sculptura romană

Augusto Loricato , Muzeele Vaticanului

Sculptura romană dezvoltat în toată zona de influență a Imperiului Roman , cu centrul în metropola , între secolul VI î.en și secolul V d.Hr. Roma a avut propria arta indigene și independente și școală, chiar dacă este introdusă în relațiile continue și traficul pe întreg bazinul mediteranean și dincolo. Inițial , el a fost inspirat de sculptură greacă , în principal , prin etruscă mediere, și apoi în mod direct, prin contactul cu coloniile de Magna Graecia și cu continentală Grecia , în sine , în perioada elenistică .

Tradiția greacă a continuat să fie o referință constantă pe tot parcursul artei sculpturale din Roma, dar contrazice o opinie veche și larg răspândită că romanii erau doar simple copiști, este acum recunoscut faptul că nu numai că erau capabili să asimileze și să dezvolte sursele cu de calificare, dar , de asemenea , să aducă o contribuție originală și importantă pentru această tradiție, vizibilă mai ales în portretul , un gen care sa bucurat de prestigiu la singular și care a lăsat exemple de mare expertiză tehnică și expresivitate înaltă, și în sculptura decorativă a monumentelor publice mari, în cazul în care un stil narativ de mare putere și caracter în mod tipic roman dezvoltat. ^[1]

După consolidarea Imperiului Roman , alte influențe străine, în special cele orientale, a determinat o separare progresivă de greacă Canon către o simplificare formală a tendinței abstracte, care a stabilit bazele bizantine , timpurie creștină și arta medievală . Acest proces, cu toate acestea, a fost intercalate cu diferite perioade de recuperare a clasicismului , care , în plus față de consolidarea legăturii simbolice cu trecutul au fost utile pentru menținerea coeziunii culturale și politice a teritoriului vast. Nici măcar creștinarea imperiului ar putea determina excluderea referințelor clasice-păgâne din sculptura romană, și până la al cincilea secol, când unitatea politică a fost spart definitiv, modelele clasice au continuat să fie imitat, dar adaptat la temele noi ordine. sociale, politice și religioase care au fost stabilite. ^[2]

Deși această sinteză încearcă să se păstreze într-o cronologie și încercări mai mult sau mai puțin ordonat să se stabilească specificul fiecărei faze, studiul sculpturii romane sa dovedit a fi o provocare pentru cercetători ca evolutia sa este nimic, dar logică și liniară. Încercările de a impune un model de dezvoltare formală ca un sistem organic pe istoria sculpturii romane se dovedesc a fi inexacte și nerealiste. În ciuda diferențelor dintre oamenii de știință cu privire la mai multe puncte, de acum avem o idee mai mult sau mai puțin clare cu privire la caracteristicile generale ale fiecărui stadiu evolutiv, dar modul în care aceste caracteristici au evoluat și transformat dintr - o etapă la alta sa dovedit a fi un foarte complex proces care este încă departe de a fi bine înțeles. O tendință de durată spre istoricism și eclectism , chiar mai pronunțată decât cea observată în timpul elenism , împreună cu prezența unor stiluri bine diferențiate în sculptura produsă în același moment istoric pentru diferitele clase sociale, chiar și în cadrul unei singure clase, luându -se în cont de necesitățile fiecărei teme și de situație, ei fac problema chiar mai complicate. ^[3]

În plus față de marele merit intrinsec al producției sculpturale romane, obiceiul generalizată de copiere a operelor grecești mai vechi și persistența aluzii clasicismului grec de-a lungul istoriei sale, chiar și prin creștinismul primitiv, ținut în viață o tradiție și o iconografie care într -o altă formă care ar putea au fost pierdute. Astfel, suntem datori la Roma o mare parte din cunoștințele noastre despre cultura și arta Greciei antice , și , în plus , sculptura romană - împreună cu cel grecesc - a avut o importanță fundamentală în formularea estetica a Renașterii și neoclasicismul , care atestă vitalitatea și semnificația sa în timpurile moderne, precum și fiind considerate astăzi ca fiind unul dintre cele mai organismelor artistice importante ale culturii occidentale, după cum reiese din cantitatea imensă de studii de specialitate, este subiectul și fascinația pe care o exercită încă pe general public. ^[4]

Rolul sculpturii în societatea romană

Reconstrucția Ipotetic a Via Appia , în Roma antică

Era o societate extrem de vizuală. Cu majoritatea analfabeți sale populației și în imposibilitatea de a vorbi erudit latin care circulă printre elita, artele a funcționat ca un fel de literatură accesibilă maselor, confirmând ideologii și popularizare imaginea unor personalități eminente. În acest context, sculptura bucurat de o poziție privilegiată, care a ocupat toate spațiile publice și private și a umplut orașul cu nenumărate exemple de diferite tehnici. O mare parte din sculptura produsă din Roma aparține sferei religioase sau se află într-un fel legate de acesta. Chiar și portrete în mod frecvent au avut asocieri cu sacrul, ca și în toate culturile, Roma nu sa îndepărtat de la practica de a produce în mod corespunzător imagini de cult, care au fost prezente la temple publice mari la cele mai modeste de locuințe. Nu numai marile genuri sculpturale din bronz si marmura a devenit comun - statuar , mare sarcofagelor , reliefurile arhitecturale, a camee sculptate în pietre prețioase - dar chiar mai mult statuetele de teracotă, simple dale funerare, măștile mortuare din ceară, costul care a fost la îndemâna claselor de jos, și să nu mai vorbim de monede, care pot fi văzute ca un fel de relief in miniatura si au fost, de asemenea, larg răspândite în rândul maselor populare. ^[5] Jaś Elsner spune:

Bronz Roman Lare din secolul 1 AD, MAN , Madrid

Când creștinismul a devenit religia oficială, rolul artei sa schimbat radical, deși nu și-a pierdut importanța sa centrală. Zeul creștin nu a fost cunoscut prin imagini, ci prin scripturi și profeții și comentatorii lor. Cu toate acestea, sculptura și repertoriul său de reprezentări naturaliste convenționale a fost adoptată de către biserică în curs de formare pentru compoziția alegorii și a continuat să fie practicat în sfera publică și privată seculară ca decor, ca un registru istoric sau pentru portret până la prăbușirea finală a imperiului ., de asemenea , ca un mod de a accentua moștenirea clasică împărtășită de toți și pentru a stabili unitatea culturală într - un moment când periferiile au început să dezvolte propriile culturi cu un grad ridicat de independență și sarcina de a menține teritoriului unificat. ^[7]

Context istoric

Sculptura etruscă târzie, secolul al 2 - lea î.Hr., Muzeul Louvre

Originea Roma este controversată, probabil a fost fondat în jumătatea perioadei secolul VIII iC printr - un amestec de popoare italice , care a trăit în Lazio regiune din al zecelea secol BC.Some sprijinul tezei că a fost fondat de către etrusci , care a trăit în partea de nord, iar mitul spune că înființarea sa se datorează Romulus și Remus , descendenți ai lui Aeneas , erou al Troiei . Alte dovezi sugerează prezența unor grupuri de Transalpina, celtice și germanice imigranți, care s - ar fi lăsat trăsăturile lor fizice , în unele familii ale aristocrației romane, cum ar fi Flavieni, și ar fi fost cauza prezenței de nume , cum ar fi Rufus și Rutilius (respectiv „Red“ și „purjat“) într - un întuneric , practic jupuit de oameni. ^[8]

Tradiția etruscă-romană

Între a șaptea și a șasea a.Chr etruscii au dominat partea central-nordică a peninsulei italiene , și cel puțin o parte din semi-legendare regi ai Romei au fost etrusci. arta lor, care era deja într-o mare măsură, o interpretare a stilului grecesc arhaic, a devenit arta romanilor. După cum s-ar face mai târziu cu arta greacă, romanii nu numai copiat modelele formale etrusce, dar în războaiele împotriva lor au însușit operele lor de artă și le-a luat pentru decorarea capitalului lor. Cele mai timpurii sculpturi cunoscute făcute în data de la Roma din secolul al 6-lea î.Hr. și stilul lor este total etruscă. Celebrul Apollo din Veii , acestei ere, ne oferă informații bune cu privire la tendințele estetice în vigoare la momentul respectiv .

Hypogeum de Volumni , în Perugia , arta etruscă de trecere la stăpînirii romane

Etruscii au fost experți în diferite genuri sculpturale, de la statuare funerare și sarcofage la grupuri monumentale, iar în multe privințe au anticipat estetica prozaice pe care romanii s-ar dezvolta mai târziu. Ei au fost maeștri în „scene de gen“, care au reprezentat viața comună, oameni de oameni în activitățile caracteristice, și chiar și în portretul și-au dovedit a fi ei înșiși meșterii de prim rang. Dar, probabil, în cazul în care au fost cel mai original a fost în arta funerară. Ei au dezvoltat o tipologie specifică pentru urnelor funerare, care a constat dintr-un piept decorat cu reliefuri și închis cu un capac în care a existat un portret rabatabil al complet corpul persoanei decedate, uneori însoțită de soțul lor, un model care romanii ar avea adoptată. în multe dintre sarcofage lor. Sarcofagul Mirilor ale Muzeului Național Etrusc , și Hypogeum a Volumni , o criptă în Perugia cu diferite sarcofage, sunt exemple bine cunoscute. În ciuda abandonarea progresivă a tradiției etrusc în timpul fazei de elenistice , care va veni mai târziu, urme de ea va fi în continuare găsite până în momentul Augustus . ^[9]

Elenism și Neo-aticism

Între timp, Grecia a fost evoluează spre clasicism său, apogeului , care a avut loc în secolul IV î.Hr. La acel moment Roma a început expansiunea spre sud, deja independentă de la etrusci , după aproape un secol de lupte pentru supremație regională, care vine în contact mai intim cu arta greacă , prin coloniile de Magna Graecia , a cărui cultură sofisticată a impresionat romanii. Apoi, nobilii din Roma a început să dorească opere grecești în palatele lor, și au angajat artiști greci pentru a face copii ale cele mai multe compoziții celebre, uneori plătesc prețuri fabuloase pentru ei. ^[10]

Puțin mai târziu, Alexandru cel Mare a cucerit Grecia și a adus arta sa în India , prin Persia și , de asemenea , Egipt . Impactul acestei extinderi a avut două sensuri, una pe popoarele cucerite, definind noi orientări pentru cultura și arta lor, și una inversă pe cultura greacă în sine, care a asimilat-o varietate de elemente orientale. Odată cu fragmentarea imperiului Alexandrian după moartea cuceritorului, s- au format diferite regate de rădăcini locale - Bitinia , Galatia , Paflagonia , Pontului , Capadocia , Egipt din dinastia Ptolemaică - care a încorporat noi obiceiuri grecești, apoi evoluează în felul lor . Numele elenismului se datorează această fuziune de influențe orientale și grecești. Interesul în trecut a fost o trăsătură definitorie a perioadei. Primele muzee și biblioteci au fost fondat, cum ar fi în Pergam și Alexandria , biografii ale celor mai mulți artiști notabile au ieșit, critici de artă dezvoltate și călătorii descris geografia, istoria și obiceiurile diferitelor regiuni vizitate în ghidurile turistice prima scrise vreodata. ^[11]

Pseudo-Seneca , secolul 1 î.Hr., copie a unui original elenistic din secolul al 2 - lea î.Hr., Muzeul Național Arheologic din Napoli

Capitolin Hercules, clasicist, a 2 - lea î.Hr., Muzeele Capitoline

Istoricismul perioadei a însemnat că stilurile anterioare au fost emulat într - o sinteză eclectic, dar cu o progresivă secularizare în tema și o preferință pentru lucrări dramatice și pline de viață, a căror intensitate expresivă a fost comparat de unii cu baroc stil. Copilăria , moartea și bătrânețe , și chiar umor , aproape teme fără precedent în arta greacă clasică, au fost introduse și cultivate pe scară largă. În plus, un gust febril pentru arta colecționat dezvoltat în rândul elitelor din diferite țări, în cazul în care romanii s - ar dovedi a fi cel mai entuziast. ^{[12] [13] [14]}

În 212 î.Hr. , romanii au cucerit Siracuza , o colonie grecească bogată și importantă în Sicilia , împodobit cu o abundență de elenistică opere de artă . Totul a fost furat și dus la Roma, unde a înlocuit linia de etrusc sculptura care a fost încă cultivată. Jefuirea Siracuza a fost impulsul final pentru stabilirea definitivă a statului elen în inima Republicii , dar , de asemenea , sa întâlnit cu opoziția.

Marco Porcio Cato a denunțat decorarea jefui și de la Roma cu lucrări elene, considerând aceasta o influență periculoasă pentru cultura nativă, și regretând că romanii au aplaudat statuile din Corint și Atena și au ridiculizat teracotă tradiția decorativă a vechilor temple romane. Dar totul a fost în zadar. arta greacă a supus arta etruscă-romane, în general, un gust, la punctul în care statuile grecești au fost printre prada de război cele mai căutate și au fost expuse în mod ostentativ procesiuni triumfale ale tuturor generali cuceritoare.

Gradiva, un exemplu de sculptură de la școala de neo - aticism

În triumful Lucio Emilio Paolo Macedonico după cucerirea Macedoniei în 168 î.Hr. , două sute cincizeci de trăsuri pline cu statui și picturi defilat, și în cucerirea Ahaia în 146 î.Hr. , care a decretat sfârșitul independenței grecești și supunerea față de Imperiul Roman , Pliniu spune că Lucio Mummio Acaico umplut literalmente Roma cu sculpturi. ^[15] La scurt timp după aceea, în 133 î.Hr. , imperiul moștenit regatul lui Pergamon , în cazul în care a existat o școală înfloritoare și originală a elenistică sculptura. ^[16]

În această perioadă , cererea de statuare a fost acum enormă și în Atena , atelierele de sculptură a lucrat , practic , numai pentru connaisseurs romane, care au demonstrat gustul lor rafinat prin lucrări care imitau producția clasicist a cincea și secolele IV î.Hr. cer, evitând excesele expresive de mai târziu elenismul, formând o școală reînviorător care a luat numele de Neo - aticism și care a continuat să se dezvolte în Roma până în secolul al doilea î. şcoala de neo - aticism reprezintă prima apariție în istoria unei mișcări care poate fi în mod legitim numit Neoclasicism . ^[17]

Atunci când pentru un motiv oarecare a fost imposibil să se obțină exemplare originale, în special în cazul lucrărilor deja sărbătorite, au fost făcute copii în marmură sau bronz , dar se pare că romanii nu au făcut o evaluare importantă sau distincție estetică între un original și o copie, deoarece este. comună astăzi. Printre sutele de modele existente în producția greacă, romanii au favorizat doar aproximativ o sută, care au fost copiate pe o scară largă, stabilind o standardizare a imaginarului. Astăzi, această repetiție sună monoton, dar pentru cultura timpului a creat legături pozitive cu tradiții simbolice și ideologice de prestigiu. ^[18]

În alte cazuri , adaptările au fost mai liberă, și a avut o pastișă caracter, în sensul că au folosit elemente din diferite părți pentru crearea unei noi lucrări, sau statui transformate de zei în portrete romane, cu o copie exactă a corpului unui crearea de celebru, dar înlocuind capul cu cea a unor romane de personalitate. Un exemplu al acestui obicei este frumoasa statuie de Marcus Claudius Marcellus păstrat în Muzeul Luvru , realizat de Cleomenes în secolul I î.Hr. pornind de la un grec original reprezentând Hermes Logios ( Mercur orator) de 400 de ani mai devreme, probabil , de Phidias . Din fericire pentru noi contemporani, practica servila copierea multor capodopere grecești pentru romani a fost responsabil pentru păstrarea unei vaste iconografie clasică și elenistică a căror originale a ajuns pierdut în Evul Mediu. ^[19]

Câteva nume ale artiștilor activi în această perioadă sunt amintite, și din moment ce nu a fost încă nici un nativ școală (de exemplu Roman), ei sunt toți grecii. În plus față de Cleomenes menționate mai sus, Aristea și Papias de Afrodisiasului , autorii magnifice centaurilor acum în Muzeele Capitoline , și Pasitele , originar din Magna Graecia , dar a devenit un cetatean roman, sa remarcat printre altele , în acest neo - pod școlar de la Roma . Compilatia a făcut dintr-un catalog de cele mai multe sculpturi celebre din lume a fost faimos. Ca sculptor el este atribuit un Jupiter în aur și fildeș și numeroase lucrări în bronz. ^[20]

perioada Imperial

O schimbare în tendința anterioară pur greacă spre formarea unei școli naționale de sculptură la Roma a avut loc între sfârșitul secolului al 2 - lea î.Hr. și începutul secolului 1 î.Hr. Un exemplu bun este Altarul Enobarbus , considerat un precursor al mare arta imperial al lui Augustus . Creat ca o jertfă de Cneo Domizio Enobarbus pentru sfârșitul campaniei militare din Brindisi , a fost instalat în fața templului lui Neptun pe care le - a ordonat să se bazeze pe aceeași ocazie. Altarul a fost decorat cu diverse frizele , unele cu mai mult sau mai puțin convenționale și comune scene mitologice în tradiția greacă, dar unul dintre ei este o scena cult, ceea ce reprezintă un preot pregătește un sacrificiu, flancat de ofertant, soldați și de alți asistenți, care evidențiază deja transferul de la stilul tradițional clasic spre un mod narativ în mod tipic romană, într-o cronică a vieții de zi cu zi și, în același timp, de succesele modelului său politic. ^[21]

Sacrifică scena din Altarul Enobarbus, secolul 1 i.Hr., Muzeul Louvre , Paris

Cu Augustus , Roma a devenit cel mai influent și cel mai bogat oraș din imperiu, strălucind cu marmură, și , de asemenea , noul centru al culturii elenistice, ca Pergam și Alexandria a fost înainte, atragerea unui număr mare de artizani greci. Și , la fel ca și succesorii lui Alexandru au contribuit la supraviețuirea artei grecești, îmbogățindu - l cu teme noi, acum, când este vorba de augustană Era, Roma ar fi făcut contribuție proprie și originală pentru continuitatea și reînnoirea unei tradiții pe care a avut deja castigat prestigiul de-a lungul secolelor și au dictat caracterul toată arta produs acolo. Dar mai mult decât simplul transfer de atenție culturale la Roma, ceea ce a adus o schimbare în domeniu până în prezent pur greacă și apariția unei școli cu adevărat roman a fost formarea cuiva ideea proprie de imperiu și aplicarea tehnicii grecești. la tema tipica a acestui nou Roma. ^[22]

Aureus arătând August cel absolvent și Tiberius într - o cvadriga, c. 13-14

În consolidarea Imperiu, baterea de monede , care sunt de fapt în miniatură basoreliefuri, a fost de mare importanță. Julius Caesar legalizat la Roma , o practică elenistică și de Est a imprimand efigia domnitorului viu în monede curente, atunci când până atunci au dispărut deja au apărut doar imagini ale divinităților sau personaje istorice, iar Augustus îndreptat această practică cu și mai multă conștiință și pragmatism politic, de impunerea de prezența vizuală și mesajul guvernului în viața de zi cu zi a tuturor cetățenilor la marginea imperiului, și exemplificând modul în care arta și agenda politică ar putea combina eforturile pentru a asigura un sistem la scară largă de control social. Această utilizare ar fi exercitat o presiune asupra societății , care este dificil de estimat astăzi: este suficient să spunem că au existat anecdote despre Inacceptabilitatea monedelor , care a arătat imaginea împăraților urau ca Nero . ^[23]

Tellus Mater ( "planeta noastră "), fragment din Ara Pacis

Primul monument major al sculpturii imperiale a fost Ara Pacis ( 32 BC ), care a fost , de asemenea , o capodopera a arhitecturii romane . Dedicat zeiței Pax , acesta a sărbătorit revenirea cu succes a împăratului dintr - o campanie militară dublă în Galia și Spania . Monumentul a fost decorat cu frizele și reliefuri care prezintă procesiuni, scene alegorice din mitologie și sacrificii. Una dintre scenele descrie Tellus , Mama Pământ, care este o interpretare destul de diferit de omologul său grec, Gaiei . Aici nu întruchipează o forță violentă și irațională a naturii, așa cum se vede în vase și frizele grecești, dar este o imagine delicată și cu adevărat materne de protecție și nutriție. Alte scene fac referire emfatică beneficiile Pax Augustea , și să ofere o înțelegere clară a valorilor pe care la momentul respectiv a apărut romanilor ca fiind adevărată - că numai prosperitatea materială oferită de un stat puternic și pașnică ar fi favorizat consecvent dezvoltare în cultură și cultura de artă. - o idee afirmat în mod repetat în poezia elogioasă a timpului. ^[24] Mai mult decât atât, Eugénie statele puternice , care , în acest imens altar grupuri apar pentru prima dată în arta în care atât spectatorii , cât și protagoniștii participă la aceeași scenă, dar adaugă:

Genius lui Augustus, Pio-Clementino Museum

Dacă în termeni pur artistice maturitatea a trebuit să aștepte ceva timp pentru a se dezvolta, în termeni ideologici lucrarea a fost destul de avansat. Augustus sa dovedit a fi un conducător capabil, și că el a contat pe sprijinul poporului. De la primul său consulat, el a acumulat de birou la birou până când a fost oferit imperiul de Senat și statutul lui Augustus - într - adevăr , inițial un titlu și nu un nume, care înseamnă „divin“ - la cererea poporului. Domnia sa a fost un timp de pace și prosperitate relativă. El a organizat țara sa și a favorizat artele, nu fără a profita de ea pentru a promova imaginea sa personală, așa cum a fost în uz general printre cei puternici. Multe dintre statuile împăratului în muzee din întreaga lume supraviețuiesc, arătându-i cu o varietate de atribute, militare, civile și divine. Una dintre cele mai renumite este Augustus de Prima Porta , care este de fapt o elaborare pe Doryphoros de Polykleitos , arătând că, în ciuda schimbărilor semnificative în cultura timpului său, tradiția greacă a continuat să fie venerată și modelele vechi copiate, atât pentru calitățile lor intrinseci și pentru că au reprezentat pentru cultura romană o paternitate , care a dat o mai mare demnitate la noua condiție a Romei imperiale, cu figura împăratului ca cel mai mare dintre toți patronii și eroi . ^{[25] [26] [27]}

Statuia lui Marcus Aurelius în uniformă militară ( Muzeul Luvru , Paris )

Alti istorici considera dinastia Julio-Claudian ca o perioadă de măreție în arta romană. Aspectele pe care Puternică consideră un indicator al unei faze de incertitudine cu privire la estetica - același spirit de investigare pe diferite fronturi, căutarea de noi efecte de iluminare și de tratament de suprafață, forme noi pentru a crea un sentiment narativ eficient, studiind natura și încercarea de a rezolva problemele de reprezentare a grupurilor în perspectivă - acestea sunt , de asemenea , indicate ca semne de consolidare a unei școli naționale autentice de sculptură, o impresie care este întărită prin observarea realizările în domeniul de portrete care a urmat unul de celălalt din Republica. Cu toate acestea, este sigur că influența neoclasicismul Școlii Attic a rămas puternică, iar modelele grecești idealizate au continuat să fie favorizat pentru răspândirea maiestății imperiale, combinate cu un gust pentru verosimil, care a stabilit un model inovator, care a fost urmat pentru mulți ani pentru a veni. ^[28]

Tipuri de sculptura

Portret

Detaliu al Patrician Torlonia , aproximativ 80 î.Hr.

Este în portretul pe care Roma are cea mai mare contribuția sa caracteristică tradiția fondat de greci, o contribuție care maturizat mult timp înainte de faptul că , în alte genuri sculpturale și care a cauzat dezvoltarea sculpturii în Roma , care urmează să fie împărțită în două domenii, cu diferite evolutiv ritmuri, portretul și alte genuri. Din momentul Republicii, portretul a fost din ce în ce valorizată și -a lungul timpului a oscilat ciclic între o tendință clasicist idealizeze și un altul de mare realism , derivate parțial din expresivitatea tipic elenistică art. Iar printre portretele, bustul și capul izolat au fost cele mai frecvente forme. portrete Full-corp au fost mai puțin frecvente, deși nu mai puțin frecvente. Preferința pentru bustul și capul a fost o trăsătură culturală tipic roman , care a creat o piață uriașă pe tot bazinul mediteranean, și se explică în primul rând , din motive economice, aceste piese fiind mult mai ieftin decât o întreagă statuie, dar , de asemenea , pentru convingerea că , odată cu ei ea a fost posibil să se obțină o mai bună identificare individuală. De fapt, pentru romani a fost capul și nu corpul sau hainele sau atributele accesorii, care a fost centrul de interes în portret. ^{[29] [30]}

Robert state Brilliant:

Portretul unei matroană a dinastiei Flavian , cu tehnica de perforare coafura

Odată cu apariția Vespasian , fondatorul dinastiei Flavian , stilul mixt de idealism și realism practicat de artiștii din dinastia Julio-Claudian a suferit o schimbare, cu revigorarea formelor elenistice și un mare accent pe descrierea veristic a subiectului , chiar și atunci când era vorba împăratului. Tehnica , de asemenea , extins cu o utilizare inovatoare de perforație și portrete feminine ale acestei faze sunt , în general , împodobită cu coafuri foarte complicate.

Portret monumental al împăratului Constantin I , Muzeele Capitoline

Con Traiano , tuttavia, il ciclo cambia nuovamente e inclina verso l'idealizzazione, portata a un grado ancora maggiore con Adriano , le cui preferenze ellenistiche erano ben marcate. Anche i ritratti di Marco Aurelio presentano la caratterizzazione realistica, mostrando un ulteriore avanzamento verso la descrizione psicologica ed emotiva che nei ritratti di Caracalla raggiungono un alto grado di espressività ed esercitano un grande impatto nell'arte di tutto l'impero. Ma da allora in avanti, l'influenza orientale e l'interesse per gli elementi geometrici portano i ritratti ad acquisire un aspetto progressivamente più stilizzato e astratto. Con Costantino questa tendenza arriva al suo punto più alto, insieme a una sensazione di monumentalità che ricorda il classicismo dell'era di Augusto. Lo stile sviluppato sotto il suo regno sarebbe stato un precursore diretto dell' arte bizantina e rappresenta la fine dell'età d'oro della scultura romana. ^{[31] [32]}

Mentre gli imperatori utilizzavano i ritratti principalmente per la riaffermazione del loro potere e del loro programma politico, nella sfera privata si usavano nel contesto funebre. Busti, accompagnati da iscrizioni che elencavano familiari e amici del defunto, decoravano altari, tombe e urne funerarie. Questa tradizione era legata a una lunga storia di esibizione di maschere mortuarie di cera o terracotta di antenati illustri nelle processioni funerararie delle élite, per celebrare e dimostrare il loro lignaggio patrizio . Queste maschere erano orgogliosamente custodite nel sacrario familiare, il lararium , insieme a busti di bronzo , terracotta o marmo . Si suppone che l'usanza della fabbricazione delle maschere mortuarie, che copiano fedelmente le caratteristiche facciali dei morti, fu una delle cause per lo sviluppo del gusto per il realismo nella ritrattistica romana. ^[33]

Statue

Torso scoperto vicino alla Curia Iulia , forse una statua imperiale di Traiano o Adriano , esposto nella Curia (Foro romano)

Nel caso della statuaria si pone un interessante problema per i ricercatori moderni quando tali statue rappresentavano i ritratti dell'imperatore nella sua condizione divinizzata, specialmente nei periodi in cui la descrizione realista era in vigore con più forza, poiché si osserva immediatamente una incongruenza tra la forma di rappresentazione del corpo e la testa. Mentre la testa si mostrava spesso con tutti i segni dell'invecchiamento, i corpi erano rappresentati in accordo con gli antichi canoni della scultura classica greca, idealizzati in una condizione di eterna forza e gioventù. Queste opere strane, quando non giocose, agli occhi moderni, abituati ad apprezzare una statua come un tutto omogeneo, risultano comprensibili quando si ricordano le convenzioni che reggevano l'arte del ritratto, e quando si sa che le statue erano per i Romani una specie di simulacro simbolico e non una realtà. ^[34]

Così, è stato suggerito che in realtà si trattava di un accordo tra due parti diverse, una per la rappresentazione del corpo in termini simbolici e un'altra per la rappresentazione descrittiva della testa con il fine di poter identificare chiaramente il personaggio, con un rifiuto dell'interpretazione letterale dell'insieme. Le stesse convenzioni sembravano reggere la statuaria privata quando si trattava di rappresentare il genius del soggetto, e in questo caso apparteneva al gruppo dei monumenti funebri. Con lo stesso proposito spesso si sostituiva semplicemente la testa di qualche statua celebre di un dio con quella di un patrizio romano o dell'imperatore, ma non sembra esserci stata alcuna difficoltà per i Romani nella chiara differenziazione tra statue di culto e statue simboliche, tra una statua di un dio e una statua di una persona come un dio. E neanche esitavano a togliere semplicemente la testa di una statua di una qualsiasi persona e sostituirla con quella di un'altra, quando si compiva qualche damnatio memoriae . Questa pratica fu commentata con naturalezza nella letteratura dell'epoca, il che conferma l'indipendenza tra la testa e il corpo nell'immaginario romano. ^[35]

Altri tipi di statue, decorative e di culto, nell'arte romana non aggiunsero niente di essenzialmente nuovo, ei loro esemplari, anche se molti di grande qualità, non mostrano niente che non fosse stato sperimentato a fondo prima dai greci classici e dagli ellenisti, e copie romane di questa produzione seminale continuarono a prodursi fino al V secolo. Tuttavia, dal II secolo, e con maggior forza a partire da Costantino I , la crescente penetrazione dell'influenza orientale determinò una progressiva eliminazione, con alcuni periodi di recupero, del canone greco, conducendo alla formazione di uno stile sintetico e astrattista che sarebbe stato il ponte per l'affermazione dell' arte bizantina e del primo Medioevo . ^[36]

Sarcofagi

Sarcofago di Portonaccio , ca. 180 - 190 , Museo nazionale romano

L'uso dei sarcofagi era comune fra gli Etruschi ei Greci, ma a Roma si usò estesamente solo dal II secolo, quando l'abitudine della cremazione dei morti fu sostituita dalla sepoltura, e si espanse in tutto l'impero. La loro produzione si stabilì in tre centri principali — Roma, Attica e Asia — e si divise in alcuni modelli diversi. Uno, il più comune, era una cassa decorata con rilievi figurativi e con un coperchio più o meno liscio; un altro tipo mostrava un altro coperchio ugualmente decorato, dove potevano figurare i ritratti scultorei dei defunti a corpo intero, come se fossero seduti a un banchetto, un modello che derivava dall'arte etrusca. Entrambi diedero origine a esemplari decorati con rilievi di straordinaria sofisticazione e complessità. Un terzo tipo, confinato a Roma, aveva una decorazione astratta o floreale e teste di animali, principalmente leoni, alle estremità. In ogni modo vi era molta variazione e mescolanza tra questi modelli e la loro qualità e ricchezza decorativa dipendeva dalla ricchezza della famiglia che avrebbe commissionato la realizzazione. ^[37]

Il centro di produzione asiatico si caratterizzava per una preferenza per casse di grandi dimensioni e forme architettoniche, con colonne intorno, statue interposte e un'imitazione di porta ai due lati, targhe ornamentali e un tetto a forma di prisma con acroteri , che simulava una vera casa o tempio, e potevano anche avere una piattaforma per la loro collocazione in alto. Questo tipo, a differenza degli altri, era spesso decorato su tutti e quattro i lati, poteva essere un monumento indipendente, installato all'aria aperta in qualche necropoli, mentre gli altri apparivano di solito in nicchie nelle tombe e la loro decorazione si limitava alle parti che restavano visibili. La pratica romana di sepoltura nei sarcofagi continuò nell'era cristiana, costituendo uno dei principali mezzi per lo sviluppo dell' iconografia religiosa. ^[38]

Colonna di Traiano

Rilievi architettonici

Nella tradizione degli altari monumentali, delle colonne commemorative e degli archi trionfali, i rilievi decorativi impiegati in queste architetture furono un campo fertile per lo sviluppo di uno stile narrativo tipico dei Romani. Esempi precursori classicisti furono l' Altare di Enobarbo e l' Ara Pacis . Altro che merita una menzione è il fregio della Basilica Emilia (c. 54 - 34 aC ) nel Foro romano , in uno stile ellenizzante vigoroso, movimentato, con drastici scorci e completato con scene di paesaggi. Della dinastia giulio-claudia non sopravvisse quasi nulla, ma una testimonianza che può darci un'idea dello stile di questo periodo è un fregio trovato a Roma, che mostra una processione di magistrati e sacerdoti che portano statuette votive, insieme ad aiutanti, musici e altre figure. Il suo interesse risiede nell'effetto di prospettiva aerea prodotta dall'inserzione delle figure in secondo piano sulla linea della processione, una risorsa che più tardi fu ampiamente utilizzata nelle scene storiche. ^[39]

La decorazione dell' Arco di Tito (ca. 81 - 82 ) è stata considerata come il punto più alto dello stile flavio . I pannelli che la decorano e che mostrano il trionfo di Tito hanno eccellenti qualità di estetica e dimostrano una grande abilità nell'uso dello scorcio per la rappresentazione della quadriga dell'imperatore, dove il carro appare visto di fronte verso lo spettatore ma l'artista riesce a creare l'impressione che stia facendo un giro a destra. L'altro pannello rappresenta il saccheggio di Gerusalemme , utilizza con lo stesso successo questa risorsa, in un altro contesto, ed entrambi hanno il loro effetto illusorio rafforzato dall'uso razionale della luce e dell'ombra. Ma in verità è difficile parlare di uno «stile flavio», giacché in altri luoghi si trovano rilievi più statici, di indole abbastanza classicista e antipittorica. ^[40]

Al regno di Traiano appartiene la famosa Colonna di Traiano , che commemorava la campagna in Dacia tra il 101 e il 106 . È una grande colonna completamente coperta da un fregio continuo che forma una spirale verso la parte superiore, ed è un esempio perfetto dello stile narrativo dei rilievi storici romani. Gli episodi si fondono gli uni negli altri senza interruzioni, eccetto di tanto in tanto un albero che funge da separazione. Traiano appare varie volte in diverse situazioni. In totale sono scolpite quasi 2.500 figure, e il livello tecnico si mantiene in tutto il complesso. Una caratteristica innovativa è l'abbandono della prospettiva e l'uso di figure sproporzionate rispetto al loro paesaggio circostante, il che dilata l'influenza orientale che penetrava in questo momento. Oggi vediamo soltanto le forme marmoree, ma il suo effetto quando fu completata deve essere stato sorprendente poiché, in accordo con la pratica del tempo, tutte le scene erano dipinte e adornate con dettagli di metallo. È possibile che il suo autore sia stato Apollodoro di Damasco . ^{[41] [42]}

Poco dopo la tendenza si inverte verso il classicismo. Spicca l' Arco di Traiano a Benevento , in un eccezionale stato di conservazione — solo le sculture furono completate sotto Adriano — e gli undici pannelli di stile simile, ma ancora meglio eseguiti, che rappresentano l'imperatore Marco Aurelio in varie scene. Quattro di essi sono ora nei Musei Capitolini, e gli altri furono riutilizzati in epoca imperiale per la decorazione dell' Arco di Costantino . La Colonna di Marco Aurelio è un altro grande esempio della prevalenza classicista in questa fase; malgrado vi sia una moltitudine di figure che si ammassano nella spirale continua del fregio che circonda il monumento, si conserva un senso di ordine, eleganza, ritmo e disciplina che è assente nella colonna di Traiano. ^[42]

Questo interludio del classicismo, tuttavia, sarebbe terminato con Settimio Severo , il cui Arco si avvicina di nuovo all'arte orientale nel suo sistema di proporzioni e nell'accorciamento dell'organizzazione delle scene indipendenti, in cui quattro grandi pannelli narrano le campagne in Mesopotamia . ^[43] Dal III secolo praticamente niente sopravvisse, e ciò che abbiamo come resti sono piccoli fregi che mostrano figure rozze e abbozzate. Lo stesso stile continua durante tutto il IV secolo , come si può vedere nei fregi superiori del nord e del sud dell'Arco di Costantino, che mostrano un marcato contrasto con gli altri pannelli più antichi, dell'epoca di Marco Aurelio. ^[44] Gli ultimi esempi significativi della scultura romana architettonica sono nella base dell'obelisco di Teodosio I nell' Ippodromo di Costantinopoli , che già sembra un'arte più vicina all'universo bizantino che romano. ^[45]

Altri usi

Tra le applicazioni minori della scultura vi sono le statuette di culto domestico, le figurine e maschere del teatro , i cammei , gli oggetti decorati, gli amuleti ei giocattoli infantili. Meno celebrati dei grandi generi, non sono però meno importanti di quelli, e spesso danno un'idea più esatta, intima e sincera della mentalità romana, principalmente del popolo, al di là delle imponenti rappresentazioni ufficiali.

Cammei

Gemma Augustea , Kunsthistorisches Museum , Vienna

In questi generi minori, i cammei sono i più lussuosi, limitati alle classi elevate e usati generalmente come gioielli. Intagliati in pietre semipreziose come l' agata , il calcedonio , il diaspro , l' ametista e l' onice , sono considerati sculture in miniatura dall'apprezzamento che ne fece John Ruskin , quando fino ad allora erano considerati una forma di incisione . Questa forma di intaglio fu introdotta a Roma dai Greci ellenistici, che furono i primi a conseguire un alto grado di raffinatezza in questo genere. Le sue dimensioni ridotte non devono indurci in errore quanto alla perizia richiesta per questo tipo di lavoro, essendo necessaria una intensa concentrazione e una enorme sensibilità per lavorare la venatura della pietra ei suoi diversi strati per ottenere sottili sfumature di colore ed effetti di luce e trasparenza. La sua datazione è molto problematica, e molti pezzi indicano che sono stati rilavorati in momenti differenti. I migliori esemplari sono diventati pezzi da collezionista avidamente contesi, e tra di essi possiamo menzionare la fantastica Gemma augustea , un grande pezzo di onice bicolore intagliato con due scene composte di vari personaggi. ^{[46] [47]}

Bambola articolata in avorio , Museo nazionale romano

Durante il periodo imperiale, i cammei godettero di grande prestigio, il che ispirò i Romani a inventare una derivazione in vetro, che offriva il vantaggio di permettere un maggiore controllo sul colore e sulla trasparenza, ma era ancora più difficile, lunga e costosa da lavorare della pietra, presentando considerevoli sfide tecniche, che ancora non sono state totalmente sviscerate dai vetrai contemporanei. Tuttavia, si arrivò a produrre interi vasi di cammeo di vetro con decorazione intagliata, come i famosi Vaso Portland e Vaso delle stagioni . ^[48]

Giocattoli

I giocattoli si trovano in tutte le culture, ei Romani non fecero eccezione. I riferimenti letterari abbondano a partire dal periodo ellenistico, e tutto indica che vi fu una enorme varietà di oggetti destinati all'intrattenimento dei bambini, dalle tradizionali bambole fino ai carretti con ruote, mobili, figure di guerrieri e animali, e perfino case in miniatura di metallo, legno o terracotta. I giocattoli sono oggetti eccellenti per lo studio delle condizioni economiche e sociali dell'epoca. ^[49]

Statuette di culto privato

Statuetta di culto privato della dea Fortuna, Discovery Place Science Museum, Charlotte (Carolina del Nord)

Nell'ambito religioso si distinguono le statuette di culto privato di molte divinità del pantheon romano e delle divinità familiari e regionali. L'abitudine dell' antropomorfismo degli dei fu ereditata dagli Etruschi e dai Greci, e quindi praticamente tutte le forze naturali ei poteri astratti assunsero per i Romani un aspetto umano e ricevettero un culto, benché la loro religione non fosse rigidamente organizzata e il culto privato (più che quello pubblico) avesse un importante ruolo. I musei sono pieni di statuette di culto domestico, il che dimostra la loro ampia diffusione in tutto l'impero. La loro qualità artistica è molto variabile, ed è da credere che quelle adoperate dalla gente comune siano ordinarie e poco attraenti, ma vi sono esempi di grande raffinatezza. In questo campo non era l'aspetto estetico delle statuette ciò che aveva valore, bensì la loro efficacia per i Romani come ponti di comunicazione tra i mortali e il soprannaturale. ^[50]

Funzione simile rivestono le statuette-amuleto. Nella complessa e multiforme religione romana la magia aveva un ruolo non insignificante, e in essa gli amuleti trovavano il loro posto. I Greci e gli Etruschi li usavano, e diversi autori classici ne parlano con favore, come Plinio e Galeno . Anche i Romani ne fecero un costume generalizzato, specialmente durante l'epoca tardo-imperiale. Benché gli amuleti fossero generalmente oggetti piccoli e portatili, non necessariamente figure, sopravvivono una serie di statuette che svolgono la stessa funzione, ritraendo gli spiriti protettori delle abitazioni associati agli antenati, i Lari , profondamente venerati in santuari domestici, o Priapo , il dio fallico, la cui immagine era considerata un potente rimedio contro il malocchio, la sterilità e l'impotenza, e che era collocata nella parte esterna dell'entrata delle case. ^[51]

Utensili decorati

Resta infine da fare una breve menzione dei vasi, dei servizi da tavola, delle lampade, delle maniglie da porta e di molti altri tipi di oggetti utensili con una decorazione che si avvicina alla scultura propriamente detta, una categoria molto varia di pezzi che testimonia l'ampia applicazione della scultura nell'antica Roma. Le lampade ei bracieri potevano essere decorati con immagini in rilievo che mostravano scene religiose, mitologiche ed erotiche, in accordo con l'ubicazione alla quale erano destinati e potevano avere uno o più piedi molto ornati. Anche piatti, pentole, ciotole e vasi potevano presentare rilievi, o manici e colli di forme stravaganti. Nella ceramica si distingue il tipo della terra sigillata , una specie di vaso decorato con incisioni e rilievi, che ebbe larga diffusione, e le antefisse decorative, installate nei bordi dei tetti, che potevano essere realizzate in forme astratte o figurative. ^[52]

Lucerna con rilievo erotico, Museo romano-germanico , Colonia	Braciere decorato, Museo archeologico nazionale di Napoli

Scultura tardo-imperiale

I cavalli di San Marco (oggi a Venezia ), in origine nell' ippodromo di Costantinopoli , unico esempio di quadriga romana a noi pervenutaci

Come detto in precedenza, gli ultimi secoli dell' impero (dal III al V secolo) videro la nascita di un contesto culturale totalmente nuovo. A volte questa fase di trasformazione è stata vista come una decadenza artistica, ma è giusto ricordare che il canone greco fu il risultato di un'epoca e un contesto ben determinati, e sebbene abbia modellato le origini artistiche di Roma e gran parte del suo percorso, i tempi e il territorio erano cambiati, e il classicismo stava incominciando a diventare un ricordo del passato e un riferimento simbolico o storistico anziché una realtà viva. Ora Roma aveva una propria storia, ed entrava in un periodo di intensi scambi con grandi culture antiche del Vicino Oriente , il cui corpo di idee, religioni, arte e aspirazioni divenivano parte integrante della cultura romana. Allo stesso modo, le numerose province imperiali, che si estendevano dalla Spagna , Gallia e Britannia alla Persia , Arabia , Caucaso e Nordafrica , sviluppavano stili sincretistici con le proprie tradizioni locali, creando opere che erano accettate tanto per la visione metropolitana come per quella provinciale, sebbene interpretate in maniera diversa in ciascun luogo. ^[36]

Il Buon Pastore , paleocristiano, IV secolo, Musei Vaticani

In un'epoca di effervescenza culturale e di grande diversità di principi estetici, la permanenza degli elementi classici in tutte le parti, modificati, è certo, in gradi diversi, consentiva ancora di mantenere canali di comunicazione aperti e agiva come una specie di lingua franca artistica. Il sincretismo fu sempre una caratteristica dell'arte romana, ma nell'epoca tardo-imperiale assunse un ruolo di cruciale importanza. Dopo la cristianizzazione dell'impero, le norme dell'arte pagana furono adottate dagli imperatori cristiani senza alcuna esitazione, sebbene adattate ai nuovi temi. Quando Costantinopoli divenne la nuova capitale, si riempì di allusioni architettoniche e artistiche all'«antica Roma», un desiderio dichiarato di mantenere la continuità delle tradizioni antiche, anche se esse dovevano essere riformate per soddisfare le necessità di un nuovo contesto. In realtà non vi fu una permanenza letterale del classicismo, che sarebbe stata impossibile: ciò che accadde fu una continuità «selettiva». Questo processo fu cosciente e volontario, come conferma la letteratura dell'epoca. Alcuni prototipi formali furono mantenuti, mentre un grande repertorio di altri modelli fu semplicemente condannato all'oblio. Il mascheramento dei rapidi cambiamenti sociali e politici che avvenivano sotto le forme elette derivate dall'eredità classica fornì una coesione culturale importante in un momento in cui gli elementi costitutivi dell'impero tendevano alla diversità, e quando la frammentazione dello stato stava già diventando una minaccia reale. ^[53]

Cammeo che mostra Costantino nella sua incoronazione a Costantinopoli, del IV secolo, Museo dell'Ermitage

L'élite continuava a ricevere un'educazione classica e si manteneva conservatrice. I suoi membri leggevano autori consacrati, e attraverso di loro si familiarizzavano con la tradizione ancestrale, sviluppando il gusto per essa. Le città, le ville aristocratiche ei teatri erano decorati con immagini ancora pagane. La conversione di Costantino al Cristianesimo nel 312 determinò una rottura con questa tradizione, anche se non immediatamente né in forma completa.

Secondo Rachel Kousser:

Il prestigio delle statue pagane rimase elevato fino al IV secolo dC ; neanche l'ascesa del Cristianesimo e il bando del culto antico da parte di Teodosio I nel 391 provocò una immediata distruzione delle immagini religiose e decorative. Prudenzio , alla fine del IV secolo della nostra era, raccomandava ancora che si preservassero le statue degli idoli pagani come «esempi dell'abilità dei grandi artisti, e come splendido ornamento delle nostre città», e Cassiodoro racconta come si facevano sforzi ancora nel IV secolo per conservare le antiche sculture pagane come testimonianza della grandezza imperiale per la posterità. Malgrado ciò, in seguito la politica del papato e dell'impero cambiò, ei monumenti dell'antichità cominciarono a essere saccheggiati allo scopo di recuperare il materiale per usarlo in altre opere, stimolando una sconcertante ondata iconoclasta in tutto l'impero che decretò la scomparsa della grande maggioranza della favolosa collezione di opere d'arte accumulate lungo i secoli. ^[54]

Uso del colore come risorsa mimetica ed espressiva

Ricostruzione moderna della policromia originale in una replica di un ritratto di Caligola , esposizione Bunte Götter (2005)

Lo stesso argomento in dettaglio: Bunte Götter .

Come complemento del lavoro del taglio della pietra o della fusione del bronzo, l'effetto finale del pezzo scolpito era modificato con l'aggiunta di policromia sulla superficie, una pratica ereditata dai Greci e realizzata comunemente, come dimostrano i resoconti storici, e che dava alle sculture un aspetto totalmente diverso da come le vediamo oggi nei musei, solamente di pietra o di bronzo. Questo fatto storico, sebbene conosciuto da almeno due secoli, causa ancora oggi stupore, e di fatto diede luogo a un concetto erroneo, perfino tra gli archeologi ei conservatori dei musei che credevano che le opere originali fossero realizzate lasciando le apparenze del materiale impiegato, errore evidente che si perpetuò fino a poco tempo fa. Quest'uso decorativo dei pigmenti era in realtà un fatto fondamentale nell'arte antica, e non vi erano statue, fregi o rilievi che non ricevessero almeno dettagli di colore, quando non erano completamente dipinti.

Oltre alla pittura si usava inserire pezzi di altri materiali colorati come argento e oro, smalto, madreperla e vetro, per far risaltare certi tratti o parti anatomiche, e certi tipi di marmo colorato e pietre nobili come l' onice , l' alabastro e il sardonio , ricche di venature multicolori e trasparenze, potevano essere utilizzati in alcune parti degli indumenti delle statue per creare effetti più lussuosi. Recenti ricerche pubblicate insieme a esposizioni tematiche di grandi opere con il restauro dei loro colori originali, hanno offerto una visione completamente nuova dell'arte classica. ^{[55] [56]}

Lascito

I Romani furono il primo popolo a essere orgoglioso di fiorire all'ombra di una cultura straniera. Virgilio , nella sua Eneide , faceva dichiarare allo spettro di Anchise rivolto a Roma, non ancora nata, che nelle arti e nelle scienze essa sarebbe stata sempre inferiore ai Greci, ma li avrebbe superati nella guerra e nell'amministrazione pubblica. In un'altra parte il poeta si vantava perché la sua musa era stata la prima a cantare in versi alla maniera di Teocrito , e altri casi simili abbondano nella letteratura contemporanea dell'epoca. Come si è dimostrato, tutta la produzione romana di scultura fu una immensa debitrice dell'esempio greco, e lo stesso avvenne con le altre arti, come la poesia, la musica e l'architettura. Questo è un fatto, ma è stato interpretato da autori influenti come Arnold Toynbee e Roger Fry a demerito dei Romani, vedendoli come un popolo essenzialmente imitativo, una sottospecie di ellenisti, e il cui unico valore artistico sarebbe stato quello di trasmettere alla posterità l'eredità greca. Questa opinione rifletteva la posizione della critica alla fine del XIX secolo , che in sostanza incolpava i Romani di non essere greci, ma ironicamente essa deriva dagli stessi Romani, che mantenevano in relazione al loro ruolo di epigoni un atteggiamento allo stesso tempo orgoglioso e modesto. Ma come abbiamo visto ciò non impedì che i loro scultori sviluppassero alcuni tratti di evidente originalità, riconosciuti da altri critici, rendendo quell'accusa, per quanto basata su una chiara evidenza, non del tutto giusta. ^{[57] [58]}

D'altra parte, giudicare una cultura antica da un punto di vista moderno è sempre una manovra temeraria. I Romani si caratterizzavano per possedere genericamente un alto spirito pubblico e una forte avversione all'individualismo e alle eccentricità, il che fece sempre paura ai Greci, e le tradizioni ancestrali, pubbliche e familiari, furono sempre oggetto di estrema venerazione. Virgilio racconta nell' Eneide la storia di Enea che porta sulle spalle suo padre nella fuga da Troia, che diventò un modello della pietas romana, il dovere onorevole verso i padri, e perfino in epoche sconvolte da dispute politiche ed élite immorali e decadenti, anche se erano comuni in tutta la società comportamenti che oggi vediamo come crudeli e bizzarri, tra le qualità più apprezzate in un romano, vi erano la parsimonia , la severitas , la frugalitas e la simplicitas — parsimonia, austerità e dignità, frugalità e semplicità — ripetutamente elogiate nella letteratura coeva. Tenendo conto di questi fattori, la sua apparente mancanza di originalità diventa relativa e un tratto culturale identitario. In tutti i modi, la scultura ci offre molto materiale per poter studiare tutto il lascito romano e comprendere il suo peculiare atteggiamento in ambito culturale. ^[59]

Statua equestre di Marco Aurelio , ca. 176, Musei Capitolini

L'esempio dell'arte romana fu profondamente trasfigurato nel Medioevo : le invasioni barbariche e soprattutto l'avvento del nuovo culto cristiano cambiarono profondamente la concezione dell'arte e dei valori culturali, non rendendo più necessaria l'imitazione del dato reale dei soggetti. Tuttavia col Rinascimento si tornò a guardare alla scultura romana "imperiale" come un nuovo imprescindibile modello, rendendola un elemento fondamentale per l'elaborazione di una nuova estetica di quell'epoca. Raffaello , cosciente della vastità della perdita di opere antiche in tempi anteriori, deplorò l'abitudine di riutilizzare il marmo e il bronzo per creare altri oggetti, e la scoperta di vari esemplari di alta qualità della scultura romana in questo periodo causò sensazione nella società rinascimentale, stimolando copie e nuove interpretazioni, la ricerca ansiosa di altri resti in innumerevoli scavi archeologici, e la comparsa di un flusso di riproduzioni in incisione. La loro influenza sulla scultura del periodo è assolutamente innegabile. ^[60]

Durante il Barocco l'interesse per la statuaria antica non diminuì. Maestri come Bernini erano notori amanti dell'arte greca e romana, e la sua produzione deve molto agli esempi antichi e ai temi classici, tuttavia si andava verso un superamento del modello classico, in favore di effetti maggiormente dinamici e teatrali. Nel XVIII secolo, formandosi tra le élite il costume del « Grand Tour Europeo », Roma era la visita obbligata, e il desiderio della conoscenza e dell'acquisizione dell'arte dell'antichità classica si trasformò in una mania, determinando a fine del secolo il diffondersi del Neoclassicismo . Tra i secoli XVIII e XIX si formarono diverse collezioni private importanti in vari paesi, e che in Inghilterra , in particolare, servivano anche a garantire la buona reputazione sociale dei proprietari ea facilitarne l'accesso a incarichi pubblici. Malgrado gli artisti neoclassici ammirassero la produzione greca, la loro reinterpretazione dello stile classico in realtà si basava anzitutto su principi romani, per il semplice fatto che le opere conosciute in quell'epoca erano quasi tutte romane, e non greche. A metà del XIX secolo, con la riapertura della Grecia verso l'occidente dopo un lungo dominio turco, con la realizzazione di varie ricerche archeologiche che portarono alla luce una grande quantità di opere originali greche, e sotto l'influenza della corrente romantica , il gusto del pubblico tese verso l'Ellenismo, ma neanche allora l'arte romana cadde in disgrazia, poiché un nuovo impeto collezionistico di nuovi ricchi nordamericani mantenne alta questa tradizione. Nel XX secolo , tuttavia, la rivoluzione modernista condusse a una drastica diminuzione della capacità dell'arte romana di ispirare le nuove generazioni di artisti, sebbene le collezioni di scultura dell'antica Roma continuino fino ai giorni nostri ad attrarre moltitudini in tutti i musei dove sono esposte e siano parte importantissima del patrimonio di una civiltà la cui memoria rimane sorprendentemente viva, e dalla quale nacque la nostra stessa cultura. ^{[61] [62]}

Note

Bibliografia

• ( ES ) Xavier Barral i Altet, El marco del arte romano , in Historia Universal del Arte: volum 2 , Barcellona, Editorial Planeta, 1987, ISBN 84-320-8902-8 .
• ( EN ) Mary Beard, John Henderson, Classical art: from Greece to Rome , Oxford University Press, 2001, ISBN 978-0-19-284237-4 .

Voci correlate

• Storia della scultura
• Arte romana
• Scultura greca classica

Altri progetti

• Wikiquote contiene citazioni di o su scultura romana
• Wikimedia Commons contiene immagini o altri file su scultura romana

Collegamenti esterni

• ( EN ) Cultural VR Lab - Ricostruzioni virtuali della Roma Antica
• ( EN ) Greek and Roman Art in the Ancient World . The Metropolitan Museum of Art , su metmuseum.org .
• ( EN ) Articoli sull'arte romana , su visual-arts-cork.com .
• ( EN ) Arte dell'impero romano , su all-art.org .

Arte romana
Periodizzazione dell' arte romana	Arte romana arcaica · Arte romana repubblicana Arte augustea e giulio-claudia · Arte flavia · Arte traianea · Arte adrianea · Arte dei primi Antonini · Arte nell'età di Commodo Arte tardoantica · Arte severiana · Arte nell'età di Gallieno · Arte dioclezianea e della tetrarchia · Arte costantiniana · Arte teodosiana · Arte paleocristiana
Tipologie	Arte plebea · Arte provinciale · Architettura romana · Scultura romana · Ritratto romano ( Ritratto repubblicano ) Sarcofagi romani · Pittura romana ( Stili pompeiani · Pittura di giardino ) · Ceramica romana · Urbanistica romana

V · D · M Storia della scultura occidentale
Scultura preistorica · Scultura etrusca · Scultura greca · Scultura romana · Scultura altomedievale · Scultura romanica · Scultura gotica · Scultura rinascimentale · Scultura manierista · Scultura barocca · Scultura del Settecento · Scultura neoclassica · Scultura dell'Ottocento · Scultura contemporanea

Portale Antica Roma

Portale Scultura