Istoria fotografiei

De la Wikipedia, enciclopedia liberă.
Salt la navigare Salt la căutare

Istoria fotografiei descrie evenimentele care au condus la crearea unui instrument capabil să înregistreze lumea și să capteze un moment precis grație efectului luminii și evidențierii problemelor legate de conceptul de observare instantanee. Folosind descoperirile și studiile deja începute în Grecia antică, mai ales în domeniile academice aristotelice și platonice, ideea conceptualizării devenirii unei forme într-o imagine, a unui concept în memorie, capătă un anumit interes: este fotografia cu începuturile sale, camere optice, concepte geometrice, care au devenit realitate până la [ fără sursă ] [1] începutul anilor 800 și s-au dezvoltat până la apariția culorii de reproducere și susțin utilizarea digitalului , impunându-se, de asemenea, ca mediu artistic capabil să susțină și alături de celelalte arte vizuale care între timp au putut să se echipeze cu genuri și școli.

Fotografia s-a consacrat de-a lungul timpului mai întâi ca o procedură de descriere a peisajului și arhitecturii , apoi ca un instrument de portretizare a burgheziei nașterii și a oamenilor . Difuzarea crescândă a mediului fotografic a dus la dezvoltarea sensibilității estetice și la investigarea artistică a noului instrument, permițând accesul la acesta în expoziții și muzee . A avut, de asemenea, un rol fundamental în dezvoltarea jurnalismului și a reportajelor, iar îmbunătățirea tehnologiei a contribuit la extinderea sa și în captarea de imagini ale spațiului și macro-fotografie macro -mondială.

Origini

Originile camerei

Deja filosoful Aristotel a observat că lumina, trecând printr-o mică gaură, a proiectat o imagine circulară [2] . Savantul arab Alhazen Ibn Al-Haitham a ajuns (înainte de 1039 ) la aceleași concluzii, definind caseta în care toate imaginile au fost reproduse cu termenul „ camera obscura[3] . În 1515, Leonardo da Vinci , studiind reflexia luminii pe suprafețele sferice, a descris o cameră întunecată pe care a numit-o „ Oculus Artificialis ” (ochiul artificial), așa-numita cameră întunecată a lui Leonardo , pe modelul căreia a aplicat o lentilă. Un astfel de aparat, folosit pentru a studia eclipsa de soare din 24 ianuarie 1544, a fost ilustrat de omul de știință olandez Rainer Geinma Frisius [3] . În 1550 , Gerolamo Cardano a fost responsabil pentru utilizarea practică a unui obiectiv convex pentru a crește luminozitatea imaginii, în timp ce venețianul Daniele Barbaro , în 1568 , a folosit un fel de diafragmă cu un diametru mai mic decât cel al obiectivului pentru a reduce aberațiile. .

Material sensibil

Captarea luminii, însă, a necesitat înțelegerea materialelor fotosensibile , care, deși cunoscute încă din Evul Mediu , nu au fost studiate temeinic până în 1727 , când omul de știință german Johann Heinrich Schulze , în timpul unor experimente cu carbonat de calciu , aqua regia , acid azotic și argint , el a constatat că compusul rezultat, practic azotatul de argint , a reacționat la lumină. El a observat că substanța nu s-a schimbat atunci când a fost expusă la lumina focului ( ortocromatism , spre deosebire de pancromatism ), dar a devenit roșu închis când a fost lovită de lumina soarelui , la fel ca majoritatea filmelor și hârtiei alb-negru răspândite până în prima jumătate al secolului XX și bazat pe halogenuri de argint nemodificate. El a repetat experimentul umplând o sticlă de sticlă care, după expunerea la lumină, s-a întunecat doar pe partea iluminată. El a numit substanța scotophorus , aducător de întuneric . Odată publicate, studiile lui Schulze au provocat agitație în mediul de cercetare științifică.

Studii asupra posibilelor protofotografii

Un curent minoritar de cercetători și istorici susține că a existat o utilizare dincolo de simpla copie pentru pictură, făcând fotografii înainte de secolul al XIX-lea; Nicholas Allen , un erudit în istoria artei , a susținutGiulgiul din Torino este o protofotografie rudimentară medievală, datând din secolul al XIII-lea (conform datării din 14 de carbon ) și care descrie un bust sau un model uman, realizat pe in cu argint cu clorură care este fotosensibil. Potrivit lui Allen, camera obscura ar fi cunoscută și folosită din cele mai vechi timpuri de către pictori pentru a urmări imagini reale și chiar Platon ar face aluzie la ea în mitul peșterii . [4] Filosoful, teologul și alchimistul din secolul al XIII-lea Albert cel Mare pentru unii ar fi fost deja în stare să producă un artefact proto-fotografic, întrucât a fost printre primii care au înțeles proprietățile fotosensibile ale azotatului de argint. [5]

Invenția fotografiei

La începutul secolului al XIX-lea englezul Thomas Wedgwood , un ceramist englez din acea vreme, a experimentat folosirea azotatului de argint , mai întâi prin acoperirea interiorului vaselor ceramice, apoi prin scufundarea în el a unor foi de hârtie sau piele expuse apoi la lumină. după ce așeză obiecte în ea. El a observat că acolo unde lumina a lovit hârtia, substanța s-a înnegrit, în timp ce a rămas limpede în zonele acoperite de obiecte. Aceste imagini, cu toate acestea, nu s-au stabilizat și au pierdut rapid contrastul atunci când sunt păstrate în lumină naturală, în timp ce erau stocate în întuneric, puteau fi văzute în lumina unei lămpi (cu ulei) sau a unei lumânări. De asemenea, a folosit pielea ca material și a așezat foi sensibilizate într-o cameră întunecată, fără a obține rezultate. Din cauza sănătății precare, el nu a putut continua studiile pe care prietenul său Sir Humphry Davy le-a descris în 1802 în „Journal of the Royal Institution of Great Britain” , menționând totuși că mecanismul de întrerupere a procesului de conștientizare nu fusese înțeles. [6] Corespondența cu James Watt sugerează că prima impresie a unei imagini chimice pe hârtie a avut loc în 1790 - 1791 .

«Trebuia să aibă loc la 7 aprilie 2008 la Sotheby's, dar licitația a fost amânată. Este o foaie de hârtie atribuită lui Thomas Wedgwood cu o frunză de copac imprimată pe ea. Până acum se credea că este un „desen fotogenic” al lui Talbot, dar un mic W imprimat în colț l-a făcut pe istoricul fotografiei Larry Schaaf să se răzgândească . Va fi necesar să anticipăm realizarea primei fotografii stabile după douăzeci de ani. [7] "

Cardinalul Georges I d'Amboise
În stânga gravura originală din 1650 , în dreapta copia heliografică din 1826 de Niépce

Joseph Nicéphore Niépce a devenit interesat de descoperirea recentă a fotografiei și și-a aprofundat studiile în căutarea unei substanțe care să se poată impresiona în lumină într-o manieră exactă, menținând în același timp rezultatul. La 5 mai 1816 , Joseph Niépce i-a scris fratelui său Claude despre ultimul său experiment, o foaie înmuiată în clorură de argint și expusă într-o mică cameră întunecată. Imaginea rezultată a apărut inversată, cu obiecte albe pe un fundal negru . Acest negativ nu l-a mulțumit pe Niépce, care a continuat căutarea unei proceduri pentru a obține pozitivul în mod direct. El a descoperit că bitumul iudeean era sensibil la lumină și l-a folosit în 1822 pentru a produce copii ale unei gravuri a cardinalului de Reims , Georges I d'Amboise . Bitumul judean este un tip de asfalt solubil în mod normal în ulei de lavandă , care se întărește atunci când este expus la lumină. Niepce presarat cositor farfurie cu această substanță și a placat cardinal lui gravura . În cazul în care lumina a reușit să ajungă la placa de cositor prin zonele limpezi ale inciziei, a sensibilizat bitumul, care nu a putut fi eliminat prin spălarea ulterioară cu ulei de lavandă. Suprafața descoperită a fost excavată cu gravare și placa finală a putut fi utilizată pentru tipărire .

Niépce a numit această procedură heliografie și, de asemenea, a folosit-o în camera întunecată pentru a produce pozitive pe plăcile de tablă . După expunerea la lumină și spălarea ulterioară pentru a îndepărta bitumul nesensibilizat, el a folosit vapori de iod pentru a înnegri zonele spălate de bitum. Datorită expunerii foarte lungi necesare, până la opt ore , fotografiile în aer liber au fost penalizate de lumina soarelui care, schimbând orientarea, a făcut ca imaginea să fie ireală. Heliografia cu lumină controlată, adică în interior și pe plăci de sticlă, a avut mai mult succes.

În 1827 , în timp ce călătorea la Londra pentru a-l găsi pe fratele său Claude, Niépce s-a oprit la Paris și l -a întâlnit pe Louis Jacques Mandé Daguerre : acesta din urmă fusese deja informat de munca lui Niépce de către opticianul Charles Chevalier , furnizor al ambelor lentile pentru camera întunecată. Daguerre a fost un pictor parizian destul de reușit, cunoscut în principal pentru că a creat diorama , un teatru care prezenta tablouri mari și piese de lumină, pentru care Daguerre a folosit camera obscură pentru a asigura o perspectivă corectă.

La Londra, Niépce a prezentat heliografia Societății Regale , care nu a acceptat comunicarea, deoarece Niépce nu a dorit să dezvăluie întreaga procedură. S-a întors la Paris și a luat legătura cu Daguerre, cu care a încheiat un contract de zece ani în decembrie 1829 pentru a continua cercetările comune. După patru ani, în 1833 , Niépce a murit fără să-și poată publica lucrările. Fiul său Isidore a luat locul în asocierea cu Daguerre, dar nu a oferit nicio contribuție, atât de mult încât Daguerre a modificat contractul și a impus numele invenției în daguerreotip , deși a păstrat contribuția lui Joseph Niépce. Isidore a semnat schimbarea, deși a considerat-o nedreaptă. Noua procedură a fost foarte diferită de cea inițială pregătită de Joseph Niépce, astfel încât afirmația lui Daguerre poate fi considerată parțial corectă.

În 1837 tehnica atinsă de Daguerre a fost suficient de matură pentru a produce o viață moartă de mare valoare. Daguerre a folosit o placă de cupru cu o frunză subțire de argint lustruit aplicată, care, așezată deasupra vaporilor de iod, a reacționat formând iodură de argint . A urmat expunerea la camera întunecată, unde lumina a transformat iodura de argint în argint într-un mod proporțional cu lumina primită. Imaginea nu a fost vizibilă până la expunerea la vapori de mercur . O baie într-o soluție puternică de sare comună a fixat imaginea, deși nu cu fermitate.

În căutare de fonduri, Daguerre a fost contactat de François Arago , care a propus cumpărarea procedurii de către stat . La 6 ianuarie 1839, descoperirea unei tehnici de pictare cu lumină a fost făcută cunoscută cu entuziasm în ziarul Gazette de France și pe 19 ianuarie în Gazeta literară .

Procedura a fost făcută publică la 19 august 1839, când, într-o ședință a Academiei de Științe și a Academiei de Arte Frumoase, a fost prezentată în detalii tehnice adunării și mulțimii adunate afară. Arago a descris istoria și tehnica legată de daguerreotip, în plus, a prezentat un raport al pictorului Paul Delaroche , în care detaliile minuțioase ale imaginii erau exaltate și unde se afirma că artiștii și gravorii nu erau amenințați de fotografie, într-adevăr puteau utilizați noul mediu pentru studiul și analiza punctelor de vedere. Raportul sa încheiat cu următoarea notă de la Delaroche:

„În concluzie, admirabila descoperire a domnului Daguerre a oferit un serviciu imens artelor”.

( Paul Delaroche )

Daguerre a publicat un manual ( Historique et description des procédés du dagguerréotype et du diorama ) tradus și exportat în întreaga lume, conținând descrierea heliografiei lui Niépce și detaliile daguerreotipului. Cu cumnatul său Alphonse Giroux , Daguerre a fost de acord asupra fabricării camerelor întunecate necesare. Fabricate din lemn , acestea erau echipate cu lentile acromatice proiectate de Chevalier în 1829. Aceste lentile aveau o distanță focală de 40,6 cm și o luminozitate de f / 16, costul era în jur de 400 de franci. Deși procesul a fost făcut public în Franța , Daguerre a achiziționat un brevet în Anglia , prin care a impus licențe pentru utilizarea descoperirii sale.

Majoritatea primelor portrete care au ajuns în prezent sunt daguerreotipuri, precum cea a lui Hannah Stilley Gorby : femeia născută în primul an care a fost imortalizată.

În Italia , primele experimente fotografice au fost realizate de Enrico Federico Jest și Antonio Rasetti în octombrie 1839 cu o mașină pe care au construit-o pe baza desenelor lui Daguerre. Primele fotografii italiene sunt vederi ale Gran Madre [8] , Piazza Castello și Palazzo Reale , toate din Torino .

În China , ar trebui subliniat, mai mult sau mai puțin contextual, că elita culturală nu rămâne complet insensibilă la investigația fotografică. Cea mai elocventă mărturie este cantoneza Zou Boqi (1819-1869) care a fost, după toate probabilitățile, un savant, exponent al clasei conducătoare chineze, matematician deosebit de versat în cartografie, cu un interes deosebit pentru știința tehnologică și mai ales pentru sistemele noi referibile la viziunea. Împreună cu publicarea descoperirilor făcute în Occident, el creează ceea ce este considerat prima cameră chineză, după cum mărturisesc și diverse surse locale despre teoriile fotografiei, care datează din jurul anului 1840. [9]

Procedurile alternative

Știrea a apărut în Gazeta Franței și Gazeta Literară a stârnit interesul unor cercetători care lucrau în aceeași direcție. Printre aceștia se numărau William Fox Talbot , care s-a grăbit să-și facă publice descoperirile, documentând experimente care datează din 1835 . Era o foaie de hârtie înmuiată în sare de masă și azotat de argint, uscată și acoperită cu obiecte mici, cum ar fi frunze, pene sau dantelă, apoi expuse la lumină. Pe foaia de hârtie a apărut negativul obiectului că la 28 februarie 1835 Talbot a aflat cum să-l transforme în pozitiv folosind o a doua foaie în transparență. El a folosit o soluție puternică de sare sau iodură de potasiu care a făcut ca elementele de argint să fie mai puțin sensibile pentru a încetini procesul de dizolvare a imaginii. El a numit acest proces calotip sau talbotip , pe care l-a folosit încă din august 1835 pentru a produce mici imagini de 6,50 cm² ale proprietății sale din Lacock Abbey folosind o cameră obscură.

La 25 ianuarie 1839, Talbot și-a prezentat lucrările Societății Regale , urmată de o scrisoare către Arago, Biot și Humboldt pentru a revendica prioritatea față de Daguerre. Pe 20 februarie, a fost citit un raport care a clarificat unele aspecte tehnice, până la punctul de a face procedura replicabilă.

Împreună cu Talbot, chiar și Sir John Herschel , necunoscând experimentele colegilor săi, a folosit săruri de argint, dar, datorită experiențelor anterioare cu hiposulfit de sodiu, pe care l-a găsit dizolvând argintul, a obținut o fixare mai bună prin utilizarea acestei substanțe. El a vorbit cu Talbot despre asta și împreună au publicat descoperirea care a fost imediat adoptată și de Daguerre. Substanța și-a schimbat ulterior denumirea în tiosulfat de sodiu , deși a rămas cunoscută sub numele de hiposulfit . De asemenea, lui Herschel i s-a atribuit introducerea termenilor fotografie , negativ și pozitiv .

Hippolyte Bayard și-a prezentat procesul în iunie 1839 prin ceea ce ar fi prima expoziție din istorie. Convins să aștepte să dezvăluie procedura sa numită „direct pozitiv”, Arago, înșelându-l pe Bayard, l-a favorizat pe prietenul său Daguerre, care și-a prezentat daguerreotipul pe 19 august.

Printre procedurile și variantele minore ne amintim și de cel al scoțianului Mungo Ponton , care a folosit dicromatul de potasiu mai ieftin ca substanță fotosensibilă, și de cele ale lui Hércules Florence și Hans Thøger Winther care au susținut, respectiv, în anii 1833 și 1826 unele experimente fotografice. cu rezultate pozitive.

Răspândirea inițială

Vedere panoramică a Constantinopolului , tipărit albumină , 1876

Primele fotografii au stârnit imediat interesul și mirarea spectatorilor care s-au adunat la demonstrațiile din ce în ce mai dese ale procedurii. Au fost uimiți de fidelitatea imaginii și de modul în care a fost posibil să se distingă fiecare mic detaliu, alții s-au temut de o abandonare a picturii sau de o reducere drastică a practicii sale. Acest lucru nu s-a întâmplat, dar nașterea fotografiei a favorizat și a influențat nașterea unor importante mișcări picturale, inclusiv impresionismul , cubismul și dadaismul .

Fotografia s-a alăturat și, în unele cazuri, a înlocuit instrumentele multor specialiști. Abilitatea de a surprinde un peisaj în câteva minute și cu o cantitate mare de detalii a făcut ca fotografia să fie instrumentul ideal pentru cercetători și călători. Deosebit de activ a fost editorul Lerebours care a primit cantități mari de daguerreotipuri din Grecia , Orientul Mijlociu , Europa și America, care au fost transformate în acvatinte pentru publicare în seria Excursion daguerriennes .

În ciuda acestor succese încurajatoare, fotografia întâmpina inițial probleme în portretizarea figurilor umane din cauza expunerilor lungi necesare. Deși iluminat de oglinzi care concentrau lumina soarelui, imobilizat cu suporturi din lemn pentru a preveni mișcarea, subiectul a trebuit să suporte o expunere de cel puțin opt minute pentru a primi o fotografie în care apărea cu ochii închiși și o atitudine nefirească.

Abia în 1840 introducerea de către Joseph Petzval în numele Voigtländer a unui obiectiv de luminozitate f / 3.6 și a sensibilității crescute a plăcii daguerreotipului prin utilizarea vaporilor de brom ( John Frederick Goddard ) și a clorului ( Francois Antoine Claudet ) a permis expunerea la doar treizeci de secunde. Fragilitatea foliei de argint a fost consolidată de utilizarea clorurii de aur de către Hippolyte Fizeau , care a sporit și contrastul general.

1841 a fost anul evoluția sciadography în calotype de Talbot, care a simtit posibilitatea de a pune capăt transformarea sărurilor de argint , nu numai prin acțiunea luminii, dar cu utilizarea unui nou pasaj numit de dezvoltare fotografică . În timp ce în sciadografie expunerea a continuat până la apariția imaginii, în calotip expunerea a fost redusă la câteva secunde și sarcina dezvoltării a fost să facă să apară imaginea negativă finală. Hârtia a fost scufundată într-o soluție de azotat de argint și acid galic , expusă și scufundată în aceeași soluție care acționează ca un detector care permite apariția imaginii finale. Tipărirea necesară pentru obținerea pozitivului a folosit clorura de argint obișnuită. Pentru acest nou proces, Talbot a solicitat și a obținut un brevet în Anglia, pentru a-și monetiza descoperirea și a urma exemplul lui Daguerre. Între 1844 și 1846 Talbot a produs în mii de exemplare ceea ce poate fi numit prima carte fotografică, Creionul naturii , care conține 24 de calotipuri.

Datorită acestor progrese tehnologice, s-au deschis noi laboratoare în întreaga lume. În America, care a atins primatul cantității de daguerreotipuri produse, fotografia a fost importată de Samuel Morse și de francezul François Gourard . A avut un mare succes și în 1850 au existat peste 80 de laboratoare doar în New York , peisajele din Canada și frontiera de vest au fost capturate. Plăcile de argint au fost produse aici folosind mașini cu abur și cu tratament electrolitic , care a crescut cantitatea de argint pe placă. Acest proces a fost ulterior importat în Franța și denumit metoda americană .

Moda portretelor s-a dezvoltat rapid și toate straturile sociale au beneficiat de aceasta, datorită rentabilității procesului. Dagerotipia a fost de obicei mai apreciată, deoarece a produs un singur exemplar, făcându-l astfel mai prețios și pentru că era de o calitate superioară calotipului, care suferea de defectele utilizării hârtiei ca suport pentru imprimare. Subiectele erau de obicei împușcate în studio, pe un fundal alb, chiar dacă erau mulți fotografi călători, care se mutau cu târgurile și în micile sate. Datorită ratei de mortalitate încă ridicate, în special a mortalității infantile, au fost produse și imagini care înfățișau bebeluși sau copii decedați, imortalizați pe fotografii mici închise în pandantive ca o ultimă amintire.

Studiul noilor metode și căutarea materialelor pentru îmbunătățirea procesului fotografic nu s-a oprit. În 1851 Frederick Scott Archer a introdus un nou proces bazat pe colodiune care a flancat și în cele din urmă a înlocuit toate celelalte tehnici fotografice. Utilizarea colodionului și a plăcilor de sticlă sau de metal a produs negative de o calitate excepțională, tipărite pe albume recente sau hârtii din carbon . Plăcile de colodion trebuiau expuse încă ude și dezvoltate imediat după aceea; dacă, pe de o parte, această caracteristică a permis livrarea imediată a lucrării către client, a necesitat transportul materialului și a substanțelor chimice pentru pregătirea plăcilor în activități în aer liber. Procesul a fost numit placă umedă sau colodion umed . Din intuiția că dintr-un negativ de colodiune subexpus a fost posibil să se obțină un pozitiv imediat datorită aplicării unei suprafețe întunecate pe spate, s-au născut două tehnici fotografice, ambrotipul brevetat în 1854 care folosea o placă de sticlă și ferootipul , pe suprafața metalului, care a dat naștere fenomenului fotografului itinerant .

O aplicație specială a plăcii umede sa născut pentru a satisface cererea enormă de portrete. Brevetat în 1854 deAndré-Adolphe-Eugène Disdéri , acesta consta dintr-o cameră cu patru lentile care a impresionat o placă cu două expuneri, pentru un total de opt imagini de 10x6 cm, tipărite în contact pe hârtie care, datorită dimensiunilor mici, au fost numite carte de visite .

În Italia, primele ziare ilustrate cu fotografii au fost L'Illustration Italian [10] (7 noiembrie 1863 ) și L'Illustration universal (3 ianuarie 1864 ).

Industria fotografiei

Cererea continuă de materiale, instrumente și fotografii a produs o nouă piață pentru fabrici și ateliere specializate. Producția de hârtie cu albume a necesitat utilizarea, doar în fabrica din Dresda , a aproximativ 60.000 de ouă pe zi. Laboratoarele fotografice au devenit linii de asamblare unde fiecare sarcină a fost încredințată unui singur individ. O persoană a pregătit plăcile, care au fost aduse fotografului pentru expunere și apoi atribuite unui alt colaborator pentru dezvoltare. În cele din urmă, plăcile erau gata pentru fixarea finală într-o altă cameră. De asemenea, asistenții au fost prezenți pentru a întâmpina clienții și a le arăta cea mai potrivită poziție.

Popularul format carte de visite a dat naștere modei albumului foto, unde au avut loc portrete de familie și adesea și ale unor personalități celebre ale vremii. Peste o mie de fotografii ale eroului Fort Sumter, maiorul Robert Anderson, au fost vândute în America, iar un număr mare de imagini cu drepturi de autor au fost produse în Anglia.

Fotografia de peisaj a furnizat, de asemenea , cantități mari de cărți poștale care descriu priveliști, monumente, cartiere sau clădiri istorice pentru a fi livrate turistului vizitator. În 1860, în Scoția , laboratorul lui George Washington Wilson a produs mai mult de trei mii de fotografii pe zi, folosind negative de sticlă puse în contact pe hârtie cu albume, transportate pe centuri exterioare pentru expunerea la lumina soarelui.

Necesitatea de a produce lentile și echipamente fotografice a văzut nașterea și dezvoltarea unor companii fotografice importante, care datorită angajamentului și dezvoltării lor au adus numeroase inovații și în domeniul opticii și fizicii. Deja în a doua jumătate a anilor 1800 au fost fondate companii importante precum Carl Zeiss , Agfa , Leica , Ilford , Kodak și Voigtländer .

În pragul anului 2011, în revista fotografică italiană FotoCult, s-a observat că „era fotografiei analogice de masă” s-a încheiat. [11]

Fotografia ca artă

Sensibilitatea artistică

Nadar (autoportret), tipărit pe hârtie sărată , în jurul anului 1855

Carte de vizită și toate imaginile produse în tiraje mari au fost de calitate scăzută datorită mecanizării încadrării și dezvoltării. Unele laboratoare, însă, au impus un stil estetic mai rafinat, producând portrete mai atenți la caracterul subiectului, folosind ipostaze îndrăznețe, fotografii mai apropiate și iluminare studiată. În fruntea acestor ateliere găsim de obicei pictori, sculptori sau artiști convertiți la fotografie, care au adoptat tehnicile artelor majore și în noua procedură. Studiile lui Nadar , un parizian cu o puternică personalitate care s-a făcut cunoscut și pentru prima fotografie aeriană din istorie în 1858 la bordul unui balon cu o cameră întunecată și a laboratorului lui Étienne Carjat, au devenit purtătorii acestui nou curs. Multe dintre cele mai importante personalități ale perioadei au stat în fața obiectivelor lor, precum Charles Baudelaire , Gustave Courbet și Victor Hugo .

Setările particulare, draperiile de catifea și iluminatul moale au îmbunătățit subiectul, iar în cazul în care scenografia nu a ajuns la retușarea fotografică a fost folosit, atenuând semnele vârstei sau ștergând imperfecțiunile. Tehnica de retușare a fost întotdeauna o activitate discutată între cei care înțeleg fotografia ca un document al realității și cei care doresc un instrument flexibil pentru a îmbunătăți sau realiza viziunea artistică a fotografului.

Abordarea estetică a fotografiei a necesitat adoptarea unor tehnici pentru a introduce efecte picturale și a face imaginea comparabilă cu pictura, din acest motiv au fost utilizate duble expuneri și fotomontaje . L'artista svedese Oscar Rejlander utilizzò trenta negativi diversi nella famosa immagine Le due strade della vita del 1857 , mentre il fotografo Gustave Le Gray , per eliminare l'effetto della solarizzazione a cui erano soggette le emulsioni di quel periodo, espose due negativi con tempi diversi, uno per il cielo e uno per il paesaggio, stampandoli poi insieme. Questa tecnica è tuttora utilizzata per estendere la latitudine di posa .

Fading Away di Henry Peach Robinson , 1858

Nel 1858 l'immagine Fading away di Henry Peach Robinson , raffigurante una giovane ragazza sul letto di morte circondata dai suoi parenti, venne criticata a causa del soggetto drammatico, ritenuto non opportuno per un'immagine fotografica, considerata ancora solo uno strumento per documentare la realtà e non per interpretarla artisticamente. Se da un lato la fotografia si adoperò per imitare la pittura, quest'ultima utilizzò sempre più frequentemente il dettaglio prodotto dalle fotografie come studio per la realizzazione dei quadri. Ne fecero uso William Powell Frith per Derby day e anche Eugène Delacroix per la gestualità dei personaggi, nonché altri pittori del periodo.

Nel 1866 Peter Henry Emerson dichiarò la fotografia arte pittorica , elogiando l'utilizzo della neonata tecnica di stampa al platino , della fotoincisione e della sfocatura controllata per sfumare il soggetto, anche se in seguito ritrattò dichiarando che la fotografia era inferiore alla pittura. Nonostante questo, la fotografia pittorica o pittorialismo conquistò diversi circoli fotografici, come il Klub der Amateur-Photographen che nel 1891 organizzò una mostra con immagini scelte secondo il gusto estetico di una giuria di scultori e pittori, a cui seguì una serie di esposizioni annuali intitolate The Photographic Salon organizzate dal circolo Linked Ring .

The Tetons and the Snake River di Ansel Adams, 1942

Nel 1894 fecero la comparsa al Photographic Salon delle immagini prodotte da Robert Demachy con il procedimento alla gomma bicromatata , che rendeva l'immagine molto simile ad un dipinto o ad un disegno. Protagonista delle mostre europee, direttore della rivista fotografica Camera Work , Alfred Stieglitz fondò il 17 febbraio 1902 il circolo fotografico Photo-Secession insieme a importanti fotografi affermati come Edward Steichen , Clarence White , Edmund Stirling . Fotografo brillante e acuto innovatore, Stieglitz utilizzò diversi procedimenti fotografici e fu tra i primi a utilizzare un apparecchio portatile per foto artistiche, lasciando ai posteri splendide immagini in ogni genere fotografico.

L'inizio del nuovo secolo vide la negazione della fotografia come imitazione della pittura, a cui seguì quindi l'abbandono di tutte quelle tecniche che trasformavano l'immagine simulando i tratti del pennello. Il nuovo corso propendeva verso la fotografia pura , diretta , come strumento estetico fine a sé stesso. Nacque quindi nella prima metà del '900 negli Stati Uniti il movimento della Straight photography , che invitò i fotografi a scendere nelle strade della gente comune e della classe operaia, ritraendo cantieri, metropoli, cieli drammatici, alla ricerca della forma pura o ripetuta, astratta, estetica comune al cubismo e ai nuovi movimenti artistici derivati. A questo nuovo movimento contribuirono autori come Paul Strand , Charles Sheeler , Edward Steichen , Edward Weston . L'opera di quest'ultimo, alla ricerca della tecnica perfetta e della nitidezza assoluta, diede spirito ad un'associazione di fotografi in cui figuravano Ansel Adams , Imogen Cunningham , John Paul Edwards , Sonya Noskowiak , Henry Swift , Willard Van Dyke e lo stesso Weston per la formazione del Gruppo f/64 , dal valore in cui il diaframma fornisce la migliore resa ottica (col formato 24x36 si potrebbe parlare idealmente di f/8 ) ed una buona profondità di campo nitido. Infatti il Gruppo f/64 operava per lo più con attrezzature di grande formato a corpi mobili, proprio per ottenere maggiore risoluzione, ingrandimenti e qualità fotografiche, sfruttando anche le possibilità di controllo del banco sulle riprese.

La ricerca di nuove forme e di punti di vista eccentrici incontrarono i movimenti d'avanguardia del XX secolo . Vennero reinterpretate tecniche desuete come la stenoscopia e la sciadografia, reinventata da Christian Schad nella schadografia . L'indagine astratta portò alla messa a punto di nuovi procedimenti, quali la rayografia , la vortografia , il fotomontaggio o collage , utilizzato dai dadaisti. Esponenti delle nuove forme artistiche furono Man Ray , El Lissitzky , Aleksandr Rodchenko , Paul Citroen .

Il Salon del 1859

“La peinture offrant à la photographie une toute petite place à l'exposition des Beaux-arts. Enfin!“, Nadar, “Journal Amusant“, 1859.

Nel 1859 il governo francese cedette finalmente alle pressioni concordi della Società Francese di Fotografia e dei suoi sostenitori. Autorizzato dal Ministro di Stato e dal Direttore Imperiale delle Belle Arti, un Salon di fotografia entrò a far parte delle esposizioni annuali del Palais de l'Industrie.

La mostra segnò un vero successo, con recensioni più che favorevoli. Le fotografie vennero confrontate con le pitture e giudicate con lo stesso metro.

I critici furono quell'anno severissimi con i quadri condizionati dalla fotografia come Ernest Chesneau, che rimproverava ai pittori di non riconoscere il proprio debito verso la macchina fotografica, soprattutto quando i loro quadri denunciavano così chiaramente il fatto.

“Abbasso l'arte corrotta!”, decretò.

Tra tutte le critiche, la più dura fu quella con cui Charles Baudelaire recensì il Salon del 1859: «È sorta in questi deplorevoli giorni, una nuova industria che ha contribuito non poco a confermare nella sua fede la dappocaggine ea rovinare ciò che poteva restare di divino nello spirito francese. L'arte va di giorno in giorno perdendo il rispetto di stessa, si prosterna davanti alla realtà esteriore, e il pittore diventa sempre più incline a dipingere non già quello che sogna, ma quello che vede.» [12]

La questione dei rapporti tra arte e fotografia era problematica: perché la fotografia fosse considerata arte era necessario dimostrare che al fotografo fosse possibile manipolare il suo strumento come il pittore faceva con i suoi. Fino a che punto poteva controllare la luce, organizzare la composizione, modificare l'apparenza reale?

Menut Alophe , che dopo aver fatto litografie per “ Le Chiarivari " aveva abbracciato la professione di fotografo, scrisse nel 1861 un breve saggio, “ Le passè, le prèsent et l'avenir de la photographie", in cui sostenne che la fotografia è un'arte, pur facendo un'accurata distinzione tra il fotografo artista e il fotografo meccanico. I sentimenti del fotografo, egli fece notare, si possono trasferire sulla riproduzione fotografica così com'egli vuole, alla stessa guisa che l'artista può trasferire i suoi sentimenti nei suoi quadri.

Il processo Mayer e Pierson

Il problema della possibile collocazione della fotografia all' interno delle arti costituì il tema centrale di un processo importante celebrato davanti ai tribunali francesi nel 1861 e conclusosi nel 1862. I fotografi Mayer e Pierson avevano accusato altri due fotografi di aver riprodotto alcune loro fotografie di Lord Palmerston e del conte di Cavour . Le immagini di personaggi famosi spesso garantivano lauti guadagni ai fotografi ei querelanti rivendicavano la protezione delle leggi francesi sui diritti d'autore del 1793 e del 1810. Poiché queste tuttavia si applicavano soltanto alle arti, bisognava che prima la fotografia fosse riconosciuta legalmente come arte.

Nella sentenza emessa il 4 luglio 1862, il procuratore generale dichiarò davanti alla corte che la fotografia è un'arte e che quindi sarebbe stata protetta dagli stessi statuti che governano le altre arti.

Il processo Mayer e Pierson tuttavia non era ancora chiuso; infatti quello stesso autunno fu presentata una petizione alla corte, per protestare contro la sua sentenza, recava le firme di un numero impressionante di artisti, capeggiati da Ingres .

Il testo recitava: Considerato che in processi recenti la corte è stata costretta a occuparsi della questione se la fotografia debba essere ritenuta un'arte bella e ai suoi prodotti debba essere concessa la stessa protezione di cui godono le opere degli artisti; considerato che la fotografia consiste in una serie di operazioni esclusivamente manuali che esigono, senza dubbio, una certa abilità nelle necessarie manipolazioni, ma non si risolvono mai in opere che possa in qualsivoglia circostanza essere paragonate a quelle che sono frutto dell'intelligenza e dello studio dell'arte: per questi motivi, i sottoscritti artisti protestano contro qualsiasi paragone che possa essere fatto fra fotografia e l'arte.

Molti artisti, tra cui Delacroix , si rifiutarono di firmare.

Il 28 novembre 1862 la corte respinse la petizione e confermò la precedente sentenza, affermando che la fotografia può essere il prodotto del pensiero e dello spirito, del gusto e dell'intelligenza, e può recare l'impronta della personalità. La fotografia può essere arte. [13]

La pittura e la fotografia

La bolla di inferiorità rispetto alla pittura fu attribuita alla fotografia fin dalla sua prima diffusione. Poteva uno strumento tecnico (chimico/ottico/meccanico) esprimere una sensazione artistica individuale?

A parte le posizioni della chiesa [14] «Voler fissare visioni fuggitive... confina con il sacrilegio.» la resistenza alla diffusione della fotografia ebbe prevalentemente ragioni economiche e sociali. L'affermazione sociale della media borghesia, nei primi anni dell'Ottocento, aveva generato un forte aumento della richiesta di piccoli ritratti in forma di miniature, dipinti ad olio, ceramiche, incisioni; con l'introduzione della fotografia un gran numero di ritrattisti: pittori, incisori, miniaturisti, si trovarono ad un bivio: abbracciare la nuova tecnica o perdere clientela. La resistenza non poteva che farsi sentire. Furono probabilmente i pittori meno apprezzati, che poco avevano da perdere, a sposare la nuova tecnologia del ritratto fotografico.

Probabilmente a ragione Charles Baudelaire si scagliava [14] [15] contro «l'industria fotografica [...] rifugio di tutti i pittori mancati, maldotati o troppo pigri per completare i loro studi...»; ma tale veemenza non era probabilmente rivolta verso la fotografia come disciplina quanto ai suoi primi addetti. Baudelaire era infatti un conoscitore della nuova tecnica fotografica in quanto amico ed ammiratore di uno di questi pittori mancati , Nadar , di cui diceva «...sono geloso nel vederlo riuscire così bene in tutto ciò che non è astratto...».

E ancora il poeta Alphonse de Lamartine [14] , che nel 1858 definiva la fotografia «un'invenzione del caso che non sarà mai un'arte ma un plagio della natura da parte dell'ottica», nel 1859 cambiò diametralmente opinione affermando: «...[la fotografia] è più di un'arte, è il fenomeno solare dove l'artista collabora con il sole.»

Charles Baudelaire nel IV ritratto di Nadar e nella litografia di Édouard Manet

La disputa alimentò se stessa, ma nella sostanza era chiaro che la fotografia avrebbe affiancato la pittura e con essa si sarebbe integrata come dimostrano le ispirazioni reciproche presenti fin dagli esordi.

Per rimanere nel contesto delle amicizie di Nadar, si veda ad esempio la litografia di Édouard Manet in cui il ritratto di Baudelaire appare liberamente ispirato al quarto ritratto che Nadar fece del poeta suo amico.
Fu però László Moholy-Nagy [16] , nelle sue lezioni al Bauhaus , a formalizzare definitivamente il rapporto tra le due arti. «Nel procedimento meccanicamente esatto della fotografia e del cinema, noi possediamo un mezzo espressivo per la rappresentazione che funziona molto meglio del procedimento manuale di pittura figurativa sinora conosciuto. D'ora in poi la pittura si potrà occupare della pura organizzazione del colore». Anch'egli sostenitore delle ispirazioni reciproche , relativamente all'immagine Parigi , di Alfred Stieglitz , del 1911, commentava: «La vittoria dell'Impressionismo, oppure la fotografia malintesa. Il fotografo si è fatto pittore, invece di usare il suo apparecchio fotograficamente.»

Già dalle lezioni al Bauhaus , attorno al 1925, divenne quindi chiaro come tutte le forme di espressione collaborino nel costituire un linguaggio simbolico condiviso, sul quale si basa la comprensione del messaggio trasmesso dall'artista. Fondamentale, nella dimostrazione di questo concetto, fu però il lavoro di Ernst H. Gombrich che in molti dei suoi scritti ebbe a sottolineare l'importanza di un dizionario simbolico comune al fine della comunicazione del messaggio artistico.
Nel A cavallo di un manico di scopa (1963) [17] l'autore afferma: «Un'opera d'arte di assoluta originalità - ammesso che sia pensabile - comunicherebbe poco o nulla, e così pure un lavoro di cui si potesse prevedere di tutto punto il carattere.»

Il tempo delle dispute tra fotografia e pittura era ormai ampiamente alle spalle e la fotografia entrava a pieno titolo nelle collezioni dei musei d'arte moderna e nelle aste d'arte.

Satiric Dancer di André Kertész è stata battuta per 228.500 £ il 15-5-2008 ( Sale 7584 ) da Christie's, King Street, Londra. [18]

Il documento fotografico

Il carro di Roger Fenton in Crimea , 1855

La fotografia divenne strumento inseparabile del viaggiatore e del giornalista, che la utilizzò per divulgare gli eventi ei luoghi meno accessibili. I primi fotografi di viaggio dovettero trasportare l'ingombrante attrezzatura necessaria alla produzione di immagini con i primitivi procedimenti al collodio umido. I primi reportage nacquero già nel 1855 , quando Roger Fenton trasportò sui campi di battaglia della Crimea un carro trainato da cavalli con tutto l'occorrente per la preparazione e lo sviluppo delle lastre di vetro. Felice Beato fotografò in India e in Cina , dove documentò il drammatico esito della seconda guerra dell'oppio . Ma non solo la guerra impegnò i fotografi. Grazie al lavoro di William Henry Jackson il Congresso istituì il Parco Nazionale di Yellowstone e nel 1888 venne fondata la National Geographic Society , che finanziò numerose spedizioni nel mondo.

Molti incarichi vennero affidati dalle istituzioni per la documentazione delle opere d'arte e delle città. Vennero prodotti dei reportage dei sobborghi di Glasgow e di altre città importanti, spesso accompagnate da studi sociologici e di analisi della popolazione.

La popolazione apprezzò particolarmente le cartoline di città prodotte in quantità considerevoli e la stereografia , procedimento che mediante l'utilizzo di due fotografie ravvicinate rendeva la sensazione della tridimensionalità. Questo procedimento, grazie all'utilizzo di obiettivi di lunghezza focale ridotta, permise la cattura di figure in movimento, stimolando la ricerca verso questo campo. Eadweard Muybridge per primo riuscì a catturare il trotto di un cavallo utilizzando una batteria di apparecchi fotografici, Ottomar Anschütz realizzò il primo otturatore sul piano focale , ma l'utilizzo di tempi sempre più brevi richiese l'adozione di nuovi materiali sensibili, di preparazione più rapida.

Argento portatile

Nel 1871 Richard Leach Maddox mise a punto una nuova emulsione, preparata con bromuro di cadmio , nitrato d'argento e gelatina. Questo nuovo materiale venne adottato solo sette anni dopo, a seguito dei miglioramenti introdotti da Richard Kennet e Charles Harper Bennet . Le lastre così prodotte permisero un trasporto più agevole perché non necessitavano più della preparazione prima dell'esposizione. Questo supporto molto più pratico fu adottato da una nuova categoria di strumenti fotografici, gli apparecchi portatili . Il 1888 vide la nascita della Kodak N.1, una fotocamera portatile con 100 pose già precaricate al prezzo di 25 dollari , introdotta da George Eastman con lo slogan «Voi premete il bottone, noi faremo il resto». Inizialmente il materiale fotosensibile era cosparso su carta che, nel 1891 , venne sostituita con una pellicola di celluloide avvolta in rulli, la moderna pellicola fotografica.

Inizialmente senza mirino, l'evoluzione della fotocamera portò all'introduzione di un secondo obiettivo per l'inquadratura e successivamente un sistema a pentaprisma e specchio nella Graflex del 1903 , la prima single lens reflex .

L'istantanea

L' Ermanox , una fotocamera con obiettivo da f/2, portato successivamente af/1.5, permise l'ingresso dei fotografi come Erich Salomon nei salotti e nei palazzi, per ritrarre politici e personaggi famosi. Le fotografie divennero istantanee della vita quotidiana ei fotografi si mescolarono alla gente comune, tra di essi anche coloro, e furono in molti, che divennero i cosiddetti fotografi ambulanti . All'Ermanox si affiancò nel 1932 la Leica, con obiettivo 50mm f/3.5, che introdusse il formato che divenne standard, il35mm . Questa macchina fu adottata con profitto grazie alla sua maneggevolezza e discrezione da importanti fotografi di reportage come Henri Cartier-Bresson e Walker Evans , oppure artisti come André Kertész . Il flash si trasformò da un incontrollato lampo di magnesio del 1888 in un sistema efficiente e regolabile con il Vacu-Blitz nel 1929 , che rese possibile al fotografo lavorare in qualsiasi condizione di luce.

Edwin Land con il mod. 95 mise in commercio la prima fotocamera con una pellicola a sviluppo istantaneo, che permise alla Polaroid di vendere milioni di apparecchi per fotografie autosviluppanti. Negli anni settanta inizia anche la produzione della Kodak Instant. Le pellicole di questa fotocamera, anch'esse autosviluppanti, a differenza delle Polaroid, erano rettangolari e l'immagine sulla superficie misurava 9 x 6,8 cm. Dopo aver perso una battaglia di brevetti con la Polaroid Corporation, Kodak ha lasciato il business Instant Camera il 9 gennaio 1986.

Il colore

Nella fotografia in bianco e nero i diversi colori sono resi con semplici sfumature di grigio e questa rappresentazione è spesso insufficiente a riprodurre alcuni toni di colore, che finiscono per confondersi. A sottolineare questo effetto, le prime lastre fotografiche, che avevano una sensibilità diversa ai colori, riproducevano il bianco e il blu con la stessa luminosità, ma anche il giallo e il rosso. Nell'Ottocento furono prodotte le prime lastre ortocromatiche , che reagivano correttamente alle tonalità del blu ma non al rosso e all'arancione. Solo agli inizi del XX secolo le lastre pancromatiche permisero una corretta distinzione dello spettro luminoso nella fotografia in bianco e nero.

La necessità di rendere le immagini sempre più simili al vero richiese l'intervento manuale del fotografo dopo lo sviluppo della lastra. Per sopperire alla mancanza di colore molti fotografi agirono direttamente sulle immagini, utilizzando i pigmenti dell' anilina per sfumare e rafforzare molti ritratti. Nonostante la richiesta sempre pressante da parte dei clienti di immagini a colori, si dovettero attendere gli studi del fisico inglese James Clerk Maxwell che nel 1859 dimostrò con un procedimento definito mescolanza additiva , la possibilità di ricreare il colore sovrapponendo la luce rossa, verde e blu, chiamati colori primari .

Dieci anni più tardi Louis Ducos du Hauron mise a punto il procedimento che aprì la strada alle emulsioni a colori. Denominato sottrattivo , utilizza i colori complementari o primari sottrattivi.

Applicazione del metodo additivo è la lastra Autochrome dei fratelli Lumière , prodotta nel 1903. La pellicola fotografica di tipo invertibile è figlia del Kodachrome ( 1935 ) e dell' Ektachrome ( 1942 ), che utilizzarono il metodo sottrattivo con tre differenti strati sensibili, mediante filtri colorati, alle tre frequenze di luci corrispondenti all'azzurro, al rosso e al verde.

La pellicola per negativi a colori ebbe origine dalla Kodacolor del 1941 , dove è presente l'inversione delle luci e dei colori. La Ektacolor della Kodak , messa in commercio nel 1947 , permise lo sviluppo casalingo della pellicola negativa a colori.

Il digitale

Il progresso dell' elettronica permise di adottare alcune delle ultime scoperte anche nell'acquisizione delle immagini. Nel 1958 Russell Kirsch trasformò una fotografia del figlio in un file attraverso un prototipo di scanner d'immagine . Nel 1972 la Texas Instruments brevettò un progetto di macchina fotografica senza pellicola, utilizzando però alcuni componenti analogici. La prima vera fotografia ottenuta attraverso un processo esclusivamente elettronico fu realizzata nel dicembre 1975 nei laboratori Kodak dal prototipo di fotocamera digitale di Steven Sasson . L'immagine in bianco e nero del viso di un assistente di laboratorio fu memorizzata su un nastro digitale alla risoluzione di 0,01 Megapixel (10 000 pixel ), utilizzando il CCD della Fairchild Imaging .

Le altre ricerche sulla fotografia digitale per uso di massa furono rallentate dai continui miglioramenti delle fotocamere a pellicola, che proposero modelli sempre più semplici e comodi da usare, come la Konica C35-AF del 1977 , il primo modello di fotocamera totalmente automatica. Solo quando le emulsioni fotografiche non permisero ulteriori miglioramenti e la tecnologia digitale raggiunse un livello qualitativo equiparabile, allora l'interesse dei consumatori si trasferì sul nuovo procedimento. Il settore in cui un sensore digitale è stato visto e seguito ben prima che nella classica fotografia reflex amatoriale o professionale, è stata la fotografia astronomica .

Il digitale sostituì la pellicola nei settori dove la visione istantanea del risultato era un fattore determinante, come nel giornalismo , che usufruì anche della facilità di trasmissione delle immagini via internet . Inoltre la produzione di un gran numero di compatte digitali totalmente automatiche invase il mercato riscontrando il favore del fotografo occasionale, che poté conservare e rivedere le immagini direttamente nella fotocamera.

Anche se il digitale è acclamato come una rivoluzione della fotografia, le regole per ottenere i migliori risultati risalgono ai pionieri del XIX secolo , dove era importante una buona esposizione e un'attenta composizione dell'immagine; tuttavia nuove tecniche che tengono conto delle successive elaborazioni fin da prima dello scatto, hanno dato un nuovo afflato a tecniche ben consolidate, rinvigorendo l'interesse dei fotoamatori evoluti e dando potentissimi strumenti a tutti quei professionisti (ed artisti) che svolgono la propria attività gravitando tra la "fotografia pura" e la grafica pittorica.

Note

  1. ^ Aristotele fotografia , su sensactional.weebly.com .
  2. ^ Marco Rovere, Dalla preistoria della fotografia al 1839 , in Nikon School , 04 novembre 2008. URL consultato l'08-11-2019 .
  3. ^ a b La meravigliosa storia della Fotografia , su fotochepassione.com . URL consultato il 31 luglio 2011 (archiviato dall' url originale il 21 agosto 2011) .
  4. ^ Nicholas PL Allen:

    * The methods and techniques employed in the manufacture of the Shroud of Turin , Unpublished D.Phil. thesis, University of Durban-Westville (1993)

    * Is the Shroud of Turin the first recorded photograph? , The South African Journal of Art History, November 11, 23-32 (1993)

    * Verification of the Nature and Causes of the Photo-negative Images on the Shroud of Lirey-Chambéry-Turin (1995)

    * The Turin Shroud and the Crystal Lens. Testament to a lost technology , Empowerment Technologies Pty. Ltd., Port Elizabeth, South Africa (1998)
  5. ^ Szabadváry, Ferenc (1992). History of analytical chemistry . Taylor & Francis. p. 17. ISBN 2-88124-569-2 .
  6. ^ Humphry Davy, "An Account of a Method of Copying Paintings upon Glass, and of making Profiles by the Agency of Light upon Nitrate of Silver. Invented by T. Wedgwood, Esq. With Observations by H. Davy." Journ. RI, 1802, p. 170.
  7. ^ An Image Is a Mystery for Photo Detectives , Randy Kennedy. New York Times , 17 aprile , 2008.
  8. ^ La storia della prima foto di Torino e del suo autore , su guidatorino.com .
  9. ^ Marco Meccarelli-Antonella Flamminii, "Storia della fotografia in Cina. Le opere di artisti cinesi e occidentali", Novalogos, Aprilia, 2011, pp. 24-31; O.Moore “Zou Boqi on Vision and Photography in Nineteenth-Century China“ in Hammond K.-Stapleton K. (edits), The Human Tradition in Modern China, Latham, Rowman & Littlefield, 2008, pp. 33-54.
  10. ^ Fondata da Camillo Cima , è da non confondere con l'omonima L'Illustrazione italiana dei Fratelli Treves (1875-1962).
  11. ^ Rivista FotoCult, dicembre 2010, n.71, pagina 3, editoriale
  12. ^ Aaron Scharf, Arte e fotografia , Einaudi, Torino, 1979.
  13. ^ La massificazione della fotografia e la sentenza su una nuova arte , su mardeisargassi.it .
  14. ^ a b c Gisèle Freund, Fotografia e Società
  15. ^ Nadar, J.Prinet, A.Dilasser, L.Vitali
  16. ^ Moholy-Nagy, Pittura Fotografia Film
  17. ^ Ernst H. Gombrich, A cavallo di un manico di scopa
  18. ^ Zoom 215 Lug-Ago 2008

Bibliografia

Voci correlate

Altri progetti

Collegamenti esterni

Fotografia Portale Fotografia : accedi alle voci di Wikipedia che trattano di fotografia