Stilul Ludovic al XII-lea

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Aripa în stil Ludovic XII a Château de Blois (1498-1503)

Stilul Ludovic al XII-lea este un stil artistic și arhitectural născut în Franța și care constituie o tranziție între stilul gotic și Renașterea franceză timpurie . A fost rezultatul războaielor din Italia ale lui Carol al VIII-lea și Ludovic al XII-lea care au făcut posibilă pentru prima dată relaționarea Franței de atunci cu Renașterea italiană [1] . În general, în special în arhitectură, dacă structura a rămas profund franceză, schimbările decorative influențate de stilul italian au fost la fel de profunde [2] .

Din 1495, o colonie de artiști italieni se stabilise la Amboise pentru a colabora cu colegii lor francezi [1] . Acesta este în general considerat a fi începutul stilului Ludovic al XII-lea.

Cu toate acestea, pentru a determina acest nou stil, nu este necesar să se ia în considerare doar relația cu Renașterea italiană care a fost, de asemenea, fundamentală; de fapt, producția arhitecturală franceză a intrat în contact și cu cele platerescice spaniole și nord-europene, în special în Anvers în ceea ce privește artele decorative, cum ar fi pictura și sticla [3] .

Limitele de difuzie ale stilului Ludovic al XII-lea s-au înăsprit în jurul Văii Loarei . Pe lângă cei șaptesprezece ani de domnie a lui Ludovic al XII-lea (1498-1515), această perioadă a inclus și sfârșitul domniei lui Carol al VIII-lea și începutul celui al lui Francisc I , deci din 1495 până în 1525/1530 [4] Anul 1530 este fundamental pentru tranziția către noul stil, cu întemeierea de către Francisc I a Școlii de la Fontainebleau sau pentru nașterea Renașterii franceze complete [2] · [4] .

Context istoric

Cardinalul Giorgio d'Amboise , reprezentat în spatele lui Ludovic al XII-lea , miniatură preluată din Rhymes din ambele averi ale lui Petrarca , de Jean Pichore (BnF Ms Fr 225, f.165).

Dacă italianismul a fost un sentiment prezent în Franța încă de pe vremea lui Petrarca în literatură , de Jean Fouquet în pictură și de Francesco Laurana în Marsilia în arhitectură [2] , în special războaiele din Italia ale lui Carol al VIII-lea și Ludovic al XII-lea au pus Franța în relații strânse cu renașterea artelor care în acei ani se dezvolta în Italia. De la domnia lui Carol al VIII-lea , obiceiurile franceze au devenit mai rafinate și mai apropiate de gustul celor italiene [5] . Arhiepiscopul Claudius de Seyssel în Lauda lui Ludovic al XII-lea [6] , a descris „ clădirile publice și private mari ” pe care suveranul le ridicase în timpul domniei sale. A putut vedea că casele erau mobilate peste tot într-un mod luxos. În acest context, în 1495, douăzeci și doi de artizani italieni au venit la Amboise pentru a „construi și a face lucrări după moda Italiei [4] ”. inclusiv „ deviseur de bâtiments ” (arhitect) Giovanni Giocondo , sculptorii Guido Mazzoni și Jérôme Pacherot, iluminatorii Domenico da Cortona și Bernardino da Brescia și din nou grădinarul napolitan Pacello da Mercogliano [2] . În același mod, ambasada lui Cesare Borgia , din 1499, a contribuit la revigorarea acestei influențe, precum și la intervenția lui Francesco I la Campo del Drappo d'Oro .

Frecventele „călătorii” ale lui Carol al VIII-lea și ale lui Ludovic al XII-lea în Italia nu au dus, de fapt, la o conversie imediată către stilul renascentist italian al artei franceze a vremii [5] . Doar câteva personalități ale clerului și ale nobilimii, precum și finanțatori în serviciul regelui au început să se intereseze de arta italiană, dar Ludovic al XII-lea însuși a fost indiferent [2] . Prin urmare, nobilimea a avut tendința de a vedea expedițiile militare în Italia ca o modalitate de a-și testa virtuțile aristocratice ale memoriei medievale și de a face avere în același timp [7] .

Mareșalul de Gié a fost primul care s-a interesat activ de grupul Amboise, al cărui cardinal d'Amboise și locotenentul general Charles II de Amboise au fost cei mai ilustri reprezentanți [2] . Acest grup de inovatori a importat totul din Italia: picturi, obiecte de marmură precum statui, medalioane, fântâni, sculpturi din diferite materiale. Atât de repede motivele artei italiene au început să se încadreze în arhitectura unor hoteluri particulare ( Bourges , Blois , Tours ) și castele ( Gaillon , Bury, Chateaudun ...) care, rămânând în mod sincer legat de structura franceză de bază, în majoritate de stil gotic flambiant , au încorporat unele inovații stilistice [4] .

În căutarea continuă de a reproduce stilul italian într-un fel și în urma unor cereri continue, Amboise au ajuns să apeleze direct artiști din Italia în Franța pentru a interpreta noi lucrări in situ . Diferitele realizări au fost realizate cu colaborarea masonilor francezi care au pus în primul rând tradiția artistică națională și au căsătorit-o cu noile motive artistice la modă [4] . Prin urmare, formele arhitecturale importate au fost găsite cel puțin inițial inserate forțat în construcțiile gotice preexistente, forțând astfel artiștii să găsească noi soluții pentru a adapta sinteza celor două stiluri [4] . Ornamentele, care tindeau tot mai mult să preia modelele italiene, au suferit, așadar, adaptări la arta franceză: noile motive au fost reinterpretate în funcție de libertatea sculptorilor francezi odată cu crearea unui nou repertoriu pestriț [2] · [4] .

Terminologie

Unii istorici de artă au descris stilul Ludovic al XII-lea ca un abuz de limbaj pentru perioada 1495-1525/1530 pentru un stil substanțial de tranziție între arta gotică și Renașterea franceză propriu-zisă. În orice caz, denumirea stilului Louis XII a fost concepută și implementată doar în vremuri mai recente, când s-a remarcat diferența substanțială dintre cele trei ere artistice și stilistice și importanța aceleiași tradiții și în cultura franceză.

Caracteristici principale

Cadru în ouă, corbeli și flori renascentiste de cassettonia , împreună cu o decorație în flamboyant ( castelul Chateaudun , după 1518).

Stilul Ludovic al XII-lea (1495 - 1525/1530) este un stil de tranziție, un scurt pasaj între două epoci care îmbrățișează perioadele gotice și renascentiste. Califică o eră în care naturalismul ogiv și gotic s-au contopit pentru a da viață unui stil tipic Renașterii franceze timpurii. Exemple ale acestui nou stil de amestecare pot fi găsite în castelul Blois și în mormântul lui Ludovic al XII-lea din Saint-Denis [4] .

În istoria artei, stilurile de tranziție sunt întotdeauna un compromis între un stil și altul, adică deformarea stilului mai vechi pentru a forma noul stil. Primele indicii ale stilului Ludovic al XII-lea pot fi văzute deja în ultima parte a domniei lui Carol al VIII-lea, unde se vede tendința de a separa arcul ascuțit pentru a se apropia de arcul rotund . Influența lucrărilor efectuate de Bramante la Milano pentru Ludovico il Moro este clar perceptibilă în aripa castelului Amboise ridicat de Carol al VIII-lea [2] : dacă partea superioară a castelului este distinct gotică, fațada are o logie , o serie de arcuri rotunde cu stâlpi netezi. În general, formele ornamentale prezintă o mai mare regularitate și simetrie decât în ​​trecut, cu adăugarea de elemente tipice decorului renascentist, cum ar fi cochilia. Această evoluție devine deosebit de perceptibilă dacă observăm exemple precum castelul Meillant ale cărui lucrări au fost comandate de Carol al II-lea din Amboise începând cu 1481: menținând structura tipic medievală, suprapunerea ferestrelor cu pinacolele anunță deja temele primei Renașteri franceze. , precum și tema „templului” (preluată și din opera lui Bramante) și utilizarea scărilor elicoidale asociate cu o serie de arcuri rotunde [8] .

Cadru renascentist cu ouă și templu mic care învinge Tour du Lion ( Meillant , c. 1510).

Dacă la sfârșitul domniei lui Carol al VIII-lea contribuția ornamentelor italiene s-a dus la îmbogățirea repertoriului gotic flambiant, mai ales sub Ludovic al XII-lea școala artistică franceză s-a deschis complet Italiei cu noi propuneri, stabilind astfel principiile unei stil nou, deși tranzitoriu [4] .

În sculptură, contribuția sistematică a elementelor italiene a dus la reinterpretarea artei gotice în lumina Renașterii italiene, așa cum se poate observa în Abația Saint-Pierre de Solesmes, unde structura gotică ia forma unui arc de triumf roman flancat de stâlpi de inspirație lombardă cu candelabre. Frunzele gotice seamănă cu cele de la Hôtel de Cluny din Paris și sunt amestecate cu tondi cu portrete ale împăraților romani la castelul Gaillon [2] .

În arhitectură, utilizarea tehnicii „ brique et pierre ” (cărămidă și piatră), deja prezentă în clădirile din secolul al XIV-lea din Franța, a devenit o modă și mai răspândită ( Château de Ainay-le-Vieil , aripa în stil Louis XII a castelul Blois , Hôtel d'Alluye de Blois ). Acoperișurile înalte franceze, cu turnulețe de colț și scări elicoidale, se amestecă cu tema logiei, de exemplu, sub influența celor prezenți la vila din Poggio Reale sau la Castelul Nuovo din Napoli . Limba franceză și-a redescoperit renașterea începând de când a fost văzută la Pavia și Milano, făcând-o cumva mai regală și mai potrivită pentru a reprezenta o anumită modernitate pe care statul francez a dorit să o exprime cu arta sa [4] .

Ca parte a acestei mutații, grădinile au devenit, de asemenea, o parte importantă a arhitecturii : sosirea în Amboise a artiștilor italieni în domeniul proiectării grădinilor, cum ar fi napoletanul Pacello da Mercogliano, a fost originea creării primelor grădini franceze în stil renascentist și concepția pentru prima dată a nevoilor de peisaj în crearea spațiului din jurul arhitecturii; martor al acestor schimbări sunt construirea unei menajerii și lucrările pentru crearea unei prime portocalii începând din 1496 în Jardins du Roy aflate apoi în feudul regal al Château-Gaillard [9] . În 1499, Ludovic al XII-lea a încredințat construcția noilor grădini ale castelului Blois grupului care a lucrat pentru Georges d'Amboise pentru a crea partere pe modelul celor create pentru castelul Gaillon [10] .

Ornamente

Culmile și mâinile

Garniturile

Peste ușă

Arc dublu clopot

Cochilia

Heruvimii înaripați

Capitalele

Coloane și stâlpi

Coloane răsucite și în formă de diamant

Ferestrele încadrate

Lojile

Lucernele

Șemineele

Arhitectură

Descriere generala

La palatul Ducilor de Lorena de Nancy (1511-1529), structura medievală a fost modernizată grație contribuției meșterilor italieni [2] .

Există încă multe monumente astăzi care datează de la începutul secolului al XVI-lea și care, prin urmare, pot fi combinate cu stilul Ludovic al XII-lea. Lucrarea poate magistrală a perioadei la nivel arhitectural a fost, fără îndoială, cea a lui Colin Biart și Catien Fordebraz în aripa în stil Louis XII a castelului Blois , cea a lui Jacques Sourdeau la castelul Verger de Seiches-sur-le-Loir sau inovațiile spectaculoase ale lui Florimond Robertet la Castelul Bury .

Călătoriile ” lui Carol al VIII-lea și Ludovic al XII - lea nu au dus la o conversie imediată a artei franceze la Renașterea italiană, ci mai degrabă a existat o perioadă de tranziție care a ghidat stilul arhitectural francez de la gotic la noul stil renascentist francez [2] . Mai mult, odată cu războaiele din Italia , multe familii aristocratice franceze au intrat în contact cu lumea artei de dincolo de Alpi și au rămas fascinate de aceasta [2] . Astfel au început și în Franța primele realizări conform dictatelor unui stil nou care a fost propus ca intermediar, cu exemple precum diferite hoteluri ( Bourges , Blois , Tours ) și castele ( Gaillon , Bury, Châteaudun ...), care a inclus tot interiorul fațadelor și structurilor preexistente, elemente arhitecturale și decorative preluate din Renașterea italiană [4] .

Castelul Argy , parțial distrus în secolul al XVIII-lea, a fost construit în jurul anului 1509, iar aripa sa în stil Louis XII a fost inspirată de castelul Blois .

Colaborarea s-a născut implicând artiști italieni cu zidari francezi [4] . Formele arhitecturale importate au fost imediat inserate în sistemul de construcții gotic preexistent, forțând astfel meșterii să găsească noi soluții și să creeze o sinteză între cele două stiluri cât mai armonioasă posibil [4] , reinterpretând în același timp dictatele italianului. Renașterea [2] · [4] .

În această perioadă, în Franța, arhitectul era încă un „stăpân al zidului”, un pietrar medieval. La fel ca predecesorii săi, de fapt, un „ devise de bâtiments ” nu a fost un pictor și sculptor, așa cum sa întâmplat în aceeași perioadă în Italia, ci mai degrabă un „ suit d'images ”, un simplu desenator. Adesea arhitecții francezi medievali au devenit artiști fără cunoștința lor, în încercarea de a găsi soluții la ceea ce doreau patronii lor și, din acest motiv, inspirația artei italiene a reprezentat o ieșire interesantă din care să tragă idei noi [4] . Odată cu aderarea la tron ​​a lui Francisc I, profesia de arhitect s-a format mai clar, precum și arta franceză a căpătat o particularitate mai naționalistă [4] .

În dictatele stilului Ludovic al XII-lea, dacă goticul a continuat să exceleze în sfera religioasă, comisioanele de la persoane private au dat loc unor elemente ale arhitecturii renascentiste italiene [1] · [4] .

Urmând exemplul castelului Blois , cercetările decorative au arătat diversitatea acestuia. Influența italiană, reinterpretată de maeștrii francezi ai zidului, a fost observată inițial în curțile interioare ale clădirilor cu prezența primelor loggii care au fost inspirate din exemple contemporane precum cele construite de Bramante în clădirea cancelariei din Roma . Răspândite în această perioadă au fost coloana răsucită sau pastilă.

Fațadele au menținut un aspect monumental: intenția a fost să înfrumusețeze, dar și să arate prestigiu cu noul stil, în special în clădirile reprezentative. Căutarea simetriei a fost exprimată prin utilizarea ferestrelor transversale cu traverse aliniate vertical și orizontal. Răspândirea stilului italian se datorează și prezenței numeroaselor tipografii (50 doar în Italia și 9 în Franța la începutul secolului al XVI-lea) care, începând din 1480, au început să răspândească imagini de palate și repertorii de ornamente din trecutul mai ușor decât în ​​trecut. 'Italia. [2] .

Ca și în cazul castelului Chaumont-sur-Loire , rigiditatea formelor medievale ale clădirilor a fost observată curând în contrast cu necesitatea de a se potrivi elementelor noi din Renaștere. De exemplu, stilul francez a menținut tradiția aplicării armelor de familie sau a însemnelor proprii pe palate și decorațiuni, dar le-a reinterpretat în stilul portughez manuelin din aceeași epocă și însuși Ludovic al XII-lea care a luat figura porcupinului însemnele personale el l-a asociat adesea cu motto-ul latin: Cominus et eminus .

O obsesie deosebită a fost aceea pentru scări, considerate ca un element triumfător care trebuie să fi fost adevărata carte de vizită pentru un vizitator extern la o clădire; aveau adesea o formă singulară, cu decorațiuni bogate sau în formă de spirală, ca în cazul aripii de nord a castelului Chateaudun [2] .

Ultima etapă a stilului Ludovic al XII-lea poate fi văzută la nivel arhitectural în castelul Gaillon sau în cel al lui Bury și apoi ajunge la începutul Renașterii [2] .

Exemple de clădiri

Clădiri precursoare în stil Louis XII:

Clădiri în stil Ludovic al XII-lea cu o dominanță gotică flamboantă:

Edifici di stile Luigi XII con dominante stile rinascimentale italiano:

Edifici di tardo stile Luigi XII:

I giardini

Con lo stile Luigi XII i giardini divennero una parte fondamentale dell'architettura e della pianificazione dello spazio attorno all'edificio: l'arrivo ad Amboise di artisti italiani tra cui il giardiniere napoletano Pacello da Mercogliano fu all'origine della creazione da parte di Carlo VIII dei primi giardini alla francese [9] .

I Jardins du Roy al feudo reale di Château-Gaillard

Château-Gaillard.JPG

I Jardins du Roy del feudo reale di Château-Gaillard rappresentano il primo lavoro svolto da Pacello da Mercogliano in Francia secondo i dettami dell'architettura paesaggistica.

A partire dal 1496 vennero realizzati i giardini di Château-Gaillard che per primi sul suolo francese ebbero una prospettiva assiale ed i primi parterres « à la Française », integrando uno specchio d'acqua derivato dal fiume Amasse per alimentarlo. Per i primi esperimenti di acclimatazione agronomica, Pacello da Mercogliano portò degli agrumi (aranci e limoni in particolare) sul posto e vi sviluppò la prima serricoltura della Francia grazie alla creazione di una prima orangerie con la quale fu possibile coltivare la varietà di prugna Reine-Claude e sviluppare la coltura di meloni e pomodori anche nella Francia settentrionale.

Luigi XII cederà il dominio nel 1505 per un costo annuale 30 soldi ed un buquet di fiori d'arancio all'anno come dono feudale [10] .

Il castello d'Amboise

A seguito dei lavori compiuti nel feudo reale di Château-Gaillard (Amboise) , Pacello da Mercogliano e la sua équipe contribuirono a rifare i giardini del castello d'Amboise , creandovi anche una ménagerie .

Il castello di Blois e quello di Gaillon

Nel 1499, Luigi XII di Francia affidò la realizzazione dei giardini del castello di Blois alla medesima équipe che aveva già operato per Georges d'Amboise nei giardini del castello di Gaillon : il parco era stato rivoluzionato con la creazione di parterres di fiori ed alberi da frutta. Il primo parterre rappresentava poi lo stemma di Francia con l'uso di fiori. Il bosso era scolpito a forma di cavalieri, navi e uccelli. Ovunque si scorgevano fontane di marmo.

Il castello di Bury

Il castello di Bury ( Jacques Ier Androuet du Cerceau , « Les plus excellents bastiments de France »).

Come transizione tra il gotico ed il primo rinascimento, i giardini del castello di Bury vennero realizzati tra il 1511 ed il 1524 da Florimond Robertet , segretario di stato di re Luigi XII e Francesco I di Francia [5] .

Robertet aveva visitato la Villa Medicea di Fiesole ed aveva voluto riprodurre anche in Francia i giardini terrazzati che aveva avuto modo di vedere. Il castello di Bury si staccava dal disegno tradizionale delle fortezze medievali proprio per via dei suoi giardini. Nell'ottica del progetto, il visitatore avrebbe dovuto attraversare dapprima un parterre quadrangolare con all'interno un castello scolpito nel bosso con a sua volta dei piccoli giardini attorno. Ovunque sarebbero state presenti fontane e gallerie di bosso che avrebbero definito l'asse centrale che collegava il palazzo con la cappella situata all'estremità opposta del parco [13] .

Fu proprio grazie all'ispirazione dello stile rinascimentale italiano che andarono sviluppandosi i giardini del castello di Bury lungo una collina, offrendo un panorama unico sulla foresta di Blois [14] . L'elemento più esemplificativo del modello italiano, ad ogni modo, Florimond Robertet lo piazzò nel cortile principale del castello, una copia in bronzo del David di Michelangelo , dono della repubblica di Firenze [2] .

La scultura

La scultura di stile Luigi XII nacque proprio dallo stile gotico fiammeggiante di cui ancora portava i segni della sua vitalità. La Scuola della Valle della Loira che si sviluppò proprio nel XV secolo influenzava ancora la scultura e introdusse a poco a poco delle novità sulla base degli spunti tratti dalle incisioni provenienti dall'Italia e dalle tappezzerie fiamminghe che circolavano all'epoca.

Cristo nella tomba, 1496, Abbazia di Saint-Pierre de Solesmes .

L'apporto sistematico di elementi italiani portò ad una reinterpretazione dell'arte gotica all'insegna del rinascimento italiano come è chiaramente manifesto nel Santo Sepolcro di Solesmes (1496) dove la struttura gotica riprende la forma di un arco di trionfo romano fiancheggiato da pilastri e candelabri lombardi.

L'atelier di Michel Colombe , che lavorò per Anna di Bretagna e che fu particolarmente attivo nella sua epoca, collaborò con altri artisti come Jérome Boucherot, l'italiano Girolamo da Fiesole e Philippe Pot . Tra gli esempi di sculture più celebri dell'epoca, si ricorda la Tomba di Francesco II di Bretagna e di sua moglie Margherita di Foix , che riprende la versione classica delle tombe italiane tardo-gotiche, come del resto il rilievo in marmo di San Giorgio e il drago proveniente dalla cappella del castello di Gaillon ed influenzato dalla tecnica di Donatello nonché scene analoghe riprodotte a Genova nella medesima epoca. Questa nuova capacità di utilizzo del marmo, si confermò anche nella tombe dei figli di Carlo VIII con un sarcofago d'influenza italiana sormontato dalle figure dei due figli a grandezza naturale secondo la tradizione del gotico francese.

Guillaume Regnault continuerà questa ricerca anche nel primo rinascimento francese, associandosi a Guillaume Chaleveau ed all'atelier italiano dei fratelli Juste a Tours (Tomba di Luigi XII e Anna di Bretagna , c. 1517, Basilica di Saint-Denis ).

Pittura e miniatura

La pittura di questo periodo e soprattutto la miniatura fu particolarmente fiorente durante lo stile Luigi XII, tramite in particolare tre artisti di spicco: Jean Perreal , Jean Bourdichon e Jean Hey .

La tradizione medievale dominava ancora la pittura ma questa si stava già evolvendo verso i canoni del rinascimento italiano. Grande importanza rivestì l'invenzione della stampa che apparve attorno al 1480 e permise la diffusione di testi e libri con raffigurazioni architettoniche e repertori ornamentali tipici del rinascimento italiano [3] . I miniaturisti ebbero una notevole influenza nel panorama della pittura e sulle arti decorative in generale, in particolare quelli di Limoges la cui produzione ebbe inizio nel 1480.

Jean Perreal

Luigi XII in preghiera , miniatura del 1494 ( Bibliothèque nationale de France , Lat. 4804).

Jean Perréal detto Jean de Paris , è considerato uno dei primi pittori dello stile Luigi XII come artista di transizione tra l'epoca medievale ed il pieno rinascimento francese.

Il luogo di nascita e di formazione di Jean Perréal ci sono sconosciuti, ma probabilmente notevole influenza su di lui e sul suo stile ebbe il padre Claude Perréal, anch'egli pittore e poeta [15] . Attorno al 1506 prese il nome d'arte di Jean de Paris [16] . Secondo alcuni tale scelta venne dettata dalla necessità di prendere un nome d'arte che richiamasse la centralità della Francia e della sua capitale. Malgrado i suoi frequenti viaggi all'estero ed il suo status di pittore del re, rimase sempre attaccato a Lione dove si sposò e dove visse con la sua famiglia [17] . Pittore, architetto e poeta, Jean Perréal fu pittore di corte sotto Carlo VIII , Luigi XII e Francesco I . Nel 1500 viaggiò in Italia da dove importò un nuovo modo di dipingere il figurativo che venne poco dopo imitato da Corneille de Lyon e da Jean Clouet .

Nel 1496, venne designato "valletto di camera e commensale del re" ed ebbe così accesso a corte, con la possibilità di ritrarre alcuni dei favoriti del re come Philibert II de la Platière e Antoine de Luxembourg . In questo stesso periodo si dedicherà anche a pitture a tempera su tavola che dimostrano tutta la maturità artistica raggiunta dal pittore [18] .

Con l'inizio del regno di Luigi XII , mantenne il favore del sovrano: nel 1499 e nel 1500, seguì il re nelle guerre d'Italia , nella conquista di Milano ; ebbe modo così di incontrare l'artista tourenger Jean Poyer , Francesco II Gonzaga e Leonardo da Vinci dal quale, si dice, abbia appreso la tecnica della pittura a secco e della fabbricazione dei colori alla maniera italiana. Francesco Gonzaga gli commissionò un ritratto del cardinale d'Amboise e un San Giovanni Battista [18] . Secondo Jean Lemaire de Belges , Jean Perréal accompagnò Luigi XII con l'intento di rappresentarne le vittorie sul campo, ma nulla che egli poté realizzare in tal senso è giunto sino a noi [17] .

Jean Perréal divenne rinomato soprattutto come ritrattista, genere che contribuì a rendere popolare in Francia, abbinandolo all'uso del trompe-l'œil e delle tecniche già sperimentate nella miniatura del perfetto realismo tipico del gotico fiammeggiante.

Jean Bourdichon

Jean Bourdichon ed il suo atelier a Tours , sua città natale, ebbero il vantaggio di trovarsi a diretto contatto con Carlo VIII di Francia quando questi trasferì la propria corte nella Valle della Loira . Ancora una volta il suo stile fu di transizione tra quello gotico e quello rinascimentale in pittura.

Cresciuto alla scuola di Jean Fouquet , da questi apprese l'uso sapiente della prospettiva. Il maestro del Boccaccio di Monaco che è senza dubbio uno dei due figli di Jean Fouquet [19] , lo influenzò pure fortemente. Nel 1481, Jean Bourdichon succedette a Jean Fouquet come "pittore e valletto di camera del re". La clientela di Bourdichon era quella più vicina al re e si impose per la sontuosità e la ricchezza delle proprie realizzazioni, in particolare nelle miniature.

Les Grandes Heures d'Anne de Bretagne [20] , è uno dei manoscritti miniati più popolari al mondo [21] . Secondo i dettami dello stile Luigi XII, l'opera appare ancora oggi piena di riferimenti ornamentali al rinascimento italiano, con una qualità straordinaria per un libro d'ore. Ogni scena, bordata di un semplice riquadro dipinto a finto legno, riporta un'iscrizione sul basso per spiegare la scena raffigurata. Lo stile dei volti fu probabilmente influenzato dall'opera del maestro di Coëtivy . Come già accaduto per Jean Fouquet , anche questo artista manifestò una certa predilezione per i decori di stile notturno, con un fondo blu scuro da cui emerge una fonte di luce in lontananza.

Anna di Bretagna commissionò Le Voyage de Gênes a Jean Bourdichon che utilizzò i versi di Jean Marot da accompagnare ai propri dipinti. Questi aveva seguito Luigi XII nelle sue spedizioni contro Genova e contro Venezia , con la missione dichiarata di celebrarne i successi e per questo compose un poema dal titolo Voyage de Gênes .

Épîtres de poètes royaux , è invece una collezione curiosa di undici poemi o epitaffi con connotazione politiche basati su una corrispondenza tra Anna di Bretagna in Francia ed il re Luigi XII impegnato allora a combattere contro Venezia . L'opera venne illustrata da undici dipinti in miniatura a piena pagina sul verso dei fogli, con scene allegoriche e descrittive note per la ricchezza e la raffinatezza delle esecuzioni. Il testo, come del resto le immagini, celebravano la gloria di Luigi XII, dedicando ampio spazio alle ricche vesti dei personaggi [21] come pure alla prospettiva.

Jean Hey

Il delfino Carlo Orlando , morto a tre anni per aver contratto la rosolia (1492-1495, Louvre ).

Jean Hey , noto anche come Le Maître de Moulins , fu un pittore, disegnatore di cartoni e miniaturista francese che fu attivo tra il 1475 ed il 1505.

D'origine fiamminga, lavorò alla corte di Carlo II di Borbone e poi di Pietro II di Borbone . È considerato oggi come il più grande dei pittori francesi attivi tra l'ultimo quarto del XV secolo e l'inizio del XVI secolo. Il suo stile, influenzato da quello di Hugo van der Goes e di Jean Fouquet , si modificò poco a poco sotto l'influenza degli italiani e partecipò quindi all'evoluzione dello stile del suo tempo.

Jean Hey è stato identificato con una certa certezza come il Maître de Moulins , artista reso celebre dal Trittico della Vergine in gloria della cattedrale di Moulins. Di lui abbiamo oggi in tutto una dozzina d'opere di spessore da lui eseguite.

Nel suo Ecce Homo , Jean Hey diede un vero e proprio punto di svolta nella rappreentazione di Cristo in quel particolare momento evangelico, nudo e senza il classico mantello rosso come prevedeva l'iconografia dell'epoca [22] . Questa ispirazione gli pervenne direttamente dalle opere italiane dell'epoca [4] [23] .

Per la ricchezza del suo lavoro,

«L'impatto di Jean Hey fu considerevole [in Francia]»

[24] . Il cronista Jean Lemaire de Belges non esitò a citare la figura dell'artista nel suo poema del 1504 dal titolo Plainte du désiré ponendolo alla pari del Perugino , di Giovanni Bellini e di Jehan Perréal [22] · [25] .

L'arredamento

Anche nell'arredamento di quest'epoca si trovano le medesime transizioni riscontrabili nella scultura, nella pittura e nell'architettura, ovver oil passaggio dallo stile gotico al primo rinascimento francese tramite l'uso di un repertorio di stile rinascimentale italiano.

I materiali

  • L'albero di noce divenne uno dei legni più utilizzati in questo nuovo stile per la produzione di mobili, in particolare per la sua resistenza.
  • La quercia e l'abete divennero tra i legni più noti nell'ebanisteria francese dell'epoca assieme a molti alberi da frutta, al tiglio, all'all'ontano, al castagno ed alla farnia [12] .
  • Per la prima volta nella produzione di mobilio si impiegò anche del metallo: l'acciaio per le parti di sostegno, il ferro per i rinforzi, il rame, lo stagno e la foglia d'oro per gli ornamenti dei mobili più preziosi [12] .

Pannelli da interni

Per la decorazione degli interni, dal gotico venne mutuata la tradizione dell'uso dei pannelli e dell'uso di medaglioni ed arabeschi decorarti. [26] Come per le decorazioni dei mobili si trattava essenzialmente di bassorilievi.

I mobili

Cassapanca con decori a racemi (inizio del XVI secolo)
  • Il tavolo vero e proprio come noi lo conosciamo non esisteva e quindi si trattava spesso ancora di assi poggiate su cavalletti oppure si sfruttavano le parti superiori di mobili massicci come cassapanche. Dopo il pasto, la tavola quindi scompariva. Di conseguenza non esistevano vere e proprie sale da pranzo.
  • La cassapanca era un mobile ancora massiccio, squadrato, con la superficie superiore piana, talvolta ornata con un tappeto o una tovaglia ricamata nella parte alta. Le decorazioni a bassorilievo includevano l'uso di racemi (tipici dello stile rinascimentale) alternati all'uso di archetti pensili o arcate scolpite.
  • La panca era di legno massiccio, ricoperta di stoffe (spesso broccato). Le migliori in Francia erano prodotte a Tours e soprattutto a Lione .
  • La credenza di stile Luigi XII presente al musée de Cluny di Parigi , illustra chiaramente l'utilizzo di questo particolare mobile in un'epoca di transizione, ovvero nella scultura risente ancora dell'influenza dello stile gotico ma i tratti iniziano già a confondersi con gli stilemi del rinascimento.
  • Il baule, solitamente usato per i viaggi, era un mobile anch'esso resistente e talvolta ricoperto di pelle, con la parte superiore voltata.
  • Il comò entra in quest'epoca in uso per sostituire il classico cassettone. Attorno alla metà del Quattrocento inizia a comparire una forma più ingentilita del mobile, con maggiori decorazioni rispetto al passato.
  • La sedia padronale era un particolare tipo di poltrona riservata al capo di casa, più alta delle altre e solitamente sormontata da un baldacchino [12] .
  • Il faudesteuil , un particolare tipo di sgabello.

Gli arazzi

La dama e l'unicorno (1484-1500, museo di Cluny).
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Molti dei muri delle strutture di quest'epoca erano ricoperti da arazzi e tele provenienti da Tours o da Lione , divenuti proprio nella medesima epoca importanti centri di tessitura in Francia, pur essendovi delle importazioni provenienti dalle Fiandre. Affreschi e decorazioni permanenti al muro pervennero in Francia proprio a partire dalla tarda epoca rinascimentale, su influsso dello stile italiano.

Uno degli esempi più classici di arazzi in questo periodo è La dama e l'unicorno commissionata da Jean le viste , presidente della cour des aides , di origine lionese trasferitosi a Parigi. Questi attorno al 1500 commissionò una serie di arazzi che rappresentavano i cinque sensi, più un sesto il cui significato rimane enigmatico, pur rappresentando con tutta probabilità il tema del libero arbitrio con il pieno controllo dei propri sensi; la dama qui rinuncia ai propri beni materiali per inseguire unicamente "i suoi desideri".

I veri eroi della scena sono paradossalmente i due animali. Nel paesaggio di una sorta di Eden, vengono raffigurati un leone e un liocorno, simboli tradizionali del coraggio e della purezza.

La presenza del Millefleur di sfondo, i numerosi simboli araldici, stemmi e bandiere oltre alla presenza di una tenda militare, rimandano certamnete all'aristocrazia ed alla nobiltà d'animo a cui le virtù sono riferite.

I concetti aristotelici di elevazione dell'anima sopra i sensi, rimandano alla passione dei desideri dell'uomo (βούλησις) [27] . Come la maggior parte degli arazzi di quell'epoca in Francia, le figure appaiono allungate ei vari elementi presenti tendono ad accentuarne la verticalità, ma nel contempo rappresentano uno spaccato sulla quotidianità dell'aristocrazia francese all'inizio del XVI secolo.

Gli smalti di Limoges

L' Ecce Homo , dipinto dal maestro del trittico di Luigi XII (c. 1500, smalto su rame, 30 × 21 cm, Walters Art Museum , Baltimora ).

Detta anche opus lemovicense , a Limoges si diffuse in maniera particolare la tecnica della pittura a smalto su diversi materiali tra XII e XIII secolo. Dopo un periodo di successi in Europa occidentale, la città venne piagata dalla guerra dei Cent'anni e venne saccheggiata dalle armate di Edoardo di Woodstock nel mese di settembre del 1370. La produzione di miniature smaltate riprese con vigore alla fine del XV secolo, ma con una tecnica diversa, questa volta basata essenzialmente sulla pittura su rame. [28] .

Limoges, ad ogni modo, si specializzò anche nella produzione di un nuovo tipo di smalto (differente da quello già utilizzato in Italia per il medesimo scopo). In Italia, inoltre, lo smalto era spesso applicato su argento, mentre in Francia si preferì in rame, lavorabile in fogli più sottili e meno costoso da produrre, quindi anche più facile da vendere, il che ne contribuì ad una maggiore diffusione.

Dal 1480 al 1530 circa, gli smaltatori francesi realizzarono prevalentemnete placche da montare poi in trittici o alla base di pale d'altare. Queste pitture erano sempre policrome, talvolta arricchite da pagliuzze d'argento per rendere ancora più l'effetto del brillio. Il controsmalto, invece, era opaco e più scuro. L'iconografia era esclusivamente religiosa [28] . La maggior parte delle produzioni di stile Luigi XII, ad ogni modo, non erano originali, bensì riproduzioni di motivi a stampa provenienti perlopiù dall'Italia.

Trittico della Crocifissione dipinto da Nardon Pénicaud (c. 1495-1525, Walters Art Museum di Baltimora ).

Gli artisti di quest'epoca sono rimasti perlopiù anonimi o hanno nomi di convenzione come Pseudo-monvaerni, Maestro del trittico d'Orléans [28] . Con l'inizio del XVI secolo, ad ogni modo, alcuni artisti iniziarono a firmare le loro opere ed iniziarono ad emergere alcune dinastie di pittori, di cui la più rilevante per il periodo fu quella dei Penicaud. Il primo degli smaltatori conosciuti di questa famiglia, Nardon (abbreviativo di Leinard) è attestato a Limoges , tra il 1470 e la sua morte nel 1541; questi iniziò a siglare le proprie opere a partire dal 1503. I suoi smalti, eseguiti su fondo bianco, sono spesso impreziositi da pagliuzze d'oro; i soggetti sono contornati di nero; i corpi hanno toni violacei; i cieli sono di un blu intenso seminati di stelle d'oro. Le sue placche di rame sono di norma molto spesse e col retro ricoperto da scarti di fabbrica.

Un trittico del Maestro del trittico di Luigi XII, conservato al Victoria and Albert Museum di Londra , mostra il legame tra l'artista e la corte francese dell'epoca. Questi padroneggia perfettamente la tecnica degli smalti, come pure un certo legame con Jean Bourdichon , autore delle Grandes Heures di Anna di Bretagna . Egli si dimostra vicino anche all'arte italiana dell'epoca: l' Ecce Homo conservato al Walters Art Museum di Baltimora presenta la figura di Cristo circondato da putti già presenti nel modello in alcune pubblicazioni presenti nella biblioteca di Luigi XII al castello di Blois che lo smaltatore certamente ebbe modo di vedere e studiare.

Le vetrate istoriate

Dal XV secolo, le vetrate istoriate conobbero dei progressi tecnici rispetto al passato: i vetri vennero costituti da parti più regolari, con elementi singoli sempre più grandi, evitando così frequenti piombature che disturbavano la scena [29] . Come nella pittura su smalto, col XVI secolo iniziano a diffondersi le firme dei primi artisti anche in questo campo [29] .

Sotto l'influenza del nord Europa e soprattutto di Anversa , i personaggi raffigurati vengono trattati con un grande realismo d'influenza italiana e con una notevole rielaborazione della prospettiva e degli ornamenti secondo i dettami dello stile rinascimentale d'oltralpe. Anche in questo caso, molti modelli provenivano da opere stampate perlopiù italiane.

La geografia naturale, le alleanze e le implicazioni territoriali portarono opere di artisti olandesi a circolare in Piccardia o in Borgogna durante tutto il XV secolo. Il caso di Tournai , un'enclave della corona francese nella contea dell'Hainaut , è un esempio di come tale cultura delle Fiandre sia penetrata in Piccardia e poi da lì a Parigi [30] .

Alla fine del 1490, due pittori erano particolarmente attivi come maestri vetrai nella cattedrale di Tournai , Arnoldo di Nimega e Gauthier de Campes , i quali s'installarono coi loro laboratori l'uno a Rouen e l'altro a Parigi , giocando un ruolo particolare nello sviluppo di quest'arte, il primo come pittore di vetrate ed il secondo come pittore di cartoni per vetrate ed arazzi [30] .

Ancora una volta sotto l'influenza dello stile rinascimentale italiano, si sviluppò una delle più importanti famiglie di artisti vetrai dell'epoca, quella dei Leprince, che lavorò dalla fine del XV secolo al cantiere della cattedrale di Beauvais con opere magistrali come il rosone del transetto, realizzato da Engrand Leprince .

Il caso della chiesa di Notre-Dame de Louviers è altrettanto interessante per l'epoca. Questa chiesa possiede delle splendide vetrate realizzate tra il 1490 ed il 1530 che testimoniano non solo la ricchezza della città e della sua cattedrale, ma anche la grande perizia nel lavoro degli artigiani chiamati a realizzare opere per essa ed in particolare per la partecipazione di Arnoldo di Nimega e Engrand e Nicolas Le Prince al medesimo cantiere.

I pavimenti

I pavimenti, fino ad allora realizzati perlopiù con blocchi di pietra, iniziarono ad essere realizzati in ceramica o terracotta, dipinti con la tecnica dell'encausto con motivi decorativi presi, sotto l'influenza italiana, dalle maioliche.

Note

  1. ^ a b c ( FR ) Robert Ducher, Caractéristiques des styles , illustrazioni di Pierre Devinoy, Paris, Flammarion éditeur, 1963, pp. p80, ISBN 978-2-08-011359-7 .
  2. ^ a b c d e f g h i j k l m n o p q ( FR ) Jean-Pierre Babelon, Châteaux de France au siècle de la Renaissance , 32 cm, Paris, Flammarion / Picard, 1989/1991, ISBN 978-2-08-012062-5 .
  3. ^ a b ( FR ) Jannic Durand, L'art du Moyen-Âge , Paris, Bordas, 1989, ISBN 978-2-04-018507-7 .
  4. ^ a b c d e f g h i j k l m n o p q r ( FR ) Léon Palustre, L'architecture de la Renaissance , Paris, 7 rue Saint-Benoît, ancienne maison Quentin, Libraires-Imprimerie réunies, 1892, ISBN 978-1-5087-0118-7 .
  5. ^ a b c ( FR ) Robert Muchembled e Michel Cassan, Histoire moderne. Les XVIe et XVIIe siècles , in Grand Amphi , 24 x 2,1 x 18 cm, tome 1, Editions Bréal, 28 avril 2000, ISBN 978-2-85394-730-5 .
  6. ^ ( FR ) Claude Seyssel, 1508 , in Les louenges du roy Louys XIIe de ce nom , Genève, éd. Patricia Eichel-Lojkine et Laurent Vissière, 2009, ISBN 978-2-600-01278-2 .
  7. ^ ( FR ) Hauser Henri, Seizième siècle (1494-1610) , in Les Sources de l'histoire de France , Les premieres guerres d'Italie. Charles VIII et Louis XII (1494-1515) , vol. 1, Paris, 82 rue Bonaparte, Alphonse Picard et fils, 1906, ISBN 978-0-259-00709-8 .
  8. ^ ( FR ) Guide du patrimoine Centre Val de Loire , Paris, Hachette , 1992, pp. p. 436-439, ISBN 2-01-018538-2 .
  9. ^ a b ( FR ) Claude Wenzler,Architecture du jardin , in Architecture , illustrazioni di Hervé Champollion, 23 x 16,5 x 0,3 cm, Paris, Ouest France, février 2003, pp. 32 , p12, ISBN 978-2-7373-3177-0 .
  10. ^ a b ( FR ) Claude Wenzler,Architecture du jardin , in Architecture , illustrazioni di Hervé Champollion, 165 x 230 mm, Paris, Ouest France, 2003, pp. 31 pages, p14, ISBN 978-2-7373-3177-0 .
  11. ^ ( FR ) Eugène Viollet-le-Duc, Dictionnaire raisonné de l'architecture française du XIe au XVIe siècle , tome 1, Paris, rue Mignon, Imprimerie de E. Martinet, 1854-1868, pp. Accolade, ISBN 978-3-8491-3597-3 .
  12. ^ a b c d ( FR ) J. Storck (impr. de L. Maretheux), Le Dictionnaire Pratique de Menuiserie, Ebénisterie, Charpente. , 280 x 200, Paris, Lardy, S., 1900, p. 969, ISBN 978-2-85101-071-1 .
  13. ^ Prévôt, Histoire des jardins , p. 106.
  14. ^ Wenzler, Architecture du jardin , p. 14.
  15. ^ Vedi l'articolo di Luisa Nieddu « L'hommage de Jean Perréal à son ami Pierre Sala » in Elsig, 2014, p.151.
  16. ^ Béghain, 2011, p.19.
  17. ^ a b Béghain, 2011, p.21
  18. ^ a b Béghain, 2011, p.20.
  19. ^ François Avril, Fouquet et ses fils : le Maître du Boccace de Munich , su Expositions virtuelles , Fouquet, peintre et enlumineur du XVe siècle, Bibliothèque nationale de France, 2003. URL consultato il 7 agosto 2014 . .
  20. ^ BnF, manuscrit Lat. 9474.
  21. ^ a b Avril, Reynaud, 1993, Les Manuscrits à peintures en France .
  22. ^ a b Bottineau-Fuchs, 2006, p.192
  23. ^ Bottineau-Fuchs, 2006, p.190
  24. ^ Elsig, 2004, p.49
  25. ^ Jean Stecher, Œuvres de Jean Lemaire de Belges , Louvain, t. III, 1885, p.162.
  26. ^ ( FR ) Monique Blanc, Le mobilier français/Moyen Âge-Renaissance , Relié sous jaquette, 21 cm x 28 cm, Paris, éd. Massin, 1999, ISBN 978-2-7072-0346-5 .
  27. ^ Aristotele , Etica nicomachea , III, 4, 12-30.
  28. ^ a b c ( FR ) Les émaux peints de Limoges ( PDF ), su https://beaux-arts.dijon.fr/ , société I-com interactive., febbraio 2017. URL consultato il 18 giugno 2017 . .
  29. ^ a b ( FR ) Jean-Pierre Willesme, l'Art Gothique , in La grammaire des styles , La grammaire des styles , Bel, Flammarion , 1993, ISBN 978-2-08-010347-5 .
  30. ^ a b ( FR ) Cécile Scailliérez, François Ier et l'art des Pays-Bas , in Catalogue d'exposition , Paris, Coédition musée du Louvre éditions / Somogy, 2017.

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