Istoria dansului

De la Wikipedia, enciclopedia liberă.
Salt la navigare Salt la căutare
Placi din cor de Luca della Robbia (1431-1438), Museo dell'Opera del Duomo , Florența

Istoria dansului se referă la dezvoltarea - de-a lungul secolelor și în diferite părți ale lumii - a acestei forme particulare de expresie artistică care folosește mișcarea corpului pe baza unui ritm intern, care poate (sau nu) să fie sugerat sau inspirat din surse muzicale.
Cu toate acestea, disciplina istoriografică privind dansul are origini relativ recente. De fapt, abia în secolul al XX-lea au început studiile dedicate în mod special acestei arte, datorită considerației diferite pe care a dobândit-o în comparație cu trecutul: nu mai este „sora mai mică” a muzicii , ci o expresie umană autonomă cu propria sa demnitate de artă. În consecință, au apărut primele publicații de natură istoriografică, atât în ​​ceea ce privește domeniul cercetării în domeniul antropologic, cât și în ceea ce privește obiceiurile și tradițiile sociale de-a lungul secolelor și în diferitele părți ale lumii, și pentru ceea ce privește dansul ca o artă a spectacolului.

Dansul este prima expresie artistică a omenirii, deoarece are corpul ca mijloc de expresie. Toate celelalte arte implică de fapt utilizarea obiectelor care acționează ca instrumente, cu excepția cântării care, la fel ca dansul, folosește un instrument corporal.
Dansul este o parte integrantă a ritualurilor, este o formă de rugăciune, este un moment de agregare a comunității în festivalurile populare și o oportunitate de agregare între oameni în general. De-a lungul secolelor a fost întotdeauna oglinda societății, a gândirii și comportamentului uman. Mai mult, dansul este singura artă care folosește timpul și spațiul împreună. Prin urmare, istoria dansului este o disciplină vastă și se referă la expresii etnice și populare ( ethnocoreology ), dansuri sociale (istoria dansului social) și în cele din urmă dans ca o arta de divertisment, care până în secolul al XX - lea în cauză exclusiv teatru și mai mult. Recent , de asemenea , Cinema și televiziune .

Următoarele rânduri se referă exclusiv la dansul ca artă spectaculoasă în civilizația occidentală .

Grecia antică

Dansul însoțește istoria civilizației umane de la epoca preistorică până la consolidarea primelor civilizații așezate, dobândind un rol important mai ales în Grecia Antică . Aici au fost dezvoltate numeroase tipuri de dansuri, clasificate de istorici în trei categorii:

Se poate spune că, deoarece originile dansului de teatru au fost o parte integrantă a acestuia, constituind unul dintre principalele sale niveluri expresive și elementul principal al ritualurilor religioase. În Grecia antică, spectacolele teatrale erau momente importante de agregare a comunității care erau organizate de autoritățile politice cu ocazia sărbătorilor dedicate diferitelor divinități. În tragedie , acțiunea a fost realizată de actori și cor , care s-a exprimat prin cântare și dans; cuvântul κόρος, de fapt, derivă din verbul κορέυο, a dansa, iar unii termeni folosiți încă astăzi derivă din același verb - cum ar fi [coregrafie], [coregraf], [choreutica]. Așa este și cu cuvântul „orchestră”, care în italiană modernă desemnează un set de instrumente muzicale, în timp ce în Grecia antică indica locul teatrului în care acționa corul și derivat din ορκέομαι, un alt verb care însemna „a dansa”, deoarece acțiunea corului s-a format prin cântec și dans. Tragedia și comedia au fost exprimate prin intermediul μουσικῄ, un termen care indica setul inseparabil de poezie, muzică și dans, trei arte considerate de aceeași importanță, care interacționau continuu. Dansul tipic al tragediei a fost Emmeléia, cu un caracter solemn și auster, cel al comediei a fost Cordax , caracterizat prin lascivitate și vioiciune. În drama satirică, pe de altă parte, Sikinnis a fost folosit pentru a dansa.

Evul Mediu

Pictogramă lupă mgx2.svg Același subiect în detaliu: Dansul medieval .
Din Tacuina sanitatis secolul al XIV-lea

În Evul Mediu, dansul, care într-o perioadă timpurie se practica și în interiorul clădirilor religioase ca parte a ritualurilor și a însoțirii cântecelor, a fost condamnat de autoritățile ecleziastice care au văzut în practica sa pericolul lascivității obiceiurilor, având în vedere ostentația a corpului în mișcare și a tipului de comunicare pur vizuală care se opunea celei oral-auditive a predicatorilor. Cu toate acestea, chiar și în această perioadă lungă există numeroase forme de divertisment spectaculos cu dansuri și / sau dansuri mascate. Profesionistul spectacolului medieval este bufonul , care deseori distra publicul cu dansuri solo sau, cu ocazia festivalurilor, conducea dansurile colective ale satelor sau orașelor.
Dintre dansurile populare, cel mai des menționat este cu siguranță carola , un dans în lanț închis (oamenii se țineau de mână și dansau în cerc), interpretat în special în festivalurile de primăvară în jurul unui copac sau a unui personaj care îi încuraja pe dansatori bătând mâinile și picioarele în ritm. Carola este menționată de mai multe ori de Boccaccio în Decameron și, de asemenea, de Dante în Divina Comedie . Farandola este în schimb un dans cu lanț deschis, în care oamenii încă se țineau de mână, dar deschideau cercul inițial pentru a da naștere la noi evoluții și modele. Alte dansuri sunt aventura , ridda și ballonchio .
După anul 1000, dansul macabru s-a răspândit în toată Europa, care pare să fi fost practicat în apropierea cimitirelor, deoarece termenul „macabru” derivă din arabul makàbr , care înseamnă cimitir. Nu există anumite informații despre practica reală a acestei forme de dans, ci doar numeroase mărturii iconografice și literare.

Renaştere

Dans de curte în Anglia 1580

În timpul Renașterii, o formă sofisticată de dans s-a dezvoltat în curțile italiene, care a inclus reguli de urmat și un anumit studiu al pașilor și al mișcărilor. De fapt, dansul era considerat o formă reală de educație. Dansul nobililor a fost derivat direct din cel al oamenilor, dar a fost transformat după regulile curtezului perfect: calmul, atitudinea nobilă, convențiile sociale de cavalerie și galanterie. În secolul al XV-lea, figura profesorului de dans era foarte solicitată pentru a-i instrui pe domni și curteni; printre aceștia, Domenico da Piacenza (numit „Domenichino”) și discipolul său Guglielmo Ebreo da Pesaro vor fi primii autori de tratate reale ale a ceea ce a fost deja numit „Arta dansului”. Domenichino a scris manualul De arte saltandi și choreas ducendi (în jurul anului 1450 ) și Guglielmo, autorul De scuola seu arte tripudii vulgare opusculum ( 1463 ) a dobândit o astfel de reputație încât a fost chemat la curtea din Urbino de Federico da Montefeltro . Contemporanul lor este Antonio Cornazzano , care a scris Cartea artei dansului ( 1455 ).
În secolul următor, Fabrizio Caroso da Sermoneta cu Il Ballarino ( 1581 ) și Cesare Negri cu Le Gratie d'amore ( 1602 ) vor fi principalii autori de tratate despre „arta de a conduce bine dansurile”. Chiar și în Franța nu au lipsit cei care s-au ocupat de colectarea și descrierea principalelor dansuri la modă la vremea sa: este Jean Taburot, canonic de Langres, autor al tratatului Orchésographie , pe care l-a publicat în 1589, semnându-se cu pseudonim al lui Thoinot Arbeau , care este anagrama numelui său.

În 1581, ceea ce mulți cărturari consideră primul balet din istorie, Ballet Comique de la Reine, a fost înființat la curtea franceză a regelui Henric al III-lea , compus din piese recitate, dansate și cântate și create de italianul Baldassarre Baltazarini da Belgioioso . Cuvântul „comique” însemna că reprezentarea, pentru subiectul său, aparținea genului Comediei.

Secolul al XVII-lea

Dar abia în a doua jumătate a secolului al XVII-lea dansul a ajuns la scenele teatrale, după nașterea teatrelor publice. Tot în Franța, a primit un puternic impuls din partea lui Ludovic al XIV-lea , căruia îi plăcea să danseze și să cânte la prima persoană în spectacole de la curte, atât de mult încât a fost numit „Regele Soarelui” după interpretarea sa ca „Rising Sun” [ fără sursă ] în Ballet Royal du Jour et de la Nuit din 1653 , pe muzică scrisă parțial de Giovanni Battista Lulli . În 1661 a înființat Académie Royale de Danse, responsabilă de definirea regulilor inerente acestei arte, care în 1672 a fost fuzionată cu Académie Royale de Musique. Convențiile sociale și regulile formale erau esențiale pentru curtea Regelui Soare, ceea ce explică marea muncă de codificare a Academiilor. Odată cu înființarea Académie Royale de Danse, a început dansul academic, așa numit deoarece caracteristica sa este aceea de a depinde de regulile codificate în acea Academie. Din acest motiv, terminologia baletului clasic este universal în franceză . În ceea ce privește spectacolele teatrale, formele în vogă au fost tragedia-balet și comedia-balet , la care opera-balet a fost adăugată la sfârșitul secolului, toate formele în care poezia, dansul și muzica au fost o parte integrantă a spectacolului.

Secolul al XVIII-lea

Dansul curții în secolul al XVIII-lea

Pentru secolul al XVIII-lea, trebuie făcută o distincție între dansul de curte și dansul de teatru. Acesta din urmă fusese de fapt transformat în stil pentru a se supune nevoilor tipului de viziune impus de structura spațiului scenic: spre deosebire de spectacolele organizate în mediile curții, unde publicul era poziționat în jurul spațiului de dans, acum scena a fost plasat în fața spectatorilor și tot ce era deasupra lui trebuia să urmeze liniile de perspectivă, altfel viziunea nu ar fi fost bună. Scenografiile foloseau linii diagonale și așa trebuia să fie pentru atitudinile dansatorilor, care au fost împinși să își asume pozițiile numite în epaulement (cu o rotație a bustului într-o linie diagonală). Dansurile s-au orientat tot mai mult către o îngrijire excesivă a formei, în detrimentul expresiei. Atenția principală a fost îndreptată către eleganța liniilor și pentru a crea pași din ce în ce mai complexi pentru a uimi publicul. Astfel s-a născut o formă de „vedetă” scenică similară cu cea a cântăreților lirici contemporani și dansul a expirat în expoziția pură a virtuozității tehnice, devenind o artă aproape circ, foarte artificială.

Dar secolul al XVIII-lea este numit „secolul reformelor”, deoarece în fiecare domeniu era nevoie să ieșim din canoanele prestabilite, codificate și artificiale și să ne referim mai mult la natura omului. Gândirea iluministă a împins spre natură, abandonarea artificiului, căutarea celor mai autentice aspecte, întoarcerea umanității la esența sa, nu condiționată de civilizație. Prin urmare, Iluminismul a presat și reforme în toate domeniile. Pentru dans, în a doua jumătate a secolului al XVIII-lea, Jean-Georges Noverre în Franța și Gasparo Angiolini în Italia, cu introducerea baletului de acțiune (primul) și a baletului pantomimă (a doua), au lucrat pentru reforma spectacolele coregrafice, în același timp cu germanul Christoph Willibald Gluck , care a lucrat pentru reforma Melodramei. Din dorința de a se referi la natură, Noverre a îndemnat să elibereze corpul dansatorului de haine grele și voluminoase și de măști și peruci care ascundeau forme naturale, dar în realitate în mișcările dansurilor rezultatul a fost cel al unei dezvoltări mai mari a pantomimei. și nu atât reunirea celor trei arte ale muzicii , teatrului și dansului: exprimarea sentimentelor a fost concepută ca o imitare a naturii, așa că am căutat o modalitate de a reproduce emoțiile naturale pentru a le face să pară reale, dar în cele din urmă noi, el, el a creat un nou artificiu.

În realitate, la acel moment concepția despre artă era pur naturalistă: pictorii și sculptorii erau considerați „buni” dacă știau să imite natura cel mai bine și în muzică chiar compozitorii se străduiau să imite sunetele naturale. Cu toate acestea, la începutul secolului al XIX-lea, un coregraf napolitan a lucrat cumva pentru reunificarea celor trei arte: Salvatore Viganò cu „Choreodrama” sau drama dansată. În plus, un alt napolitan, Carlo Blasis , a adaptat formele virtuozice ale dansului clasic la noii parametri de expresivitate și aderare la natură tipici iluminismului. Blasis a scris diverse cărți despre tehnica dansului clasic, în care a îndemnat, de asemenea, să ia în considerare artele „surori” - pictura și sculptura - pentru a crea „forme frumoase” cu propriul corp (conform ideii propriului „frumusețea” vremii). Blasis a fost inspirat de statuia lui Mercur a lui Giambologna pentru a crea una dintre ipostazele principale ale dansului clasic: atitudinea , înțeleasă ca expresie a unui dinamism care tinde spre cer. Această poziție este, de asemenea, foarte frecvent reprezentată în statuile grecești și romane, deoarece Giambologna a fost la rândul său inspirată de acestea. Dansul, actoria, cântarea sunt acum definitiv separate. Ne aflăm în plin neoclasicism: o întoarcere la clasici, oricât de filtrați sunt ideile iluminismului, deci nu mai sunt rigide și artificiale așa cum a fost odată, ci caracterizate de noi nevoi care duc la căutarea expresiei sentimentelor individului, deschizând calea romantismului.

Secolul al XIX-lea și romantismul

În secolul al XIX-lea, Baletul Romantic a început să se răspândească, bazându-se pe o nouă sensibilitate, o nouă viziune asupra lumii mai liberă și pasională, care rupe vechile certitudini legate de sistemul tradițional de reglementare, dominat de cultul rațiunii, pentru a recupera o realitate neexplorată, legată de partea întunecată a inconștientului, dând glas mișcărilor sufletului, sentimentelor, viselor. La Sylphide a fost pus în scenă la Opera din Paris în 1832 , primul exemplu de balet romantic. După ce a abandonat temele mitologice și istorice, acțiunea se mută acum în lumea basmelor. Cu această ocazie, coregraful Filippo Taglioni , tată al dansatorului care l-a interpretat, Maria Taglioni , introduce utilizarea dansului pe pointe și tutu ca de obicei. Aspirația de a zbura care a tradus tensiunea romantică spre o realitate transcendentă, sensibilitatea și grația care au caracterizat noul stil, sunt combinate cu o tehnică riguros clasică care își găsește principiile fundamentale în vârfuri, în arabesc , în portul de brațe. . Fiecare mișcare, fiecare figură sunt perfect controlate, ascunzând oboseala fizică și transpirația sub o imagine a ușurinței eterice care planează în spațiu, sporind frumusețea plastică a atitudinilor în rigoarea unei purități geometrice clare. Celălalt simbol al baletului romantismului timpuriu este Giselle , coregrafiat în 1841 de Jean Coralli și Jules Perrot . După a doua jumătate a secolului al XIX-lea, Opera din Paris a intrat încet în criză: forțată să-și recruteze starurile în străinătate, lipsită de balet valabil și de maeștri coregrafici, nu și-a mai exercitat supremația, pentru a lăsa loc celorlalte școli care pe urmele sale sunt începând să înflorească în alte țări europene, precum cea a Teatrului alla Scala din Milano. Singura excepție în această panoramă a decăderii este baletul Coppélia al lui Arthur Saint-Léon . Impulsul viguros către arta dansului promovat în Rusia de țari în secolul al XVIII-lea a fost susținut și încurajat în secolul al XIX-lea, făcând din Sankt Petersburg un punct de trecere obligatoriu pentru toți cei mai renumiți coregrafi și soliști din Europa. Sarcina de a aduce sinteza bogăției de experiențe acumulate peste un secol revine lui Marius Petipa , un coregraf francez care, angajat în 1847 ca dansator principal, a dobândit în curând un rol proeminent în teatrele imperiale rusești. Sezonul lui Petipa a adus introducerea baletului romantic în Rusia în cea mai mare măsură de predecesorii săi Perrot și Saint-Léon. Gusturile publicului, compuse în principal din aristocrație, cer ca baletul să se concentreze în jurul figurii feminine, arătând o apreciere a operelor somptuoase spectaculoase care lasă loc pentru spectacole virtuozice. Petipa preia apoi capodoperele baletului romantic precum La Sylphide , Giselle , Coppélia , Le Corsaire , La Esmeralda . Atenția asupra valorilor din trecut se regăsește și în creațiile sale coregrafice. Moștenitor al baletului de acțiune, Petipa adaptează complotul dramatic la conținutul romantic, dar uneori dispersează tensiunea prin inserarea momentelor accesorii (așa-numitele divertismenturi ) nu întotdeauna perfect integrate în subiect și, prin urmare, constituind doar pasaje virtuozice de dragul lor. Mai presus de toate, el a urmărit să creeze o mare viziune spectaculoasă care să trezească admirația publicului, fără să-i pese că pentru a obține acest rezultat a fost obligat să sacrifice rigoarea compoziției dramatice. Capodoperele sale Don Quijote , La Bayadère , Frumoasa adormită , Spărgătorul de nuci (de fapt coregrafiat de asistentul său Lev Ivanov ) și Lacul lebedelor (coregrafiat în colaborare cu Lev Ivanov ), încă reprezentate în cele mai bune teatre din lume încă cu coregrafiile sale.

Elemente conexe

Alte proiecte

linkuri externe

  • Istoria dansului , în Treccani.it - ​​Enciclopedii on-line , Institutul Enciclopediei Italiene.
  • Istoria dansului , în Enciclopedia artei antice , Institutul enciclopediei italiene.
  • Istoria dansului , în Enciclopedia copiilor , Institutul Enciclopediei italiene, 2005-2006.
  • Istoria dansului , în Enciclopedia Științelor Sociale , Institutul Enciclopediei Italiene, 1991-2001.
  • Istoria dansului , în Enciclopedia cinematografică , Institutul Enciclopediei Italiene, 2003-2004.