gotic

De la Wikipedia, enciclopedia liberă.
Salt la navigare Salt la căutare
Notă despre dezambiguizare.svg Dezambiguizare - Dacă sunteți în căutarea altor semnificații, consultați gotic (dezambiguizare) .
Istoria artei
occidental

SaintPierre1.JPG
Istoria arhitecturii
Istoria picturii
Istoria sculpturii
Arta antică
Vezi articole de artă antică
Arta medievală
Arta paleocreștină
Arta barbară
Arta medievală timpurie
Arta bizantină
Arta lombarda
Arta carolingiană
Arta vikingă
Arta ottoniana
Arta romanică
Arta gotică
Arta gotică târzie
Arta renascentistă
Arta manieristă
Artă Modernă
Vedeți articole de artă modernă
Artă contemporană
Vedeți articole de artă contemporană
Categorie: Istoria artei
modificare
Schiță a principalelor caracteristici ale arhitecturii gotice
Interiorul Saint-Etienne din Caen

Goticul este un stil artistic și arhitectural care s-a născut, din punct de vedere geografic, în regiunea din jurul Parisului și apoi s-a răspândit în toată Europa și se termină, în unele zone, pentru a da loc limbajului arhitectural de inspirație clasică, recuperat în italiană Renașterea și de aici s-a răspândit în restul continentului.

Goticul a fost un fenomen european cu caracteristici foarte complexe și variate, care a afectat toate sectoarele producției artistice, ducând la mari dezvoltări și în așa-numitele arte minore: aurărie , miniatură , sculptură în fildeș , vitralii , țesături etc.

Nașterea oficială a stilului este identificată în arhitectură, odată cu construirea corului Abației Saint-Denis din Paris, consacrată în 1144 . Din Île-de-France știrile s-au răspândit în moduri diferite și în momente diferite în Anglia , Germania , Spania , Italia , Austria , Boemia , Ungaria , Scandinavia , Polonia , Transilvania , Moldova , diversificându-se și adaptându-se la un număr mare de clienți și scopuri diferit.

De exemplu, în Spania și Anglia, goticul marchează nașterea monarhiilor naționale, în timp ce în alte zone este o expresie a puterilor feudale sau chiar a comunelor libere dominate de noua burghezie urbană bogată. [1] În epoca gotică a existat o relație strânsă între artă și credința creștină, dar a fost și perioada în care arta laică și profană a renăscut. Dacă în unele zone s-au căutat efecte antinaturaliste expresive, în altele (cum ar fi în sculptura renăscută) am asistat la recuperarea studiului corpului uman și a altor elemente cotidiene.

Istoria termenului

Datorită originii sale franceze, arhitectura gotică a fost numită opus francigenum în Evul Mediu. În Veneția , însă, era cunoscut ca un mod de construire „în stil german”. Termenul „gotic”, propriu-zis „al gotilor ”, un popor germanic antic, a fost folosit pentru prima dată pentru a indica acest stil artistic și arhitectural de către Giorgio Vasari în secolul al XVI-lea ca sinonim pentru nordic, barbar, capricios, opus renașterea limbii clasice Renașterea greco-romană [2] și nu are nimic de-a face cu populația germanică a gotilor, dispărută în Europa de Vest de cel puțin cinci-șase secole.

Pierderea conotației negative a termenului datează din a doua jumătate a secolului al XVIII-lea, când, mai întâi în Anglia și Germania, a avut loc o reevaluare a acestei perioade a istoriei artei , care a dus și la o reală renaștere , neo-gotica. , pe care l-a prins treptat și în Franța , Italia și o parte a țărilor anglo-saxone .

Arhitectură

Pictogramă lupă mgx2.svg Același subiect în detaliu: arhitectura gotică .
detaliu al schemei de construcție a Abației din Saint-Denis

Cea mai originală noutate a arhitecturii gotice este dispariția zidurilor groase tipice romanicului . Greutatea structurii nu mai este absorbită de pereți, ci distribuită pe stâlpi și o serie de structuri secundare plasate în afara clădirilor. Astfel s-au născut pereții luminii, acoperiți de ferestre magnifice, care corespundeau exteriorului unei rețele complexe de elemente pentru eliberarea forțelor. Contraforturile zburătoare , pinaculele , arcurile de descărcare sunt toate elemente structurale, care conțin și direcționează împingerile laterale ale acoperișului către sol, în timp ce pereții de umplere își pierd importanța, înlocuiți cu ferestrele. Abilitatea extraordinară a arhitecților gotici nu se termină în noua structură statică: clădirile, eliberate de limita zidurilor de zidărie, s-au dezvoltat cu impuls vertical, atingând înălțimi la limitele posibilităților staticii .

În Anglia a existat o dezvoltare ulterioară a bolții transversale cu bolta cu șase segmente și apoi o bolta radială sau în formă de evantai : soluții care permiteau o distribuție a greutății chiar mai bună. Catedrala gotică a fost concepută ca o metaforă a Paradisului , astfel încât Judecata de Apoi a fost adesea sculptată la intrarea sa. [3]

Arhitectura gotică continentală este împărțită în mai multe faze:

Există, de asemenea, mai multe varietăți naționale și chiar regionale de arhitectură gotică:

Fiecare dintre aceste soiuri are caracteristici particulare și uneori faze foarte distincte (cum ar fi goticul englez), deși este posibil să se identifice influențele reciproce ale diferitelor componente regionale. Dintre toate aceste soiuri, cel mai vechi este cel francez, care a servit drept model pentru prelucrările deseori extrem de originale ale altor țări europene.

Arhitectura gotică târzie

În secolele XIV și XV , goticul s-a dezvoltat în direcții noi în ceea ce privește formele din cele două secole precedente.

Clădirea din secolele al XIV-lea și al XV-lea a fost caracterizată printr-o navă centrală de înălțime considerabilă și două culoare mult inferioare. Aceasta însemna că lumina era concentrată mai presus de toate, la nivelul cleristoriei .

Pe de altă parte, în goticul târziu, cea mai obișnuită amenajare internă urmează modelul bisericii din sală , adică cu culoarele de înălțime egală față de cea centrală. Aceasta însemna că lumina nu mai venea de sus, ci de pe pereții laterali, iluminând întregul mediu într-un mod omogen. Direcționalitatea tradițională a fost, de asemenea, modificată, pierzând conotația puternică pentru axele anterioare, în favoarea unei spațialități policentrice. Această nouă viziune a spațiului a fost, de asemenea, legată de religiozitatea mai pământească și mondenă a secolului al XV-lea.

Geografia acestei noi sensibilități prezintă o hartă diferită de cea a goticului clasic: cele mai inovatoare regiuni au fost Germania , Boemia , Polonia , Anglia și zona alpină .


Sculptură

Pictogramă lupă mgx2.svg Același subiect în detaliu: sculptura gotică .
Detaliu al Vizitării în portalul Catedralei Reims
Fecioara și Pruncul (Muzeul Luvru, în jurul anului 1250)
Cristo de La Laguna ( Tenerife , Spania ) din Flandra datat între 1510-1514.

Sculptura gotică a pornit de la rolul pe care i l-a dat în perioada romanică , și anume acela de a împodobi arhitectura și de a educa credincioșii prin crearea așa-numitelor Biblii de piatră .

Treptat dispunerea sculpturilor în construcția arhitecturală a devenit mai complexă și scenografică. Cele mai importante episoade de sculptură au fost, ca și în epoca romanică, portalurile catedralei, unde sunt de obicei reprezentate personaje din Vechiul Testament și Noul Testament .

Un pas fundamental este faptul că în perioada gotică sculpturile încep să nu mai fie integrate integral în spațiul arhitectural (jambul unui portal sau al unui capitel ...), ci încep să se elibereze prin simpla sprijinire a diverselor elemente portante. Astfel au apărut primele statui din rundă, chiar dacă o utilizare independentă și izolată a acestora nu era încă concepută. S-ar putea ca moștenirea luptei împotriva păgânismului să fi fost încă latentă, ceea ce venera statuile din jurul său drept zeități, cu toate acestea, până la Renașterea italiană, statuile erau întotdeauna așezate aproape de ziduri, în nișe, sub arhitrave sau ca cariatide și telamoni. .

Din punct de vedere stilistic, trăsăturile inovatoare ale sculpturii gotice sunt mai puțin evidente decât cele introduse în arhitectură, dar nu mai puțin bogate în consecințe asupra dezvoltărilor ulterioare ale istoriei artei. Dacă, pe de o parte, figura se înclină considerabil în lungime, iar modelarea trăiește pe jocuri complet noi, cum ar fi draperia virtuozică și uneori improbabilă, pe de altă parte, a existat o revenire la reprezentări plauzibile ale mișcării corpului, expresii faciale, fizionomii individuale, cu a atenția artistului asupra naturalismului niciodată cunoscută în epocile anterioare, care în cele mai bune exemple (cum ar fi în portalul Catedralei din Reims , în jurul anului 1250 , sau în operele lui Nicola Pisano ) ajunge să fie comparabilă cu portretul roman. Acest lucru este cu atât mai important cu cât precede aceleași realizări în domeniul pictural cu câteva decenii.

În comparație cu clasicismul, totuși, trebuie remarcată o neliniște expresivă diferită, o anumită unghiularitate a formelor și draperiilor, o utilizare neliniștită a efectelor de clarobscur.

Sculptura franceză a atins apogeul între 1150 și 1250 , apoi s-a îndreptat către reprezentări mai liniare, abstracte și aristocratice. Fermentele clasice trezite între timp de artiștii de dincolo de Alpi între timp au prins rădăcini în Italia, unde s-au născut importante școli sculpturale în Emilia , în Puglia și în special în Toscana din a doua jumătate a secolului al XIII-lea. Aici, de fapt, s-a dezvoltat opera lui Nicola Pisano , a fiului său Giovanni Pisano și a elevului Arnolfo di Cambio , care a atins niveluri foarte ridicate de redare formală și dramatică în narațiunea desfășurată în lucrări precum amvonurile sculptate ale Catedralei din Siena și a lui Sant 'Andrea din Pistoia .

Înflorirea figurativă prodigioasă a artei din secolele al XIII-lea și al XIV-lea se reflectă în curentele de gândire ( teologia și filosofia Scholastica ) și, mai general, în cultura vremii. „Lărgimea, complexitatea și coerența internă a marilor cicluri decorative sculptate și cu fresce apar în raport cu sistematizarea gândirii religioase, implementată de filosofia scolastică ; iar aspectele alegorice și simbolice au un omolog în construcțiile enciclopedice elaborate ale literaturii (vezi tot exemplul Divinei Comedii a lui Dante) .Atentia față de natură, redescoperită în realitatea aspectelor și formelor ei (din artele figurative și opera din secolele XIII și XIV), umanizarea personajelor poveștilor sacre, căutarea expresiei și interioritatea fețelor (relația dintre mamă și copil, de exemplu, în iconografia Fecioarei zâmbind Copilului) sunt toate caracteristici care pot fi urmărite înapoi la o concepție generală care tinde să reconcilieze lumea fizică, pământească cu divin și transcendent . La viziunea unei umanități asuprite de un destin de oboseală și ispășire pentru păcat într-o lume ostilă iar ( arta romanică ) o înlocuiește pe cea a încrederii în posibilitatea omului de a cunoaște realitatea și de a acționa în lume, întotdeauna în vederea atingerii lui Dumnezeu ". [4] Reconcilierea lumii fizice cu transcendentul se realizează în aristotelianismul creștin , gândirea filozofico- teologică a lui Albertus cel Mare și a demnului său discipol, Toma de Aquino .

În sculptura gotică găsim reprezentări nu numai ale personajelor și episoadelor din Biblie, ci și ale lunilor și anotimpurilor, ale meseriilor (lucrări agricole și meșteșugărești), ale semnelor zodiacului . De asemenea , trebuie amintit că , în literatura medievală există numeroase figuri mitologice și animale , care sunt alegorii de păcate, vicii și virtuți (cred că de a lui Dante Comedie ). Astfel găsim și în artă reprezentări ale virtuților cardinale (înțelepciune, dreptate, tărie, cumpătare) și virtuți teologice (credință, speranță, caritate), dar și ale celor șapte arte liberale care sunt artele Triviumului (gramatică, dialectică) , retorică) și artele Quadriviumului (aritmetică, geometrie, astronomie, muzică). Există, de asemenea, figuri fantastice deseori interpretate alegoric. Sursele acestor sculpturi fantastice sunt multiple: mitologia greacă și romană, Physiologus (un tratat de istorie naturală moralizată compus în Alexandria în Egipt la sfârșitul secolului al II-lea), bestiarii occidentali și cei de origine estică, dezvoltarea animalistică a artei barbarii germani (de exemplu ai lombardilor ) care la rândul lor preiau motivele artei popoarelor de stepă ( sciți ).

Foarte frecvente sunt figuri monstruoase și fantastice derivate din fuziunea capetelor și membrelor umane și animalele sunt greierii și drôleries derivate din gliptice Grecia și Roma, precum și din reinterpretarea gratuită a motivelor de artă islamică, indiană și chineză (de exemplu, diavolii cu aripi de liliac și creste de dragon sunt derivate de la dragoni chinezi) [5] . [6] Imaginea păunului apare adesea ca un simbol al nemuririi. Pe baza convingerii că păunul își pierde penele care renăsc primăvara în fiecare an toamna, animalul a devenit un simbol al renașterii spirituale și, prin urmare, al învierii; mai mult, mie de ochii săi erau considerați o emblemă a atotștiinței lui Dumnezeu și carnea lui era considerată incoruptibilă. Cocoșul, pe de altă parte, care cântă în zori la răsărit, este considerat un simbol al luminii lui Hristos [7] . Leii stiloforici sunt, de asemenea, frecvenți .

Pictura

Nașterea Greccio , Poveștile Sfântului Francisc din Bazilica Superioară din Assisi , atribuită lui Giotto , 230x270 cm, în jurul anilor 1290-1295
Simone Martini , Investitura lui San Martino (detaliul muzicienilor), frescă (c. 1317 ), Bazilica de Jos din Assisi

Pictura în perioada gotică a suferit un decalaj considerabil în comparație cu celelalte arte, ajungând la o reînnoire cu o întârziere de trei până la patru decenii, datorită școlii italiene (în special toscane și poate romane ). Abia în a doua jumătate a secolului al XIII-lea, arzând rapid etapele, pictura a ajuns să se reînnoiască pe deplin, grație lucrării lui Giotto . Motivele acestei întârzieri au fost probabil legate de diferitele modele pe care pictura și sculptura le-a avut: în perioada romanică sculptura fusese deja reînnoită, în unele cazuri redescoperind lucrările clasice încă existente, în timp ce pentru pictură principalul model de referință era în orice caz Scoala bizantina. Odată cu cucerirea Constantinopolului în timpul celei de-a patra cruciade ( 1204 ) și odată cu formarea Regatelor Latine din Răsărit , fluxul de picturi și mozaicuri bizantine se îngrășase chiar.

În a doua jumătate a secolului al XIII-lea, pe vremea lui Nicola Pisano , deconectarea dintre vivacitatea narativă, redarea naturalistă și forța expresivă dintre sculptură și pictură a atins apogeul, pictorii dezarmați în fața inovațiilor extraordinare introduse de sculptori. . Cu toate acestea, în două generații, pictorii au reușit să avanseze, reînnoind modele și limbaj, chiar și în artele picturale pentru a recupera spațialitatea, vioiciunea narativă, figurile credibile și setările arhitecturale sau peisagistice plauzibile. Pictura a fost, de asemenea, benefică în reînnoire, având o clientelă mai mare, datorită costurilor decisiv mai mici.

Din romanic, pictura, mai ales în Italia centrală, moștenise difuzia meselor pictate , susținute de ordinele mendicante pentru portabilitatea lor practică. Principalele subiecte nu au fost multe:

  • Răstigniri în formă , atârnate adesea la capătul culoarelor bisericii pentru a trezi emoția credincioșilor;
  • Madone cu copilul , simboluri ale Ecclesia și simbol al unei relații mamă / copil care umanizează religia;
  • Reprezentări ale sfinților, printre care se remarcă noile iconografii legate de figura Sfântului Francisc de Assisi .

Printre maeștrii secolului al XIII-lea italian s-au numărat Berlinghiero Berlinghieri și Margaritone d'Arezzo , ambii încă pe deplin bizantini, dar care încep să arate câteva personaje tipic occidentale. Mai târziu Giunta Pisano a atins limita posibilităților artei bizantine, atingând crearea unui stil tipic „italian”. Această limită a fost depășită de Cimabue , prima, potrivit lui Giorgio Vasari care s-a îndepărtat de „calea stupidă și nu foarte agilă și obișnuită [...] greacă ”. În construcția bazilicii superioare din Assisi , s-a format în cele din urmă un nou stil modern occidental, cu faimoasele fresce atribuite lui Giotto . Cu toate acestea, studii recente au redus parțial sfera de aplicare inovatoare a școlii italiene, arătând modul în care chiar și în contextul bizantin a evoluat pictura (de exemplu, cu frescele mănăstirii Sopoćani , datate 1265 ).

Pe lângă școala Giottesque ( Taddeo Gaddi , Giottino , Maestrul Santa Cecilia , Maso di Banco etc.), școala sieneză a avut o mare importanță mai târziu cu maeștri precum Duccio di Buoninsegna , Pietro și Ambrogio Lorenzetti și Simone Martini . Redescoperirea destul de recentă este, de asemenea, importanța școlii romane cu Pietro Cavallini , Jacopo Torriti și alții. Personalități mai independente au fost Buonamico Buffalmacco sau Vitale din Bologna .

Vitralii

Prețioasele vitralii din secolul al XVI-lea ale Catedralei din Metz din Franța
Detaliu al vitraliilor antice ale Catedralei din Chartres

Dezvoltarea picturii între secolele XII și XIV este condiționată de stabilirea rapidă a sistemelor de construcție gotice. În majoritatea noilor catedrale, suprafețele de sticlă sunt acum preponderente față de cele din zidărie și, prin urmare, necesitatea de a decora pereții devine din ce în ce mai marginală. Din acest motiv, tehnicile antice și consolidate de mozaic și frescă suferă un declin inevitabil. Acest declin este însoțit de rafinamentul contemporan al picturii pe sticlă și al tabloului, care începuse deja să se dezvolte cu un anumit succes în epoca romanică. Realizarea sa nu este supusă niciunei cerințe arhitecturale și acest lucru permite artiștilor să se exprime în libertate absolută. Pictura pe sticlă constă în crearea de vitralii colorate pentru a fi aplicate ferestrelor și trandafirilor catedralelor. Este unul dintre cele mai originale și caracterizante produse din toată arta gotică.

Întrucât plăci mari nu au putut fi obținute în Evul Mediu, fiecare fereastră trebuia alcătuită din mai multe bucăți puse laolaltă. Din acest motiv s-a decis utilizarea sticlei colorate unite între ele prin intermediul unor cadre formate din benzi de plumb în formă de „H”. Mai întâi paharele au fost tăiate cu vârfuri de metal roșu urmând desenele făcute anterior, apoi diferitele piese se încadrează între cele două aripi ale benzii de plumb. Fiecare bandă a fost sudată cu cea contiguă pentru a recompune designul prevăzut de carton. Totul a fost în cele din urmă introdus într-un cadru de fier și zidit. Această tehnică a făcut posibilă obținerea unor figurații extrem de eficiente.

Pentru a putea picta figuri, a fost necesar să existe culori care să poată prinde direct pe sticlă. În Franța, a fost experimentat grisaille (în italiană grisaglia), o substanță obținută dintr-un amestec de pulberi de sticlă și oxizi feroși măcinați și amestecați cu apă și cleiuri animale. Utilizarea grisaille a fost foarte simplă: a fost răspândită pe diferitele bucăți de sticlă pentru a fi decorate și, odată uscată, a avut particularitatea de a le face opace. Apoi, folosind un stylus din lemn, grisaille a fost zgâriat, aducând la lumină transparența paharului de mai jos. Pentru a repara pictura, a fost necesar să gătim din nou paharele individuale, astfel încât grisaille să se topească și să se amestece în chiar pasta de pahar. Procedând astfel, contururile trasate au devenit opace, în timp ce părțile zgâiate păstrează transparența sticlei colorate.

Modul de abordare a temelor picturii este afectat de situația istorică, socială și economică schimbată. Burghezia urbană este acum animată de un spirit de concretitate tot mai mare și, de asemenea, viziunea sa despre lume și despre viață se schimbă într-un mod radical.

Asistăm la o actualizare progresivă a narațiunilor sacre, în care personajele scripturilor sacre apar îmbrăcate în veșmintele vremii și locurile corespund locurilor existente.

În Italia , spre deosebire de Franța, Anglia , Germania și Olanda , fresca și parțial și mozaicul au continuat să aibă o difuzie foarte largă. În simbolistica religioasă fereastra permite trecerea luminii supranaturale, metafizice . Vitraliile amintesc, potrivit escatologiei creștine , de splendoarele Ierusalimului ceresc al Apocalipsei . Lumina este spiritul lui Dumnezeu, iar fereastra este un simbol al Mariei care strălucește cu lumină divină. Adesea numărul vitraliilor are o valoare simbolico-religioasă: sunt în grupuri de trei ( Trinitatea ), din patru ( Evangheliștii ), în segmente de șapte (cele șapte sacramente , cele șapte daruri ale Duhului Sfânt , șapte zile de creație conform Genezei ). [8]

Notă

  1. ^ Goticul este arta nu numai a monarhilor, a „domnilor”, a burghezilor bogați, ci și arta puternicelor comunități religioase care trăiesc în mănăstiri, uneori în afara centrelor locuite, adevărate cetăți fortificate, conduse de un stareț sau de un prior. Și toți contribuie la construirea clădirilor religioase gotice: nobili, negustori, plebei, bresle , fiecare în funcție de posibilitățile lor. ( Piero Adorno , Adriana Mastrangelo , L'arte , ed. D'Anna, Florența, 1997, vol. 1, pagina 366.)
  2. ^ Enciclopedia Europeană , Garzanti, Vol. V, lema "gotică".
  3. ^ Garzantine of Symbols, p. 374
  4. ^ Art in Italy , Eleonora Bairati și Anna Finocchi, Loescher, Florența, 1988, vol. 1, p.386.
  5. ^ Garzantina di Arte, 2002, p. 502-503.
  6. ^ J. Baltrušaitis , Evul Mediu fantastic , ed. Mondadori; „Aripi de liliac și demoni chinezi” (capitolul V). Influențele din Orientul Îndepărtat au venit și prin mongoli . Demonii cu aripi de liliac se găsesc, de exemplu, în fresca giottescă a Expulzării Diavolilor din Arezzo , în Bazilica superioară a San Francesco din Assisi ; de asemenea lui Dante Lucifer are aripi ale unui "vispistrello" ( Inferno - Canto treizeci și patra ., v 49). Glipticul greco-roman a prezentat ființe cu origini complexe, cu amestecuri foarte eterogene de corpuri. La tradiția clasică se adaugă gene cu mai multe capete, deja prezente în panteonul civilizațiilor antice ( sumerieni , fenicieni , egipteni , hitiți , India ), precum și grupuri de capete persane și scițe și scarabe ale vechilor sarde ( Evul Mediu fantastic , „Greierii gotici”, cap. THE).
  7. ^ Dicționare de artă, Natura și simbolurile ei , ed. Electa
  8. ^ Garzantine of Symbols, p. 190

Bibliografie

  • Giulio Carlo Argan , Istoria artei italiene , vol. 1 și 2, Florența 1968-2000.
  • Carlo Bertelli , Giuliano Briganti, Antonio Giuliano, Istoria artei italiene , vol. 2, Milano 1990.
  • John Ruskin , Pietrele de la Veneția (1853) - trad. aceasta. Pietrele Veneției , Rizzoli BUR 1987.
  • Pierluigi De Vecchi și Elda Cerchiari, The times of art , volumul 1, Bompiani, Milano 1999.

Elemente conexe

Alte proiecte

linkuri externe

Controllo di autorità Thesaurus BNCF 3836 · LCCN ( EN ) sh85007682 · GND ( DE ) 4021656-1 · BNF ( FR ) cb11930971g (data) · BNE ( ES ) XX525330 (data)