în loc de ceară și a fost scufundat într-un recipient umplut cu nisip umed, unde a lăsat amprenta pentru turnare. Contrar a ceea ce s-a întâmplat pentru statuia din piatră, bronzurile au rămas cu culoarea naturală, dar așa cum am văzut, iluminate coloristic prin inserții într-un alt material.
Au fost găsite statui de teracotă și mari reliefuri în Cipru , Etruria , Sicilia și sudul Italiei, unde marmura era puțină. În cea mai veche perioadă statuile de teracotă erau formate cu role de lut pentru a forma pereții exteriori; Pentru a preveni deformarea și contracția în timpul arderii, lutul a fost combinat cu nisip și bucăți de lut ars. În epoca elenistică și romană, utilizarea matriței era mai frecventă.
Abia la mijlocul secolului al XX-lea descoperirile arheologice au dezvăluit procedura tehnicii crizelefantine .
Plastic mic și „membre minore”
Pentru obiectele de artă mici, grecii foloseau, pe lângă materialele deja menționate, fildeș, os, aur, argint; multe dintre obiectele care au ajuns la noi izolate și deconectate erau inițial părți decorative ale trepiedelor , vazelor, oglinzilor și altor instrumente și în aceste cazuri au de obicei găuri prin care erau conectate la obiectele de care aparțineau; alteori erau oferite în sanctuare și puteau avea cârlige pentru agățat. Multe statuete au ajuns la noi pentru că au fost îngrămădite în șanțurile de scurgere din sanctuare, probabil pentru a face loc noilor ofrande votive , unde au rămas îngropate până în prezent.
Obiectele metalice mici au fost obținute în mare parte prin turnare solidă, mai puțin laborioasă decât turnarea goală. Figurinele erau topite împreună cu propriile baze sau aveau știfturi în partea de jos a picioarelor care le permiteau să fie inserate în bazele corespunzătoare. Metalul preferat de greci pentru fabricarea obiectelor decorative era bronzul în diferite aliaje, urmat de argint și aur. În inventarele templelor grecești, vasele și ustensilele din argint și bronz apar constant catalogate, dar obiectele cele mai prețioase au devenit în mod evident pradă de război și nu au ajuns la noi. Săpăturile din sanctuare au găsit în principal armuri, părți de hamuri și diverse mobilier de uz casnic, cu reliefuri , graffiti sau motive decorative rotunde. Tehnicile folosite au fost diferite: în repulsie s-a repetat o foaie de metal așezată pe o bază solidă de bitum atât în dreapta, cât și în revers, în ciocănire foaia de metal a fost bătută din revers într-o matriță în care a fost excavat modelul , în perforare , figura monedei a fost presată direct pe metal. Gravurile au fost realizate cu unelte de diferite forme în funcție de designul pe care doreai să îl obții; incrustarea cu pietre colorate, sticlă, fildeș sau alte metale a fost de asemenea folosită pentru a obține efecte de policromie.
În Grecia antică, pietrele gravate erau folosite de clasele bogate ca sigilii sau semne de identificare, uneori chiar oficial, astfel încât utilizarea lor poate fi menționată în inscripții. În listele comorilor templelor din secolele V și IV î.Hr., de exemplu din Partenon , pietrele sunt menționate printre ofrandele votive.
Materialul preferat al grecilor pentru producția de bijuterii era aurul , obținut de pe țărmurile râurilor din Asia Mică , Tracia și Rusia . Posibilitățile de prelucrare au fost multe: modelare, turnare, respingere, gravare, granulare , filigran , agemină și dalta , tehnici probabil învățate de la bijutierii din Egipt și Mesopotamia. Argintul a fost, de asemenea, utilizat pe scară largă și electro, un aliaj natural de aur și argint utilizat pe scară largă în bijuteriile din epoca arhaică. Materiale mai puțin prețioase precum bronzul, fierul, plumbul și teracota erau folosite pentru inele și brățări plasate în morminte pentru a înlocui obiecte prețioase. Sursele primare sunt în mod evident piesele găsite în morminte și sanctuare, dar inscripțiile au oferit alte detalii utile, precum inventarele templelor sau actele preoțești care au reapărut din săpături; era de fapt un obicei ritualic de a oferi zeilor ornamente și obiecte prețioase în aur și argint chiar și atunci când, în vremuri relativ sărace precum în Grecia continentală a perioadei arhaice, obiecte similare nu erau purtate. Mai mult, în vremurile străvechi templele serveau adesea drept comori și erau păstrate obiecte prețioase care puteau fi topite în perioade de urgență. Similar cu alte sectoare ale artei, bijuteriile grecești se schimbă și în diferite perioade: mai întâi figurile antropomorfe și zoomorfe apar sub formă schematică, apoi după tipurile convenționale, în cele din urmă într-un mod mai naturalist; în același mod în care compozițiile variază de la simple la o complexitate mai mare în timp. [3]
Perioade
În mod tradițional, cinci perioade se disting în sculptura greacă:
- perioada Dedalică ( sec. VII î.Hr. )
- perioada arhaică ( sec. VI î.Hr. , până în 480 î.Hr. , distrugerea de către perși a zidurilor Acropolei din Atena )
- perioada severă (aproximativ 480 - 450 î.Hr. ), reprezentată de sculptori precum Mirone
- perioada clasică ( secolul V î.Hr. , până în 323 î.Hr. , moartea lui Alexandru cel Mare ), reprezentată de Polykleitos , Phidias , Praxiteles , Skopas și Lysippos
- perioada elenistică (de la moartea lui Alexandru cel Mare în 323 î.Hr. până la cucerirea romană din 146 î.Hr. )
Sculptura prezintă caracterizări regionale progresiv mai puțin accentuate: deși realizată în principal în Grecia continentală, lucrările arhaice și mai presus de toate clasice s-au răspândit pe larg pe rutele comerciale maritime în secolele următoare. Cu toate acestea, în perioada elenistică, lucrările au fost adesea produse și utilizate la nivel local, odată cu crearea diferitelor școli regionale.
Originile
Din plasticul care datează de la arta geometrică, există încă statuete din bronz turnat solid care reprezintă figuri umane sau animale (cai, boi, căprioare, păsări etc.). Figurile în acțiune, grupurile, războinicii asaltători și carele, dar și figurile jucătorilor și meșterilor aparțin secolului al VIII-lea î.Hr. [4] Un număr destul de mic de bronzuri care reproduc tipologia războinicului, uneori călare sau pe un car de război, provin din sanctuarul Olimpiei și sunt acum păstrate în muzeul arheologic local. La Muzeul Metropolitan de Artă din New York există în schimb un grup de bronz (mijlocul secolului al VIII-lea î.Hr., h 11 cm) pentru care a fost propusă lectura unei lupte între Zeus și un Titan (grupul include o figură umană și un figura jumătate om și jumătate cal): amestecul de naturi ar fi deja în această epocă pentru a indica dușmanii primari ai zeilor și ordinii. [5] În Muzeele de Stat din Berlin există un cal, care aparține și el din secolul al VIII-lea î.Hr., care, în special, printre multe alte exemple similare, arată realizarea unei structuri aproape organice, dar complet arbitrare în ceea ce privește morfologia ecvină reală : forme rotunjite ale membrelor, corpul firului și articulațiile ascuțite. [6] Printre cele mai importante lucrări se numără un mic bronz reprezentând Apollo sau Ares din Acropola Atenei (înălțime 20 cm, conservat înMuzeul Național Arheologic din Atena , 6613), cu membre tubulare și trunchi triunghiular, cu talie și cap subțiri. cu ochii mari deschiși. [7]
Argila a fost folosită pe scară largă de către greci pentru statuete votive mici pictate. Deja frecvente în epoca miceniană, acestea se găsesc din abundență începând din secolul al VIII-lea î.Hr., devenind una dintre producțiile constante din lumea greacă, unde argila era disponibilă pe scară largă. Teracotele din perioada geometrică și cea imediat următoare, găsite în morminte și sanctuare, au aceleași forme schematizate ca și celelalte produse din aceeași perioadă și arată foarte puțină atenție elementelor structurale anatomice; majoritatea modelate manual, unele au capetele fabricate dintr-o matriță sau sunt complet modelate; caii, călăreții și păsările sunt motivele predominante; uneori au servit ca mânere pe capacele vazelor sau ca elemente decorative pentru alte obiecte de utilizare sau votive. Capodopera plasticului din lut proto-geometric este o statuetă în formă de centaur , găsită într-un mormânt, datată între secolele X și IX î.Hr., din Xeropolis ( Lefkandi ) de pe insula Eubea . Corpul cabalin este un cilindru gol orizontal modelat pe strung și decorat cu motive geometrice pictate. Este un centaur și probabil a brandit o ramură sau un copac, arma tipică a speciei. Ar putea fi Chiron, înțeleptul tutore al eroilor (mâna dreaptă a centaurului are șase degete, semn de înțelepciune în antichitate); are o tăietură la genunchiul stâng, o rană suferită în luptă sau o referire la Heracles care în legendă îl rănește accidental pe Chiron în genunchi. [8] Figurinele din Beotia cu corpuri în formă de clopot, gâturi lungi și capete turtite aparțin perioadei geometrice: corpul a fost modelat pe un strung, dar restul figurii a fost modelat manual și hainele puteau purta motive ornamentale pictate, păsări sau alte animale [9] . Alte exemple de plastic mic de teracotă sunt două capete de lut , un războinic [10] și o figură feminină, provenind de la Amicles (Sparta) conservate în Muzeul Național Arheologic din Atena, care arată afinitate cu bronzurile ateniene și mărturisesc influența artistică a Atena pe Peloponez în această perioadă.
Patru mici figuri feminine nud au fost realizate în fildeș , găsite într-un mormânt Dipylon din Atena (acum în Muzeul Național de Arheologie), datate la mijlocul secolului al VIII-lea î.Hr. Se inspiră din modelele orientale, dar modelarea moale a corpului, îngrijirea în descrierea detaliilor, cum ar fi șuvițele de păr de pe spate, sunt inovații ateniene [11] .
Pietrele grecești au servit mai presus de toate ca sigilii sau semne de identificare și în epoca geometrică reflectă caracterul încă primitiv al acestei civilizații și cezura în ceea ce privește relațiile cu cultura miceniană: reprezentări vii și naturaliste în glipticul micenian lucrate la un strung pietre semiprețioase, modele liniare lucrate manual pe săpun moale din pietre prețioase grecești. Forma boabelor ar putea fi conică, cupolată, unghiulară și rotunjită ca în Siria sau cilindrică. Toate erau perforate pentru a fi purtate suspendate de un fir. Abia în secolul al VIII-lea î.Hr., încep să apară figuri umane, animale sau vegetale, dar întotdeauna în forme schematice. [12]
Relativ puține bijuterii aparținând acestei perioade au fost găsite în săpăturile din Attica, Peloponez și alte locații grecești. În majoritate sunt benzi metalice cu elemente decorative în relief, fibule cu motive ornamentale gravate, ace și coliere cu pandantive în formă elementară [13] .
Perioada orientalizantă (dedalică)
Termenul de orientalizare indică o perioadă a artei grecești, ulterioară celei geometrice, caracterizată printr-o intensificare a relațiilor cu influența orientală și orientală, care se manifestă prin importul și refacerea locală a obiectelor, materialelor și tehnicilor din care un nou curs de Arta greacă apare în toate manifestările sale, de la toreutică la ceramică. În acest secol de mari transformări, al VII-lea î.Hr., sculptura numită în mod corespunzător dedicare corespunde ultimei faze, cea care vede nașterea artei monumentale în Grecia. Formele exuberante ale perioadei de orientare timpurie sunt înlocuite de un sistem de proporții și o nouă concepție unitară a formei.
Pliniu atribuie invenția reliefului de teracotă Syconius Butades; el ar fi fost primul care a decorat terminarea plăcilor cu astfel de reliefuri ( Nat. hist. , XXXV, 151); primele antefixuri în teracotă au apărut în jurul anului 650 î.Hr. , decorate în relief și pictate cu protomi feminini, în timp ce metopele și sime au fost pictate. Decorațiunile pictate din teracotă au ocupat spațiul triunghiular al frontoanelor în același timp, cu plăci care în secolul următor vor începe să fie din piatră. Exemple ale acestor decorațiuni plastice și picturale sunt antefixele și metopele pictate, lucrări ale lucrătorilor corintieni, de la Templul lui Apollo din Thermos și de la sanctuarul Calidon (ambele în Aetolia ), acum în Muzeul Național Arheologic din Atena, datat în jurul anului 630 -620 î.Hr.
În Beotia, figurinele de teracotă au continuat să fie produse: căruțe și cai, țărani și pluguri. La sfârșitul secolului al VIII-lea î.Hr. apăruse tehnica matricilor, importată din est, iar în secolul următor a existat o vastă producție de obiecte turnate, în special în Gortyna (Creta) și Corint. Numeroase tablete de teracotă ( pinax ) cu imagini ale războinicelor și divinităților vin din Creta; există și grupuri mitologice și printre cele mai cunoscute se numără pinaxul, găsit în templul Atenei din Gortyna, reprezentând uciderea lui Agamemnon de către Clitemnestra și Egisto (a doua jumătate a secolului al VII-lea î.Hr., h 8 cm, la Muzeul de Arheologie din Heraklion ): o scenă reprezentată cu o mare eficacitate dramatică prin aranjarea abilă a personajelor în spațiu. [14] Pithoi au, de asemenea, frecvent decorațiuni figurative în relief. [15]
Reliefuri și protome topite au fost aplicate vaselor mari de bronz și reliefurile figurate pe foi de metal au împodobit donatorii mari în sanctuare. Exemple tipice de artă orientalizantă sunt scuturile (aproximativ 700 î.Hr.) găsite în Creta, decorate cu reliefuri în relief de monștri și animale. Dintre armurile găsite în diferitele sanctuare ale Greciei, partea din spate a pieptarului găsit în Olimpia aparține acestei perioade (numită Armură Crow , a doua jumătate a secolului al VII-lea î.Hr., h 37 cm, Muzeul Național Arheologic din Atena): poartă gravuri de animale și monștri plus o scenă de grup care a fost identificată ca o întâlnire între Zeus și Apollo. [16] Capetele de Griffin au fost găsite într-un mod larg răspândit: animalul fantastic de origine orientală este supus pe teritoriul grecesc legilor organice la care sunt supuși caii și alte animale domestice; printre diferitele serii, exemplarele Argive par să iasă în evidență pentru această claritate și incisivitate formală. [17]
Influența orientală se simte și în producerea pietrelor gravate; în timp ce în Peloponez s-a răspândit utilizarea sigiliilor de fildeș, în insule, renașterea miceniană a dus la forme mai rotunjite și la aceleași tehnici miceniene, cum ar fi strungirea pietrelor semiprețioase. [18] De asemenea, în Grecia insulară și de est sunt frecvente plăcile de aur și argint, probabil elemente aparținând colierelor sau altor bijuterii, în relief decorate cu imagini de centauri sau cu teme legate de Potnia Theron . De asemenea, frecvente în insule sunt rozetele electro și argint, lucrate fin, cu cap de grifon în centru sau alte elemente figurative. Tema grifonii revine la cerceii de la Rodos și Milos. [19]
Atelierele sanctuarelor continuă, de asemenea, producția de mici sculpturi în fildeș , unul dintre materialele importate din Est împreună cu tehnica sa de prelucrare, care erau adesea folosite ca decor pentru obiecte și mobilier.
Sculptură arhaică
În această perioadă producția cea mai abundentă este cea a kouroi („băieți”) și korai („fete”), tinere figuri umane, respectiv masculine și feminine, aflate în culmea dezvoltării intelectuale și fizice, neatinse încă de decadență. Formele și mișcările corpului sunt simplificate și reduse, statuile sunt în picioare (în picioare), de multe ori în mărime naturală sau aproape în mărime naturală, cu un picior avansat (de obicei stânga) pentru a indica mișcarea, dar încă rigidizat într-un hieratic pozează și cu zâmbetul tipic arhaic . Nuditatea provine probabil din obiceiul sportivilor de a concura goi. Statuile ar putea fi așezate într-un sanctuar, un dar de la comunitate sau de la un individ privat către divinitate, ar putea reprezenta zeul însuși, dedicatorul sau doar o imagine umană frumoasă și perfectă; ar putea fi așezați într-un mormânt și ar putea fi imagini ale defunctului, deși depersonalizate; chiar și bătrânii ar fi putut avea un kouros în înmormântarea lor, avem surse epigrafice [20] .
S- au folosit marmură pariană sau piatră locală sau teracotă : tehnicile de turnare în bronz , de fapt, nu au permis încă crearea unor statui mari. Lucrările au fost în mare parte pictate, chiar și în culori vii, spre deosebire de aspectul alb pe care îl au în prezent după pierderea pigmenților și care au format estetica neoclasică .
Din sculptura arhaică se obișnuiește să se distingă unele curente în raport cu diferitele zone ale Greciei antice: doricul , mansarda și ionicul . Primul care sculptează corpuri masive, simetrice, schematizate, uneori ghemuit, al doilea mai subțire și elegant, care se califică pentru o mai mare atenție la vibrațiile liniei și luministice, al treilea care rezumă în cele din urmă cele două cercetări stilistice anterioare, exprimând un naturalism intenționat să raporteze statuie în spațiul înconjurător.
Un aspect important al sculpturii arhaice constă în dezvoltarea decorului arhitectural care privește frontoanele , metopele și frizele și care merge mână în mână cu progresele realizate de civilizația greacă în domeniul arhitecturii religioase. O altă mare sferă productivă și în mod special legată de aspectele sociale și politice ale momentului este cea a stelelor funerare, constând din lespezi decorate în relief sau coloane învechite de figuri simbolice precum sfinxurile sau de palmete mai simple. Unele dintre numele marilor sculptori ai perioadei ne-au fost transmise din surse sau ne-au lăsat semnăturile lor pe baza lucrărilor lor. De la Ionia și Ciclade provin numele Geneleilor din Samo și Archermos din Chios, la Rhoikos și Teodoro, sculptori și arhitecți, tradiția atribuie introducerea tehnicii cerii pierdute în bronzeria greacă. Figura de legătură dintre estul Greciei și Attica este Aristion din Paros , în timp ce sculptorii complet atici erau Endoios și Antenore .
Perioada severă
Spre sfârșitul secolului al VI-lea î.Hr. , un stil care anticipează cel al așa-numitei perioade clasice se răspândește din Peloponez și care este definit ca sever sau protoclasic . Printre altele, ea contemplă depășirea definitivă a tradiției arhaice conform căreia fața a fost în mod constant pusă într-un zâmbet; datorită progreselor în cunoașterea structurii anatomice umane, capul a avut tendința de a deveni sferic, fața rotunjită și, în consecință, ochii și gura au găsit proporțiile și locațiile potrivite. A devenit posibil pornind de la noile posibilități tehnice de a pune chipurile la expresia cerută, tot în acest sens aducând sculptura mai aproape de o reprezentare mai naturalistă. Masa musculară a fost distribuită armonios în structura corpului, umerii și trunchiul s-au lărgit și rotunjit, crescând senzația de putere musculară. Arcul epigastric a fost dezvăluit într-un arc de cerc, genunchii au fost subțiați și întreaga figură subțire.
Cel mai folosit material pentru sculpturile din această perioadă a fost bronzul , ceea ce presupunea utilizarea unei tehnici adecvate atitudinii experimentale a maeștrilor protoclasici. Figurile au fost modelate mai întâi în lut , permițând crearea și manipularea liberă a lucrării, apoi au fost acoperite cu un strat de ceară ; acesta din urmă a fost acoperit din nou cu lut pentru a crea matrița în care s-a turnat apoi bronzul topit (tehnica de turnare cu ceară pierdută ).
Marile bronzuri ale perioadei severe care au supraviețuit distrugerii pentru refolosirea materialului sunt: Auriga din Delphi , capul din Cipru, aparținând anterior ducelui de Devonshire și cunoscut sub numele de Apollo Chatsworth , Cronicul , găsit pe mare lângă Cape Artemision [21] și cel puțin unul dintre cunoscutele bronzuri Riace . De asemenea, în bronz, dar cunoscute doar prin copii de marmură din epoca romană, au fost lucrările lui Mirone precum Discobolus și Athena și Marsyas [22] , care exemplifică experimentele și cercetările legate de mișcarea figurii, pe care le-a dobândit în acești ani aspectul unei mișcări înghețate în timp: vezi și grupul tiranicidelor , frontoanele din Egina și frontonul vestic al templului lui Zeus de la Olimpia .
Perioada clasică și clasica târzie
Imaginea sculpturii de epocă clasică care apare la mijlocul secolului al V-lea î.Hr. este exemplificată prin decorarea sculpturală a Partenonului și sculpturile din Polykleitos . Cunoașterea anatomiei corpului și competența tehnică permit acum sculptorilor, pe care îi cunoaștem aproape toți pe nume, să-i înfățișeze pe zei și eroi în ipostaze mai naturale și mai variate decât în perioadele anterioare. Măiestria tehnică face din sculptura din secolul al V-lea cel mai înalt vârf al esteticii clasice, care va continua în secolul următor, până când Lisip se va deschide la noi probleme.
Polykleitos , din care avem doar copii, stabilește într-un tratat, de asemenea pierdut, intitulat Kanon (canon), o regulă pentru proporțiile armonioase ale diferitelor părți ale corpului ( Doryphorus , Diadumenus ).
Începe construcția statuilor de cult monumentale și crizelefantine , adică acoperite cu aur și fildeș , precum statuia lui Zeus din Olimpia (una dintre cele șapte minuni ale lumii ) în templul omonim sau cea a Atenei Parthenos din Partenon , ambele realizat de Fidia . În celebrele sculpturi ale Partenonului , artistul creează un adevărat poem epic, toate părțile au o conexiune tematică clară și o continuitate plastică fără precedent. De la umanitatea contemporană a procesiunii, în friza ionică, la umanitatea eroică a mitului în metopi, până la divinitatea din frontoane. Culmea este atinsă tocmai în divinitățile reprezentate pe frontonul estic care au haine cu draperii dense și bogate redate într-un mod extrem de naturalist („ draperie umedă ”).
După Phidias și perioada post-Phidian, care include elevii și colaboratorii Phidias precum Alcamene , Agoracrito și Cresila , precum și alți artiști educați într-un mediu diferit, cum ar fi Demetrio , Callimaco și Peonio di Mende , există o perioadă de exemplificată de figuri precum Cefisodot cel Bătrân , un sculptor de mare importanță despre care se crede în general că este tatăl lui Praxiteles și Timotei .
În perioada clasică târzie (380-325 î.Hr.), pierderea puterii și a bogăției în urma înfrângerii din războiul peloponezian nu a împiedicat Atena să continue să fie un important centru cultural și artistic. Cu toate acestea, în această perioadă, artiștii au devenit mari călători, chemați de autoritățile publice din orașele mici în creștere economică sau de cetățenii privați bogați. Sculptorul din ce în ce mai apreciat al secolului al IV-lea î.Hr. este Praxiteles și, lângă el, se află Lysippus , artistul favorit al lui Alexandru cel Mare , susținător de inovații importante în sistemul proporțional și în relația dintre figură și spațiu, ceea ce a dus la ruperea definitivă cu arta clasică și a stabilit noile probleme întreprinse de arta elenistică. Cu Lisippo proporțiile corpurilor se prelungesc și se rafinează, iar naturalitatea pozițiilor este accentuată. Alți sculptori importanți ai perioadei au fost Skopas , Briasside , Leocare , un mare sculptor și lucrător de bronz care a lucrat pentru Filip al II-lea și pentru dinastia macedoneană. Il più importante monumento del IV secolo aC fu senza dubbio il Mausoleo di Alicarnasso , ma nello sviluppo della scultura greca ebbero uguale importanza il tempio di Asclepio a Epidauro e il tempio di Atena Alea a Tegea .
Periodo ellenistico
La scultura del periodo ellenistico si distingue dal periodo precedente nelle sue manifestazioni più creative con un deciso rinnovamento formale, tematico e contenutistico. Essa non è più riservata a templi e santuari oa celebrazioni pubbliche, ma entra anche in ambito privato, come ricca e prestigiosa decorazione, si vedano ad esempio i ritrovamenti nelle case private di Delo. Viene ricercata la novità nei soggetti e si attinge a raffigurazioni realistiche o di vita quotidiana (la vecchia ubriaca, il fanciullo che gioca con l'oca), trattate con abilità tecnica consumata e rese virtuosistiche dei panneggi.
La scultura propriamente ellenistica si data dal secondo decennio del III secolo aC, mentre i decenni precedenti, a partire dalla morte di Alessandro Magno sono dominati dai seguaci e dalle scuole di Skopas, Lisippo e Prassitele. [23] Gli allievi di Lisippo in particolare portando avanti la nuova estetica del maestro ebbero grande importanza per l'elaborazione degli aspetti più innovativi della scultura dei nuovi centri artistici; tra le figure più importanti in questo ambito troviamo Eutichide e Carete di Lindo . La fase del medio ellenismo, dalla metà del III secolo aC alla metà del II, vede il sorgere dei nuovi centri di elaborazione culturale: Rodi , Alessandria e Pergamo . Quest'ultimo in particolare si caratterizza per la propaganda politica degli Attalidi , attuata attraverso il lavoro di artisti, filosofi e scienziati attratti alla corte pergamena. Tra i nomi più noti del periodo troviamo Epigono a Pergamo e Damofonte ad Atene. L'ultimo periodo ellenistico, dalla metà del I secolo aC all'epoca di Augusto, vede l'affermarsi del classicismo, chiamato talvolta neoatticismo , e del neoellenismo, con la riproposizione, talvolta rielaborazione, di opere del periodo classico e delle precedenti fasi ellenistiche, soprattutto in seguito alla domanda proveniente da committenti romani. Uno dei più noti classicisti è Pasitele .
L'abilità tecnica raggiunta viene sfruttata fino ad esiti stilistici caratterizzati da pose tormentate, complesse, e composizioni virtuosistiche, quali il celebre Laocoonte e il noto torso del Belvedere dei Musei Vaticani . Sono queste opere, quelle delle ultime fasi ellenistiche, che saranno ammirate e studiate nel Rinascimento e alle quali si ispirerà Michelangelo. Anche le espressioni dei volti si fanno passionali e tormentate e si hanno con quelli dei sovrani ellenistici, i primi ritratti.
Note
- ^ Bianchi Bandinelli 1986 , p. 28.
- ^ Per un esempio delle problematiche relative a sbozzatura e trasporto delle sculture monumentali cfr. Bernard Ashmole, «The Temple of Zeus at Olympia. The Project and its Fullfilment», in Architect and sculptor in classical Greece , New York, New York University, 1972.
- ^ Richter 1969 , passim.
- ^ Richter 1969 , pp. 93-94.
- ^ New York, Metropolitan Museum of art, Bronze man and centaur, 17.190.2072 , su metmuseum.org . URL consultato il 25 febbraio 2012 .
- ^ Bianchi Bandinelli 1986 , schede 12-15.
- ^ Bianchi Bandinelli 1986 , scheda 112.
- ^ Hurwit 1985 , pp. 60-61.
- ^ Richter 1969 , pp. 114-115.
- ^ Bianchi Bandinelli 1986 , scheda 110.
- ^ Bianchi Bandinelli 1986 , scheda 129.
- ^ Richter 1969 , pp. 123-124.
- ^ Richter 1969 , pp. 139-140.
- ^ Bianchi Bandinelli 1986 , scheda 43.
- ^ Bianchi Bandinelli 1986 , schede 62-65.
- ^ Bianchi Bandinelli 1986 , scheda 39.
- ^ Bianchi Bandinelli 1986 , scheda 121.
- ^ Richter 1969 , pp. 124-125.
- ^ Richter 1969 , pp. 139-141.
- ^ Homann-Wedeking 1967 , pp. 60-66.
- ^ Bianchi Bandinelli 1986 , p. 29.
- ^ De Vecchi-Cerchiari, cit., pp. 60-63.
- ^ Giuliano 1987 , p. 986 .
Bibliografia
- Ernst Homann-Wedeking, Grecia arcaica , Milano, Il Saggiatore, 1967.
- Jean Charbonneaux , Roland Martin; François Villard, La Grecia arcaica : (620-480 aC) , Milano, Rizzoli, 1978. ISBN non esistente
- Gisela MA Richter, L'arte greca , Torino, Einaudi, 1969.
- W. Fuchs, Storia della scultura greca , Milano, Rusconi 1982
- ( EN ) Jeffrey Mark Hurwit,The art and culture of early Greece : 1100-480 bC , London, Cornell University Press, 1985, ISBN 0-8014-1767-8 .
- Ranuccio Bianchi Bandinelli , Enrico Paribeni, L'arte dell'antichità classica. Grecia , Torino, UTET Libreria, 1986, ISBN 88-7750-183-9 .
- Antonio Giuliano, Arte greca : Dall'età classica all'età ellenistica , Milano, Il saggiatore, 1987.
- Carlo Bertelli, Antonella Coralini; Andrea Gatti, La storia dell'arte : dalle origini all'età carolingia , Milano, Edizioni scolastiche Bruno Mondadori, 2010, ISBN 978-88-424-4664-4 .
- ( EN ) Michael Gagarin, Elaine Fantham, The Oxford encyclopedia of ancient Greece and Rome , Oxford, Oxford University Press, 2010, ISBN 978-0-19-517072-6 .
Altri progetti
-
Wikimedia Commons contiene immagini o altri file su scultura greca
| Controllo di autorità | Thesaurus BNCF 12324 · LCCN ( EN ) sh85119089 · BNF ( FR ) cb11933245q (data) · BNE ( ES ) XX528101 (data) |
|---|
