Istoria cinematografiei

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1leftarrow blue.svg Intrare principală: Cinema .

Celebru cadru din Călătorie pe Lună ( Le voyage dans la Lune , 1902) de Georges Méliès

Cinematografia , în istoria sa, a trecut prin diferite faze și perioade, ceea ce a condus-o de la primele „experimente” rudimentare ale fraților Lumière la filme digitale moderne, bogate în efecte speciale realizate în principal cu grafică computerizată .

Precinema: premisele cinematografiei

Pictogramă lupă mgx2.svg Același subiect în detaliu: Precinema .
„Sallie Gardner la galop”. Din secvența fotografică creată de Eadweard Muybridge în 1873 (prezentat mai jos), acest film experimental a fost reconstruit. Erau doar fotografii, dar cu tot potențialul ascuns al imaginii în mișcare. (Recenzie G. Coassin)
Sallie Gardner at a Gallop , primul film experimental realizat de Eadweard Muybridge în 1878
Sallie Gardner la un galop , așa cum a fost conceput inițial. Aceste imagini fotografice au fost publicate pentru prima dată în Philadelphia în 1887

Istoria cinematografiei este presărată cu mici și mari invenții tehnice. Și în acest domeniu, progresul nu s-a oprit de fapt și a văzut câteva momente de cotitură epocale, cum ar fi trecerea de la silențios la sunet, de la alb-negru la culoare, de la ecran pătrat la panoramic și de la filmul analog la cel digital. Ca o consecință a acestei dezvoltări tehnologice rapide care a avut loc în peste 120 de ani, gradul de specializare a lucrătorilor angajați pe seturi a crescut și au fost create noi figuri profesionale.

Cinematografia destinată proiecției imaginilor în mișcare are numeroși strămoși, care datează din lumea antică. În est a existat reprezentarea umbrelor chineze , în timp ce în Europa avem studii optice despre proiecțiile obiectivelor încă din 1490 , cu camera obscură a lui Leonardo . Cu toate acestea, din secolul al XVIII-lea s-a născut cel mai apropiat strămoș al spectacolului de film, felinarul magic , care proiecta pe peretele unei camere întunecate imagini pictate pe sticlă și iluminate de o lumânare în interiorul unei cutii închise, printr-o gaură cu un obiectiv. Similar, dar opus din punct de vedere al utilizării, era Lumea Nouă , o cutie închisă iluminată în interior unde totuși trebuia să te uiți înăuntru pentru a vedea imaginile iluminate: tipic pentru vânzătorii ambulanți între secolele al XVII-lea și al XX-lea, a făcut și ea posibil să vă bucurați de o zi, chiar și în aer liber.

Cinema s-a născut la sfârșitul secolului al XIX-lea . Pentru a defini cercetările care au condus la inventarea cinematografiei, precedând astfel primul film propriu-zis din 1891 , vorbim despre Precinema [1] . După nașterea fotografiei, am început să studiem reproducerea mișcării în fotografii consecutive. Profitând de principiile dispozitivelor optice din trecut, au început să caute modalități de a proiecta fotografii succesiv, pentru a recrea o iluzie extrem de realistă de mișcare: printre sutele de experimente din întreaga lume, Kinetoscopul lui Thomas Edison a avut succes . (inspirat de „lumea nouă”) și Cinematograful fraților Lumière (inspirat de felinarul magic).

S-a susținut adesea că inventatorii cinematografiei au fost frații Lumière. Ei înșiși nu și-au revendicat afirmațiile, corectând aceste afirmații și spunând că cinematograful a fost rezultatul cercetărilor desfășurate febril în întreaga lume și că fiecare și-a atins scopul. De fapt, primele filme, așa cum a susținut Laurent Mannoni, istoric de film și conservator de echipamente la Cinémathèque française , au fost înregistrate cu Kinétographe de americanul Thomas Edison , brevetat la 24 august 1891, folosind un film perforat la 35 mm și un sistem de avansare intermitentă a filmului numit roue à rochet , care poate însemna aproximativ „roată de bobină”. Între 1891 și 1895, Edison a realizat aproximativ 70 de filme cu acest sistem [2]

Dar iluziile imaginii în mișcare care precedă acest aparat (la începutul secolului al XIX-lea) erau furnizate de un fel de jucării științifice care foloseau desene reprezentând un subiect care se lupta cu diferitele faze ale unui gest împărțit în două sau o duzină de vinete , a cărei succesiune a fost vizualizată prin fante sau oglinzi rotative. Aceste „jocuri de salon”, care au atras în curând un public bogat, aveau drept scop dezvoltarea curiozității științifice în mintea copiilor din familiile înstărite. Printre acestea ar trebui menționate Phenakistiscope de belgian Joseph Plateau , Zootrope de englezul William George Horner , Folioscope de francez Pierre-Hubert Desvignes, care este o adaptare a Flipbook de englezul John Barnes Linnett, și Praxinoscope de francezul Charles-Émile Reynaud . Fără a uita Zoopraxiscopul fotografului britanic Eadweard Muybridge , trebuie remarcat și faptul că Muybridge și echivalentul său francez, faimosul Étienne-Jules Marey , au dezvoltat diverse mașini cu procese optice în scopuri mai mult științifice decât comerciale, pentru a încerca să se descompună și prin urmare, studiați mișcările oamenilor sau animalelor și, în general, toate acele fenomene care sunt prea rapide pentru a fi analizate de ochiul uman, cum ar fi, de exemplu, căderea picăturilor de apă, explozii sau reacții chimice.

În 1872, omul de afaceri și guvernatorul Californiei, Leland Stanford, i-a cerut lui Eadweard Muybridge să-și confirme ipoteza, și anume că în timpul galopului unui cal există un moment în care toate picioarele sunt ridicate de pe sol. La 19 iunie 1873, Muybridge a fotografiat cu succes un cal de curse numit „Sallie Gardner” folosind 24 de camere, plasate paralel de-a lungul pistei, și fiecare cameră individuală a fost acționată de un fir lovit de copitele calului la fiecare 21 de centimetri pentru a acoperi 20 de metri. a pistei, iar fotografiile au fost făcute într-o miime de secundă. [3] Această secvență de fotografii în mișcare, numită „Sallie Gardner at a Gallop” [4] , cu o durată de 3 secunde, a arătat cum copitele se ridicau de la sol în același timp, dar nu în poziția complet extinsă, așa cum se descrie de obicei . Nouă ani mai târziu, în 1882, Étienne-Jules Marey a construit prima pușcă cronofotografică, care era capabilă să tragă 12 cadre pe secundă, înregistrând toate cadrele filmului unic. Al doilea film experimental, Roundhay Garden Scene , filmat de Louis Le Prince la 14 octombrie 1888 și care durează 2 secunde, este cel mai vechi film existent, certificat de Cartea Recordurilor Guinness ; autorul a pregătit un brevet american pentru un nou dispozitiv cu 16 lentile pe film de 60 mm, dar nu a putut să-l înregistreze și nici nu a putut proiecta filmul către public.

Nașterea filmelor

Pictogramă lupă mgx2.svg Același subiect în detaliu: Cinema de atracție .

Primele proiecții animate

Charles-Émile Reynaud proiectează Pauvre Pierrot în teatrul său optic. Gravură de Louis Poyet (1892)
Un extras din Pauvre Pierrot de Charles-Émile Reynaud, unul dintre primele desene animate din istoria cinematografiei

În 1877 , profesorul de știință și fotograful Charles-Émile Reynaud a creat și patentat jocul său optic, Praxinoscopul, unde el însuși proiectează miniaturi mișcătoare, amuzante sau poetice. În 1878 a prezentat o evoluție ulterioară, teatrul de praxinoscop , plasând un ecran de sticlă în fața caruselului oglinzilor. Noul instrument, potrivit pentru utilizarea colectivă, permite suprapunerea imaginilor în mișcare pe o serie de fundaluri interschimbabile. Praxinoscopul a întâmpinat imediat favoarea publicului și cel mai recent model pe care l-a proiectat permite și proiecția desenelor pe un mic ecran; după cum crede Reynaud, arta sa atinge apogeul aici în reprezentarea „efectului magic” al felinarelor luminoase. Dar, ca toate „jocurile de salon”, subiecții lui sunt prea scurți: gesturile, piruetele, transformările durează doar o secundă. În 1892, la un an după primele filme ale lui Edison a căror durată a fost puțin mai mare, Reynaud s-a angajat în fabricarea unui proiect ambițios care îl bântuise de cel puțin cincisprezece ani: un dispozitiv care îi permitea să proiecteze pe marele ecran, donând iluzia mișcare, desene care spun o poveste adevărată care durează de la două la cinci minute.

Cu răbdare, a reușit mai întâi să deseneze și apoi să picteze pe un film de celuloid realizat de Eastman de 70 mm lățime, sute de desene animate reprezentând diferitele atitudini ale oamenilor în mișcare, care se confruntă. Tehnica sa este debutul a ceea ce va fi numit ulterior desen animat , iar mișcările sale reconstruite se încadrează în categoria categoriei de filme și, prin urmare, a cinematografiei. În octombrie 1892, Charles-Émile Reynaud a prezentat la Paris, în „Cabinetul fantastic” al Muzeului Grévin, pe care îl redenumește Théâtre Optique , pantomimele sale luminoase, definindu-le ca un film din toate punctele de vedere. Théâtre Optique de Charles-Émile Reynaud a fost o inovație considerabilă față de Thomas Edison și inaugurează primele proiecții de filme de animație pe marele ecran. Contrar viziunii unice a Kinétoscopului , publicul Teatrului Optique este adunat ca într-o adunare pentru a urmări povestea proiectată pe ecran. Astfel, Muzeul Grévin se poate lăuda cu a fi prima sală de proiecție cinematografică, cu trei ani înainte de proiecțiile fraților Lumiére.

Primele filme

În prezent marile producții sunt populate de o armată reală vizibilă clar în creditele filmelor actuale. De la camerele motorizate ale lui Thomas Edison și Dickson, până la camerele cu manivelă ale fraților Lumière , echipamentul utilizat devine treptat din ce în ce mai complex și permite evoluții ale camerei controlate milimetric.

20 mai 1891 poate fi considerată o dată fundamentală în istoria cinematografiei. În acea zi, americanul Thomas Edison , inventator al fabricării industriale a becului electric și proiectant și producător al fonografului , împreună cu principalul său colaborator, inginerul electric William Kennedy Laurie Dickson , au reușit să prezinte primul său film, Dickson. salut . Edison, care devenise practic surd în adolescență, visează să facă din invenția sa o mașină care să-i permită să înregistreze imaginea unui cântăreț sau a unei orchestre care cântă o melodie sau o arie de operă. "Acest lucru ne-ar putea permite să participăm la un spectacol la Metropolitan Opera cincizeci de ani mai târziu, când majoritatea interpreților au dispărut de mult". [5]

O invenție fundamentală, care a venit la momentul potrivit, a fost cea a americanului John Carbutt care în 1888 a introdus pe piață, produsă de fabricile deținute de George Eastman , o peliculă flexibilă de celuloid tăiată în role cu lățimea de 70 mm, acoperită cu substanță fotosensibilă. . Prin urmare, 1888 poate fi considerat sfârșitul Precinemei și debutul cinematografiei. Începând cu filmul flexibil neperforat al duetului Carbutt-Eastman, Edison și Dickson creează ceea ce va deveni formatul standard internațional pentru proiecția filmului douăzeci de ani mai târziu. În plus, au tăiat filmul lui Eastman pe toată lățimea sa, în două benzi de 35 mm fiecare cu două seturi de patru perforații dreptunghiulare pentru fiecare cadru .

William Kennedy Laurie Dickson în felicitarea lui Dickson , primul film care va fi prezentat în public (1891)

Potrivit unui desen al lui Edison, Dickson realizează Kinetograph , o mașină grea și voluminoasă care necesită o conexiune electrică numai pentru a activa motorul. Dar are și meritul de a funcționa bine. Filmul avansează intermitent, acționat de o roată dințată asociată cu o „roată dințată”. Singurul defect este reprezentat de timpul de retragere al filmului, care este prea scurt în comparație cu axa optică a obiectivului. O supapă rotativă, care rămâne închisă în timpul proiecției filmului, se deschide în timpul imobilizării sale, asigurând tirajul și evitând orice fracturi. Filmul proiectat este apoi răsucit. În același timp, cei doi inventatori dezvoltă un dispozitiv pentru vizionarea unor filme viitoare, Kinetoscopul , un dulap din lemn pe care privitorul urmărește individual un film care se desfășoară continuu, acționat de un motor electric în fața unei cutii de lumină. Utilizatorul observă filmul printr-o spionă și o serie de lupe. Mișcarea este restabilită prin trecerea unui obturator circular sincronizat cu unitatea prin perforațiile filmului, care își dezvăluie cadrele unul după altul, cu o rată de 18 unități pe secundă.

În 1891, Dickson a făcut un test filmându-se, luându-și rămas bun de la viitorii săi spectatori. Acesta este primul film al cinematografului, Dickson greeting , care durează mai puțin de o duzină de secunde și din care doar un fragment de două secunde supraviețuiește astăzi. A fost prezentat pe 20 mai 1891 în fața unei adunări de 150 de membri ai Clubului Federației Femeilor . Succesul depășește toate așteptările: spectatorii, individual sau în grupuri de doi, se înghesuie pentru a felicita inventatorii Kinétoscopului și continuă să-l vadă pe Dickson salutând de mai multe ori și să-și exprime uimirea și satisfacția [6] . Căutarea mult dorită pentru înregistrarea mișcării și restituirea proiectată a acesteia este în cele din urmă ceva dobândit, data este certificată de prima prezentare publică, primul film din cinematograf este acesta de Edison și Dickson. În 2005, fragmentul de două secunde al primului și al tuturor celorlalte filme produse de Edison au fost digitalizate și fac acum parte dintr-o serie de DVD-uri distribuite în Statele Unite de King Video în colaborare cu Muzeul de Artă Modernă din New York.

Black Maria ”, primul studio de film al lui Edison și Dickson (1893)

Galvanizat de succes, Edison deschide Kinetoscope Parlors în toate Statele Unite , camere în care multe dispozitive sunt aliniate și echipate pentru a schimba filmele care urmează să fie prezentate, unde spectatorii trebuie să plătească o taxă de intrare de 25 de cenți pentru a le intra și viziona. Acestea pot fi considerate primele cinematografe reale. Laurie Dickson este cea care se ocupă de regia filmării, considerată astfel un director ante litteram . Dickson a construit primul studio de film, „ Black Maria ” (era numele popular pe care oamenii l-au dat camionetelor poliției, negru și incomod), deoarece a fost acoperit cu hârtie de gudron negru până la punctul în care intrarea în efect a fost aceea a unui seră. Trapa mică a clădirii este situată pe un ghid circular și poate fi orientată în funcție de poziția soarelui, deoarece lumina zilei este singurul iluminat utilizat. Fiecare filmare are o durată maximă de 60 de secunde, filmul este alcătuit dintr-o singură fotografie, o singură secvență . În debutul lor național, filmele lui Edison atrag însă puțin; spectatorii preferă distracția sălii de muzică și a atracțiilor populare din târg. În 1895 succesul filmelor lui Louis Lumière , toate filmate în locații naturale, l-au obligat pe Edison să abandoneze „Black Maria”. Astfel, ușurează greutatea camerei prin eliminarea motorului electric și adoptă manivela folosită de frații Lumiére.

Un salon de kinetoscop în San Francisco în 1894

Kinétoscopul (al cărui nume comercial, mai exact, este Kinetoscope Peep Show Machine ) atrage numeroși spectatori, dar Edison, în euforia succesului, uită să depună brevetul pentru dispozitiv, o ușurință incredibilă a unui inventator în multe privințe solicitant și scrupulos. Foarte curând, contrafacerile se vor dezvolta în toată lumea, până la punctul în care Edison nu va mai putea controla situația. „În acel moment acolo, era evident prea târziu pentru a-mi proteja interesele”, va lăsa scris în memoriile sale [7] . Cu toate acestea, în vara anului 1894, va organiza la Paris o demonstrație publică a Kinetoscopului, care îl ajută pe Antoine Lumière , tatăl celor doi frați, care s-a întors la Lyon și îi îndrumă pe copii să proiecteze un dispozitiv similar cu Kinetoscope și Kinétographe. Astfel, la 26 noiembrie 1894, citim în ziarul Le Lyon Republicain că frații Lumiére „lucrează în prezent la construirea unui nou Kinétographe nu mai puțin important decât cel al lui Edison și al cărui Lyon va fi în curând, credem , primul care a văzut ” [8] este o dovadă irefutabilă a antecedentelor mașinilor și filmelor inventatorului american în comparație cu concurenții lor francezi. Istoricul cinematografic Georges Sadoul afirmă că „filmele lui Dickson vorbesc strict despre primele filme” [9], dar în aceeași carte oferă o cronologie mondială impresionantă . Cinci mii de filme din cincizeci de țări începând din 1892, cu proiecții de Émile Reynaud. Istoricul crede că ambele încercări au fost doar teste; atât cele ale lui Dickson între 1888 și 1891 (inclusiv salutul Dickson , considerat și ca o probă), cât și pantomimele luminoase ale lui Reynaud [9] .

Cinématographe Lumière

Frații Lumière , considerați inventatorii cinematografiei

În vara anului 1894 , în timpul unei călătorii la Paris, Antoine Lumière participă la una dintre proiecțiile animate ale Teatrului Optique al lui Charles-Émile Reynaud la Muzeul Grévin, la 10 Boulevard Montmartre. Reprezentanții lui Thomas Edison îi oferă un eșantion de treizeci de centimetri de film perforat de 35 mm din industria americană. „Sunt uimit de kinetoscopul lui Edison” [10] Antoine se întoarce la Lyon, convins că piața pentru înregistrarea și reprezentarea imaginilor fotografice în mișcare (termenul englez, film adoptat pentru prima dată de Edison în 1893 pentru a defini filmul expus nu este încă cunoscut) este aproape, bogat și un vestitor al promisiunilor comerciale. Proiecțiile Teatrului Optique și reacțiile publicului l-au convins, de asemenea, că viitorul nu se află în kinetoscop , vizionat de o persoană la un moment dat, ci într-un dispozitiv similar cu cel al lui Reynaud, proiectând pe ecran nu desene animate, ci oameni din mișcare, în fața unei adunări a publicului.

Filmul flexibil produs de Eastman colectează un comision de drepturi industriale, inclusiv prețul pe metru al suportului vândut. Acest film trebuie să asigure un acces gradual și continuu la marginile sale, astfel încât dinții dispozitivului să asigure trecerea în perforații și, prin urmare, să impresioneze cadru cu cadru întreaga bandă. Dar frații Lumière știu deja că perforațiile dreptunghiulare ale lui Edison au făcut obiectul a numeroase imitații și brevete, făcând situația nu numai incontrolabilă pentru Edison însuși, ci și pentru ei înșiși. Cu toate acestea, ei avertizează că realitatea lor industrială este fundamentală. Cu toate acestea, imitația lor ar constitui un caz de încălcare, iar Edison nu ar ezita să îi dea în judecată. Pentru a evita plata redevențelor către Statele Unite ale Americii, frații Lumière au studiat un sistem de perforație rotundă care să fie aplicat filmelor lor, aranjat lateral cu o singură perforație pe ambele părți ale tuturor cadrelor. [11] [12] Filmul perforat dreptunghiular Edison, considerat mai eficient, a fost ales ca metodă standard la nivel mondial de către producătorii de filme pentru proiecțiile de film din 1903 .

Principiul mecanic al Cinématographe de către frații Lumière: mișcarea de penetrare și retragere ulterioară în perforarea rotundă a dispozitivului pe film are loc printr-un braț care susține două rampe ajutate de un rack rotativ

Frații Lumière au pregătit apoi o serie de proiecții cu plată la Paris, în Salon indien du Grand Café , la 14, Boulevard des Capucines. În prima zi, 28 decembrie 1895, au fost doar 33 de spectatori (inclusiv doi jurnaliști) care au venit să observe acest „nou spectacol” [9] [13] . Cuvântul la gură în rândul oamenilor favorizează extinderea acestei noutăți și într-o săptămână linia de oameni ajunge la Rue Caumartin. Proiecțiile sunt epuizate, iar sesiunile zilnice se dublează, impactul a ceea ce se întâmplă în următoarele luni este global. Zece filme (Louis Lumière le numește „vizuale”) alcătuiesc spectacolul. La sortie de l'usine Lumière din Lyon , La Place des Cordeliers din Lyon , Sosirea fotografilor la congresul din Lyon , Marea (scăldatul în mare) , doi copii cufundați în valuri, Făcătorii de exemplu de Edison, dar cu fierari autentici care își forjează materialul ca Dickson, în scopul filmării, s-a mulțumit să reconstruiască forja cu figuranțe simple, neconvingătoare. Urmează două scene familiare cu un copil, fiul lui Auguste Lumière însuși, în Micul dejun al copilului și Pescuitul peștelui auriu . Apoi vin două scenete comice ale vieții militare, Boltirea și Saltul la pătură , în tradiția rătăcitorilor comici. Acea sesiune s-a încheiat cu celebrul L'Arroseur arrosé, care este de fapt primul film din istoria cinematografiei cu actori cu rol principal (primele filme fictive sunt pantomimele proiectate de Émile Reynaud ). Câteva zile mai târziu, la 6 ianuarie 1896, cei doi frați au prezentat un alt film celebru, L'arrivée d'un train en gare de La Ciotat , care, probabil, a impresionat spectatorii, chiar dacă astfel de descoperiri nu sunt complet fiabile. Grand Café există și astăzi, care a devenit și un hotel cu numele „Le Café Lumière - Hôtel Scribe”; cel mai vechi cinematograf din lume încă în funcțiune este încă în Franța, în Aniche : L'Idéal Cinéma-Jacques Tati , inaugurat la 26 ianuarie 1902 și deschis publicului la 23 noiembrie 1905 [14] .

Primele cinematografe

După proiecția la Salon Indien , pe 28 decembrie 1895, cinematografele s-au răspândit rapid: doar în 1896 au fost începute proiecțiile:

Kinetograful lui Alberini

În același timp cu frații Lumière, în toamna anului 1894, un fotograf angajat în departamentul fonotehnic al Institutului Geografic Militar din Florența , Filoteo Alberini , remarcase deja Kinétoscopul lui Edison în funcțiune într-un magazin din Piazza della Repubblica , care atunci avea denumirea de piață Vittorio Emanuele. Când negustorul refuză să-i arate cum funcționează dispozitivul, se întoarce acasă și decide să-și construiască un dispozitiv pentru proiectarea imaginilor pe marele ecran al propriei sale invenții. Alberini nu era nou în experimentarea cu noutăți: câștigase deja recunoașterea invenției sale care facilitează reproducerea fotozincografică a hărților în domeniul cartografiei . În doar două luni proiectează, construiește și experimentează kinetograful. Apoi a plecat în Franța pentru a le arăta proiectele fraților Lumière, care au fost impresionați [15] ; totuși, la întoarcerea în Italia, problemele birocratice îl împiedică pe Alberini să-și breveteze invenția la timp pentru a o putea prezenta publicului: Ministerul Industriei și Comerțului va elibera brevetul doar în decembrie 1895, chiar atunci când frații Lumière organizează prima proiecții. Alberini nu renunță și încă reușește să-și deschidă propriul cinematograf, Sala Reale Cinematografo Lumière, în 1899, care însă va fi obligat să închidă încă din anul următor, când antreprenorul Remondini a deschis o altă sală de cinema adiacentă celei sale, cinematograful Edison, tot în Piazza Vittorio Emanuele [16]

Thomas Edison a înțeles că tehnica de proiecție pe ecran mare Cinématographe a fost punctul culminant al kinetoscopului său. Cel mai de încredere asistent al său, Laurie Dickson, a trecut la competiție. Edison a cumpărat de la inventatorul Francis Jenkins drepturile asupra aparatului de proiecție brevetat în octombrie 1895 sub numele Phantascope, l-a adaptat cu ajutorul inginerului Thomas Armat și l-a numit Vitascope. Prin urmare, Edison va putea proiecta pe marele ecran un număr mare de filme realizate cu Kinetograph din 1893. Charles-Émile Reynaud , la rândul său, susține proiecțiile la Muzeul Grévin. A reușit să atragă aproximativ jumătate de milion de spectatori între 1892 și 1900, ceea ce a fost încă un mare succes la acea vreme. Cu toate acestea, competiția care se dezvoltă în jurul Grand Café ajunge direct și la el, care reacționează la început încercând să-și adapteze echipamentul de filmare fotografică la camera sa. Dar filmele lui Eastman sunt alb-negru, iar vopseaua lor nu-l satisface pe deplin pe Reynaud cu delicatele coloranțe pastelate ale desenelor sale animate. La începutul secolului al XX-lea, Reynaud a făcut faliment. Disperat, el își distruge aproape toate dispozitivele - cele care supraviețuiesc furiei sale, le revinde la un preț determinat de greutatea materialului - și a aruncat aproape toate desenele sale color făcute pe celuloid în Sena. Astăzi doar două dintre creațiile sale supraviețuiesc, Autour d'une cabine și Pauvre Pierrot ; din viziunea lor este clar cum decizia sa a reprezentat o pierdere iremediabilă pentru istoria cinematografiei.

Nașterea unei industrii

Georges Méliès în 1890

Pentru a-și varia programarea și mai ales pentru a-și vinde filmele și echipamentele de proiecție, Cinematografo, oamenilor bogați, frații Lumière își hrănesc fondurile comandând „fotografii live” de la operatori angajați în întreaga lume. Cei mai renumiți dintre ei, Charles Moisson , Gabriel Veyre , Alexandre Promio , Constant Girel , Francis Doublier și Félix Misguich înregistrează filmele încredințate acestora printr-o singură secvență împușcată . În mod excepțional, se opresc la primele crunch-uri pentru a economisi prețioasa peliculă Eastman și pentru a salva filmul însuși la sfârșitul unei scene pe care o consideră prea lungă, reluând prelucrarea puțin mai târziu prin crearea a două straturi suprapuse ale aceluiași film care este apoi tăiat și lipit eliminând cadrele supraexpuse și pierdute pentru a opri și reporni camera. La acea vreme, încă nu se punea problema problemelor de asamblare, mai degrabă era o reparație simplă.

Anche Georges Méliès , famoso illusionista (il suo personaggio compare anche nel film Hugo Cabret ), assiste a una delle prime proiezioni al Grand Café. Immagina subito come una parte dedicata alla proiezione di film possa arricchire il suo spettacolo al Théâtre Robert-Houdin che acquistò nel 1888. Alla fine della sessione, offre una cifra astronomica (in quel momento era all'apice della fama e della fortuna) per acquistare il brevetto con i diritti di sfruttamento del Cinématographe. Antoine Lumière rifiutò bonariamente dicendogli: «Giovanotto, io non vi voglio rovinare, questo apparecchio ha valore soltanto scientifico, non avrà futuro nel mondo dello spettacolo».

Alice Guy in una fotografia di fine Ottocento

Dopo il cortese rifiuto di Antoine Lumière, Georges Méliès non si dà per vinto, non è nel suo stile. Si rivolge a due suoi amici inglesi, Birt Acres e Robert William Paul , inventori della camera Kinetic che svilupparono all'incirca negli stessi anni del Cinématographe dei fratelli Lumière. Robert William Paul si è costruito una solida reputazione in Inghilterra imitando il Kinetoscopio di Edison. Questa volta fornisce a Méliès una camera costruita in un solo esemplare. Resta al francese il compito di farla funzionare attraverso l'acquisto di pellicola. Riesce a procurarsi in Inghilterra uno stock di pellicola Eastman vergine da 70 mm e si lancia in due operazioni tecniche considerate pericolose: si procura un apparecchio per tagliare la preziosa pellicola in due nastri da 35 mm, quindi attraverso un'altra macchina di sua invenzione crea una fila di perforazioni rettangolari su ciascun bordo della pellicola, che è così pronta per essere impressionata.

Nel frattempo Léon Gaumont , un industriale che vende materiale e forniture per la fotografia, che ha portato la pellicola fotografica al formato da 60 mm insieme a Georges Demenÿ , offre un catalogo ben fornito di bobine di pellicola a 35 mm. Alice Guy , originariamente segretaria di Gaumont, dopo aver sperimentato con la pellicola al di fuori delle ore di lavoro, grazie al successo delle scenette da lei realizzate convince Gaumont ad affidarle l'incarico di dirigere il dipartimento di produzione della compagnia [17] . Alice Guy è considerata la realizzatrice del primo film di narrazione della storia del cinema. Prima donna cineasta del mondo, realizza oltre 400 film per Gaumont, tra i quali una Passione (di Gesù) che segna l'inizio dei film a tematica religiosa sul mercato delle sale cinematografiche, beneficiando di uno scenario famoso come la Via Crucis . Questo film denota inoltre l'introduzione degli scenari e delle comparse nelle riprese cinematografiche.

Un nuovo arrivato nella corsa al successo è Charles Pathé , il quale attraverso i guadagni derivati dalla proiezione di film decide di inviare diversi operatori in tutto il mondo, seguendo l'esempio di Louis Lumière, per filmare anch'esso scenari naturali, ancora sotto forma di bobine di pellicola impressionabili in un solo piano sequenza. In breve tempo, con l'aiuto dei suoi fratelli, la sua società, la Pathé-Cinéma , diventa potente come le più grandi compagnie americane, la Edison Studios o la Vitagraph Company . Il suo emblema è da sempre il logo del gallo, e lo è ancora oggi.

Nascita di un linguaggio

Lo studio di Méliès, lo Star Film di Montreuil , era completamente vitreo , al contrario della Black Maria . A sinistra: Méliès dipinge un elemento decorativo

Dal 1891 al 1900, e fino a pochi anni più tardi, i film vengono presentati sempre nel medesimo aspetto: una bobina di pellicola da 35 mm della lunghezza standard di 20 metri (65 piedi) sulla quale viene impressionato un unico piano sequenza comprendente un singolo fotogramma (un' inquadratura ) che, in proiezione, dura meno di un minuto. Sono i cineasti britannici i primi a scoprire i vantaggi di quello che diventerà il découpage di taglio e in seguito il suo corollario, il montaggio . Lo storico del cinema Georges Sadoul li raggruppa sotto il nome di " Scuola di Brighton ", riservando ai più meritevoli di loro una citazione: «Nel 1900 George Albert Smith e James Williamson erano ancora all'avanguardia dell'arte cinematografica» [9] . Nel loro Grammaire du cinéma , Marie-France Briselance e Jean-Claude Morin non esitarono a dichiarare: «Mentre William Kennedy Laurie Dickson, William Heise, Louis Lumière, Alexandre Promio, Alice Guy, Georges Méliès e, per farla breve, tutti gli inventori del cinema primitivo, non derogarono mai dall'abitudine di riprendere una sola volta la scenografia e l'azione con una sola inquadratura e un solo piano sequenza, George Albert Smith descrive una singola azione che si svolge nel medesimo posto adottando piani sequenza multipli interconnessi tra loro dalla sola logica visuale. È il primo esperimento di quello che poi si chiamerà découpage tecnico, ossia la differenza tra il piano scenico per l'azione e il tempo necessario per filmarla» [18] .

George Albert Smith nel 1900 (a destra si nota la sua camera di fronte a lui, sulla scrivania: la sua visuale soggettiva per il montaggio del film)

Realizzato da George Albert Smith nel 1900, il film Grandma's Reading Glass , ( Le lenti della nonna ) è una di quelle opere che influenzeranno il cinema a venire (come faranno ad esempio The Adventures of Dollie , Citizen Kane , À bout de souffle e Mulholland Drive ). Questo film della durata di un minuto e venti secondi è basato su un soggetto abbastanza banale, come era consuetudine concepire all'epoca: un ragazzo utilizza la lente della nonna per osservare quanto accade intorno a lui. George Albert Smith alterna due piani sequenza. Un'inquadratura principale mostra il ragazzo con la nonna, occupata a rammendare. Il giovane prende la lente e la dirige verso un orologio, che è mostrato in primo piano attraverso un'apertura rotonda della lente. Il ragazzo cerca attorno a lui e punta la sua lente su un uccellino chiuso in gabbia. Primo piano del volatile attraverso un taglio di montaggio. Il ragazzo quindi si sposta con la lente verso la nonna: un primo piano piuttosto divertente mostra l'occhio destro della nonna che gira in tutte le direzioni, sempre visto attraverso un taglio di montaggio rotondo. Il ragazzo nota poi il gatto della nonna, nascosto dentro al cestino. Primo piano del gatto attraverso la lente. Il gatto sguscia fuori dal paniere e la nonna arretra smettendo di giocare col ragazzo. Questa successione di piani sequenza, legati dal medesimo racconto, inaugura la suddivisione in piani sequenza diversi di un film cinematografico, quello che oggi chiamiamo il montaggio classico, o più semplicemente montaggio. E questa sequenza logica, che è l'assemblaggio di tutti questi elementi filmati separatamente, verrà in seguito chiamata montaggio alternato. La scoperta sarà fondamentale e importante: in più, il film inaugura la soggettiva , dal momento che ciascun piano sequenza visto attraverso la lente è a livello soggettivo poiché segue lo sguardo del ragazzo. Alla nostra epoca i piani sequenza possono sembrare facili ed evidenti, quasi banali: ma nel 1900, rappresentò una rivoluzione.

Il trucco più celebre di Méliès, l'astronave che entra nell'occhio della Luna in Le Voyage dans la lune (1902) considerato il capolavoro del suo cinema delle attrazioni nonché punto di partenza del cinema di fantascienza

Georges Méliès non comprese l'apporto essenziale fornito al cinema dagli autori della "Scuola di Brighton", e Le Voyage dans la lune che realizza nel 1902 è ancora, nonostante le sue molte trovate umoristiche, una sorta di tableaux alla maniera del "music-hall", per una durata di circa 13 minuti. Questa riserva permette di affermare che Méliès non è stato, contrariamente a quanto sostenuto, l'inventore del cinema come finzione, ma il suo apporto strettamente tecnico è considerevole per lo sviluppo di quello che allora era chiamato il cinema delle attrazioni : la ricchezza dei pionieristici effetti speciali come la doppia esposizione , la dissolvenza e l'arresto di ripresa, un processo quest'ultimo già sperimentato da William Heise e Alfred Clark, entrambi facenti parte dell'équipe di Edison che girò The Execution of Mary, Queen of Scots nel 1895. Però, mentre Heise utilizza soltanto una volta questo "trucco" di base (all'epoca ancora molto era da scoprire) Georges Méliès, dopo un primo tentativo riuscito nel 1896 ( Escamotage d'une dame chez théâtre Robert-Houdin ) adotta dissolvenza, doppia esposizione, arresto di ripresa e diverse altre invenzioni visive come la sovraimpressione sulle decine di film che girerà in seguito, con un senso di inventiva ogni volta rinnovato, dimostrando una destrezza ed esteriorità straordinarie, che stupisce ancora oggi tutti i professionisti del cinema.

David Wark Griffith

Nel 1908 a David Wark Griffith , un autodidatta americano che cominciò la sua carriera come attore presso la Biograph , recitando in diversi film tra cui Rescued from an Eagle's Nest , della durata di 7 minuti, diretto da Edwin Stanton Porter , per il quale egli accettò d'improvvisarsi cascatore, venne affidata la direzione di un film di 13 minuti, The Adventures of Dollie . Le scoperte di George Albert Smith, e più generalmente della "Scuola di Brighton" aprivano immensi spazi creativi per i cineasti; intanto la durata dei piani sequenza nei film è variabile da 10 a 13 minuti, vale a dire una bobina di pellicola da 35 mm arriva alla lunghezza di 300 metri. Poi c'è la questione del numero di bobine, che possono essere anche due rispetto alla singola fino a ora utilizzata. The Adventures of Dollie è un film da una sola bobina e il soggetto, anche questa volta, è semplice: la figlia di una coppia benestante viene rapita da due zingari che vogliono vendicarsi del comportamento arrogante della madre della fanciulla. Il padre insegue e raggiunge i rapitori, ma nella roulotte non trovano traccia della ragazza. Per sviare le ricerche su di lei, uno dei rapitori la nasconde dietro a un barile che finisce nel fiume: viene portata via dalla corrente, verso una cascata, ma il barile s'incaglia in un meandro del fiume e viene notata da alcuni ragazzi che stanno pescando. I genitori, felici, la prendono in braccio per consolarla ma forse, per lei, la storia è stata soltanto un'avventura eccitante. Griffith accetta questo soggetto, nonostante l'apparente complessità realizzativa per via dei diversi luoghi e la simultaneità delle azioni, perché comprende - senza aver avuto alcuna esperienza in materia - come trattare questo tipo di azioni parallele.

Il film integrale di The Adventures of Dollie di David Wark Griffith (1908), prima pellicola a utilizzare piani di sequenza multipli in luoghi diversi dell'azione narrata

Ciò non era ancora chiaro nel 1908. Questo è pertanto quello che cerca e riesce a Griffith sin dal suo primo film. Si uniscono piani sequenza che mostrano la famiglia benestante felicemente riunita a giocare a badminton con i piani sequenza della coppia di gitani presso il loro accampamento: l'uomo torna dal confronto umiliato e giurando alla compagna di vendicarsi. Poi l'uomo rientra alla casa della famiglia, approfitta di un attimo nel quale la bambina è sola per afferrarla e fuggire via mentre lei grida disperata. Arriva all'accampamento e mostra la figlia alla sua compagna che rimane sconvolta dall'accaduto; per questo motivo riceve molte percosse dal suo compagno. Davanti alla casa la famiglia constata la sparizione della loro figlioletta e il marito parte alla sua ricerca con alcuni suoi vicini. All'accampamento, lo zingaro racchiude la fanciulla in un barile e la chiude. Il padre ei vicini di casa, furiosi, cercano la ragazza in ogni luogo senza pensare nemmeno di guardare dentro al barile. Essi possono soltanto ritirarsi, sconfitti, permettendo alla coppia di zingari di lasciare il campo anzitempo. La loro roulotte parte al galoppo e attraversa un fiume, il barile si stacca e viene trascinato dalla corrente. Davanti al loro giardino la coppia benestante è in preda alla disperazione per le loro lunghe ricerche rimaste senza esito. La tecnica, nuova per l'epoca, di piani sequenza multipli mostrano il barile che viene trascinato dalle acque e il movimento di una canna da pesca che attraversa il corso del fiume costeggiando una piccola cascata. Davanti alla casa, un giovane che pesca, all'improvviso s'immobilizza sopra l'erba: richiama suo padre che porge l'orecchio al barile, ascoltando quelle che gli sembrano urla. Lascia la canna da pesca e apre il barile liberando la piccola: la famiglia è infine riunita gioiosamente.

Questa divisione multipla è ispirata dalla nuova tecnica: Griffith infatti, sebbene non avesse mai frequentato l'Università, da qui in avanti la coltiverà sempre, ulteriormente perfezionandola. Tra i tanti mestieri ai quali si adattò per vivere, fece anche il venditore di libri: e come Edison, legge molto. Egli conosce della tecnica del romanziere il dono dell' ubiquità per mettere in parallelo due o più azioni che si svolgono nel medesimo tempo. Griffith ritiene che i piani sequenza permettono allo stesso modo di passare da un'azione ferma in un determinato ambiente a un'altra azione simultanea che si svolge in un contesto del tutto diverso, avendo inoltre la possibilità di passare indifferentemente al precedente come al successivo scenario, passando da un'azione all'altra - sarà in seguito chiamato montaggio parallelo - che non rappresenta una trovata fine a sé stessa ma ricercato, simile alla dicotomia e già previsto a seguito della scrittura della successione delle scene - la futura sceneggiatura - fornita ai componenti della troupe prima di girare le riprese. È questa possibilità di tagliare o integrare le sequenze girate che da ora in poi consentirà ai cineasti di realizzare storie sempre più lunghe e complesse, mettendo in azione molti personaggi alle prese con situazioni diverse ma riguardanti la medesima storia. Griffith apre così la strada ai futuri lungometraggi . Le sale cinematografiche sono sempre più affollate ei film diventano sempre più lunghi: dalle due bobine si passa a quattro, sei, ma anche di più, portando una ventata d'aria nuova allo spettacolo del cinematografo aumentando considerevolmente prima della Guerra 1914-1918 e ricominciando di nuovo dopo l'armistizio.

La maturazione: il cinema narrativo

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Origini del cinema narrativo e Nascita dell'industria cinematografica italiana .

Il cinema delle origini, detto " delle attrazioni mostrative ", serviva per mostrare una storia che veniva necessariamente spiegata da un narratore o imbonitore presente in sala. Inoltre le storie erano spesso disorganizzate, anarchiche, più interessate a mostrare il movimento e gli effetti speciali che a narrare qualcosa. Solo il cinema inglese , legato alla tradizione del romanzo vittoriano , era più accurato nelle storie narrate, prive di salti temporali e di grosse incongruenze.

La nascita di un cinema che raccontasse storie da solo è strettamente legata ai cambiamenti sociali dei primi anni del Novecento: verso il 1906 il cinema viveva la sua prima crisi, per il calo di interesse del pubblico. La riscossa però fu possibile grazie alla creazione di grandi sale di proiezione a prezzi molto contenuti rivolte alla classe operaia, come svago economico e divertente. Nacquero così, soprattutto negli Stati Uniti e in Francia, i primi circuiti di sale. La Fée aux Choux (1896) della regista francese Alice Guy è considerato il primo film di narrazione e distribuito nei circuiti Gaumont . Nel Nord America i cosiddetti " nickelodeon ", dove era impensabile usare una persona per spiegare le vicende del film, per questo i film iniziarono a essere intelligibili automaticamente, con contenuti più semplici ed espliciti e con le prime didascalie.

In Francia fiorì il cinema comico, soprattutto grazie ad autori come Max Linder e André Deed , conosciuto in patria con i soprannomi di Boireau e Gribouille e in Italia - dove girò molti film - come Cretinetti.

Nascita di una nazione ( 1915 ) dell'americano David W. Griffith è da molti considerato il primo vero film in senso moderno in quanto tenta di codificare una nuova "grammatica". Secondo altri critici (soprattutto europei) è Cabiria , Colossal italiano del 1914 diretto da Giovanni Pastrone a essere considerato il punto più alto di quegli anni e un modello di narrazione (nonostante le aspre critiche alle didascalie di Gabriele D'Annunzio ), fotografia, scenografia, effetti speciali e durata. D'altra parte anche la definizione stessa di cinema narrativo va a sovrapporsi in questo e molti altri casi alle definizioni (su cui ancora si dibatte) di film storico totale ( Nascita di una nazione ), storico ( Quo Vadis? ), in costume ( Cabiria ).

Va in quegli anni anche a delinearsi una corrente, fino alla fine del cinema muto, che vede nell'inserimento delle didascalie una "sporcatura". L'arte del cinema narrativo pura è spesso rapportata al numero di inserti testuali; meno sono, più il film è intelligibile e ben costruito. In questo caso sono da considerare come capolavori assoluti i film successivi soprattutto espressionisti tedeschi e russi come Aurora , La lettera , La madre .

La prima guerra mondiale e le sue conseguenze

Il cinema classico

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Cinema narrativo classico .

Dal 1917 in poi, si impone il concetto di film come racconto, come romanzo visivo: lo spettatore viene portato al centro del film e vi partecipa con l'immaginazione, esattamente nello stesso modo in cui, leggendo un libro, si ricostruiscono con l'immaginazione tutti i dettagli non scritti delle vicende narrate. E come nella narrativa, iniziano a emergere anche nel cinema dei generi ben precisi: l'avventura, il giallo, la commedia, etc., tutti con delle regole stilistiche ben precise da seguire.

Questo salto qualitativo è reso possibile dall'evolversi delle tecniche del montaggio , le quali, con il montaggio alternato, il montaggio analitico e il montaggio contiguo, permettono di saltare da una scena all'altra e da un punto di vista all'altro, senza che il pubblico resti disorientato dal cambio d' inquadratura , rendendo quindi le storie molto più avvincenti, e diminuendo i momenti di pausa narrativa. Tutto questo senza introdurre salti troppo bruschi fra le scene. Il cinema americano capisce subito quanto siano importanti la dinamicità e la rapidità, e già verso la fine degli anni trenta un film americano contiene in media 600-700 inquadrature , circa il triplo della media di venti anni prima.

Tutte queste Regole del Buon montaggio verranno prescritte nel Codice Hays , codici necessari per l'accettazione delle pellicole da parte degli studios.

Intanto il cinema affermava sempre più la sua importanza come mezzo di comunicazione di massa. Persino papa Pio XI volle intervenire nel dibattito sull'utilità del cinema con l' enciclica Vigilanti cura del 29 giugno 1936 , sostenendo che gli spettacoli cinematografici non devono «servire soltanto a passare il tempo», ma «possono e debbono illuminare gli spettatori e positivamente indirizzarli al bene»

Il cinema muto hollywoodiano

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Cinema muto a Hollywood .

Con i primi grandi successi del cinema muto, fu presto chiaro che la produzione di film poteva essere un affare favoloso, tale da giustificare anche l'investimento di forti somme di denaro: un film che ha successo ripaga di molte volte i costi per crearlo e distribuirlo. D'altra parte sono soldi buttati se non incontra i gusti del pubblico.

Quando fu chiaro ai produttori che la gente si affezionava agli attori che vedeva sullo schermo, da una parte favorirono questo attaccamento promuovendo pubblicamente gli artisti che avevano dimostrato di piacere agli spettatori, per renderli ancora più popolari, e dall'altra iniziarono a pagare loro una parte consistente di questi profitti pur di ingaggiarli anche per i film successivi: gli attori cinematografici di successo iniziarono a guadagnare cifre inaudite e nacquero così i primi divi, le prime stelle.

Gli editori radiofonici e giornalistici, dal canto loro, furono ben felici di poter attingere ad argomenti nuovi e di sicuro interesse per i loro lettori: il successo si alimentò da solo e diede inizio all'insieme di attività di promozione detto star system , che non veicolò soltanto i singoli artisti ma anche il loro elevato tenore di vita.

Il fatto che un attore cinematografico non dovesse avere (in apparenza) altre doti che piacere al pubblico, e che la nascente industria cinematografica cercasse costantemente nuovi attori e pagasse loro delle vere fortune (ma solo a chi sfondava), e la fama enorme di cui godevano che poteva arrivare all'idolatria (uno su tutti: Rodolfo Valentino ), rese il mestiere di attore del cinema un sogno, un miraggio che catturò la fantasia delle masse: tutti volevano diventare attori.

Nella calda e assolata Los Angeles , in California , verso la fine degli anni dieci si riuniscono affaristi desiderosi di investire nel cinema e registi che alla caotica New York preferiscono il clima mite della cittadina californiana per girare pellicole. Nei primi anni venti Los Angeles continua a svilupparsi nel campo industriale e agricolo, e in breve tempo nella zona si riuniscono una serie di case di produzioni cinematografiche , dalla Universal alla MGM , e così nasce Hollywood , e l'area mitica che tutt'oggi la circonda.

In breve tempo il cinema diventa un vero e proprio prodotto commerciale: attori e attrici ricoprono le immagini delle riviste e vengono visti dal pubblico quasi come fossero delle divinità (si pensi a Mary Pickford , Rodolfo Valentino e Douglas Fairbanks ); registi come David W. Griffith e Cecil B. DeMille alternano prodotti artistici ad altri comandati dagli Studios. E Charlie Chaplin , indipendente sia come artista sia come produttore, realizza le sue comiche prendendosi gioco della società .

Il cinema muto d'avanguardia europeo

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Cinema muto d'avanguardia .

Mentre negli Stati Uniti si sviluppava un cinema narrativo classico, destinato a un pubblico vasto, in Europa le avanguardie artistiche svilupparono tutta una serie di film sperimentali che, sebbene limitati nel numero e nella reale diffusione, furono molto importanti per il cinema successivo. Tra gli autori più importanti ci furono l'italiano Anton Giulio Bragaglia , gli spagnoli Luis Buñuel e Salvador Dalí , i russi Dziga Vertov e lo stesso Sergej Ėjzenštejn , i francesi René Clair e Fernand Léger , il danese Carl Theodor Dreyer .

Un discorso a parte merita la Germania , dove la presenza di alcuni tra i migliori registi, attori, sceneggiatori e fotografi dell'epoca permise la creazione di opere innovative ma anche apprezzate dal pubblico, oltre che capisaldi del cinema mondiale. I tre filoni principali in Germania furono l' espressionismo , il Kammerspiel e la Nuova oggettività . Tra i registi più famosi vanno segnalati almeno Friedrich Wilhelm Murnau ( Nosferatu il vampiro , 1922 ), Georg Wilhelm Pabst , Fritz Lang ( Metropolis , 1927 ) e Robert Wiene ( Il gabinetto del dottor Caligari , 1920 ).

Il cinema hollywoodiano nell'era del suono

La famosa insegna di Hollywood

Negli anni trenta nasce lo studio system : gli Studios comandano a bacchetta le star , e pur esaltandone l'immagine (si pensi a Greta Garbo e Clark Gable ), tendono a intrappolarli in personaggi stereotipati. Si parlerà del "periodo d'oro del cinema". Intanto generi come la commedia e il dramma romantico impazzano, ma in seguito alla Grande depressione si faranno strada generi più realistici e socialmente critici, come il "gangster-movie" e il noir , genere quest'ultimo sviluppatosi maggiormente durante la Seconda guerra mondiale . Ma in questo decennio è il musical scacciapensieri a far da padrone, con Fred Astaire e Ginger Rogers che allietano spettatori desiderosi di evasione. Parte verso la fine del decennio inoltre la rivoluzione del technicolor , ovvero dei film a colori, come il celeberrimo Via col vento di Victor Fleming .

Il cinema e l'est Europa

Il cinema dell'est Europa, ha avuto un rapido sviluppo tra anni '20 e '30 soprattutto grazie ai capolavori dei russi Sergej Michajlovič Ėjzenštejn , Dziga Vertov , Vsevolod Pudovkin e Aleksandr Dovženko . I film di quegli anni davano un'esasperata e continua immagine del benessere del governo bolscevico, immagine talvolta falsa e imposta dalla censura sovietica. Se da un lato Ėjzenštejn sforna film sulla rivoluzione russa o su personaggi storici russi, dall'altro altri registi quali Pudovkin e Dovženko girano film riguardanti il benessere e la felicità delle famiglie nelle campagne russe o film su imprese compiute da Stalin .

Avvento del sonoro

L'ingegner EB Craft (a destra) in una dimostrazione del Vitaphone Sound della Western Electric (1926). A sinistra un assistente ha in mano un disco con la colonna sonora da riprodurre in sincronia con le immagini

Nel 1892 Charles-Émile Reynaud fa accompagnare le proiezioni del suo Théâtre Optique da un pianista, Gaston Paulin, che compose, espressamente per i suoi film, delle musiche originali. Possiamo affermare che queste sono le prime colonne sonore del cinema. Reynaud fu il primo a comprendere che le sue Pantomime luminose vedevano la loro forza evocatrice decuplicata dalla commistione con la musica, tanto da assicurare un continuum sonoro creato apposta per coprire i rumori causati dal movimento della pellicola nell'apparecchio di proiezione. Ai giorni nostri il compositore della colonna sonora di un film è considerato a tutti gli effetti, alla luce dei diritti d'autore relativi alla proiezione sul grande schermo e sul supporto domestico del film, come uno degli autori, come il régisseur o regista (termine che ai tempi di Reynaud era sconosciuto; si inizierà a utilizzarlo in senso artistico solo a partire dagli anni venti del XX secolo, spesso accreditato erroneamente come l'unico autore), i soggettisti, gli sceneggiatori, eventualmente i dialoghisti e poi andando avanti con gli anni e dalla sempre più cospicua diffusione dei titoli di testa e di coda della pellicola il montatore, l'operatore di ripresa, gli addetti alla produzione, agli addetti al reparto scenografia e costumi con truccatore, parrucchiera e qualche volta la sarta, fino al fotografo di scena, i macchinisti e gli elettricisti, oltre naturalmente agli attori che vi compaiono.

Le proiezioni dei film a 35 mm sul supporto fotografico, da quell'esempio pionieristico vengono accompagnati da uno strumentista (sovente un pianista fornisce l'accompagnamento di base) oppure molti strumentisti, fino ad arrivare a piccole formazioni di musica da camera nei locali cinematografici posti nei quartieri abbienti, i quali improvvisavano senza alcuna partitura nel corso di quelle prime proiezioni; osservando come si svolgeva la storia narrata, suonavano effetti sonori particolari per sottolineare i cambi d'atmosfera e d'umore dei personaggi. Questi strumentisti, singoli o in formazione, venivano affittati o venduti insieme alla pellicola del film, in modo da poterlo seguire ripetendo l'accompagnamento sonoro in altri locali magari con più efficacia. Esistevano anche motivi più pratici al riguardo su questa decisione; a causa del fatto che gli apparati di riproduzione della pellicola erano attivati manualmente dall'operatore con la manovella, la velocità variava non soltanto per ogni pellicola, ma addirittura da una scena all'altra dello stesso film: nel prezzo erano inclusi anche una serie di accessori considerati necessari durante la proiezione.

John Barrymore nel manifesto di Don Juan prodotto dai fratelli Warner (1926), primo esperimento del cinema sonoro , con qualche dialogo parlato e diversi brani di musica classica

I primi pionieristici esperimenti di sonorizzazione della pellicola cinematografica avvengono in Italia, e precisamente a Pisa , dove nel 1906 (l'anno successivo alla presentazione del primo film a soggetto italiano, La presa di Roma di Filoteo Alberini ) il professore Pietro Pierini dell' Università di Pisa , brevettò il suo sistema sotto l'egida dalla "Fabbrica Pisana di Pellicole Parlate" sotto la dizione "Sistema elettrico per sincronismo di movimenti" e, dopo averne migliorato il funzionamento, come "Isosincronizzatore". Tale sistema venne presentato il 19 ottobre 1906 nel più antico cinema italiano ancora in esercizio, inaugurato il 15 dicembre 1905 e realizzato dall'architetto Luigi Bellincioni sul retro di Palazzo Agostini , il Cinema Lumière . Non ebbe però grandissima fortuna: la "Fabbrica Pisana di Pellicole Parlate" chiuderà i battenti nel 1919. «Bisogna attendere il 1924 quando la Western Electric Company sviluppa negli Stati Uniti, in collaborazione con la Bell Telephone Laboratories, un sistema di sincronizzazione, il Vitaphone, che ripete il processo di masterizzazione del disco. Gli ingegneri della Western Electric hanno dotato l'apparecchio di proiezione e il fonografo di motori elettrici sincronizzati che guidano le due macchine alla stessa velocità» [18] . Questa volta il sincrono del suono con l'immagine è perfetto dal principio alla fine. Ma le riluttanze a questa ennesima novità da parte degli strumentisti (alcuni di loro erano diventati nel frattempo grandi nel loro mestiere e si facevano pagare cifre cospicue) li lascia con diversi brutti ricordi: il matrimonio tra disco e film inoltre ha un impatto piuttosto negativo con il pubblico, che spesso protesta ridendo fragorosamente; capita sovente addirittura la richiesta di interrompere la proiezione del film, e non di rado ciò avviene.

I debiti cominciano a diventare pesanti, e la Western Electric sta pensando di abbandonare il sistema, ma un'opportunità inattesa si presenta nel 1926. Quattro fratelli, che per molti anni hanno organizzato proiezioni itineranti, acquistano un teatro a Manhattan ed equipaggiandolo con il procedimento sonoro della Vitaphone, spendono i loro ultimi denari in una scommessa che sembrava, agli occhi dei loro contemporanei, perduta. Harry , Albert , Sam e Jack Warner producono un film della durata di tre ore, Don Juan (in Italia sarà intitolato Don Giovanni e Lucrezia Borgia ) diretto da Alan Crosland con protagonista la star del momento, John Barrymore , ancora sotto contratto con loro. Il film comprende qualche raro dialogo parlato, ma soprattutto una selezione di brani noti di musica classica, arrangiati per conferire al film una parvenza di continuità. Oggi possiamo dire che questo fu il primo esperimento riuscito del cinema sonoro , con la commistione tra immagini e suoni registrati. Stavolta il binomio tra musica incisa su disco e la pellicola da 35 mm funziona senza incidenti di sorta. Il pubblico, composto ancora una volta da persone agiate, assiste alle proiezioni riservando al film un'accoglienza calorosa, ma Don Juan non rientra nelle spese di produzione sostenute: i posti a sedere sono troppo costosi per attrarre il pubblico popolare, che anche all'epoca ricercava un altro tipo di musica.

Eugenie Besserer e Al Jolson nel film The jazz singer (1927), uno dei primi film sonori, considerato a torto come il primo film parlato. Da notare l'insegna posta in alto, che recita: "Il trionfo supremo della Warner Bros. "

I fratelli Warner allora hanno l'idea di filmare un cantante di cabaret all'epoca molto popolare, Al Jolson , un bianco truccato in maniera da sembrare un uomo di colore. In quel momento sta girando un film di una sola bobina, Une scène dans la plantation . Il pubblico popolare si dimostra entusiasta, non solo quando Al Jolson canta brani blues [19] ma anche quando parla guardando direttamente l'obiettivo della camera; la gente si dimostra ammirata come se stesse assistendo a una sua performance dal vivo. I quattro fratelli assistono alla scena e si affrettano a raddoppiargli il compenso; nel 1927 producono un lungometraggio della durata di un'ora e mezzo, il famoso The jazz singer , (in Italia uscirà nel 1929 col titolo Il cantante di jazz ) sempre diretto da Alan Crosland , che esce il 5 ottobre di quell'anno e riscuote un clamoroso successo. È un errore sostenere che questo sia il primo film sonoro o parlato. Sostiene infatti Sadoul: « The jazz singer è un film muto nel quale era stato inserito qualche dialogo e alcuni numeri di canto. Il primo film "parlato al 100%" (per usare il linguaggio dell'epoca): Lights of New York , venne prodotto soltanto nel 1928» [9] .

In effetti, nessuno dei dialoghi del film The jazz singer venne registrato, le battute degli attori del film sono tutte scritte attraverso delle didascalie, come nella tradizione del cinema muto. Solamente le nove canzoni interpretate da Al Jolson e le frasi che pronuncia tra due brevi pause, sono realmente registrate. Anche la frase d'esordio del film, citata da tutti erroneamente come la prima frase pronunciata sullo schermo, «Aspettate un momento, aspettate un momento, non avete ancora sentito niente!» che sembra sia stata inserita ad arte, in realtà venne pronunciata perché si era cominciato a registrare con i dischi della Vitaphone prima che il tecnico dell'audio fosse completamente pronto con i microfoni. Questo deve essere dunque considerato piuttosto come uno dei primi film cantati, insieme a Don Juan e Une scène dans la plantation . Una cosa è certa: si trattò di un autentico trionfo (ribadito anche sulla locandina originale) che in pratica fa terminare l'era del cinema muto , anche se si continuerà ancora per qualche tempo a produrre film con questo sistema (tale appellativo, all'epoca, non era ancora noto) e lancia immediatamente la Warner Bros. Pictures come uno dei pilastri dell'industria cinematografica statunitense di Hollywood .

Rafforzato da questo successo, il sistema Vitaphone con il disco e la pellicola si diffonde rapidamente in tutte le sale cinematografiche. Ma la tecnica fa un ulteriore passo in avanti: la Fox Film Corporation inaugura una nuova banda sonora, la Movietone. Quella che oggi viene chiamata la "banda ottica" viene intercalata entro una fila di perforazioni e il bordo della cornice di pellicola in simultanea con i fotogrammi, sfruttando la parte utile dell'immagine. Anche la Radio Corporation of America (RCA) lancia una tecnica dal rendimento sonoro migliore, soprannominata "a densità variabile" (solamente per il bianco e nero). Altre tecniche vengono sperimentate negli Stati Uniti d'America e numerose società nate nel corso degli anni venti approfittano della popolarità acquisita dal cinematografo quotandosi in Borsa. La domanda sempre più pressante di film sonori e parlati cambierà per sempre l'industria cinematografica. Per realizzare delle riprese sonore soddisfacenti, soprattutto in esterni ma anche negli studi di posa, molti registi sono obbligati a introdurre la regola del silenzio durante i ciak battuti; da lì nasce la popolare affermazione «Silenzio, si gira!».

Durante i decenni seguenti di esistenza del cinema, la registrazione e riproduzione della banda sonora passa attraverso numerose tappe di miglioramenti tecnici: il suono stereofonico inventato nel 1931, il suono magnetico inventato nel 1935 e di largo uso a partire dagli anni cinquanta, le riduzioni dei rumori di fondo come il più famoso Dolby System inventato nel 1975, fino al suono digitale dei giorni nostri. Inizialmente, il suono venne registrato in presa diretta direttamente sulla pellicola utilizzando un sistema analogo - ma all'inverso - a quello usato poi per la riproduzione: un microfono riceveva i suoni dall'esterno e, mediante un opportuno trasduttore, lo trasformava in variazioni di intensità luminosa di una lampada che andava ad impressionare la fascia di pellicola che le scorreva davanti. Successivi affinamenti tecnici porteranno alla realizzazione di tracce sonore riportate sulle stampe della pellicola al momento della realizzazione delle copie in positivo. In questo modo sarà possibile mescolare voci e musica, eseguire il doppiaggio , creare la necessaria fluidità del commento sonoro a montaggio avvenuto, escludendo tutti i disturbi ei problemi legati alla presa di suono in diretta.

L'apporto del colore

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Procedimenti di cinematografia a colori .
Serpentine Dance nella versione colorata a mano da Antonia Dickson (1895)

Charles-Émile Reynaud fu il primo a utilizzare il colore per le sue Pantomime luminose, proiettate al Museo Grévin dal 1892. Immagine per immagine, egli dipinse a mano e applicò le sue tinture a pastello direttamente sulla pellicola Eastman di 70 mm di larghezza, che fece di lui il primo realizzatore di disegni animati. Due anni dopo, nel 1894, uno dei film prodotti da Thomas Edison e realizzati da Laurie Dickson venne colorato anch'esso a mano, stavolta con la tintura di anilina , fotogramma per fotogramma, da Antonia Dickson, la sorella del primo realizzatore di films. È la Serpentine Dance (in italiano La Danza della Farfalla ) un film molto breve della durata di una ventina di secondi, dove la danzatrice Annabelle Moore compie delle giravolte con effetti deformanti alla maniera di Loïe Fuller . L'effetto è completamente riuscito, e affascina ancora oggi. Questa è la prima apparizione del colore applicato a una ripresa fotografica animata originariamente in bianco e nero.

Nel 1906, l'americano James Stuart Blackton registra su pellicola da 35 mm come una macchina fotografica, fotogramma dopo fotogramma, grazie a quello che viene nominato il «giro di manovella» un «procedimento che viene chiamato in Francia " piano americano ". Era ancora sconosciuto in Europa» [9] un film per la Vitagraph Company . È il primo cartone animato su pellicola a 35 mm della storia del cinema, chiamato Humorous Phases of Funny Faces dove vediamo, tracciate con il gesso bianco su uno sfondo nero, una giovane coppia di fidanzati diventare attraverso il disegno più vecchia e imbruttita; il marito fuma un grosso sigaro asfissiando con le boccate la sua sposa che risponde con le smorfie prima di sparire in una nuvola di fumo. La mano del disegnatore al termine cancella tutto. Persino lui stesso è animato. È divertente, ma in questo caso il colore è ancora assente.

Una scena di Un rêve en coleur (1911) girato in Kinemacolor

Il contributo del colore nel cinema passò per i primi decenni attraverso due soluzioni. La prima è a buon mercato ma limitata, però ne viene riconosciuta l'attrazione. Consiste in un bagno per immersione delle copie destinate alla proiezione in uno speciale colorante trasparente che dona a ciascuna copia una luce del tutto particolare. Una bobina che mostra una bagnante al mare è tinta di verde. Una scena di forgiatura o d'incendio sono tinte di rosso. Il blu è utilizzato per le regate sull'acqua, il giallo accompagna una migrazione attraverso il deserto, e così via. La seconda è la colorazione a mano di ciascuno dei fotogrammi, con l'aiuto stavolta dell'inchiostro. Questa tecnica, che esige di essere effettuata da tante piccole mani per terminare in fretta la lavorazione, è per questo molto onerosa in termini di costi, ma gli effetti spettacolari sono garantiti. Le produzioni Pathé , Gaumont e naturalmente quelle di Edison, costruiscono dei laboratori attrezzati e assumono diverse dozzine di ragazze impegnate dapprima a colorare manualmente con un piccolo pennello i fotogrammi, poi attraverso un sistema meccanico, attraverso l'intermediazione di un parallelogramma o da camme, con uno o più stampini.

Una camera Technicolor risalente agli anni trenta. Si noti lo strato esterno della pellicola, completamente impressionato del colore rosso

Dopo aver scoperto il découpage tecnico o montaggio classico, la soggettiva e altre innovazioni rivelatesi fondamentali per il cinema, il britannico George Albert Smith si disinteressò totalmente alla realizzazione dei films commerciali. Preferisce impegnarsi nella ricerca vera e propria, e con l'americano Charles Urban mise a punto un procedimento che donava l'illusione del colore su una pellicola in bianco e nero, il Kinemacolor il cui primo film, intitolato non a caso Un rêve en coleur ( Un sogno a colori ), porta l'anno 1911. L'innovazione del colore da principio venne vista favorevolmente, ma presto si svelano i molteplici inconvenienti del Kinemacolor: il blu e il bianco rendono male, i colori si percepiscono con una certa pastosità. Dopo aver prodotto almeno 250 film, il Kinemacolor venne abbandonato per ragioni economiche, poco prima della Prima Guerra Mondiale.

Judy Garland nel film The Wizard of Oz diretto da Victor Fleming , un celebre esempio del sistema Technicolor (1939)

Un altro procedimento, stavolta completamente americano, lo andrà a rimpiazzare, messo a punto durante le prime fasi della guerra e lanciato nel 1916: il Technicolor . Questo procedimento utilizza anche lui la sola pellicola disponibile in quel momento, quella in bianco e nero. Le riprese si effettuano con una camera pesante, di dimensioni imponenti, che fa scorrere nel medesimo momento ben tre strati di pellicola in bianco e nero sincronizzate tra loro. Dietro l'obiettivo, un doppio prisma passa diritto all'immagine impressionata su uno dei due strati. Per un primo filtraggio, lo stesso doppio prisma devia i fasci di luce di colore rosso e blu su un substrato di due pellicole che passano dentro la macchina da presa una contro l'altra. Il primo strato di pellicola è privo della protezione che normalmente lo chiude nella parte posteriore; l'immagine può attraversare il primo strato impressionandolo con il blu, e nello stesso momento impressiona il secondo filtrandolo con il rosso. Le riprese prevedono tre negativi in bianco e nero, che rappresentano le matrici di ciascun colore primario con i loro complementari (il giallo ottenuto in monocromia blu, il rosso magenta donato in monocromia verde, il blu-verde ottenuto in monocromia rossa). Le stampe delle copie funzionano sul principio e la tecnica della stampa tricromatica, attraverso le medesime possibilità di regolare l'intensità di ciascun colore. In breve tempo si renderà necessario aggiungere un quarto strato, colorato di un grigio neutro la cui matrice viene ottenuta tramite la sovraimpressione fotografica delle tre matrici di ripresa, al fine di sottolineare con maggiore evidenza i contorni delle forme per rendere più corposità al fotogramma.

In Germania, durante gli anni trenta, sotto l'egida del Partito Nazionalsocialista si svilupparono enormi risorse finanziarie e venne lanciato il cosiddetto film di propaganda. La ricerca di un procedimento per girare i film a colori, utilizzando un supporto un po' più leggero che favorisca le riprese documentarie, per motivi politici viene condotta in fretta. Col procedimento Agfacolor, originariamente inventato per la fotografia su lastre di vetro, e poi alla pellicola flessibile, si ottengono le prime diapositive (la pellicola subisce due trattamenti successivi - sviluppo e stampa - che non passano da fase negativa a fase positiva) in negativo (che richiede due copie positive separate). Nel 1945, dopo la sconfitta dell' Asse Roma-Berlino-Tokyo , gli Alleati ei Sovietici s'impossessano delle scoperte tecnologiche tedesche, e le riportano nelle loro frontiere entro altri metodi e tecniche riguardanti il film a colori. Negli Stati Uniti d'America l'Agfacolor diventa l'Eastmancolor, in Unione Sovietica viene denominato Sovcolor, in Belgio il Gevacolor e in Giappone, passato sotto il controllo americano, il Fujicolor.

In rapporto al Technicolor, il procedimento Eastmancolor rappresentò una valida alternativa economica allo stadio delle riprese. Durante gli anni cinquanta i film, che prima venivano girati in Technicolor, vengono ripresi in Eastmancolor. Dopo le riprese, una volta completato il montaggio, si utilizzano i negativi Eastmancolor con ben quattro matrici per stampare le copie dei film sotto il procedimento tricromico del Technicolor, con un vantaggio: col negativo Eastmancolor può essere calibrato più efficacemente il livello cromatico di ciascuno dei colori primari.

Anche l'Italia iniziò a sperimentare riprese a colori sin dai primi anni cinquanta. Da principio, la pellicola tedesca Agfacolor viene trasformata nell'Ansco Color con il quale nel 1950 venne girato il primo lungometraggio assoluto a colori, a tematica religiosa: Mater Dei , diretto da Emilio Cordero , anche se tale pellicola ebbe una distribuzione limitata alle sale parrocchiali [20] [21] . Ma presto tale sistema viene accantonato, privilegiando un procedimento più economico, già scoperto nel campo della fotografia durante gli anni venti, e adattato al cinema a partire dal 1952: il Ferraniacolor . Sperimentato all'inizio con i film comici ( Totò a colori fu il primo esempio con questo sistema) [22] venne accantonato anche questo per favorire il più sicuro Eastmancolor, a partire dal 1958 con il film Le fatiche di Ercole di Pietro Francisci il quale, inaugurando il genere peplum , di fatto rilanciò la produzione italiana [23] [24] .

La seconda guerra mondiale e le sue conseguenze

Negli anni quaranta lo studio system finisce a causa delle leggi federali che privano gli Studios della proprietà delle sale cinematografiche , ma durante la Seconda guerra mondiale essi non smettono di far faville continuando a produrre star e film di grande valore. Attori come Cary Grant , James Stewart , Gary Cooper e Henry Fonda diventano in questo periodo veri divi e beniamini del pubblico.

Intanto non si perde mai occasione per esaltare i valori dell'"american way of life": a questo ci pensano registi idealisti come Frank Capra , e attori sciovinisti come John Wayne , indimenticabile nei suoi western . Nel 1942 viene girato da Michael Curtiz Casablanca , uno dei film più importanti e celebri della storia del cinema, che pur essendo un film romantico, ha saputo affrontare dignitosamente il problema della guerra, della resistenza partigiana e dell'avanzata nazista e che ha lanciato nello star system Humphrey Bogart e Ingrid Bergman . Nel 1941 la RKO Pictures distribuì Quarto potere di Orson Welles , spesso considerato il più grande film di ogni tempo, che stravolge il normale modo di fare cinema.

Se in America Hollywood era la capitale del cinema, in Europa , in seguito alla Seconda Guerra Mondiale nacquero in molte nazioni diverse scuole di cinema, ma tutte accomunate dalla voglia di rappresentare la realtà. Diviene quindi importantissimo il neorealismo italiano ei suoi registi principali: Luchino Visconti , Pietro Germi , Roberto Rossellini e Vittorio De Sica . Film italiani come Roma città aperta , Sciuscià e Ladri di biciclette ispirano e affascinano diversi registi nel mondo, come il giapponese Akira Kurosawa .

Anni 1950

Negli anni cinquanta anche la concezione del "divismo" cambia, come nel caso dei più sanguigni Marlon Brando e James Dean , che portano sullo schermo un modo più verosimile di rappresentare la realtà. Contemporaneamente esplode, soprattutto grazie a registi quali Billy Wilder e George Cukor , la «commedia all'americana», che ha i suoi capisaldi in capolavori come A qualcuno piace caldo , Scandalo a Filadelfia e L'appartamento .

Dopo la Seconda Guerra Mondiale nasce una cinematografia più ampia anche all'interno delle nazioni del patto di Varsavia . I film, soprattutto dopo gli anni '60, sono più critici e ribelli e talvolta sono fortemente censurati dal governo rosso. Registi come il polacco Andrzej Wajda o come il russo Sergej Iosifovič Paradžanov sono costantemente promotori di un cinema ribelle e libero dalla censura, che avrà però la piena realizzazione solo dopo il 1989 .

Anni 1960

Negli anni sessanta ormai la vecchia Hollywood non è che un ricordo, e il "New Cinema" si fa strada criticando ipocrisie e pudori della vecchia America , per opera di attori come Dustin Hoffman , Jack Nicholson , Robert De Niro , Glenn Close e Meryl Streep . È una vera e propria rivoluzione all'interno della "vecchia" Hollywood. Film come Il dottor Stranamore - Ovvero: come ho imparato a non preoccuparmi e ad amare la bomba di Stanley Kubrick e A prova di errore con Henry Fonda sono stati prodotti in una Hollywood che un tempo era nota per il suo evidente patriottismo e propaganda bellica.

Film come Easy Rider - Libertà e paura e Il laureato girati con budget bassi e che fecero registrare incassi inimmaginabili, illuminarono anche le major che poco a poco iniziarono a lasciar perdere le restrizioni stilistiche del Codice Hays che imponeva un codice morale rigido al di fuori del quale i film non venivano prodotti. Semplicemente si resero conto che le nuove generazioni, contrarie alle politiche americane di perbenismo ed espansionismo ipocritamente mascherato, volevano sentir parlare esattamente di quello che era censurato dalla produzione.

Durante gli ultimi anni cinquanta e gli anni sessanta, la Nouvelle Vague francese diventa un genere famoso e apprezzato in tutto il mondo. I film cominciano a essere minimalisti, personalissimi, le problematiche trattate sono intime e non assolute. I film cominciano a ruotare intorno ai problemi, agli interrogativi e ai dubbi di giovani protagonisti e la soggettività diventa un elemento caratterizzante. Iniziano perciò ad affermarsi alcuni nuovi registi indipendenti, già agguerriti critici cinematografici, come François Truffaut con il suo I 400 colpi , Alain Resnais con Hiroshima mon amour e soprattutto Jean-Luc Godard con Fino all'ultimo respiro , che trovarono nel neonato Festival di Cannes un punto d'incontro e di discussione. Il montaggio è a bella posta discontinuo, sincopato e sovente evita di tagliare i tempi morti della storia, che dal canto suo tralascia di spiegare ogni dettaglio di quel che accade. Può capitare che gli attori guardino direttamente nell'obiettivo della cinepresa, cosa vietatissima nel cinema classico, come accade regolarmente nel cinema di Jean-Luc Godard , Ingmar Bergman o, in tempi più recenti, in Pulp Fiction di Quentin Tarantino .

Anche dopo il periodo prettamente neorealista, l'Italia ha potuto vantare una nuova generazione di registi, ugualmente neorealisti, ma in maniera diversa, come Federico Fellini , Michelangelo Antonioni , Mario Monicelli , Ettore Scola , Dino Risi , Pier Paolo Pasolini , Elio Petri , Francesco Rosi e più tardi Bernardo Bertolucci .

Diventano importantissimi gli esperimenti di cinema introspettivo di Marcel Carné , realizzati subito dopo la Seconda Guerra Mondiale, e poi concretizzati in grandi film dai maestri del cinema introspettivo Ingmar Bergman e Michelangelo Antonioni : la realtà non è più analizzata come qualcosa di oggettivo, tutto diventa soggettivo e ambiguo, il ritmo è lento e le scene sono lunghe e silenziose ei registi si soffermano su particolari prima di allora trascurati. Il cinema comincia a diventare manifesto del subconscio del regista e anche forma di personale contestazione.

Dagli anni '60 debutta anche il famoso regista Andrej Tarkovskij , conosciuto principalmente per capolavori della storia del cinema come Andrej Rublëv , Lo specchio e Stalker . Tarkovskij dopo Stalker verrà cacciato dalla Russia, ma continuò a fare film fino alla morte. Nell'Europa dell'Est oltre al già citato Andrzej Wajda, è molto importante citare l'ungherese Béla Tarr , regista di capolavori come Le armonie di Werckmeister , Il cavallo di Torino e il colossale Satantango .

Anni 1970

Nel 1975 Lo squalo di Steven Spielberg ottenne un grande successo di pubblico e di critica e mostrò come anche la New Hollywood potesse incassare tanto. Ma il film segnò anche l'inizio della fine di quell'era. Infatti diede il via ai blockbuster , con i quali i produttori tornarono alla carica, riprendendo a produrre film colossal molto costosi. [25]

Nl 1977 Guerre stellari di George Lucas e Incontri ravvicinati del terzo tipo di Steven Spielberg conquistano definitivamente un pubblico di massa che il cinema di fantascienza , in precedenza, non aveva avuto. In particolare il film di Spielberg di fatto riscrive le regole codificate del genere, che volevano l' alieno nei panni del mostruoso invasore , dandone una visione assai più benevola e "umanizzante". Il trionfo commerciale, inaspettato e senza precedenti, di Guerre stellari – il film più visto del decennio [26] – segna invece il ritorno a una fantascienza più avventurosa e spensierata, spesso favolistica, più basata sulla perfezione e l'innovazione degli effetti speciali che sulla complessità di contenuti e trame, facendo tornare in auge l'epica della space opera [27] che era ormai dimenticata dal cinema. Seppur con un modo diverso di intendere il cinema e le star, Hollywood continua comunque a regalare sogni ed emozioni.

Durante gli anni '70 emerse un nuovo gruppo di registi americani come Martin Scorsese , Francis Ford Coppola , George Lucas , Woody Allen , Terrence Malick e Robert Altman . La ripresa del genere gangster si ebbe agli inizi degli anni settanta con il film Il padrino ( 1972 ), diretto da Francis Ford Coppola e tratto dall' omonimo romanzo di Mario Puzo . La pellicola, che riscosse un enorme successo in tutto il mondo, parlava della saga della Famiglia Corleone , un'organizzazione criminale di origini siciliane che controlla la mafia nella New York di fine anni quaranta . È con questo film che il genere rinasce e cambia, non ritraendo più il gangster come uno psicopatico ma come un abile criminale capace di manovrare gli eventi.

Il cinema tedesco è invece molto più figurativo e pittoresco, introspettivo e con storie talvolta epiche che fuoriescono dal semplice neorealismo, come ad esempio Aguirre, furore di Dio di Werner Herzog . I registi sembrano afflitti da dolori insanabili e assoluti, che quindi toccano punte di pessimismo assoluto leopardiano, e con soluzioni effimere e talvolta inesistenti. È il caso di Rainer Werner Fassbinder . Altri registi, invece, pur trattando forti problematiche, proprie e non, si mostrano più disposti a trovare una soluzione, e anzi girano film pieni di speranza e velato ottimismo. È questo il caso di registi come Wim Wenders e Werner Herzog . Il film tedesco più importante degli ultimi anni è senz'altro Le vite degli altri del 2006 , amaro e lucido spaccato della Germania Est e dello strapotere del governo comunista.

Anni 1980

Già sdoganata come genere di largo consumo da Guerre stellari nel 1977, negli anni ottanta la fantascienza viene sempre più frequentata dal cinema commerciale hollywoodiano ad alto costo; oltre agli altri due film della prima trilogia di Guerre stellariL'Impero colpisce ancora ( The Empire Strikes Back , 1980 ) di Irvin Kershner e Il ritorno dello Jedi ( Return of the Jedi , 1983 ) di Richard Marquand . Tra i titoli epocali del decennio, immancabile ET l'extra-terrestre ( ET the Extra-Terrestrial , 1982 ) di Spielberg, il film di maggiore successo degli anni ottanta,[28] ideale continuazione della fantascienza messianica e ottimista di Incontri ravvicinati del terzo tipo del 1977; il film propone un originale nuovo approccio alla fantascienza, sovrapponendo assai singolarmente l'elemento favolistico a quello fantascientifico. [29] Tron di Steven Lisberger – primo film sulla realtà virtuale – sperimenta per la prima volta la grafica al computer .

Martin Scorsese si impone come uno dei registi più acclamati dalla critica dell'epoca. Toro scatenato ( 1980 ), biografia del pugile italoamericano Jake LaMotta , girato per ragioni artistiche interamente in bianco e nero, divenne in breve un vero e proprio film cult , nel quale Scorsese riversò tutta la sua sofferenza realizzando il film che ha definito il suo stile radicale, aggiudicandosi due Premi Oscar, al miglior attore protagonista e al montaggio di Thelma Schoonmaker. Toro Scatenato è considerato tra le pietre miliari del cinema statunitense , inserito al quarto posto nella classifica dei migliori film statunitensi di tutti i tempi dall' American Film Institute . [30]

I Gangster movie prodotti tra gli anni '80 e gli anni '90 presentano nuove tematiche per via del nuovo evolversi dei gruppi criminali, che da vecchie attività come estorsioni e contrabbando passavano al traffico di droga , molto più lucroso. Tra questi troviamo Scarface ( 1983 ), diretto da Brian De Palma , remake del capolavoro del 1932 ( Scarface - Lo sfregiato ), ambientato però in una Miami degli anni '80 devastata dal traffico di cocaina compiuto dai criminali latino-americani.

Batman di Tim Burton fu il primo film a ricavare almeno 100 milioni di dollari nei primi dieci giorni di distribuzione, risultando il film tratto da una serie della DC Comics che ha più ricavato al botteghino fino al 2008 [31] (anno in cui uscì Il cavaliere oscuro di Christopher Nolan ) e 83º nei guadagni cinematografici nel Nord America . [32]

Icona del cinema anni 80 e 90 è poi la trilogia di Ritorno al Futuro fatta da Robert Zemeckis con l'aiuto di Steven Spielberg .

Anni 1990

Gli anni novanta segnano il trionfo degli effetti speciali , con le tecnologie digitali che giungono a piena maturità. Numerosi tra i maggiori incassi del decennio sono film di fantascienza: [33] [34] Star Wars: Episodio I - La minaccia fantasma (1999), Jurassic Park (1993) e Il mondo perduto - Jurassic Park (1997) di Steven Spielberg , Independence Day (1996) di Roland Emmerich , la commedia Men in Black (1997) di Barry Sonnenfeld , Armageddon - Giudizio finale (1996) di Michael Bay , Terminator 2 - Il giorno del giudizio ( Terminator 2: Judgment Day , 1991) di James Cameron e Matrix (1999) delle sorelle Wachowski .

Titanic (1997) ha totalizzato il terzo maggiore incasso mondiale di tutti i tempi , pari a 1.850.300.000 dollari (al 1998) [35] [36] (venendo superato da Avatar , dello stesso James Cameron , nel gennaio 2010 e poi da Avengers: Endgame nel 2019) .

Significativi per il genere gangster negli anni '90 sono Le iene ( 1992 ) e Pulp Fiction ( 1994 ), diretti dal regista\sceneggiatore Quentin Tarantino .

Questo periodo vide il cosiddetto Rinascimento Disney , contesto storico della durata decennale (1989-1999) in cui lo studio di produzione Walt Disney Animation Studios tornò alla ribalta nell'industria cinematografica traducendo in successo molti dei film d'animazione usciti, facendo entrare alcuni di essi nella storia del cinema, nonché riscuotendo ottimi apprezzamenti dalla critica in generale. I film che caratterizzarono questo periodo di successo sono: La sirenetta (1989), Bianca e Bernie nella terra dei canguri (1990), La bella e la bestia (1991), Aladdin (1992), Il re leone (1994), Pocahontas (1995), Il gobbo di Notre Dame (1996), Hercules (1997), Mulan (1998) e Tarzan (1999). [37] [38] Ad accomunare gran parte dei film del Rinascimento è sicuramente la loro convenzionale trama comune in più parti. In occorrenza al successo riscosso da La sirenetta , infatti, gli autori decisero che la Disney avrebbe dovuto seguire quella linea narrativa tenendo strettamente legate tra loro formulazioni per una buona realizzazione: scene di canto o numeri di danza trattando il film in chiave musical , protagonista giovane solitamente orfano di uno o entrambi i genitori, storia sentimentale con al centro un amore all'apparenza impossibile e l'inserimento di animali interagenti con il protagonista come personaggi secondari. Il film con più incassi e successo di questo periodo fu però Il re leone , che ispirandosi all'Amleto di Shakespeare riuscì ad ottenere quello che per la maggior parte dei critici e del pubblico è il titolo di miglior film Disney. [37] [39]

Toy Story - Il mondo dei giocattoli fu il primo film d'animazione completamente sviluppato in computer grafica . Diretto da John Lasseter , fu realizzato dalla Pixar e distribuito dalla Walt Disney Pictures nel 1995 .

Anni recenti

Il cinema digitale

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Cinema digitale .

Sino ad alcuni anni fa, cinema e televisione erano due media ben distinti: il cinema fondava la sua forza sulla qualità della pellicola e sulla visione dei film in apposite sale dove la proiezione avveniva al buio (favorendo l'attenzione degli spettatori); la televisione risultava imbattibile per la sua capacità di rappresentare l'evento contestualmente al suo verificarsi, pur se la qualità e la definizione delle immagini erano appena sufficienti per una visione su uno schermo domestico.

Lo sviluppo dell' elettronica ha mutato questo rapporto. Così come già avvenuto in campo musicale, ove il CD ha soppiantato l' LP analogico (ma non del tutto, visto che molti continuano a preferire il suono dell'LP), anche nel mondo del cinema si sta tentando di imporre sistemi interamente digitali di registrazione-riproduzione.

È bene ricordare che un' immagine non è altro che una massa di informazioni. E l'informazione, a sua volta, è qualsiasi oggetto fisico capace di distinguersi, di differenziarsi, di essere diverso da ciò che gli sta vicino. Nel cinema tradizionale, ogni singola informazione dell'oggetto da rappresentare è raccolta in modo analogico: vale a dire che un altro oggetto fisico modifica il suo stato in modo proporzionale con l'oggetto da rappresentare. In particolare l'immagine è ottenuta per mezzo di una emulsione fotosensibile, la quale è una sospensione di minuti cristalli di alogenuri d' argento - sali assai sensibili all'effetto della luce - dispersi in una matrice di gelatina fissata a un supporto solido.

Nel cinema digitale, invece, l'informazione è raccolta da una cifra (in inglese: digit ): dato un certo spazio, si può stabilire che al numero "0" corrisponda il bianco , e al numero "1" il nero . In questo modo, scomponendo un'immagine in punti, è possibile trasformarla in una sequenza numerica. È ovvio che maggiore è la quantità di informazioni numeriche raccolte, maggiore sarà l'accuratezza dell'immagine ottenuta.

La registrazione e riproduzione digitale delle immagini comporta due ordini di problemi: il primo riguarda la raccolta di tutte le informazioni necessarie per comporre l'immagine; il secondo attiene alla gestione di queste informazioni; compito, questo, che compete al dispositivo incaricato di trasformare le sequenze numeriche in unità visibili (cd. matrice). Ogni singola unità visibile, che può assumere un unico stato cromatico, si chiama pixel (contrazione dell'espressione picture element ).

Secondo alcuni studi, l'accuratezza (più nota come risoluzione ) massima di una pellicola negativa 35 mm è pari a 6 milioni di pixel (che si abbassa 4 milioni di pixel per le distorsioni introdotte dalle ottiche). Tale misurazione è, tuttavia, da alcuni criticata, in quanto tale definizione verrebbe valutata secondo un parametro estraneo all'immagine chimica e sostituita con la funzione di trasferimento di modulazione o MTF (Modulation Transfer Function) che può essere applicata non necessariamente alla pellicola, ma più in generale a un sistema ottico, ad esempio il complesso obiettivo-pellicola, e che è una misura della capacità del sistema di catturare il contrasto dell'immagine.

Un'immagine digitale, per consentire di distinguere gli stessi dettagli esprimibili da una pellicola 35 mm, dovrebbe essere composta da 4 milioni di pixel. Ma la qualità di un'immagine è data anche da altri fattori, come il contrasto , la luminosità , il numero di colori e la loro pastosità, la gamma dinamica : ecco per quale ragione la semplice misurazione in pixel dell'immagine chimica non appare sufficiente a esprimere tutte le caratteristiche dell'immagine stessa.

Appare chiaro, comunque, che il cinema digitale per eguagliare e superare il cinema chimico ha bisogno di dispositivi di immagazzinamento dati (cosiddetto storage ) di eccezionale capienza; e deve, anche, disporre di matrici che non abbiamo meno di due milioni di pixel. La registrazione della enorme massa di informazioni contenuta in un film di circa due ore non costituisce più un problema, grazie alla capienza dei moderni hard disk e di supporti ottici come il DVD , nonché all'impiego degli algoritmi di compressione , i quali consentono di operare un vero e proprio "sunto" delle informazioni.

Gli attuali limiti del cinema digitale sono invece a monte ea valle del processo di acquisizione delle immagini. Le telecamere HD (High Definition) non offrono ancora la stessa risoluzione del negativo fotografico, hanno una eccessiva profondità di campo , la latitudine di posa va da 8 a 11 stop (contro gli 11 - 12 delle emulsioni negative).

Per quanto riguarda la proiezione, invece, sorgono altri problemi. V'è da notare, innanzi tutto, che l'altissima risoluzione del negativo originale viene perduta durante i vari passaggi (internegativi e stampa del positivo finale), sì che la risoluzione della copia da stampa non supera i due milioni di pixel. Con queste premesse gli attuali videoproiettori con tecnologia Digital Light Processing (DLP) dovrebbero poter reggere il confronto con la proiezione meccanica della pellicola 35 mm. I più sofisticati videoproiettori utilizzano tre microchip DMD ( Digital Micromirror Device ) per il controllo dell'immagine.

All'interno di ogni DMD sono montati dei microspecchi capaci di oscillare indipendentemente gli uni dagli altri, così da riflettere i tre colori primari della luce (verde, rosso e blu) e formare sul grande schermo le immagini cinematografiche. Ogni microspecchio è grande circa un quarto della sezione di un capello umano. Se si pensa che queste macchine impiegano matrici la cui risoluzione è di 1920 righe verticali per 1080 orizzontali pari 2.073.600 pixel (questo standard è detto a 2K in rapporto alla risoluzione orizzontale, ma esistono già matrici a 4K pari 3840 x 2048 pixel) è facile concludere che l'immagine chimica sia stata surclassata. E invece non è così: il "look and feel" della proiezione tradizionale risulta ancora superiore a quella digitale in tutte le proiezioni comparative che sono state effettuate. Le ragioni sono intrinseche alla proiezione tradizionale e non sono misurabili solo in termini di definizione pura.

Com'è noto, durante la proiezione vengono offerte allo spettatore 24 immagini per secondo. Nella proiezione digitale ogni informazione dell'immagine ha una posizione costante, essendo generata sempre dallo stesso pixel, il quale muta continuamente il suo stato. Nell'immagine chimica, invece, la disposizione dei singoli cristalli di alogenuri di argento è casuale, sì che le informazioni che si succedono al ritmo di 24 per secondo non hanno una posizione costante: la struttura della grana, in altri termini, è dinamica, mentre quella della matrice è statica. Dunque il confronto tra le due forme di acquisizione delle immagini è molto complesso e non valutabile solo in termini di risoluzione pura.

A ciò si deve aggiungere che non soltanto il cinema digitale sta compiendo progressi: anche le aziende produttrici delle pellicole stanno investendo soldi ed energie per proporre al mercato pellicole con un potere risolvente sempre maggiore. Si pensi che le attuali pellicole da stampa hanno un potere risolvente doppio di quello che avevano quindici anni fa. Nello stesso tempo anche i negativi appaiono sempre più sofisticati e ben al di sopra dei limiti fisici delle ottiche (limiti che valgono anche per le acquisizioni digitali).

Anche i proiettori meccanici, infine, continuano a essere oggetto di migliorie utili all'aumento del contrasto e della definizione: si pensi alla trazione diretta elettronica per la guida intermittente dell'alberino di precisione - in luogo della tradizionale croce di Malta - trazione la quale elimina l'onda di immagine verticale, con conseguente aumento della stabilità dell'immagine, del contrasto e del fuoco.

Allo stato attuale, dunque, non appare così vicino il giorno in cui tutti i film saranno girati e proiettati con tecniche digitali. Per ora i due sistemi sembrano, invero, ben collaborare, considerato che l'elaborazione digitale delle immagini viene adoperata in tutta la fase intermedia tra l'impressione del negativo e la stampa del positivo da proiezione (cosiddetta Digital Intermediate , abbreviato in "DI"). In estrema sintesi, questa è l'attuale lavorazione tipica di un film:

  • sul set si provvede alla ripresa delle immagini per mezzo di una cinepresa tradizionale;
  • il trasferimento del materiale girato tramite telecinema dei giornalieri avviene come per il procedimento tradizionale
  • i negativi originali delle scene scelte vengono scanditi ad alta definizione (2k) per poi essere subito archiviati e conservati;
  • tutto il processo di finalizzazione e post-produzione avviene per mezzo di appositi computer dotati di grande potenza di calcolo;
  • la sequenza di file risultante viene trasferita su un unico negativo tramite una film recorder;
  • il negativo o intermediate così originato viene impiegato per ottenere gli interpositivi e internegativi necessari per la produzione in serie delle copie per proiezione.

In linea teorica, questo sistema potrebbe consentire di ottenere una copia da proiezione con una risoluzione pari a quella del negativo originale (4k); tuttavia, considerato che per motivi di costi si preferisce scandire il negativo con una risoluzione pari a 2k, tale ultimo valore è quello massimo ottenibile dal negativo destinato alla produzione delle pellicole per la proiezione, le quali avranno, a loro volta, una risoluzione leggermente inferiore (ogni processo di copia ottica porta a una perdita di risoluzione); valore in ogni caso superiore a quello che si otterrebbe se alla copia finale si arrivasse facendo ricorso a copie intermedie analogiche.

Cinema anni 2000 e 2010

La fine degli anni 1990 ei primi anni 2000 rappresentano degli anni importanti per il cinema action e fantasy, con l'uscita di pellicole di grande successo come la trilogia de Il Signore degli Anelli e Il gladiatore , che si è rivelato uno dei maggiori successi della sua annata cinematografica. Nel 2000 a livello internazionale ha incassato circa 457.640.427 $, [40] secondo solo a Mission: Impossible II .

L'uscita di Moulin Rouge! (2001) è stata considerata la "rinascita" del musical , un genere cinematografico che per molti anni era stato disertato dal cinema live action e tenuto in vita solo dai classici Disney d' animazione . I musical riscuoteranno pian piano sempre più successo dopo il 2010, anche grazie a pellicole come Les Misérables , La La Land e The Greatest Showman .

Altri film sono stati rilasciati simultaneamente anche in IMAX . Il primo è stato il film di animazione Disney del 2002 Il pianeta del tesoro mentre il primo live action è del 2003, Matrix Revolutions , e la redistribuzione di Matrix Reloaded . Più tardi nel decennio, Il cavaliere oscuro fu il primo lungometraggio a essere stato parzialmente ripreso nella tecnologia IMAX.

Nel 2003 c'è stata una ripresa della popolarità dei film in 3D , il primo dei quali è stato Ghosts of the Abyss di James Cameron, primo lungometraggio 3D IMAX filmato con Reality Camera System . Lo stesso sistema di telecamere è stato utilizzato per filmare Missione 3D - Game Over (2003), Aliens of the Deep IMAX (2005) e Le avventure di Sharkboy e Lavagirl in 3-D (2005).

La popolarità del cinema in 3D ha la sua consacrazione in Avatar di James Cameron, film dagli effetti speciali straordinari e promotore di una nuova era di film in cui tecnologia HD e film sono diventati una cosa sola. Con un budget di produzione di circa 237 milioni di dollari , [41] Avatar ha incassato oltre 2,8 miliardi di dollari in tutto il mondo, [42] [43] diventando il film con più incassi della storia del cinema . [44] Lo stesso Cameron, in quanto forte sostenitore del 3D come futuro del cinema, ha dichiarato che si avrebbe un'esperienza più completa guardando Avatar in tre dimensioni, poiché il film è stato da lui appositamente pensato per essere visto in quel modo. [45]

I film in 3D hanno ottenuto una breve popolarità con molti altri film in uscita in 3D, con i migliori successi critici e finanziari nel campo dei film d'animazione come Cattivissimo me di Universal Pictures / Illumination Entertainment , Dragon Trainer , Shrek e vissero felici e contenti e Megamind della DreamWorks Animation . Tuttavia, la popolarità del 3D è costantemente diminuita nei successivi sette anni fino al 2017. [46]

Al 2017 la serie di Harry Potter è la terza serie campione di incassi di tutti i tempi, con gli otto film che hanno incassato oltre 7,7 miliardi di dollari in tutto il mondo. La Pietra Filosofale di Chris Columbus è diventato il maggior incasso Harry Potter di tutto il mondo dopo aver terminato il suo ciclo nei cinema nel 2002, ma alla fine è stato sormontato da David Yates con I Doni della Morte - Parte 2 , mentre Alfonso Cuarón con Il prigioniero di Azkaban ha incassato il minimo di tutta la serie. [47] [48] [49] [50]

All'interno del cinema fantastico-fantascientifico degli anni duemila il maggiore filone, per successo commerciale e numero di titoli, è senza dubbio quello del film di supereroi [51] di diretta derivazione fumettistica. [52] Il massiccio ingresso degli eroi in calzamaglia nel mondo della celluloide –o meglio il loro ritorno, dopo gli exploit di Superman nel 1978 e Batman nel 1989 – è favorito dalla piena maturità degli effetti speciali digitali, che permettono di rappresentare in modo assai spettacolare le situazioni in cui sono coinvolti i superpoteri dei fantastici personaggi. Dopo i film tratti dai fumetti della DC Comics nei decenni precedenti, agli inizi degli anni '2000 vengono prodotti numerosi film tratti dai personaggi della Marvel Comics . Dopo i primi progetti come Blade , Hulk e X-Men , che avevano riscosso un discreto successo, nel 2002 esce Spider-Man , diretto da Sam Raimi , film campione di incassi che darà inizio a una trilogia, a cui poi seguirà un reboot nel 2012 diretto da Marc Webb . Visto il potenziale dei cosiddetti "cinecomics", i Marvel Studios danno inizio a un progetto volto a creare un universo cinematografico condiviso in cui i film sui diversi personaggi sono collegati fra loro per formare in seguito dei crossover . Così nel 2008 esce Iron Man diretto da Jon Favreau , film che insieme a L'incredibile Hulk dà inizio al cosiddetto Marvel Cinematic Universe , progetto che riscontra grande successo soprattutto dopo l'uscita del primo film crossover intitolato The Avengers . L'acquisizione della Marvel da parte della Disney alla fine del 2009 segna un indiretto riconoscimento del potenziale cinematografico dei supereroi dei fumetti. [52] Nel frattempo la DC Comics affida a Christopher Nolan la regia di un nuovo film su Batman : Batman Begins , il cui seguito, Il cavaliere oscuro ( The Dark Knight ), riscuote alla sua uscita un successo senza precedenti, divenendo il film di supereroi di maggior incasso; [51] venendo poi superato dal suo stesso sequel, Il cavaliere oscuro - Il ritorno . [53]

Cinema 2010-2020

Gli anni che vanno dal 2010 in poi rappresentano degli anni di grande sviluppo del cinema commerciale. I film di supereroi della Marvel battono molti record ai box-office al punto che The Avengers non solo supera Il cavaliere oscuro - Il ritorno , [54] ma viene a sua volta superato da Avengers: Endgame , che diventa il film di maggiore incasso di tutti i tempi [55] (fino a marzo 2021, quando Avatar diventa di nuovo il film di maggiore incasso nella storia, dopo essere stato riproposto nei cinema cinesi per tentare di riportare il pubblico in sala dopo i terribili eventi della Pandemia di COVID-19 ). [56]

Dopo aver acquistato la Pixar nel 2006 e la Marvel nel 2009, nel 2012 la Disney acquista la casa cinematografica Lucasfilm , fondata dal regista George Lucas e inizia la produzione di una nuova trilogia di film per la saga di Guerre stellari , il cui primo film esce nel 2015 con il titolo Star Wars: Il risveglio della Forza . [57] Nel 2019 la Disney acquisisce anche lo storico studio cinematografico 20th Century Studios , portando a termine una trattativa da circa 71 miliardi di dollari. [58] Le manovre di acquisizione della Disney la portano quasi a monopolizzare il mercato del cinema commerciale, facendola diventare la più grande azienda al mondo. [59]

Intanto, dopo il grande successo di Netflix nel 2015 e del suo servizio di abbonamento per lo streaming di film e serie tv, iniziano a diffondersi sempre più piattaforme con servizi di abbonamenti simili, dando ampio svilippo al mercato di film in digitale, ma soprattutto dando sempre più spazio alla produzione di serie televisive. Di lì a poco le serie tv conoscono una vera e propria rinascita, ottenendo sempre più successo e sempre più investimenti da parte di nuove case di produzione come Amazon Prime , Apple TV+ e Disney+ .

Netflix inzia così a produrre e distribuire i suoi primi film, alcuni dei quali vengono persino candidati agli Oscar, come nel caso di Roma , Storia di un matrimonio , The Irishman , Da 5 Bloods - Come fratelli , Il processo ai Chicago 7 e Mank . [60]

L'industria cinematografica commerciale di Hollywood e l'intero settore del cinema mondiale subiscono un'improvvisa battuta d'arresto quando, alla fine del 2019, inizia a diffondersi in tutto il mondo il virus del COVID-19 , scatenando una pandemia che blocca i mercati cinematografici mondiali e costringe i paesi colpiti alla chiusura delle sale cinematografiche. [61]

Note

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  3. ^ Brian Clegg, The man who stopped the time , Joseph Henry Press, 2007.
  4. ^ Come si evince da Sallie Gardner at a Gallop , sul sito del San Francisco Museum.
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  10. ^ Maurice Trarieux Lumière (intervista con il nipote di Louis Lumière, presidente dell'Associazione fratelli Lumière), La lettre du premiér siécle du cinéma nº 7 , Associazione Premiér Siecle du Cinema, supplemento alla Newsletter del Ministero della Cultura Francofona nº 380, del 3 dicembre 1994 (ISSN 1244-9539)
  11. ^ Michelle Aubert e Jean-Claude Seguin, La Production Cinématographique des freres Lumière , Bifi Editions, Mémoires du Cinéma, Parigi, 1996 ( ISBN 2-9509048-1-5 )
  12. ^ Si veda il sito Institut Lumière Archiviato il 1º febbraio 2014 in Internet Archive . nella parte dedicata al Cinématographe.
  13. ^ Claude Beylie e Jacques Pinturault, Les Maîtres du cinéma français , Editions Borsais, Parigi, 1990 ( ISBN 2-04-018496-1 )
  14. ^ Cfr. Roger Consil, Conferenza della Società Storica di Aniche del 22 maggio 2008, La folle histoire du cinématographe Archiviato il 19 luglio 2014 in Internet Archive .. La data del 23 novembre 1905 appare nei libri mastri del giornale di cassa a partire dal 1º aprile 1902; la vidimazione obbligatoria contabile del primo e dell'ultimo foglio venne siglata il 1º ottobre 1902 dal sindaco di Aniche Pierre Joseph Richard Bertinchamps, in carica dal 1902 al 1910.
  15. ^ Secondo la studiosa Giovanna Lombardi, pare che in base a documentazioni inedite, i fratelli Lumière abbiano in qualche modo utilizzato i progetti di Alberini per perfezionare ulteriormente il loro Cinématographe. Si veda in proposito il saggio Filoteo Alberini, l'inventore del cinema , Edizioni Arduino Sacco, pagg. 205, 2008, ISBN 978-88-6354-045-1 .
  16. ^ Sergio Miceli, Musica per film, Storia, Estetica - Analisi - Tipologie , Milano, Universal Music MGB Publications/LIM Editrice, seconda edizione ampl. riv. e corr. 2009, p. 42.
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  19. ^ Come nel caso di uno dei suoi cavalli di battaglia, «Rock-a-Bye your Baby with a Dixie Melody», musica di Jean Schwartz, parole di Sam Lewis e Joe Young, interpretazione di Al Jolson, 1926.
  20. ^ Roberto Chiti e Roberto Poppi , Dizionario del cinema italiano. I film dal 1945 al 1959 , Gremese Editore, Roma, seconda edizione, 2007, pag. 261 ( ISBN 978-88-8440-450-3 ).
  21. ^ Franca Faldini e Goffredo Fofi, Totò: storia di un buffone serissimo , Edizioni Mondadori, Milano, 2004 ( ISBN 88-04-52910-5 )
  22. ^ Franca Faldini e Goffredo Fofi , Totò: storia di un buffone serissimo , Edizioni Mondadori, Milano, 2004 ( ISBN 88-04-52910-5 )
  23. ^ Mario Bava, La città del cinema , Edizioni Napoleone, Roma.
  24. ^ Roberto Chiti e Roberto Poppi, op. cit. , pag. 172-173.
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