Istoria artei

De la Wikipedia, enciclopedia liberă.
Salt la navigare Salt la căutare

Istoria artei este teoria și istoria care studiază nașterea și progresul expresiilor artistice, printr-un punct de vedere filosofic și estetic metodologic, precum și un punct de vedere semiotic - cognitiv și literar, cu o atenție deosebită la fenomenele distinctive. De-a lungul secolelor a fost oficializată ca o căutare de cunoștințe, tehnici și descrieri, utile pentru înțelegerea celor mai variate forme artistice. Primele descrieri autentice apar în textele grecești antice ( Pausanias ) și romane ( Pliniu cel Bătrân ). Ca o disciplină teoretică se ocupă cu principiile estetice și istorice ale estetice funcției , constituția și variațiile de forme, stiluri și concepte transmise prin opere de artă . O mare diviziune, între artă și tehnică , apare în Academia platonică, spre deosebire de formele hibride de imitație . În timpul hegemoniilor culturale importante, punctul de vedere al istoricului de artă a fost aprobat pentru cercetarea și diseminarea canoanelor operaționale. În rolul său de cercetare stilistică și biografică, adoptă criteriile filozofiei și istoriei literare, precum și psihologia evoluției și critica de artă. Abia după mijlocul secolului al XIX-lea interesul sociologiei pentru studiile psihologice și literare a condus la o orientare spre înțelegerea fenomenului artistic din punctul de vedere al fenomenelor sociale implicate. În acest cadru științific al studiilor contemporane, a fost posibilă finalizarea cercetării din punct de vedere socio-pedagogic și psihopedagogic, cu teorii despre „format” ( Pareyson ) și despre contribuția muzeelor, galeriilor și arhivelor publice și private , lumină din critica contemporană.

Istoria artei este, de asemenea, înțeleasă ca respect pentru aspectele sistematice pe care le conține și contribuie la cunoașterea, mijlocind între conservare, inovație culturală și industrială. Lucrările unitare despre personalitatea artistică obțin recunoașterea râvnită a recompunerii teoriei și tehnicii artelor. Gândiți-vă la eseul lui Benvenuto Cellini . Una dintre contribuțiile majore ulterioare, s-a născut cu experiența vie a manieristilor care l-au urmat pe Michelangelo Buonarroti : Giorgio Vasari a înțeles necesitatea colectării mărturiilor literare și critice, concrete și colecționabile, tehnice și diaristice ale artiștilor și, prin urmare, a colectat informații utile pentru scopul de a urmări averea operelor și a artiștilor. Făcând acest lucru, el a intenționat să readucă tradiția culturală italiană începând de la Giotto , constituind un model, probabil derivat din arta greacă, a modului , eliberându-l de sfera servilă în care a fost plasată pentru a fi considerată o artă liberă la egalitate cu munca intelectuală. Colecția sa, Viețile celor mai excelenți pictori, sculptori și arhitecți , ne permite să recunoaștem continuitatea stilului și nevoia critică pentru o judecată asupra artei și arhitecturii, a inovat în stil, a făcut o impresie asupra studiilor sale. , cel puțin până la Federico Zeri. Funcția acestor colecții, publicate în presă, avea culori diferite. Marco Boschini , cu un lexicon venețian, va scrie modul de interpretare a picturii, într-o Veneție deschisă recunoașterii și pieței internaționale, totuși cu intenții alegorice și instructive din punct de vedere cultural și moral. În Italia, au existat influențe profunde, ancorate la principiile teoretice: de la istoria religiei, la evoluția consiliilor , de la manifestarea lucrărilor publice la crearea școlilor , motiv pentru care o istorie a artei poate avea ca ancoră intrinsec, vocație cu trăsătură antropologică culturală proprie. Metoda istoricului artei, pe scurt, trebuie să fie capabilă să o abordeze pe cea a sociologului vizual și semioticist, reprezentând în același timp propriile sale cunoștințe evolutive și abordând metoda filosofică și naturalistă a științelor. Ca disciplină, trebuie să se ocupe de toate formele artistice, să se poată specializa și, prin urmare, să acopere o capacitate științifică proprie pentru a fi transmisă.

Aspectul aprofundat al patrimoniului cultural , precum și cunoașterea lucrărilor și autorilor, în special în pictură , sculptură și arhitectură , stau la baza studiilor academice, de specialitate și de cercetare. Mai mult, ca orice altă disciplină istorică și umanistă, istoria artei este supusă unei opere de interpretare și recunoaștere critică și este supusă metodei istoriografice progresive. Studiul contextelor, fundalului, condițiilor și schimbărilor de mediu , locația și condiția de conservare, în care a fost concepută, creată, primită și studiată o lucrare, precum și clientul și materialele, este o parte integrantă atât pentru înțelegerea sensului, a funcțiilor tipice ale operei, atât a traseului artistic, cât și a valorii operei. La aceste abilități se adaugă muzeografia și restaurarea patrimoniului cultural. Tot la acest nivel, istoria artei trebuie să poată căuta analogiile și diferențele incluse în lucrare, din punctul de vedere al legăturilor cu alte științe, al utilizărilor și obiceiurilor, în angajamentul general de a participa la dezvoltarea democratică și la cunoștințe în general.

„Descrierea analitică” ( ékphrays ) a formării operelor de artă și a lucrărilor în sine ne permite să abordăm probleme de anvergură: cărți de bucate , tratate , dicționare monografice, de desen și culoare , atât tehnice, cât și gloss-uri, favorizează diseminarea istoriei artelor și face posibilă o competență sectorială, un studiu distinctiv în artele majore și minore în ceea ce privește descoperirea. Cu contribuția arheologiei , operele de artă pot fi studiate și descrise prin aprofundarea aspectelor motivate care o constituie: de la observații pre- semiotice și mai puțin intenționate, de la materiale la cunoștințe structurate, trebuie să ne formăm propriile sectoare: iconologie , iconografie , alegorie și simbol , care din când în când au îmbogățit literatura artistică, favorizând nașterea curenților de gândire ( ut pictura poïesis ). Studiul operelor din trecut, mai ales dacă aparțin unor culturi îndepărtate, conduce, în special, la cunoașterea și respectarea codurilor culturale și filosofice la care se referă lucrările. Studiul articulat al invențiilor și descoperirilor, în istoria și istoria artei, ar conduce la semnificațiile teoretice ale operelor de artă considerate a fi cele mai mari. Arta, spune Edgar Wind , este supusă principiilor universale de reglementare, educarea cu arta înseamnă acordarea expresiei și a conținutului artistic a propriului statut normativ și de proiectare, care se bazează pe însăși forma limbajelor timpurii care au permis formarea gustului , esteticii și etica în diferitele ere. Contribuțiile istoricilor de artă pot proveni doar din construcții profesionale spontane, noțiuni, abilități, dispoziții care, la întoarcere, favorizează accesul, însă, în secolul al XX-lea, s-au născut adevărate institute de excelență. De exemplu, Institutul Warburg din Londra s-a ocupat de orientarea religioasă, alegorică și astrologică a operelor de artă.

Un concept similar este exprimat cu predarea muzeului , acela al sensului experienței directe a realizării artistice alături de fructificarea estetică a cunoașterii, favorizează cunoașterea individuală a valorii estetice a operei de artă. Curentele structuraliste și constructiviste, lingvistice și psihologice au orientat pedagogia artistică pe direcțiile sensului, legate de înțelegerea procedurilor tehnice artistice.

Istoria disciplinei

În 1842 Franz Theodor Kugler a scris prima carte despre istoria artei căreia îi datorăm împărțirea istoriei artei în patru momente (popoare pre-elenice sau primitive, antichitate clasică sau greacă și romană, „romantică” sau de epocă medievală și Arta islamică, modernă de la Renaștere până în secolul al XIX-lea), urmată în 1855 de manualul larg utilizat de Anton Heinrich Springer . [1]

Originile artei

Serra da Capivara - Brazilia
Pictogramă lupă mgx2.svg Același subiect în detaliu: arta preistorică .

Este complicat să trasezi un tablou istoric precis cu privire la originile artei: datează, de fapt, de la figurările primitive ale populațiilor care au început să plaseze în reprezentarea simbolică o conceptualitate artistică probabil, la început, cu didactico-narativă. intenții sau, cel mai probabil, doar propizori.

În paleoliticul superior s-a dezvoltat obiceiul de a reprezenta, prin graffiti sau picturi, imagini legate de viața de zi cu zi, în principal scene de vânătoare, dar și momente legate de agricultură și experiență religioasă. Suportul a fost alcătuit din rocile din interiorul peșterilor: datorită protecției împotriva agenților atmosferici, multe dintre aceste picturi (numite tocmai stâncă ) au ajuns la noi.

În cazul executării graffiti-urilor, au fost folosite unelte rudimentare (în principal în piatră), în timp ce pentru picturi pământul a fost amestecat folosind sânge, grăsime și alte substanțe ca lianți, răspândindu-se ulterior cu ajutorul mâinilor, bețelor sau părului animalelor.

Arta preistorică, pentru figurarea sa esențială și incisivă, a fost o sursă de inspirație pentru mulți artiști moderni, inclusiv Pablo Picasso , în unele privințe, ca o contribuție interculturală.

Descriere

Teme predominante

Din motive care pot fi atribuite probabil unei dezvoltări mai vechi și profunde a aceluiași concept de artă , precum și unei producții mai abundente din punct de vedere numeric, istoria artei până recent a tratat în principal zonele culturale din bazinul mediteranean , pe care regiunile artei clasice și renascentiste trec cu vederea.

Odată cu apariția mileniului al doilea , studiul artei grecești și romane , al artei bizantine și al celei produse în zona italiană și provensală , luarea în considerare a fost extinsă la producțiile din zonele francă și saxonă , incluzând astfel treptat tot mai extinse porțiuni de surse din Vechiul Continent, mână în mână cu dezvoltarea comunicațiilor culturale între statele europene, care a făcut posibilă preluarea unei noțiuni reciproce, de exemplu a contribuțiilor romanice și gotice .

Succesiunea umanismului și a Renașterii italiene, urmată de Renașterea franceză, au readus centrul atenției în peninsula italiană și în țara vecină . Mai mult, aceasta este perioada în care producția artistică a explodat cu o înflorire luxuriantă în special în domeniile picturii , sculpturii și arhitecturii și, prin urmare, este faza în care o dezvoltare organică a studioului a devenit la fel de necesară, tot din rațiune, ar trebui să nu fie ascuns de valoarea economică crescândă a lucrărilor din aceste domenii.

În plus, condițiile culturale modificate au favorizat dezvoltarea unui fel de clasă artistică, poate nu organizată într-o corporație , dar în orice caz de importanță socială din ce în ce mai solidă, caracterizată printr-un vers prin pluralitatea modurilor expresive ale fiecărui autor (adesea capabil, adică de a picta ca și cum ar sculpta, sau de a folosi alte forme artistice) și pe de altă parte printr-o comunicare din ce în ce mai intensă între autorii care, în provocarea competitivă ca și în testul histrionic , au dat dovada constantă de tehnică și logică. cunoașterea lucrărilor colegilor lor (și apoi au făcut un adevărat studiu al artei altora). Cel mai cunoscut dintre cei care au stat cu conștiință științifică în fața producției colegilor a fost cu siguranță Giorgio Vasari , care cu lucrarea sa „Viețile artiștilor”, în ciuda absenței simplei încercări de a evita judecățile personaliste, introduce și un canon ( da s-ar putea spune poate un canon artistic ) în studiul istoric care se reflectă încă în dezvoltarea temelor acestei discipline.

Dacă în secolul al XVII-lea „formele baroce ale barocului ” au devenit parte a studioului (însemnând cu această binecunoscută frază cantitatea nenumărată și redundantă de diferențieri de producție în țările din ce în ce mai numeroase în care a fost dezvoltat, și în timp ce importanța de producție a fost consolidată din țările din nordul Europei, odată cu recunoașterea importanței zonei flamande , luxosul secol al XVIII-lea a deschis noi domenii de studiu, crescute în continuare prin dezvoltarea muzicii și a artelor literare și teatrale .

Studiul din secolul al XIX-lea a profitat de progresele tehnice (și ale altor științe, de exemplu arheologia ) pentru a aprofunda ancheta și a unui simț tot mai răspândit de „nevoie de artă” pentru a impune importanța propriilor elaborări, în secolul care ar fi au sărbătorit sfințireaArtei Plastice ”.

Secolul al XX-lea, cu evoluțiile extraordinare ale metodelor de comunicare, dar și (și poate ca rezultat al acestora), cu progresul său crescând de aprofundare culturală, mână în mână, urmată de expansiunea printre clasele sociale a participării artei ( și cu difuzarea artei populare ), a creat condițiile pentru o maturitate a istoriei artei, care astăzi caută mai strict științific să-și restructureze metodologiile.

Istoria artei, contrar unei tradiții mai puternic resimțite în culturile anglo-saxone decât în ​​cele latine, nu se limitează (sau poate nu mai este limitată) la investigarea artelor figurative (și a artelor vizuale în general), în ciuda faptului că mai ales în legătură cu secolele trecute, această specialitate constituie o porțiune foarte relevantă a întregii sale analize.

Critica criticii

Limita dintre raportul istoric și comentariul critic a fost întotdeauna neliniștită și mult mai mult decât pentru istorie , se constată un conflict constant între necesitatea unei narațiuni obiective și neutre pentru această disciplină, ca și în metoda științifică. Tradițională și dificultate de a reda elaborarea și analiza fără a scoate la iveală convingerea unui savant (artistic, filosofic , religios, etic ) care inevitabil ajunge să constituie interpretare și, prin urmare, se pune în pericol de partidism, oricât ar fi de motivat.

Prin urmare, de-a lungul timpului, critica și-a asumat un rol de infiltrație vizibilă (cu influența sa relativă) în narațiunea istorică, determinând, după unii, succesele sau uitarea anumitor opere și a anumitor artiști; circumstanța are o importanță deloc neglijabilă având în vedere referința materială necesară la finanțarea artei, care de fapt aproape întotdeauna (cu puține excepții) are nevoie de o disponibilitate financiară a terților (chiar și după realizarea lucrării, în termeni stricți de „vânzare” comercială "a aceluiași) a se putea hrăni. Determinarea prevederilor pentru artă ( mecenat ) a depins, de fapt, în mod istoric de analiza istoricilor de artă, angajați (unii spun, angajați) de generoșii „ sponsori ” care doresc să finanțeze arta (și să investească în artă), deși nu având abilități critice personale.

Arta primelor civilizații

Pictogramă lupă mgx2.svg Același subiect în detaliu: arta antică .

Arta în Mesopotamia

Pictogramă lupă mgx2.svg Același subiect în detaliu: arta mezopotamiană și arta sumeriană .

În zona dintre Turcia de astăzi și gura celor două râuri Tigru și Eufrat , numite atunci Mesopotamia , acum aproximativ 5000 de ani, primii fermieri au învățat să guverneze inundațiile râurilor și să exploateze fertilitatea solului. Dezvoltarea economică care a urmat a permis formarea celor mai vechi orașe din istorie. Sumerienii au fost primii care s-au stabilit în Mesopotamia în jurul anului 4500 î.Hr .; Lor le datorăm progresele tehnologice, cum ar fi utilizarea roții și invenția scrisului. Ulterior, alte populații s-au așezat în această zonă: în 2000 î.Hr. asirienii , un războinic și un popor foarte combativ și în 1800 î.Hr. babilonienii , așa numiți din numele orașului mitic Babilon . Orașele, deși construite în epoci diferite, aveau caracteristici comune: erau înconjurate de ziduri sau șanțuri și aveau în interior un templu mare, numit ziqqurat , realizat cu cărămizi de lut uscate la soare. Pe vârful acestor clădiri impunătoare se credea că trăiau zeitățile, la care preoții și credincioșii se întorceau cu rugăciuni și ofrande.

Arta în Egipt

Pictogramă lupă mgx2.svg Același subiect în detaliu: arta egipteană .
Bustul lui Nefertiti

În Egiptul antic, arta era un instrument în slujba politicii și religiei. A reflectat imuabilitatea puterii faraonului, fiind o divinitate vie care continuă să existe în imaginea pictată sau sculptată chiar și după moarte. În statuar zeii, faraonul, demnitarii curții erau întotdeauna reprezentați în ipostaze stilizate, cu trăsături idealizate care nu cunosc semnele bătrâneții sau ale bolii. În postura în picioare, au brațele în lateral și se mișcă cu un pas înainte ca și când ar merge încet; dacă sunt înfățișați așezați, își așează mâinile pe genunchi. Totul era prevăzut de ceremonialul strict al curții și artiștii nu aveau decât să respecte reguli precise de reprezentare. Singura excepție se referea la domnia Amenofi IV (mai târziu cunoscut sub numele de Akhenaton ): acest faraon a promovat cea mai mare revoluție religioasă din istoria Egiptului și în timpul domniei sale artiștii au acordat o mai mare libertate de interpretare, după cum reiese din bust-portretul Regina Nefertiti , soția sa.

Arta greacă

Pictogramă lupă mgx2.svg Același subiect în detaliu: arta greacă .

Acropola, mândria și mândria Atenei

Loggia cariatidelor

Primele póleis grecești s- au născut începând cu secolul al VIII-lea î.Hr. Creșterea rapidă a populației și deficitul de resurse i- au împins pe greci să exporte acest model de organizare și în colonii, pe care le-au fondat puțin în toată Marea Mediterană . În centrul polisului, înconjurat de case și magazine, se afla agora, piața și adunările publice; cea mai înaltă parte a orașului era acropola. Cea mai faimoasă acropolă a Greciei este cea a Atenei . Acropola era zona sacră, unde se aflau templele în cinstea divinităților și se celebrau festivalurile panateneene, cu procesiuni religioase solemne și evenimente sportive. Odată cu guvernul lui Pericles , arhitectul democrației ateniene, și sub supravegherea sculptorului Fidia , cetatea Atenei a fost transformată într-un șantier de construcție aglomerat, unde s-au adunat cei mai buni talenți și artiști ai vremii. Au construit Partenonul , un templu numit după Athena Parthénos, zeița patronă a orașului; Propileele , adică intrarea monumentală în zona sacră; Templul Atenei Nike , de dimensiuni mici, dar de o eleganță rafinată; Erechtheum , un templu alcătuit din diferite camere, inclusiv faimoasa Loggia delle Cariatidi, unde coloanele sunt înlocuite de figuri feminine elegante.

Templul

Pentru greci, templul trebuia să exprime o idee de frumusețe și armonie între părți, motiv pentru care cei mai iscusiți arhitecți ai vremii au participat la construcția sa. La șantier, muncitorii au asezat mai întâi blocurile făcându-i să ia forma dorită, apoi folosind frânghii și scripete, le-au așezat în punctul stabilit de arhitect. Exteriorul templului a fost ulterior decorat cu reliefuri și sculpturi, uneori pictate în culori vii; reliefurile împodobeau atât frontonul, cât și friza. Cel mai admirat templu al Acropolei din Atena a fost cu siguranță Partenonul. Ceea ce a făcut din această clădire piatra de temelie a artei grecești a fost mai presus de toate bogăția decorațiunilor sale, superioară oricărei clădiri construite vreodată. Artistul chemat să conducă acest imens șantier a fost sculptorul Fidia, unul dintre cei mai mari artiști din toate timpurile.

Ordinele arhitecturale și regulile armoniei

Templul a reprezentat pentru greci cea mai perfectă și armonioasă construcție. Pentru a atinge această perfecțiune, arhitecții au folosit reguli geometrice și matematice cu care să lege fiecare detaliu al clădirii. Aceste moduri diferite de a gândi despre construirea unui templu au fost numite „ordine”. Ordinele folosite de greci sunt trei:

Ordinea dorică

Capitala dorică

Se caracterizează prin esențialitatea și solemnitatea formelor sale. Doric Coloana nu are nici o bază, se sprijină direct pe stilòbate (podeaua templului), este în sus conice (îngustează în sus) și este brăzdată de 20 caneluri ascuțite. La 3/4 din coloană se află entaza, o ușoară umflare care a fost utilizată pentru a corecta efectul optic care a făcut coloanele concavă atunci când sunt privite de la distanță. Capitelul are o formă simplă (formată din echinus și abac) care servește la susținerea blocurilor dreptunghiulare din piatră care formează arhitrava. Decorarea frizei este alcătuită din plăci sculptate numite mètope alternând cu panouri brazdate de trei caneluri numite triglìfi.

Ordinea ionică

Capitala ionică

Se caracterizează printr-o eleganță și o lejeritate mai mari decât cea dorică. Coloana nu se sprijină direct pe stilòbate, ci are propria bază formată dintr-un taur (proiecție), Scoția (adâncitură), taur. Există 24 de caneluri cu margine rotunjită. Capitala este decorată cu òvoli (așa-numita formă care seamănă cu jumătate de ouă) și cu două suluri elegante care se pliază lateral. În entablament, friza este continuă: metopele și triglifele sunt absente.

Ordinul corintic

Ordinul corintic

Ordinul corintic (ultimul dintre cele trei ordine) a fost folosit în principal pentru interiorul templelor. Arborele coloanei corintice este același cu cel al ordinii ionice cu adăugarea soclului sub baza coloanei. Capitelul este alcătuit din două coroane de frunze de acant și este partea care caracterizează cel mai mult ordinea corintică.

Sculptura epocii arhaice și clasice

Artiștii Greciei antice au încercat să producă lucrări ideale, capabile să nu se desfigureze în prezența zeilor. Acest rezultat a fost atins, în special în sculptura generală, printr-un proces lung și neîntrerupt de rafinament formal. Primele mărturii aparțin epocii arhaice, între secolele VII și VI î.Hr.: sunt tineri goi sau fete îmbrăcate caracterizate prin fixitatea expresiei.

În epoca clasică (secolele V-IV î.Hr.), un studiu mai atent al mișcării și anatomiei umane le-a permis sculptorilor să atingă obiective de o frumusețe și armonie surprinzătoare. Grecii idealizau frumusețea fizică, la care frumusețea interioară trebuia întotdeauna să răspundă: una trebuia să fie oglinda celeilalte. Lucrările lui Polykleitos , Mirone și Praxiteles depune mărturie la nivelul extraordinar atins în căutarea de proporții. Cu toate acestea, trebuie amintit că niciuna dintre aceste statui nu trebuie înțeleasă ca portretul oamenilor care au existat cu adevărat: sunt mai degrabă reprezentarea calităților fizice și morale ale rasei umane și, tocmai pentru că sunt desprinse de realitatea pământească, sunt plasat într-o sferă de perfecțiune ideală.

Arta elenistică

În acest sezon, grecii și non-grecii au fost protagoniști ai unei istorii și culturi universale capabile să aducă lumi și tradiții diferite în contact unul cu celălalt. Odată cu elenismul, Grecia nu mai reprezenta singurul centru de influență din lumea antică: Macedonia , orașele Pergam din Asia Mică , Antiohia din Orientul Mijlociu și Alexandria din Egipt au devenit în egală măsură centre politice, culturale și artistice. Aceste schimbări au adus multe inovații în artă. În construcția clădirilor, arhitecții au încercat să sporească spectacularitatea, monumentalitatea și scenografia. Orașele elenistice, închise de ziduri solide, au devenit similare cu imensele teatre. Colossali sculture, poderosi colonnati e scalinate imponenti avevano lo scopo di intimorire i sudditi e di glorificare la potenza dei tiranni, che in epoca ellenistica avevano sostituito i regimi democratici. Gli artisti al loro servizio, abbandonati gli ideali astratti della bellezza, presero in considerazione aspetti prima trascurati. Le ricerche dei pittori e degli scultori mutarono e si diversificarono: essi rappresentarono con realismo espressioni di dolore, crudeltà e sofferenza fisica; si presero gioco dei difetti umani raffigurando persone afflitte dalla vecchiaia o dalla deformità; impararono a interpretare in modo più esplicito la seducente bellezza del corpo femminile.

L'arte etrusca

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Arte etrusca .
La Porta dell'Arco presso Volterra

L'arte etrusca si espresse ad alto livello nella lavorazione dei metalli, nella ceramica e nella pittura, raggiungendo risultati di rilievo; poiché la pittura greca è andata perduta, quella etrusca rappresenta la più importante testimonianza di epoca pre-romana. Gli Etruschi rivelarono la loro abilità soprattutto nella costruzione di edifici civili e religiosi, adottando l'arco a volta semicircolare. A loro si deve la costruzione di città fortificate con possenti mura in pietra e dotate di porte, quali Perugia , Arezzo , Volterra . Purtroppo la deperibilità dei materiali e il fatto che le città etrusche siano state espugnate, riedificate nei secoli successivi e abitate fino ai nostri giorni, hanno causato la perdita pressoché totale delle realizzazioni di quella civiltà.

L'arte romana

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Arte romana .

L'evoluzione dell'arte romana avvenne gradualmente, sotto l'influenza della pittura greca ed etrusca. In genere si trattava di una pittura veloce, stesa con rapidi tocchi di colore, e tuttavia capace di sorprendenti effetti tridimensionali. Andata perduta quasi del tutto la pittura su tavola, si è salvato un consistente numero di affreschi, notevole soprattutto a Pompei ea Ercolano , destinati a ornare grandi edifici pubblici e lussuosi ambienti domestici. Si è anche conservato un notevole numero di mosaici, spesso utilizzati in alternativa alla pittura per decorare pareti e pavimenti. I maestri mosaicisti, impiegando tessere molto piccole, riuscivano infatti a produrre effetti cromatici simili alla pittura. I temi variano da motivi geometrici a soggetti tratti dalla natura a riproduzioni di giochi, battaglie o scene di caccia.

L'arte paleocristiana

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Arte paleocristiana .
Il Buon pastore , Catacombe di Priscilla , Roma

Nel III secolo, nonostante le persecuzioni, il Cristianesimo era già diventato la religione più diffusa. Gli esempi di arte paleocristiana (dagli inizi, fino al sec. VI circa), risalenti a questo periodo sono piuttosto scarsi e di quantità modesta. Per le tombe i primi cristiani sceglievano dei cimiteri comunitari assai semplici, detti catacombe (gallerie sotterranee). Ma quando il cristianesimo diventò la religione ufficiale dell'impero, la chiesa, organizzata con una propria gerarchia, fece costruire appositi edifici per il culto, come la basilica e il battistero, in grado di accogliere l'intera comunità dei fedeli. Innalzati di solito dove era stato martirizzato o sepolto un santo (come la Basilica di San Pietro ), questi edifici vennero spesso eretti con marmi recuperati dalle costruzioni romane in rovina. Lo scopo non era solo quello di risparmiare ma anche di sottolineare il carattere romano di queste costruzioni.

Arte bizantina

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Arte bizantina .

L'arte bizantina si è sviluppata nell'arco di un millennio, tra il IV ed il XV secolo , prima nell'ambito dell' Impero romano , poi di quello bizantino , che ne raccolse l'eredità. Le caratteristiche più evidenti dei canoni dell'arte bizantina sono la religiosità , l'anti- plasticità e l'anti- naturalismo , intese come appiattimento e stilizzazione delle figure, volte a rendere una maggiore monumentalità ed un'astrazione soprannaturale ( smaterializzazione dell'immagine). Infatti il gusto principale dell'arte bizantina è stato quello di descrivere le aspirazioni dell'uomo verso il divino . L'arte bizantina ha comunque avuto espressioni stilistiche molto diverse fra di loro nei suoi oltre mille anni di vita, ma nell'Impero d'Oriente l'arte rimase quasi invariata.

Arte longobarda

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Arte longobarda .

Con arte longobarda si intende l'intera produzione artistica cui si diede corso in Italia durante il periodo e nel territorio della dominazione longobarda ( 568 - 774 ), con residuale permanenza nell'Italia meridionale fino al X - XI secolo , indipendentemente dall'origine etnica dei vari artefici, tra l'altro spesso impossibile da definire. Al loro ingresso in Italia, il popolo germanico orientale dei Longobardi portò con sé la propria tradizione artistica di matrice germanica , anche se già influenzata da elementi bizantini durante il lungo soggiorno del popolo in Pannonia ( VI secolo ); tale matrice rimase a lungo visibile nell'arte longobarda soprattutto nei suoi aspetti formali e ornamentali (simbolismo, horror vacui, decori fitomorfi o zoomorfi). In seguito al radicarsi dello stanziamento in Italia, ebbe inizio un vasto processo di fusione tra l'elemento germanico e quello romanico (latino-bizantino), che diede vita a una società sempre più indistinta.

Arte romanica

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Arte romanica .

Il romanico è quella fase dell' arte medievale europea sviluppatasi a partire dalla fine del X secolo all'affermazione dell' arte gotica , cioè fin verso la metà del XII secolo in Francia ei primi decenni del successivo in altri paesi europei ( Italia , Inghilterra , Germania , Spagna ). Il romanico rinnovò principalmente l'architettura e la scultura monumentale, quest'ultima applicata all'architettura stessa (come decorazione di portali , capitelli , lunette , chiostri ...).

Arte gotica

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Arte gotica .

L'arte gotica nasce in un periodo compreso fra la metà del XII secolo e, in alcune aree europee, i primi decenni del XVI secolo . La novità più originale dell'architettura gotica è la scomparsa delle spesse masse murarie tipiche del romanico: il peso della struttura non veniva più assorbito dalle pareti, ma veniva distribuito su pilastri all'interno e nel perimetro, coadiuvati da strutture secondarie come archi rampanti e contrafforti. Lo svuotamento della parete dai carichi permise la realizzazione di pareti di luce, coperte da magnifiche vetrate, alle quali corrispondeva fuori un complesso reticolo di elementi portanti. Anche in scultura gli artisti di epoca gotica si mossero a partire dalle conquiste del secolo precedente, quali la ritrovata monumentalità, l'attenzione per la figura umana, il recupero della plasticità e del senso del volume. Le innovazioni furono radicali e si pervenne dopo molti secoli ad una rappresentazione della figura umana finalmente realistica e aggraziata. La pittura nel periodo gotico subì uno scarto temporale rispetto alle altre arti arrivando a un rinnovamento con un ritardo di tre-quattro decenni, grazie alla scuola italiana, grazie all'opera di Giotto .

Arte rinascimentale

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Arte del Rinascimento .
Tempietto di San Pietro in Montorio di Donato Bramante

Nel Rinascimento (XIV sec.-XV sec.) si ha una vera e propria rinascita delle arti. In architettura vengono reinterpretati gli ordini classici (dorico, ionico, corinzio) e gli edifici religiosi e civili vengono progettati con precisi criteri di proporzionalità tra le parti come nell'architettura romana e greca. Vengono, inoltre, ristrutturati molti edifici medievali e viene ampliato il tessuto urbano come a Firenze che tra il 1450 e 1470 vengono edificati trenta nuovi palazzi. Vengono costruite molte ville di campagna dove i nobili si recavano durante l'estate.

La cupola di Santa Maria del Fiore di Filippo Brunelleschi

I principali architetti sono Filippo Brunelleschi (1377-1446) che realizzò la cupola della chiesa di Santa Maria del Fiore e l'ospedale degli innocenti a Firenze; Michelangelo Buonarroti (1475-1564) che realizzò la Sagrestia Nuova nella chiesa di San Lorenzo e la biblioteca Laurenziana a Firenze, progettò la cupola di San Pietro in Vaticano e restaurò piazza del Campidoglio , i Palazzi dei Conservatori ei Musei Capitolini; Donato Bramante (1444-1514) che usò la prospettiva illusoriamente nei suoi edifici per creare un effetto di uno spazio che si estende oltre i confini della realtà, un esempio è la chiesa di Santa Maria presso San Satiro ; realizzò inoltre il Tempietto di San Pietro in Montorio e contribuì alla costruzione della basilica di San Pietro; Leon Battista Alberti (1406-1472) che scrisse il Trattato sull'Architettura e realizzò i modelli di chiesa e palazzo cittadino utilizzati per tutto il Rinascimento: la chiesa di Sant'Andrea a Mantova e il palazzo Rucellai a Firenze.

il David di Michelangelo

In scultura la figura umana è studiata nelle sue caratteristiche anatomiche, nelle sue proporzioni, nelle sue diverse posizioni e espressioni; viene inoltre riutilizzata la tecnica a cera persa, inventata dai romani e caduta in disuso nel Medioevo, per la realizzazione di sculture in bronzo . I principali scultori sono: nel primo Rinascimento Donato di Niccolò di Betto Bardi detto Donatello (1386-1466) che realizza numerose statue in bronzo, come il monumento equestre di Erasmo da Narni setto "Gattamelata" a Padova , e molti bassorilievi con la tecnica dello stiacciato da lui inventata, e Michelangelo Buonarroti che realizza la Pietà conservata nella basilica di San Pietro in Vaticano, e il David conservato a Firenze.

Il David non rappresenta solo l'eroe biblico che uccise Golia, ma rappresenta la forza della città di Firenze che riesce a distruggere qualsiasi nemico nel nome di Dio. I principali pittori sono Piero della Francesca (1420 circa-1492) che lavora ad Urbino per il Duca di Montefeltro; Andrea Mantegna (1431-1501) che dipinge molti palazzi dei marchesi Gonzaga , a Mantova ; Francesco del Cossa (1436-1478) che realizza a Ferrara , per il Duca d'Este, il Salone dei Mesi nel palazzo Schifanoia ; Paolo Uccello (1397-1475) che lavora a Firenze per i de' Medici , realizzando affreschi con temi del Gotico Internazionale (dame, cavalieri) utilizzando la tecnica della prospettiva; Sandro Botticelli (1445-1510) che realizza a Firenze dipinti con figure aggraziate ed eleganti come nella Nascita di Venere ; Michelangelo Buonarroti (1475-1564) in cui, nei suoi dipinti, è evidente la mentalità di scultore: infatti le figure dominano il dipinto, hanno volumi solidi, compatti e imponenti e una muscolatura molto evidente come nel dipinto Tondo Doni conservato nella Galleria degli Uffizi a Firenze o nell'affresco del Giudizio Universale realizzato da Michelangelo, per papa Giulio II , nella Cappella Sistina ; Raffaello Sanzio (1483-1520) che fu allievo del Perugino , anche se superò in un modo sorprendente il suo maestro, come è evidente nello Sposalizio della Vergine .

Manierismo

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Manierismo .

Il Manierismo è un movimento artistico, nato nella seconda metà del Cinquecento, che si ispirava ai grandi artisti del Rinascimento, in particolare a Michelangelo Buonarroti. Il Termine "Manierismo", coniato da Giorgio Vasari nel suo libro: " Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori; da Cimabue insine à tempi nostri " , deriva dal sostantivo "maniera". Inizialmente il Manierismo venne giudicato poco originale ma successivamente gli storici lo considerarono l'ultimo sviluppo del Rinascimento. Gli artisti più importanti sono Parmigianino , Rosso Fiorentino, Pontormo ei veneti Paolo Veronese e Tintoretto.

Arte della Controriforma

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Arte della Controriforma .

Per arte della controriforma si intende quella parte di arte europea della seconda metà del XVI secolo che è più fortemente influenzata dagli indirizzi teorici sull' arte sviluppati a seguito del Concilio di Trento .

Arte barocca

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Arte barocca .

Barocco indica lo stile dominante del XVII secolo . Il barocco diviene in brevissimo tempo, grazie alla sua esuberanza, alla sua teatralità, ai suoi grandiosi effetti e alla magniloquenza profusa su ogni superficie e con ogni materiale, lo stile tanto della Chiesa cattolica che delle monarchie europee, tese verso l' assolutismo . Caratteristiche fondamentali dell'architettura barocca sono le linee curve , dagli andamenti sinuosi, come ellissi , spirali o curve a costruzione policentrica, con motivi intrecciati tra di loro. Tutto doveva destare meraviglia e il forte senso della teatralità spinse l'artista all'esuberanza decorativa, unendo pittura, scultura e stucco nella composizione spaziale e sottolineando il tutto mediante suggestivi giochi di luce ed ombre. Furono privilegiati la monumentalità, gli effetti drammatici ei contrasti di luce. In particolare fu ricercato l'illusionismo, un effetto di inganno che traducesse in arte la perdita di certezze dominante nell'epoca. L'illusionismo, cioè la sovrapposizione tra realtà, rappresentazione e finzione, si manifestò in pittura con prospettive impossibili e giochi di specchi che rendevano un'immagine deformata della realtà

Arte rococò

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Arte rococò .

Il Rococò è uno stile ornamentale sviluppatosi in Francia nella prima metà del Settecento come evoluzione del tardo barocco , sotto il regno di Luigi XV . Si distingue per la grande eleganza e la sfarzosità delle forme, caratterizzate da ondulazioni ramificate in riccioli e lievi arabeschi floreali. Sono espresse soprattutto nelle decorazioni , nell' arredamento , nella moda e nella produzione di oggetti. Caratterizzato da delicatezza, grazia, eleganza, gioiosità e luminosità si poneva in netto contrasto con la pesantezza ei colori più forti adottati dal precedente periodo barocco . I motivi Rococò cercano di riprodurre il sentimento tipico della vita aristocratica libera da preoccupazioni o del romanzo leggero piuttosto che le battaglie eroiche o le figure religiose. Verso la fine del XVIII secolo il rococò verrà a sua volta rimpiazzato dallo stile neoclassico.

Arte neoclassica

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Arte neoclassica .

Neoclassicismo è il nome dato alla tendenza culturale sviluppatasi in Europa tra il XVIII ed il XIX secolo . Il neoclassicismo fu variamente caratterizzato, ma ben riconoscibile nelle varie arti , nella letteratura , in campo teatrale , musicale e nell' architettura . Nacque come reazione al tardo barocco e al Rococò ; e si ispiró all' arte antica , in particolar modo verso quella greco - romana . Grande influenza nello sviluppo dello stile Neoclassico ebbero gli scavi di Ercolano e di Pompei , avviati dal 1738 (a Ercolano ) e dal 1748 (a Pompei ), da Carlo di Borbone, re di Napoli , che ispirarono tra gli altri Luigi Vanvitelli .

Arte moderna

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Arte moderna .

Il termine arte moderna denota lo stile e la concezione dell'arte propri di quell'epoca [2] e, più in generale, alle espressioni artistiche che esprimono una forma di «rifiuto» per il passato e di apertura alla sperimentazione [3] . Gli artisti moderni sperimentarono nuove forme visive e avanzarono concezioni originali della natura, dei materiali e della funzione dell'arte, alternando periodi più realisti (sia per le tecniche adottate che per i soggetti scelti) a periodi più "simbolisti" o "espressionisti" fino all'astrazione. La produzione artistica più recente è spesso definita come arte contemporanea, o arte postmoderna.

Arte contemporanea

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Arte contemporanea .

L'arte dopo l' era moderna si è trasformata seguendo i cambiamenti economici, globali , politici e socioculturali. La sempre maggior velocità e mole di scambi di idee, risorse economiche, informazioni e cultura intorno al globo avviene anche nel mondo dell'arte, rendendone difficile una caratterizzazione precisa. Molte delle barriere e distinzioni all'interno dell'arte sono cadute contribuendo ad una vivacità e multidisciplinarità tipica dell'arte contemporanea che ne ha fatto spesso ragione d'essere.

Campi dello studio

La storia dell'arte comprende tradizionalmente il campo delle arti visuali:

In un concetto più ampio può arrivare a comprendere tutte le " sette arti ", comprendendo le arti performative, la letteratura e la musica.

Cronologia della storia dell'arte

Arte per area geografica/culturale

Alcuni sviluppi autoriali

Alois Riegl , 1893, Stilfragen (tr. in it. Problemi di stile ); Spätrömiche Kunstindustrie , 1901 (tr. in it. Arte industriale della tarda romanità Arnold Hauser evoluzione dell'arte (sociologo dell'arte) F. Wickhoff narrazione continua Heinrich Wölfflin leggi della visione figurazione Max Dvořák situazione spirituale rispecchiata Julius von Schlosser apporti strutturalisti Carlo Brandi semiologia e arte Benedetto Croce il soggetto del fare artistico è inseparabile dall'opera e irriducibile allo stile N. Ivanoff il carattere di una narrazione dello sbocciare successivo e imprevedibile di maniere e stili JJ Winckelmann adotta il concetto classico di storia e cerca di ricostruire l'essenza dell'arte che a suo avviso non dipende dalla storia personale degli artisti L. Lanzi le singole maniere nel particolare stile di ciascun artista ma dichiara di non essere interessato a ridurre la storia dell'arte a tratti permanenti, come farebbe una scienza naturale, aprendo lo studio alle forme visive e alle scuole

▪︎ JD Fiorillo ▪︎ JB Seroux D'Agincourt ▪︎ L. Cicognara ▪︎ F. Kugler ▪︎ A. Springer ▪︎ P. Selvatico ▪︎ GB Cavalcaselle ▪︎ JA Crowe ▪︎ L. Moretti ▪︎ A. Venturi ▪︎ R. Longhi ▪︎ P. Toesca ▪︎ B. Berenson

Storia dell'arte senza nomi A. Hauser

Storia dello stile H. Wölfflin

Storicismo N. Pevsner

per lo sviluppo di una sintesi

  • Luigi Grassi, Mario Pepe - Dizionario di arte. Termini, movimenti e stili dall'antichità a oggi . Torino, UTET, 2003 ISBN 8877508450

Note

  1. ^ Venturi 1964 .
  2. ^ Robert Atkins. Artspeak: A Guide to Contemporary Ideas, Movements, and Buzzwords . Abbeville Press. New York, 1990, pag. 102.
  3. ^ EH Gombrich. The Story of Art . Phaidon. London, 1958, p. 419.

Bibliografia

Altri progetti

Collegamenti esterni

Controllo di autorità GND ( DE ) 7503709-9