Istoria mozaicului
Istoria mozaicului începe cu primele civilizații din istorie și, prin urmare, pare a fi printre primele forme artistice, împreună cu sculptura , printre artele figurative.
Primele mozaicuri
Descoperirile arheologice ale orașelor Ur și Uruk mărturisesc că sumerienii , în anul 3000 î.Hr. , și-au înfrumusețat clădirile cu decorațiuni geometrice realizate prin inserarea, în mortarul proaspăt, a conurilor de lut cu baza glazurată în alb, negru și roșu, care serveau și ele pentru a proteja zidăria de cărămidă nefiartă . Apoi au împodobit vazele și alte articole de mobilier cu bucăți de sidef, lapis lazuli și teracotă. Steagul din Ur datează din această perioadă, un mozaic portabil în formă de pupitru decorat într-o tehnică similară cu incrustarea de marmură cu lapis lazuli , scoici și calcar roșu: evenimentele descrise sunt povestite prin benzi suprapuse.
Tot în Egipt găsim mozaicuri de conuri de lut datând din mileniul III î.Hr. Compozițiile de pietre semiprețioase, pietre prețioase și sticlă care împodobeau sarcofagele faraonilor pot fi considerate și decorațiuni mozaice.
Au fost folosite și cărămizi vitrate, dovadă fiind templul lui Sethi I din Abydos , datând din secolul al XIII-lea î.Hr.
În mileniul al II-lea î.Hr. , în zona minoică - miceniană , a început să fie folosit un pavaj pietruit ca alternativă la utilizarea covoarelor, care a dat o rezistență mai mare la călcare și a făcut pardoseala însăși impermeabilă. Un exemplu este mozaicul de podea din Gordion , capitala antică a Frigiei , acum Turcia , datând din secolul al VIII-lea î.Hr. , decorat cu motive geometrice.
Mozaicul din lumea greacă
Cele mai vechi urme ale unui decor mozaic primitiv din Grecia datează din secolele V - IV î.Hr. , cu difuzarea mozaicurilor de podea din pietricele, litostrota , adică pardoselile din piatră , născute mai mult cu funcții practice decât estetice, pentru a face impermeabile și rezistente la purtați podeaua de murdărie.
Tehnica cu pietriș își atinge vârful în Pella , locul de naștere al lui Alexandru cel Mare , în Macedonia , în secolul al V-lea î.Hr.: în ciuda gamei reduse de culori, animalele, scenele de vânătoare, episoadele mitologice sunt reprezentate cu rezultate excelente. Aici, pentru prima dată, se găsește numele unui autor, Gnosis. Adesea, a fost inserată o foaie subțire de plumb pentru a evidenția conturul subiectelor sau pentru a defini mici detalii, așa cum se va face, câteva secole mai târziu, în ferestrele policrome ale goticului .
Începând cu secolul al IV-lea î.Hr., se folosesc cuburi de marmură, onix și diverse pietre, care au o precizie mai mare decât pietricele, până la introducerea teselelor tăiate în secolul al III-lea î.Hr. Mozaicul de pardoseală păstrează caracteristicile estetice ale covoarelor : de dimensiuni reduse comparativ cu camera, chiar dacă nu sunt așezate perpendicular pe pereți, este compus dintr-o serie de margini în jurul unui panou central, numit èmblema , din greaca ΄εμβάλλω ( embàllo) = turnat în interior, purtând un subiect figurativ. Emblema amintește dependența marcată a mozaicului de pictura vremii , cu care mozaicienii vor concura, introducând utilizarea unor tesele din ce în ce mai mici, de până la 1 mm 3 .
Pliniu cel Bătrân , în Naturalis Historia , îl citează pe mozaicistul Sosos din Pergam ( secolul al II-lea î.Hr. ), inventatorul Asarotos Oikos , „camera nu măturată” , și a iconografiei porumbeilor de băut , preluată de mai multe ori în contextul roman , precum cea a Vila Adriana ( Tivoli ). Asarotos Oikos a descris resturi de mâncare lăsate pe podea, pentru a evidenția opulența proprietarului și a-și etala puterea economică, precum și pentru a ascunde curățenia slabă: o altă teorie susține tradiția de a lăsa aceste resturi pentru a potoli invidia spiritelor rele. La Pompei rămâne o copie, datând din secolul al II-lea î.Hr. , al bătăliei de la Issus purtată de Alexandru cel Mare , o lucrare creată de Filosseno d' Eretria în secolul al IV-lea î.Hr .: mozaicul este compus, ca și în pictura contemporană, în patru culori: negru, galben, alb roșu.
Mozaicul din lumea romană
Primele mărturii ale plăcilor de mozaic din Roma antică datează de la sfârșitul secolului al III-lea î.Hr. Ulterior, odată cu extinderea în Grecia și Egipt și, prin urmare, nu numai cu schimburi comerciale, ci și culturale, se dezvoltă un interes pentru cercetarea estetică și rafinamentul compozițiilor.
Inițial muncitorii veneau din Grecia și aduceau cu ei tehnici de prelucrare și subiecte din repertoriul mozaic elenistic, cum ar fi porumbeii de udare și peisajele nilotice .
Mozaicul roman va deveni apoi independent de tradiția greacă; răspândindu-se în tot Imperiul Roman, sunt preferate temele figurative, în mare parte stereotipate, dar mai presus de toate motivele geometrice și vegetația stilizată, în care romanii excelează.
Considerat inițial un obiect de lux, deci nu la îndemâna tuturor, mozaicul s-a răspândit încet. Mozaicurile alb-negru în două tonuri și-au făcut apariția în perioada Hadrianică (prima jumătate a secolului al II-lea d.Hr. ) atât figurativă, cât și decorativă. Au fost utilizate pe scară largă în spa-uri, în medii de uz public și în case mai puțin luxoase, combinând simplitatea și ieftinătatea cu o gamă foarte largă de variante posibile.
Mozaicurile policrome de origine elenistică au fost mai rare și s-au găsit în principal în provincii, în special în Africa. Maeștrii nord-africani, în special, au exportat într-o vilă patriciană din Sicilia, o suprafață de mozaic extinsă peste 3000 m bogată în culori, arătând scene originale de viață, vânătoare și diverse feluri: aceste mozaicuri, excelent conservate în timp, astăzi sunt principala atracție a Piazza Armerina ( EN ) în splendida Villa del Casale ( Mozaicul Marii Vânătoare și altele).
Pardoselile din comisarii de marmură numite sectilia s- au răspândit și ele, în special în clădirile publice sau în clădirile unor oameni de rang înalt, precum palatele imperiale ale Palatinului din Roma și Vila Hadriană din Tivoli .
Repertoriile decorative și cromatice au variat în funcție de școlile regionale: de exemplu, motivele geometrice erau tipice Galiei , în timp ce nordul Africii se specializa în mozaicuri figurative.
Teselele, uneori foarte mici, alcătuiesc figurări preluate din pictură sau decorațiuni care amintesc arhitectura. Mozaicul devine o parte integrantă a mediului în care se află, influențând astfel și iconografia: scene mitologice în temple, motive marine în băi , sportivi în săli de sport, naturi moarte sau scene dionisiace în triclini , câini în vestibuluri , subiecte erotice în camerele de nuntă.
Materialele utilizate sunt marmura, pietre de diferite tipuri și pastă de sticlă: în special mozaicul de pastă de sticlă are un rafinament tehnic deosebit, dar a rămas subordonat arhitecturii.
Mozaicul de perete s-a născut la sfârșitul Republicii , către secolul I î.Hr. , în așa-numita Grotte delle Muse , construcții săpate în stâncă, subterane sau artificiale, unde elementul principal este un izvor sau o fântână: de aceea acoperire rezistentă la umiditate și pe pereți. În săpăturile din Pompei și în săpăturile din Herculaneum a fost folosit și pentru acoperirea exedrelor, nișe mari, semicirculare sau uneori poligonale, adesea decorate cu o fântână; amintiți-vă mozaicul lui Neptun și Amfitrit , în Casa lui Neptun și Amfitrit din Herculaneum , și pe cel al lui Venus în Casa Ursului din Pompei : ambele au particularitatea de a fi inclus și scoici, care amintesc tema marină descrisă.
Alte teme abordate au fost episoadele mitologice, Venationes sau luptele dintre oameni și fiare, scene de teatru , cu actori și măști, care denotă abilitatea specială a mozaicienilor romani în portretizare.
Deja în primul secol î.Hr. mozaicul era atât de răspândit încât calitatea a fost sărăcită: era acum prezentă în toate casele, cu subiecți comuni și slab îngrijiți. Inventivitatea artistului a lipsit: sunt opere ale unor artizani care se mulțumesc cu copierea aproximativă a temelor cunoscute. Plăcile sunt, de asemenea, aspre, iar desenul nu este foarte precis. În această perioadă emblema a devenit mai rară, întrucât decorația figurată ocupă întregul etaj.
În secolul al II-lea Imperiul a cunoscut o perioadă de criză economică, politică și culturală, care a marcat sfârșitul iminent al epocii clasice. Această schimbare s-a reflectat și în lumea artei, odată cu ruperea cu tradiția elenismului și nașterea unui nou limbaj formal. Există o orientare spre abstractizare, cu forme mai esențiale și o utilizare redusă a culorii. Primele compoziții alb-negru derivă dintr-un nou gust cromatic, dar și pentru a economisi materiale. În Ostia și în Villa Adriana din Tivoli , abstractizarea este favorizată de răspândirea neo - platonismului și a orfismului : conform acestor doctrine, imaginea trebuie să depășească realitatea și să sugereze supranaturalul.
Remarcabile sunt mozaicurile de podea romane descoperite la Ravenna în Domusul covoarelor de piatră . Colecția de mozaicuri romane păstrate în Muzeul Național Bardo din Tunis este grandioasă .
Mozaicul din lumea islamică
Arta islamică a început în jurul a doua jumătate a secolului al șaptelea , cu dinastia a Umayyad califilor , în Damasc , Siria : de aici a ajuns la o zonă geografică vastă, care influențează , de asemenea , zone ale religiei creștine, cum ar fi Sicilia și Spania. .
Refuzul oricărei forme realiste este fundamental, pentru a evita mai presus de toate riscul idolatriei : prin urmare, motive geometrice și florale, de obicei reproduse în serie, care amintesc de decorațiunile covoarelor răspândite. Cu toate acestea, în splendidele mozaicuri și stucuri găsite în ruinele Palatului Hisham , lângă orașul palestinian Ierihon și care datează din prima jumătate a secolului al VIII-lea , când califatul aparținea omeilor, există figuri a animalelor și a oamenilor.
Mozaicul a fost adoptat în secolul al VIII-lea : inițial de inspirație alexandrină, a evoluat autonom, preferând ceramica vitrată mai ieftină decât pastele de sticlă.
Domul Stâncii , numit și Moscheea Omar, din Ierusalim , este cea mai veche capodoperă a artei islamice și datează din 692 : se ridică în jurul pietrei venerate atât de musulmani, ca punct al ascensiunii în cerul Profetului Mahomed , și de către evrei , ca loc al sacrificiului lui Avraam . Cu un plan octogonal, este surmontat de o cupolă de lemn, acoperită cu plăci de alamă aurită. Atât în exterior, cât și în interior, este bogat decorat cu marmură policromă, majolică și mozaicuri.
Marea moschee omeia din Damasc se află pe zona ocupată în secolul I de templul zeului Hadad , care în a doua jumătate a secolului al IV-lea a fost transformat în biserică de Teodosie I. După cucerirea arabă, timp de aproximativ un secol a fost probabil folosită de creștini și musulmani împreună, înainte de a fi transformată definitiv într-o moschee. Pereții au fost acoperiți în întregime cu mozaic, din care mai rămân doar câteva fragmente, în intradele unor arcade și în magnifica panoramă a râului Barada, descoperită în anii 20 ai secolului trecut, care măsoară 34x7 m.
Mozaicul din epoca bizantină
După căderea Imperiului Roman de Apus , care a fost evident odată cu sosirea însemnelor imperiale ale lui Romulus Augustus la Constantinopol , mozaicul a experimentat cele mai strălucitoare expresii ale sale. Din secolul al VI-lea , fabuloasele mozaicuri bizantine au ajuns și în Italia , grație recuceririi ordonate de Iustinian I și condusă de cel mai bun general din acele timpuri, generalisimo Belisario , și apoi a cedat locul rivalului său Narsete . În 540 Belisario a intrat triumfător în Ravenna , vechea capitală a Imperiului Roman de Vest, iar oamenii care s-au simțit eliberați au sărbătorit și au decis că o biserică va fi decorată pentru a comemora victoria bizantinilor asupra gotilor : bazilica, care deja începuse Teodoric. , s-a numit San Vitale , decorat cu mozaicuri somptuoase, inclusiv faimoasele pătrate reprezentând pe o parte pe Justinian , considerat salvatorul Imperiului Roman , împreună cu toată curtea sa; pe de altă parte Theodora împreună cu curtea ei. Sunt reprezentate și scene din Biblie , referitoare la povești din Vechiul Testament .
Mozaicurile care împodobesc pereții bazilicelor celor două orașe imperiale, Ravenna și Constantinopol , alcătuite din tesele vitroase (emailuri) și aur pur, sunt de o frumusețe incomparabilă; amprenta bizantină se deosebește foarte ușor, figurile sunt încă, nemișcate, nu au simțul mișcării și nu au un sprijin real pentru picioare, atât de mult încât personajele par să plutească pe fundalul auriu, un simbol al luminii lui Dumnezeu . Mai târziu, figura lui Theodora va fi luată ca model pentru Madona , care de acum până la romanic și o parte din gotic va fi îmbrăcată ca o împărăteasă bizantină ( basilissa ).
Regele ostrogot Teodoric a construit Bazilica Sant'Apollinare Nuovo în capitala sa, Ravenna, însuși portretizat într-unul dintre mozaicurile care o decorează. Cu toate acestea, în 540 , când bizantinii au cucerit vechea capitală a romanilor occidentali, mozaicurile care înfățișau personaje ale credinței creștine ariene , cum ar fi Theodoric, au fost înlocuite cu draperii mozaice: cu toate acestea, rămân câteva fragmente din decorațiunile anterioare, în special pe coloanele. Pe peretele de nord al naosului găsim cortegiul de fecioare, îmbrăcat într-o tunică lungă drapată care coboară în picioare, în timp ce pe peretele de sud este descrisă cortegiul martirilor, îmbrăcat în alb.
Tot la Ravenna a fost construit Sant'Apollinare in Classe , sfințit în 549 : absida bisericii este în întregime mozaic. Zona inferioară prezintă la capete reprezentările a două orașe care au ziduri împodobite cu pietre prețioase: sunt Ierusalimul și Betleemul , din care cei doisprezece apostoli ies sub masca mieilor. În flancurile arcului există două palme, care în literatura biblică sunt emblema celor drepți. Sub acestea se află figurile arhanghelilor Mihail și Gavriil , cu bustul Sfântului Matei și un alt sfânt neidentificat clar.
Toată decorarea bazinului absidal datează de la jumătatea secolului al VI-lea și poate fi împărțită în două zone:
- În partea superioară un disc mare cuprinde un cer înstelat în care se află o cruce cu bijuterii, care poartă chipul lui Hristos la intersecția brațelor. Deasupra crucii vedem o mână ieșind din nori: este mâna lui Dumnezeu. Pe laturile discului se află figurile lui Ilie și Moise . Cele trei miei, care sunt mișcate puțin în jos, chiar la începutul zonei verzi, cu boturile îndreptate spre crucea cu bijuterii, simbolizează apostolii Petru, Iacov și Ioan: suntem în mod clar în fața reprezentării Schimbării la Față .
- În zona inferioară există o vale verde înflorită, unde există stânci, tufișuri, plante și păsări. În centru se află figura solemnă a Sfântului Apollinaris , primul episcop de Ravenna, cu brațele deschise într-o atitudine de rugăciune: el este portretizat, de fapt, în momentul ridicării rugăciunilor sale către Dumnezeu, astfel încât să poată acorda har credincioșii încredințați în grija sa., care sunt reprezentați aici de doisprezece miei albi.
În spațiile dintre ferestre sunt reprezentați patru episcopi, fondatori ai bazilicelor principale din Ravenna: Ursicino, Orso, Severo și Ecclesio, îmbrăcați în obiceiul preoțesc și purtând o carte în mână. Pe laturile absidei există două panouri din secolul al VII-lea : cel din stânga, foarte modificat, îl redă pe împăratul Bizanțului, Constantin al IV-lea, în timp ce conferă privilegii pentru Biserica Ravenna lui Reparato, trimis al arhiepiscopului Mauro. Panoul din dreapta îi arată pe Avraam , Abel și Melchisedec în jurul unui altar oferind o jertfă Domnului.
Tot la Ravenna, sunt admirabile mozaicurile bizantine ale Baptisteriului Neonian și ale Arian Baptistery . Mozaicurile Mausoleului din Galla Placidia sunt opera unor artiști din zona elenico- romană.
Mozaicurile bizantine ale bazilicii eufrasiene din Poreč din Istria aparțin secolului al VI-lea.
În Aquileia , în bazilica patriarhală a Santa Maria Assunta , s-a păstrat un extraordinar etaj mozaic creștin de la începutul secolului al IV-lea, într-o stare excepțională de conservare atât în ceea ce privește lățimea și completitudinea scenelor, cât și interesul iconografic , cu scene din Testamentul Antic , ceea ce este deosebit de interesant pentru că, dacă în pictura contemporană din catacombele din Roma am început să asistăm la o simplificare a stilului folosit, în fața unei mai mari imediatități a reprezentării și a unui simbolism marcat, în Aquileia putem vedea încă un stil naturalist de matrice elenistică, deși deja pe deplin adecvat noului simbolism creștin.
Prin urmare, notăm „peștele”, Ichthys în greacă, acronimul „Iesùs Cristòs Theoù Uiòs Sotèr” („Iisus Hristos Mântuitorul fiului lui Dumnezeu”), poveștile lui Iona , un exemplu al Vechiului Testament care face aluzie la moarte și înviere în trei zile, păstorul cel bun, lupta dintre cocoș și țestoasă și așa mai departe. Cocoșul, care cântă în zori la răsărit, este considerat un simbol al luminii lui Hristos. Broasca testoasa este un simbol al raului, al pacatului datorita etimologiei termenului care este din grecescul "tartarukos", "locuitor al Tartarului ". Studii recente au arătat că multe simboluri prezente pe mozaicuri pot fi atribuite gnosticismului și cosmologiei sale. O comunitate de creștini gnostici a fost prezentă în Aquileia în primele secole ale erei creștine. Frecvent este, de asemenea, reprezentarea mozaicului nodului lui Solomon .
Un caz particular este bazilica Hagia Sophia ( Hagia Sophia ) din Istanbul : construită în secolul al VI-lea de Iustinian I peste ruinele altor biserici anterioare, a fost inițial decorată cu motive geometrice și florale. S-a îmbogățit, după perioada iconoclastă, cu imagini figurative, din care a tronat Hristos, a intronat Madona cu Pruncul, arhanghelul Mihail, împăratul Leon al VI-lea Înțeleptul și Părinții Bisericii . În secolul al XV-lea , musulmanii au invadat Constantinopolul și au transformat bazilica într-o moschee , acoperind toate mozaicurile: abia în 1935 , când biserica a fost transformată în muzeu, au fost scoase la lumină. Tot la Istanbul, mozaicurile Bisericii San Salvatore din Chora sunt foarte relevante și valoroase.
Foarte importante sunt mozaicurile următoarelor mănăstiri din Grecia : mănăstirea Ossios Loukas , mănăstirea Daphni , mănăstirea Nea Moni .
În Roma , mozaicurile antice și bizantine târzii ale Mausoleului Santa Costanza , Bazilica Santa Pudenziana , Bazilica Santi Cosma și Damiano , Bazilica Sant'Agnese fuori le mura și Bazilica Santa Prassede sunt foarte importante . La Milano sunt prețioase mozaicurile Sacello di San Vittore pe cerul auriu din Bazilica Sant'Ambrogio și cele ale Capelei Sant'Aquilino din Bazilica San Lorenzo .
Mozaicul din Evul Mediu
În arta romanică mozaicul nu are un rol dominant din motive economice și fresca este preferată. Decorațiunile sunt totuși influențate de arta bizantină , în special în ceea ce privește învelișurile de mozaic. Este interesant să introduci ochelari mai puțin strălucitori pentru a te juca cu variațiile luminoase produse de alternanța elementelor mai mult sau mai puțin strălucitoare. Alături de fragmentele de sticlă au fost folosite pietre colorate, malachit pentru tesele verzi, lapis lazuli pentru albastru, marmură sau sidef pentru gri și alb, pietre naturale pentru tenuri.
Comisiile majore sunt de origine ecleziastică.
Cu toate acestea, mozaicul este cel mai mult podea și atinge apogeul în secolul al XII-lea : totuși, deja în secolul următor sunt preferate plăcile ceramice vitrate mai ieftine. Sunt utilizate materiale locale din piatră, în trei culori: alb, negru și roșu; reutilizarea fragmentelor antice sau a teselelor de mozaic deja existente este larg răspândită, la fel ca în biserica Santi Maria e Donato din Murano , unde plăcile mari de piatră ale podelei sunt fragmente de sarcofage, iar la Roma , unde pardoselile Cosmatesque, pe care opusul sectile , au discuri de porfir sau marmură decupate din coloane.
Datorită costurilor ridicate de construcție, mozaicul acoperea o suprafață foarte mică: în biserici se găsea doar lângă altar, uneori și în cor și transept .
Subiectele preferate sunt episoade din Biblie, cum ar fi păcatul original , Iona și Samson ; alegorii pentru a explica credincioșilor concepte abstracte; povești și fapte cavalerești, care în orice caz fac aluzie la victoria lui Hristos asupra păcatului și a morții și la lupta împotriva răului și care îl incită pe creștin să apere credința chiar și cu arme. De asemenea, asistăm la recuperarea mitologiei clasice, ca exemplu moral al culturii creștine: Tezeu și Minotaurul îl reprezintă pe David și Goliat .
S-au răspândit și reprezentări ale unor ființe bizare și monstruoase , preluate din surse literare antice, precum Griffin , Dragonul , Centaurul , Chimera .
Cel mai cunoscut mozaic de podea din această perioadă este cel al catedralei din Otranto , datând din 1163 - 1165 și reprezentând Arborele Vieții , creat de peste doi ani de călugărul Pantaleone . Înfățișează scene biblice, animale monstruoase și personaje din antichitate. Se presupune că conține mesaje greu de descifrat, dacă nu chiar imposibil. Numeroase texte au fost scrise pe această temă de către cercetători din întreaga lume.
Timpurile aurii ale mozaicului din Sicilia au fost epoca regatului normand în secolul al XII-lea . Meșterii greci care lucrau în Sicilia își dezvoltaseră propriul stil, ceea ce arată influența tendințelor artistice ale Islamului și Europei Occidentale.
Cele mai bune exemple de artă mozaic siciliană sunt Capela Palatină din Ruggero II , Biserica Martorana din Palermo și catedralele din Cefalù și Monreale .
Capela Palatină arată în mod clar amestecul stilurilor estice și occidentale. Domul (1142-42) și capătul estic al bisericii (1143-1154) au fost decorate cu stilul tipic bizantin de mozaicuri: Hristos Pantocrator , îngeri, scene din viața lui Hristos. Inscripțiile sunt scrise și în greacă. Scenele narative din naos (din Vechiul Testament , Viețile Sfinților Petru și Pavel ) amintesc mozaicurile din vechea Bazilică a lui Petru și Pavel din Roma (inscripții latine, 1154-66).
Biserica Martorana (decorată în jurul anului 1143) pare și mai bizantină, chiar dacă cele mai importante părți au fost demolate ulterior. Mozaicul este foarte asemănător cu cel al Capelei Palatine cu Hristos tronat în centru și patru îngeri. Inscripțiile grecești, modelele decorative, evangheliștii sunt realizate probabil de aceiași maeștri greci care au lucrat în Capela Palatină.
Mozaicul care îl înfățișează pe Roger al II-lea al Siciliei, îmbrăcat în haine imperiale bizantine, primind coroana din mâinile lui Hristos, se afla inițial în pronaosul demolat împreună cu un alt panou, Theotókos cu Georgios din Antiohia, fondatorul bisericii.
În Cefalù (1148), doar presbiteriul gotic francez și înalt era acoperit cu mozaicuri: Pantocrator în absidă și heruvimi pe bolta. Pe pereți putem vedea sfinții latini și greci, cu inscripții grecești.
Mozaicurile catedralei din Monreale constituie cea mai mare decorație de acest fel din Italia: acoperă 0,75 hectare cu dale de piatră și cel puțin 100 de milioane de sticlă. Această enormă lucrare a fost efectuată între 1176 și 1186 la cererea regelui William al II-lea al Siciliei . Iconografia mozaicurilor din presbiteriu este similară cu Cefalù, în timp ce imaginile din naos sunt aproape identice cu scenele narative din Capela Palatină.
Mozaicul Martorana al lui Roger al II-lea binecuvântat de Hristos a fost repetat cu figura regelui William al II-lea în locul predecesorului său. Un alt panou îl arată pe rege oferind modelul catedralei către Theotókos .
Conform perspectivei lui Otto Demus, cele două imense figuri ale Pantocratorului, ale lui Cefalù și Monreale, sunt un fel de expedient la care maeștrii mozaicului bizantin au fost „forțați” de absența domurilor atât în una, cât și în cealaltă catedrală normandă, spre deosebire de decât este în Martorana și în Capela Palatină, unde există cupole.
De fapt, domul (sau mai multe cupole) era destinat, în obiceiul iconografic constantinopolitan, să conțină reprezentarea celor mai sacre teme. Absența domurilor ne-a forțat să ne întoarcem la bazin, care, totuși, atât în Cefalù, cât și în Monreale, are o suprafață mult mai largă decât cea a domurilor tipice arhitecturii bizantine din vremea cu care maeștrii mozaicului obișnuiau să concureze. Nevoia de a umple acest spațiu neobișnuit de mare a fost înlăturată tocmai cu cele două reprezentări imense (și fără mărime fără precedent) ale Pantocratorului . Va ricordato infine che gli Altavilla si fecero promotori anche di cicli musivi di carattere profano di cui la testimonianza di maggior rilievo giunta sino a noi si trova nella cosiddetta stanza di re Ruggero nel Palazzo dei Normanni a Palermo. Altri resti di decorazione profana si trovano nel Palazzo de La Zisa , sempre a Palermo.
La produzione sempre più vasta di piastrelle di ceramica verniciate sostituirà il mosaico pavimentale a causa del costo nettamente inferiore.
Notevolissimi sono i mosaici della Basilica di San Marco a Venezia , eseguiti a partire dall'XI secolo. Nella Laguna di Venezia rilevante è il ciclo musivo medievale della Basilica di Santa Maria Assunta (Torcello) . A Trieste sono d'ispirazione costantinopolitana i bei mosaici della Cattedrale di San Giusto .
Il più grande cantiere di mosaico del Trecento è la facciata del Duomo di Orvieto , su un primo progetto di Lorenzo Maitani . Resta, però, un unico mosaico superstite, che risale al 1365 , mentre gli altri sono stati restaurati: è conservato al Victoria and Albert Museum di Londra e rappresenta la nascita della Vergine .
A Roma ricca di mosaici medievali è laBasilica di Santa Maria in Trastevere , mentre un altro esempio rilevante si trova presso la Basilica di San Clemente al Laterano . A Firenze è rivestito di preziosi mosaici medievali l'interno del Battistero di San Giovanni .
A Betlemme è parzialmente rivestita di mosaici medievali bizantini la Basilica della Natività .
Il mosaico nel Rinascimento
Nel Rinascimento il mosaico non è più mezzo creativo autonomo ma diventa virtuosismo: l'unico interesse è per l'apparente eternità del materiale musivo per rendere immortale l'opera pittorica, tanto che il Ghirlandaio considera il mosaico come vera pittura per l'eternità e il Vasari loda i mosaicisti che imitano la pittura al punto di ingannare lo spettatore.
In questo periodo numerosi artisti forniscono cartoni da tradurre in mosaico: Ghirlandaio ( Domenico e soprattutto suo fratello Davide ), Mantegna , Tiziano , Tintoretto e Veronese . Altri dipinti vengono ripetuti in mosaico: è il caso delle pale d'altare del Guercino e del Domenichino , sostituite da riproduzioni musive per impreziosirle e migliorarne la conservazione.
La maggiore opera musiva del Rinascimento è la Cappella dei Mascoli di San Marco a Venezia : si tratta di un ex voto del doge Foscari e comprende opere di Michele Giambono , Andrea del Castagno , Lorenzo Lando detto Il Vecchietta e Jacopo Bellini .
Nel XIV secolo il mosaico viene utilizzato anche come supporto di opere scultoree: si veda il fregio del cardinale Riccardo Annibaldi realizzato da Arnolfo di Cambio , in cui il mosaico dà maggior risalto ai bassorilievi . Questa scelta viene ripresa da Donatello per la cantoria del Duomo di Firenze , nel 1439 .
A Roma si diffonde la moda di finti mosaici affrescati: negli affreschi di Pinturicchio della Stanza della Fontana del Palazzo Colonna si trovano delle finte quadrettature che danno l'illusione di un mosaico. Altro rilevante esempio di mosaico rinascimentale visibile a Roma si trova nella Cappella di Sant'Elena nella Basilica di Santa Croce in Gerusalemme, opera di Melezzo da Forlì completata da Baldassare Peruzzi. Si tratta del restauro-rifacimento di un antico mosaico paleocristiano raffigurante le storie di Sant'Elena. A Roma i mosaici della Basilica di Santa Maria Maggiore sono del V secolo ma ampiamente rifatti nel secolo XVI, mentre altri sono del medesimo secolo.
Il mosaico nel Barocco
Nel periodo del manierismo si diffonde una tecnica di mosaico ripresa dalla Roma imperiale, che ebbe un notevole successo fino al periodo rococò : si tratta del mosaico in ciottoli o con altri elementi naturali, quali conchiglie , rocce spugnose, stalattiti , stalagmiti e pietre semipreziose, talvolta integrate da pitture e sculture. Queste fantasiose realizzazioni ebbero origine a Firenze , per mano di artisti quali Bernardo Buontalenti e si diffusero presto in tutta Europa, grazie ai frequenti contatti tra le corti europee.
In epoca manierista e barocca il mosaico diventa quindi un'arte definitivamente subordinata all'architettura e alla pittura: nel primo caso è utilizzato come rivestimento pavimentale, con preferenze per l'opus sectile e la palladiana ; nel secondo caso viene preferito solo per la sua maggiore durata nel tempo e resistenza alle intemperie, per cui si trova soprattutto sulle facciate dei palazzi.
Si estende anche alle suppellettili, soprattutto con l'inserimento di pietre dure o con il recupero di mosaici antichi, che vengono trasformati in piani di tavoli o inseriti in decorazioni pavimentali. I soggetti sono per lo più copie di originali pittorici.
A Venezia l'attività musiva si fa intensa soprattutto per restauri nella Basilica di San Marco , anche se talvolta il restauro significò la distruzione di interi cicli di mosaici, poiché interessava non tanto la conservazione e la documentazione storica, quanto la continuità estetica del manufatto. Si hanno anche risultati innovativi nella fabbricazione delle paste vitree, che consentono una scala di gradazioni pressoché infinita, e ha inizio la produzione di smalti opachi, che non sono cangianti, il che è una garanzia contro le alterazioni cromatiche.
A Roma , la storia del mosaico del Settecento coincide con la decorazione della basilica di San Pietro : Roma è al primo posto per la decorazione musiva, come fonte di committenze per la scuola musiva locale. Nel 1727 viene istituito lo Studio del Mosaico Vaticano, che promuove la ricerca nella produzione delle paste vitree, per fare concorrenza a Venezia: Alessio Mattioli nel 1731 produce smalti opachi con ampia scala cromatica, arrivando a 15.300 tinte, fino alle ben 28.000 di oggi. I risultati più significativi si hanno nella produzione dello smalto, con la filatura della pasta vitrea in bacchette per ottenere tessere minutissime, anche inferiori al millimetro, prodotte da Antonio Aguati , con colori sfumati, dette “malmischiati”. Nascono i “mosaici minuti”, per imitare e sostituire opere pittoriche, con grande raffinatezza e virtuosismo; verranno in seguito impiegati anche nella decorazione di suppellettili e gioielli. Le tessere sono dapprima di forma quadrangolare e vengono disposte su corsi paralleli, creando dei vivaci contrasti fra il fondo ei soggetti: successivamente prendono forme variabili, con una scala cromatica più ampia, e accompagnano l'andamento della figurazione. Nell' Ottocento questo tipo di mosaico andrà in declino a causa della rivoluzione industriale che porterà all'esaurimento delle attività manuali.
Viene introdotta una nuova iconografia: ai soggetti sacri si affiancano il paesaggio, la veduta con rovine, animali, vasi di fiori e scene di genere, con la ripresa di temi classici, come le Colombe di Plinio .
Il mosaico nell'Ottocento
Nel periodo neoclassico il mosaico, sebbene fosse stata un'importante forma d'arte della classicità, venne quasi completamente dismesso, soprattutto per l'influenza delle Accademie di Belle Arti che ormai avevano canonizzato gli insegnamenti sulle arti "maggiori" di pittura , scultura e architettura .
Fu solo nel periodo romantico che tornarono in auge tecniche artistiche riprese dal mondo medievale, tra le quali le vetrate , l' intaglio , la tarsia lignea e, appunto, il mosaico. Tra i mosaici neo-medievali, dall'arcaicizzante fondo oro ma dal vivido disegno tipicamente ottocentesco, spiccano le opere per architetture religiose, in un'epoca di grande fervore verso il completamento, la ristrutturazione e il "ripristino" di chiese e cattedrali.
Per esempio nella nuova facciata della Cattedrale di Santa Maria del Fiore di Emilio De Fabris per Firenze , Nicolò Barabino disegnò tre lunette con Storie della Madonna di notevole impatto visivo.
Nell' Ottocento si elaborano tecniche più rapide e meno costose: nasce il metodo per ribaltamento, ideato da Giandomenico Facchina , che consiste nel realizzare il mosaico su un foglio di carta, a rovescio, per poi collocarlo in situ. I vantaggi economici, cioè i tempi più brevi di lavorazione ei costi minori, vanno a discapito del risultato finale: la superficie liscia del prodotto finito manca della vibrazione luministica dei mosaici antichi.
Risale a questo periodo la decorazione della facciata di Palazzo Barbarico, sul Canal Grande , fra l' Accademia e la Basilica della Salute : i mosaici, realizzati nel 1886 , si ispirano a quelli della facciata della Basilica di San Marco.
Il mosaico nel Novecento
Antoni Gaudí
Lo stile eclettico dell'architetto catalano Antoni Gaudí ( 1852 - 1926 ) mescola forme gotiche e rinascimentali con materiali e decorazioni sperimentali. Propone nuove applicazioni del mosaico, inserendo frammenti di pietre colorate, marmi, smalti e ceramica, che vanno a ricoprire anche oggetti tridimensionali, sull'esempio della cultura azteca .
Dal 1900 al 1914 a Barcellona si svolgono i lavori a Parco Güell , una città-giardino che si estende su una superficie di 20 ettari alle pendici del Tibidabo . Pezzi di vetro e ceramica tagliati in modo non regolare, secondo la tecnica del trencadís , ovvero una rielaborazione del mosaico ceramico arabo, ricoprono ogni superficie, con violenti effetti cromatici che giocano in un susseguirsi di grotte, fontane e parapetti, abitati da animali fantastici: architetture improbabili assumono così valenze oniriche, che esaltano le forme ludiche e surreali.
Nel frattempo, Gaudí lavora anche alla Casa Milà , detta La Pedrera , un palazzo di 5 piani oggi sede di esposizioni: le tre facciate che danno sull'Eixample sono fuse in una sorta di moto ondoso di pietra, costellato dalle ringhiere metalliche dei balconi. Ogni piano ha una pianta interna diversa: particolare è l'ultimo, il sottotetto, che porta il visitatore nel ventre di una balena gigantesca. Il tetto riserva l'ultima sorpresa, con un bosco di comignoli, porte nascoste da costruzioni che assomigliano a spumiglie e un susseguirsi di scale che salgono e scendono lungo tutto il perimetro. Anche qui, ogni superficie è ricoperta di incrostazioni ceramiche e cocci di bottiglia, che catturano la luce del sole e la fanno rimbalzare in ogni angolo.
A due passi dalla Pedrera si trova la Casa Batlló , dove l'architetto catalano intervenne su un edificio già esistente, aggiungendo due piani e cambiando radicalmente la facciata. Qui dominano le linee curve, in un gioco di forme gotico-barocco, dove si fondono i materiali più eterogenei, anticipando l' informale .
Sul capolavoro incompiuto e tuttora in costruzione di Gaudí, il Tempio Espiatorio della Sagrada Família (una enorme chiesa a croce latina, con cinque navate, tre facciate, un'abside e una crociera) svettano otto torri coronate da pinnacoli di ceramica. Gli smalti che li ricoprono provengono dalla fornace veneziana Orsoni.
Gustav Klimt
Nel 1903 Ravenna riceve per ben due volte la visita di Gustav Klimt : l'artista viennese rimane incantato dall'oro dei mosaici bizantini , che userà per trasfigurare la realtà e per modulare le parti piatte e plastiche con passaggi da opaco a brillante.
Nella sala da pranzo di Palazzo Stoclet , edificio progettato da Josef Hoffmann si trova un fregio musivo in tre pannelli, messo in opera nel 1911 . I due pannelli più grandi raffigurano l' Albero della Vita , dove si trovano L'attesa e L'abbraccio , mentre il terzo pannello è puramente decorativo. Sui cartoni si trovano indicazioni per i mosaicisti sui materiali e il loro uso: oro, argento, smalti e pietre dure. Le superfici bianche sono realizzate in madreperla , mentre quelle colorate sono in smalto . Il fregio è stato realizzato dal laboratorio di mosaici di Leopold Forstner, che ha curato in modo particolare le ombreggiature dell'oro ei ritmi luce-ombra. I lavori sono durati per un anno e mezzo, durante il quale Klimt è continuamente intervenuto nella lavorazione. Questo fregio è l'unica opera musiva, anche se la facciata del palazzo della Secessione ha decorazioni che erano state pensate per essere realizzate in mosaico.
Gino Severini
Negli anni trenta si avvicina al mosaico Gino Severini , sia riproducendone lo sfavillio nei suoi quadri, sia realizzando diverse opere musive, di cui la sua prima commissione risale al 1933 , con la Presentazione del Bambino per la chiesa di Saint Pierre a Friburgo , in Svizzera . Quest'opera è di forte ispirazione religiosa e vuole avvicinarsi alla sensibilità cristiana con una rilettura mistica dell'immagine.
Nel 1936 progetta la decorazione del Piazzale e del Viale dell'Impero e della Palestra del Duce del Foro Mussolini (oggi Foro Italico ): si tratta di 7500 m 2 di mosaico in bianco e nero, raffiguranti immagini agonistiche, scorci naturalistici, figure simboliche. Le raffigurazioni sintetiche su fondi neutri sono evidenziate da cornici semplici o bordature tipiche dei decori romani dei primi secoli dopo Cristo . Il mosaico vuole essere un ponte tra l' Impero Romano e quello mussoliniano . I lavori saranno ultimati dalla Scuola Mosaicisti del Friuli di Spilimbergo nel 1937 .
Negli anni 1940 - 1941 realizza la decorazione del basamento della facciata del nuovo edificio delle Poste di Alessandria , e nel 1949 il Trionfo di San Tommaso , per l'università di Friburgo, opera di impianto neocubista , che vede una maggiore libertà dell'uso del mosaico e della forma, dove la vivacità del colore è sempre controllata.
A Parigi negli anni cinquanta terrà dei corsi di mosaico sovvenzionati dall'Ambasciata Italiana, proponendo una nuova cultura del mosaico e il recupero della sua cultura originale. Nello stesso periodo realizza dei mosaici di piccole dimensioni che riprendono il concetto dei mosaici portatili bizantini: prodotti regolarmente dal 1949 in collaborazione col mosaicista Antonio Rocchi, ne presenterà tre alla Biennale di Venezia del 1950 nella sua personale, senza tuttavia ottenere il successo sperato.
Mario Sironi costruisce due mosaici monumentali: L'Italia corporativa (già Il lavoro fascista ) per la VI Triennale di Milano del 1936 , e La Giustizia tra la Legge e la Forza per l'aula della corte d'Assise del Palazzo di Giustizia . L' Italia corporativa si distingue per la grandiosità e la complessità dei risultati: misura infatti 8x12 m, dei quali solo la parte centrale verrà esposta alla Triennale di Milano del 1936 . L'anno dopo verrà montato interamente per l' Exposition Internationale des Arts et Techniques dans la Vie Moderne di Parigi . In quest'opera vengono applicate le prime tecniche innovative: il mosaico viene realizzato in laboratorio, dove l'artista segue personalmente il lavoro di intaglio e di messa in opera delle tessere, montate su lastre di eternit che vengono unite in loco dai mosaicisti, risparmiando tempo e denaro.
Attraverso il mosaico, l'artista recupera gli elementi delle proprie pitture murali e ne esalta gli aspetti sintetici e volumetrici, in una stilizzazione formale estrema, con echi dell'arte bizantina, di Giotto e di Masaccio.
Achille Funi
Anche Achille Funi aderisce nel 1933 al Manifesto della pittura murale di Gino Severini assieme a Carlo Carrà e Massimo Campigli . Nello stesso anno realizza il cartone per La cavalcata delle Amazzoni , mosaico pavimentale per la V Triennale di Milano : sceglie una stilizzazione monumentale con accenti picassiani , che rende le figure rigorose e statiche.
Collabora, nel 1940 , con la bottega del Mosaico di Ravenna per la decorazione del soffitto della Cassa di Risparmio delle Province Lombarde di Milano: i contorni sono resi con sottili tessere che richiamano le piombature di Pella . Altra importante opera di Funi è la decorazione della Cappella di San Giuseppe in San Pietro a Roma.
Massimo Campigli
Nel 1940 Massimo Campigli realizza La Pace con la Giustizia per la VII Triennale di Milano , in collaborazione col mosaicista veneziano G. Padoan: quest'opera si differenzia dalle opere di Sironi per i toni più intimistici e una sintesi della forma con echi dell'arte antica.
Ines Morigi Berti esegue per l'artista un mosaico da cavalletto, Le bagnanti , nel 1947 - 48 : la mosaicista è interprete straordinaria della ritmica bizantina, per i trapassi cromatici e il taglio mutevole e controllato delle tessere.
La Mostra dei mosaici moderni
All'inizio degli anni cinquanta , fu formato a Ravenna un Comitato Tecnico per la costituzione della prima Galleria del Mosaico Moderno: tale comitato aveva l'incarico di invitare venti artisti italiani e stranieri affinché fornissero cartoni pittorici destinati a essere tradotti nel linguaggio musivo. Dopo essere stata trasferita all'estero, con trentaquattro esposizioni nelle città di Europa, America e Africa, la Mostra dei Mosaici Moderni è oggi esposta permanentemente nel Museo d'arte della città di Ravenna .
Premessa della mostra fu trovare analogie, talvolta forzate, tra i mosaici ravennati e l'arte contemporanea: i volti degli Apostoli nel Battistero degli Ortodossi con le teste di Georges Rouault ; il toro di San Luca nella Basilica di Sant'Apollinare in Classe con i tori di Picasso; i dettagli decorativi, come le ceste di frutta a San Vitale con le nature morte di Braque . Si dava ancora per scontata la divisione dei ruoli di pictor imaginarius e musivarius : da una parte abbiamo quindi artisti come Massimo Campigli , Marc Chagall , Mario Deluigi , Renato Guttuso , Georges Mathieu , Emilio Vedova , mentre dall'altra gli esecutori dei mosaici sono stati, fra gli altri, Sergio Cicognani, Ines Morigi Berti, Romolo Papa, Antonio Rocchi. Anche nel catalogo della mostra (riedito nel 1999 ) si nota questa distinzione-discriminazione: mentre gli artisti hanno ciascuno una pagina biografica e il loro nome riportato a fianco dei cartoni, dei mosaicisti si trova solo uno sterile elenco.
Particolare è il lavoro realizzato sul cartone di Gorges Mathieu, innovativo dal punto di vista dell'impiego dei materiali: le tradizionali tessere vitree sono state tagliate in dimensioni e forme differenti, accostate a barre di smalto, blocchi e avanzi vetrosi. Mathieu partecipò anche alla realizzazione dell'opera musiva, scegliendo egli stesso i materiali da utilizzare.
Il mosaico contemporaneo
Nel 1974 , Oskar Kokoschka sceglie di lavorare con il Gruppo Mosaicisti di Ravenna, diretto da Sergio Cicognani, per la realizzazione della decorazione per la chiesa di Sankt Nikolai di Amburgo . Nel Povero Cristo vive la foga espressiva dell'artista, ripresa dal segno violento e tortuoso che rende perfettamente la drammaticità della rappresentazione.
Nel 1978 Joan Miró assegnerà la trascrizione del suo cartone Personaggi-uccelli all'Atelier Loire, che saprà rendere vibranti le campiture e tradurre anche gli effetti di dripping del fondo. Sempre a proposito di Mirò, Ines Morigi Berti è sensibile traspositrice delle opere del pittore catalano, che riproduce da anni in mosaico.
Più recente è il lavoro di Enzo Cucchi , realizzato nel 1999 , per il ponte che conduce al Museo di Arte Contemporanea di Tel Aviv , in Israele . Questo mosaico pavimentale, che copre una superficie di oltre 100 m 2 , è ricco di simboli che rimandano all'opera dell'artista, come, ad esempio, il bastone, che allude sia all'anzianità che allo scettro del potere, l'arancia tagliata a metà, che rimanda alla fertilità, e le onde del mare, che trasmettono un senso di movimento.
Aldo Mondino si interessa al mosaico fin dagli anni cinquanta, quando si iscrive al corso di Severini presso l'Academie des Beaux-Arts di Parigi. Particolari sono i lavori degli anni novanta , realizzati con materiali insoliti, ovvero zucchero, caffè, granaglie, che sconvolgono l'idea di mosaico come pittura per l'eternità, per la loro natura effimera. Torero , del 1999 , è invece eseguito con cioccolatini ricoperti di carta colorata.
Nel passato si trovano sporadici episodi in cui il mosaico viene associato alla scultura: ad esempio, la cantoria del Duomo di Firenze di Donatello e il monumento funebre a Maria Clementina Sobieski di Pietro Bracci , del 1742 . Nel primo caso, il mosaico fa da sfondo alla danza dei putti, mentre nel secondo è un'opera a sé, come ritratto della defunta, sostenuto da un amorino. Per vedere il mosaico svincolato dal suo ruolo secondario, si dovrà aspettare il Novecento, quando Lucio Fontana lo utilizzerà per rivestire alcuni busti femminili, come il Ritratto di Teresita del 1938 . Le tessere musive non sono solo una pelle che riveste un'opera autonoma, ma diventano strumento necessario a renderla viva in una dimensione metafisica, grazie alla luce dell'oro che porta il volto verso l'astratto.
Nel 1996 , Ezio Frigerio progetta il monumento funebre per Rudolf Nureyev , realizzato dal Laboratorio Akomena Spazio Mosaico con la direzione di Stefano Pace, che ora si trova a Parigi, nel Cimitero russo di Sainte Genevieve sour Bois. Un morbido tappeto è appoggiato a coprire il sarcofago del ballerino, quasi a volerne nascondere la morte: la scelta del tappeto è legata alla passione di Nureyev per questi oggetti ed è riferimento alla loro natura di arte nomade, allusione sottile all'ultimo viaggio dell'artista. Il mosaico accompagna dolcemente le volute e le anse, dando idea di morbidezza e leggerezza. Un'opera per certi versi simile si trova a Ravenna: si tratta del Monumento Celebrativo per il Sindaco Pier Paolo D'Attorre , ideato nel 2000 da Mathias Biehler e realizzato dagli studenti delle scuole di mosaico della città, diretti da Luciana Notturni. Su una panchina sono appoggiati un impermeabile e un libro, come se il proprietario si fosse appena allontanato e dovesse tornare da un momento all'altro per recuperarli. L'assenza del protagonista si fa presenza, in una delicata allusione alla sua recente dipartita.
Come alla sua nascita, ancora oggi il mosaico viene utilizzato per ricoprire superfici architettoniche: come allora, può essere un semplice rivestimento oppure una preziosa decorazione.
Nel Giardino dei Tarocchi di Capalbio ( GR ), Niki de Saint-Phalle ha realizzato tra il 1979 e il 1996 , anche con l'aiuto di Jean Tinguely , un gioco di personaggi fantastici e architetture di fiaba che richiamano l'insegnamento di Gaudí. Universo senza bombe, regno dei fiori, sette angeli rossi è invece la decorazione progettata da Nicola De Maria per la metropolitana di Napoli nel 2002 , realizzata della ditta Bisazza Mosaici di Vicenza .
In particolare dagli anni ottanta si riscopre il mosaico anche in ambito della produzione industriale di oggetti d'uso comune, come mobili, tavoli, lampade, specchiere. La decorazione musiva rende gradevoli oggetti quotidiani e prodotti senza fascino: ad esempio il candelabro Galla Placidia , realizzato da Felice Nittolo , l'orologio “Soft time” in legno smaltato e mosaico vetroso di Giuliano Babini . In alcuni casi, tuttavia, l'oggetto perde la sua funzione pratica per diventare esso stesso opera d'arte, come la Sella di bicicletta di Felice Nittolo. Anche nel campo del design , l'artista sceglie di intervenire in prima persona nella realizzazione dell'opera musiva o di commissionarla a uno studio di mosaicisti. In questo ambito, però, c'è anche una terza possibilità, che oggi è molto diffusa, ovvero la trasposizione di un'immagine con il computer: è possibile trasformare un disegno o una foto in uno schema che verrà composto a mosaico attraverso un braccio robotico , pronto per essere applicato alle superfici domestiche.
In Italia naturalmente la Capitale del mosaico contemporaneo resta Ravenna . Alla fine del 2005 il Centro Internazionale di Documentazione sul Mosaico del Museo d'arte della città di Ravenna ha creato anche un archivio online intitolato Databank Mosaicisti Contemporanei , una vera e propria banca dati dei mosaicisti contemporanei per cercare informazioni e immagini relative ai mosaicisti, ai laboratori e alle loro attività artistiche.
Bibliografia
- Carlo Bertelli (a cura di), Il mosaico , Mondadori, Milano, 1988
- Manuela Farneti, Glossario tecnico-storico del mosaico , Ravenna 1993
- Isotta Fiorentini Roncuzzi, Tecnologia e arte del mosaico , Longo, Ravenna 1971
- Amedeo Giampaglia (a cura di), L'arte bizantina , Collana La Bellezza di Dio. L'arte ispirata dal Cristianesimo , San Paolo Editore, 2004
- Durand Jannic, Arte bizantina , Key book arte, Genova 2001
- Henry Lavagne, Il mosaico attraverso i secoli , Longo, Ravenna, 1988
- Llàter Moix, Barcellona. Città di Gaudí , Triangle Postals, Menorca, 1998
- Christian M. Nebehay, Gustav Klimt. Dal disegno al quadro , Rizzoli, Milano, 2000
- Ferdinando Rossi, La pittura di pietra , Giunti, Firenze, 2002
- Michele Tosi, Il mosaico contemporaneo , Mondadori, Milano 2004
- Piermassimo Ghidotti, Il mosaico pavimentale in area padana nei secoli XI-XII , Cremona 2000