Gotic târziu
Goticul târziu este o fază în istoria artei europene, care poate fi plasată între 1370 și o bună parte a secolului al XV-lea , cu unele zone în care a continuat la nesfârșit până în secolul al XVI-lea . Este unul dintre limbajele figurative fundamentale, împreună cu Renașterea florentină și flamandă , care a caracterizat secolul al XV-lea. A fost un fenomen legat mai presus de toate de curțile Renașterii și a avut o difuzie destul de uniformă în toată Europa , favorizat de schimburile frecvente de obiecte de artă și de artiști înșiși între centre, în special în nordul Italiei , Franța și Germania , apoi radiază în mare măsură o parte din restul continentului.
 Frații Limbourg , ispitele lui Hristos , pagină iluminată dinTrès riches heures du Duc de Berry , 1412-1415. Tema sacră este doar un pretext pentru a pune în scenă un castel orbitor într-un peisaj încadrat „cu ochi de pasăre”. |
Goticul târziu a păstrat un rol dominant și o difuzare importantă în prima jumătate a secolului al XV-lea ; de fapt, arta Renașterii , care s-a dezvoltat la Florența începând cu anii 1920, a luptat să se stabilească în Italia până în a doua jumătate a secolului și nu a fost primită curând în alte țări europene; în aceste contexte goticul târziu a rămas principalul punct de referință pentru majoritatea clienților.
În această perioadă, mai mult ca oricând, artele figurative nu au fost o reflectare a fenomenelor istorice sau sociale, ci au jucat rolul unei compensări fantastice prin evocarea unei lumi perfecte și aristocratice.
Printre cei mai cunoscuți artiști ai goticului târziu s-au numărat Pisanello și Gentile da Fabriano în Italia, Claus Sluter și frații Limbourg din Franța, Stephan Lochner în Germania și alții.
Context istoric
Societatea de la începutul secolului al XIV-lea și primele decenii ale secolului al XV-lea era un complex eterogen și multiform, tulburat de o instabilitate economică progresivă și de declinul treptat al marilor puteri medievale, Papalitatea și Imperiul . Chiar și instituții de prestigiu, cum ar fi cavaleria și feudalismul, deși au servit încă ca model de viață și comportament, au fost golite de mult de rolul lor activ. Printre efectele bolii răspândite s-au numărat revoltele țărănești și salariale (ale Ciompi din Florența , ale Lollardilor , ale țesătorilor flamande), reprimate în sânge. Între dezordine și dezorientare, totuși, au început să apară și semne de recuperare, cum ar fi redresarea economică treptată datorită burgheziei, care a început să aibă o pondere culturală în creștere.
Din punct de vedere cultural, criticile filozofiei scolastice , conduse de William de Ockham , și o mai mare difuzare a averroismului au generat treptat o nouă atitudine față de realitate și cunoaștere, care a văzut o redimensionare a interpunerii Bisericii, în favoarea a unei relații mai intime și directe cu Dumnezeu. A te elibera de stăpânirea teologică a însemnat și redescoperirea unei abordări practice a cunoașterii și cunoașterii.
Aceste fenomene s-au reflectat în producția artistică, pe de o parte, oferind o compensare fantastică și ideală lumii reale, inspirată de modelele lumii vechi politicoase, pe de altă parte, prin propunerea unor reprezentări precise ale naturii pentru a satisface interesul empiric în manifestări multiple. Reprezentările macabre și sângeroase aveau un scop ascuns de a exorciza cele mai profunde frici de moarte și suferință.
Terminologie
Această perioadă este, de asemenea, numită cu alți termeni echivalenți care evidențiază unele caracteristici:
Gotic „târziu”
Termenul „gotic târziu” subliniază aspectul cronologic prin plasarea acestui stil în continuitate cu goticul și ca epilog al acestuia, în acest sens implică și un sens „toamnal”, ca ultim capitol al lumii medievale; în Italia goticul târziu indică arta primelor decenii ale secolului al XV-lea, în timp ce „Spätgotik” corespunzător din zona germană indică expresiile extreme ale acestui stil până acum în pragul secolului al XVI-lea.
Gotic „internațional”
„Internaționalul” gotic evidențiază răspândirea extinsă pe care această fază stilistică a avut-o în multe țări din Europa printr-un dialog semnificativ și o largă răspândire de produse favorizate de preferința pentru obiecte mici sau altele ușor de transportat (manuscrise iluminate, fildeșuri, bijuterii, laptopuri de altar, tapiserii ); circulația a fost cauzată de cele mai variate canale: de la comerț la cadouri de nuntă sau de logodnă, de la cadouri pentru diplomație până la mișcările artiștilor itineranți. Caietele artiștilor, bogate în schițe, au fost folosite și copiate ca modele în ateliere , actualizând repertoriul iconografic și stilistic. Probabil că termenul „gotic internațional” este cel care reprezintă cel mai bine această perioadă și este cel mai folosit termen pentru contextul italian [1] ; de exemplu, există picturi care sunt adevărate puzzle-uri pentru istorici, deoarece caracterul comun al trăsăturilor stilistice în zone geografice atât de vaste poate face ca ele să fie atribuite din când în când artiștilor francezi, italieni sau englezi (ca în celebrul Wilton Diptych ). Transnaționalitatea nu s-a datorat fenomenelor de iradiere pornind de la un centru, așa cum sa întâmplat de exemplu cu goticul francez ; a fost în schimb un schimb reciproc între mai multe centre, printre care nimeni nu poate pretinde o supremație. Cu toate acestea, cele mai active zone au fost mai întâi Avignon și curtea papală, apoi Catalonia , Burgundia , Lombardia și Boemia [2] .
Gotic „înflorit”
Goticul „înflorit” este un termen care se referă la dragostea pentru lux și rafinamentul decorativ care caracterizează această perioadă; Este interesant de observat cum trăsăturile stilistice ale acestui tip de artă pot fi urmărite în multe forme de artă, cu schimburi continue de soluții și motive între pictură, miniatură, aurărie, tapiserie, țesături, mobilier etc.
Gotic „curtenitor”
Goticul „ curtenitor ” este în schimb un termen care evidențiază răspândirea acestei arte în mediul social care a făcut-o să aibă succes: un semn de distincție între aristocrație și avansul burgheziei, caracterizat printr-o perfecțiune formală impecabilă; prin urmare, instanțele, în primul rând cea papală, au jucat mai întâi un rol de atracție față de artiști și apoi de fuziune și difuzare a stilului; fiecare instanță a angajat un anumit număr de artiști, fiecare specializat în anumite discipline ( literatură , muzică , arte figurative ); crearea de opere de artă permanente ( portrete , altarele , manuscrise iluminate etc.), alternate cu o întreagă activitate pentru lucrări efemere, precum aranjamente pentru petreceri și turnee, crearea de steaguri și draperii ornamentale, rochii, costume, scuturi , armuri , cărți de joc și diverse obiecte. Mai mult, artiștii au fost chemați să creeze daruri somptuoase pentru a fi trimise la alte instanțe, pentru a trezi admirație și invidie. Gama largă de cunoștințe tehnice cerute unui artist al vremii a făcut necesară lucrul în echipă și organizarea de ateliere multifuncționale în care orice cerere ar putea fi satisfăcută.
Gotic „Flaming”
Gotic „ Flamboyant ” (sau gotic flamboyant ) este un termen care evidențiază tendința sinuoasă a liniilor arhitecturale, unde impulsurile devin similare cu flăcările pâlpâitoare și complexele structurale de nervuri și contraforturi zburătoare din ce în ce mai subțiri și accentuate. Structurile de perete fără sarcină, precum și înlocuirea lor cu ferestre, sunt umplute cu tuneluri extrem de lucrate. Panouri extrem de subțiri și exagerate sunt introduse pe acoperișuri, în vârfurile și marginile superioare ale fațadelor, făcând înălțimea structurilor să pară și mai mare. În Italia, această artă este înțeleasă într-un mod mult mai atenuat (cu excepția Duomo din Milano și a altui monument rar).
Stil dulce
Stilul dulce ( stil adouci în franceză sau weicher Stil în germană) scoate în evidență în sfârșit dragostea pentru pictura extrem de rafinată și delicată, cu nuanțe moi și redactare modulată, care s-a răspândit în principal în Köln , Boemia și zona Lombardiei cu autori precum Michelino din Besozzo .
Caracteristici
Goticul târziu a fost caracterizat de câțiva factori, comuni diferitelor manifestări ale acestui stil:
- Dragostea pentru lux, pentru prețiozitatea obiectelor și pentru eleganța formală a reprezentării artistice; prin urmare, utilizarea aurului, a materialelor prețioase (ca în capodopera ex voto a lui Carol al VI-lea ), a culorilor strălucitoare și a emailurilor a abundat.
- Exaltarea figurii feminine din punct de vedere etimologic curtenesc și renascentist, așa cum a demonstrat-o picturile sale de celebrul pictor Jan Van Eyck, cel mai mare exponent al acestei mișcări cultural-artistice;
- Profanizarea personajelor sacre, atât în sens aristocratic, cu sfinții înfățișați sau ca nobili îmbrăcați bogat ( Retablo dei santi Orsola, Martino și Antonio di Gonzalo Pérez ), cât și în sens popular, cu o interpretare într-o cheie cotidiană a texte sacre ( Dubbio de Iosif de Strasbourg ). Mai mult, în această perioadă asistăm la răspândirea unor subiecte profane, luate din lumea curte, din romanele cavalerești și din viața de zi cu zi, poate ca o garnitură la imagini sacre.
- O mare atenție la minutul realism al reprezentărilor: fiecare obiect a fost reprodus în detaliu, chiar și cel mai epidermic. Obiectele erau adesea descrise juxtapuse ca într-un catalog, trecând peste locația spațială coerentă și compoziția naturalistă (ca în vânătoarea lui Pisanello a Viziunii Sant'Eustachio , unde este documentat un număr mare de animale, sau în Madonna și sfinții din grădina Paradiso del Maestro del Giardinetto , unde există un cont botanic și de pasăre detaliat).
- Alături de această formă de realism există o tendință semnificativă spre exasperare expresivă care are ca rezultat adesea un stil grotesc, brutal, cu utilizarea frecventă a elementelor macabre sau truculente, în special în scenele sacre: reprezentarea nemiloasă a cadavrelor ( monument funerar al cardinalului La Grange a Avignon ), folosirea marcată a sângelui în scene de martiriu (ca în Ecce Homo de Maestrul Francke sau Stigmatele Sf. Francisc de către Maestrul plângerii lui Hristos din Lindau ) etc.
- Cea mai rafinată idealizare lirică a coexistat adesea cu realismul și exasperarea grotescă, de exemplu în figurile personajelor nobile, de o mare calmă formală și fără conotații psihologice specifice. Aceste antiteze pot fi, de asemenea, citite ca un fel de satisfacție aristocratică în comparația dintre lumea lucioasă a curților și opusul ei umil și mizerabil: de exemplu în predela Prezentării la Templul Adorației Magilor de Gentile da Fabriano pentru două nobile femei aristocratice de la celălalt capăt al scenei, doi cerșetori mizerabili îmbrăcați în cârpe acționează ca un contrapunct.
- Atenție secundară pentru o unificare spațială (așa cum s-a întâmplat în Renaștere cu perspectivă ), prin care elementele dintr-o operă de artă apăreau izolate în spațiu sau plasate liber cu dimensiuni chiar antinaturaliste (ca în Polipticul din Santa Barbara de Maestrul Francke unde cifrele din prim-plan sunt mult mai minute decât cele din fundal).
- Prevalența formală a liniei în reprezentări, acum moale și sinuoasă, acum unghiulară și zvârcolitoare, cu culori intense care subliniază tendința, cu draperii cu pași largi și arabescuri complicate care vin să absoarbă anatomia umană ( San Bartolomeo del Germanisches Nationalmuseum di Nuremberg ).
- Viziunea asupra lumii exprimată de „stilul internațional” este puternic influențată de repercusiunile religioase, politice și sociale ale gândirii Sfântului Toma de Aquino care, cu fundamentul său aristotelic , reafirmă experiența naturii create de Dumnezeu și de conformitatea societății cu natura. Cunoașterea „sensibilă” este doar mijlocul unei cunoștințe intelectuale, care se întoarce de la efecte la cauze și de la acestea la prima cauză. Varietate de aspecte și unitate a armoniei care le leagă: principiul esteticii gotice târzii este, prin urmare, varietate în unitate . Fundamentul este naturalist , scopul este spiritual . [3]
Dezvoltarea teritorială în Europa
Franţa
Printre cele mai vii centre ale începutului de secol a fost cu siguranță Avignon , care după întoarcerea Papei la Roma a devenit o sursă inepuizabilă de modele. Producția artistică nu s-a oprit complet, dar a devenit mai puțin bogată și mai puțin îndrăzneață. Picturile care au ajuns până la noi sunt rare, dar există încă exemple notabile de sculptură funerară, cum ar fi monumentul funerar al cardinalului La Grange ( 1403 ) din biserica San Marziale , un exemplu de reapariție a temelor macabre.
În Franța, însă, producția artistică din această perioadă nu se poate elibera de problemele politice, legate de revendicările dinastice ale ducilor de Berry și Burgundia .
Atelierele iluminatoarelor diferitelor curți franceze aveau o strălucire artistică deosebită, printre care cea din Paris , unde convergeau deseori artiști flamande și italieni. Printre cei mai importanți maeștri se remarcă Maestrul lui Boucicaut , care a folosit o gamă mai bună de culori și a experimentat cu noi soluții spațiale „deschise”, iar Frații Limbourg , originari din Gelderland , renumiți pentru vastele lor peisaje de farmec de basm, culori rafinate și efecte.de lumină și realismul foarte atent al celor mai mici detalii.
În Burgundia , poate cea mai cospopolită regiune a lui Filip cel îndrăzneț , s-a dezvoltat o sculptură caracterizată prin figuri monumentale imobile și monumentale, unde volumul simplu predomină asupra cadențelor sinuoase ale goticului internațional, deși animat de puternice efecte de clarobscur și redarea meticuloasă a Detalii. Stăpânul acestui stil a fost Claus Sluter , care și-a lăsat capodopera la Fântâna Profeților ( 1395 ) în Certosa di Champmol : figuri puternice (șase profeți și șase îngeri) sunt caracterizate de un realism nou grandios și de o remarcabilă individualizare psihologică.
Boemia
În Boemia, pe vremea lui Venceslau al IV-lea, exista vârful stilului dulce . În pictură și sculptură a fost caracterizată printr-o atenție preeminentă la linie, cu mișcarea ritmică a pliurilor din draperie și printr-o idealizare a fizionomiilor. În pictură, folosirea nuanțelor ușor umbrite era tipică, ceea ce sublinia delicat rotunjimea formelor.
Faimoasă este producția așa-numitelor Madone frumoase (cum ar fi Madonna de Krumlov ), derivate din modelele gotice franceze, dar cu un ten foarte clar și o expresie zâmbitoare. Adesea lucrări din lemn, au avut, de asemenea, o largă difuzie în Alpii de est, din sudul Germaniei până în nordul Italiei, trecând prin Austria.
În pictura sa dezvoltat un curent curios spre grotesc, cu forțarea perspectivei și a culorilor în scopuri expresive: căci în Învierea Maestrului altarului din Třeboň, un Hristos efebic se ridică din mormânt acoperit de un halat roșu obraznic, în timp ce soldații sunt adormit apar în ipostaze caricaturizate.
Germania
În zona Rinului, în special în Köln , s-a dezvoltat așa-numitul „stil tandru”, fermecat și încântător, spre deosebire de stilul dramatic și expresiv al artei germane în general. O pictură emblematică este Madonna și Sfinții din grădina paradisului , pictată de un maestru anonim în jurul anului 1410 . În această reprezentare toată atenția pictorului este dedicată detaliilor minuțioase ale speciilor botanice, ale instrumentelor muzicale, ale păsărilor colorate.
În zona hanseatică , maestrul Francke a fost protagonistul, în care recunoaștem unele dintre cele mai tipice trăsături ale goticului internațional. A pictat figuri foarte originale, chiar și cu proporțiile dintre figurile din prim-plan și fundal inversate: gândiți-vă la faimoasele Povestiri din Santa Barbara unde într-o scenă cavalerii apar ca uriași dincolo de tufiș, în timp ce țăranii din prim-plan sunt mult mai mici. În arta sa există, de asemenea, o marcare puternică a elementelor cele mai dramatice și truculente, ca în figurile lui Hristos după patimă, slăbit, deformat de durere și cu sângele realist care încă picură din rănile sale ( Hristos în durere ), sau în scenele martiriei., ca și cea a lui Tommaso Becket , unde nu sunt cruțate cele mai macabre detalii, precum haina bogată a episcopului pătată de țâșnirile de sânge din răni. Printre lopetele comandate le putem remarca și pe cele ale Maestrului Legendei Ecaterinei , care a lucrat pe teritoriul Europei Centrale la începutul secolelor al XV-lea și al XVI-lea.
Maestră Francke, Hristos în durere
Maestră Francke, Hristos în durere
Maestrul Francke, Martiriul lui Thomas Becket
Dezvoltarea teritorială în Italia
Lombardia
Lombardia a fost, fără îndoială, regiunea de frunte a goticului internațional din Italia. cu Gian Galeazzo Visconti s-a început un program politic care vizează unirea nordului Italiei într-o monarhie precum cea franceză, cu care a menținut schimburi culturale continue.
Cea mai prestigioasă școală de miniaturi din regiune s-a născut la Pavia , renumită în toată Europa pentru realismul și decorativitatea sa fină cu numele de ouvraige de Lombardie . Cea mai importantă lucrare a fost începutul Catedralei din Milano , pentru care Visconti a atras arhitecți francezi și germani, care au construit clădirea cea mai apropiată de goticul transalpin al Italiei.
Cel mai reprezentativ artist al vremii era Michelino da Besozzo , iluminator, pictor și arhitect. În Offiziolo Bodmer a reînnoit stilul secolului al XIV-lea în favoarea unei fluidități mai mari cu culori moi și prețioase. La aplatizarea spațială, el a răspuns cu un decorativism ritmic mai mare, subliniat de exemplu de cadrele rafinate de flori reproduse expert cu mare veridicitate în fața unor studii specifice: culoarea petalelor face întotdeauna un contrapunct delicat culorilor dominante ale scenei. reprezentat.
Un alt mare maestru, deja activ pe șantierul catedralei milaneze, a fost Giovannino de 'Grassi , care a pictat un somptuos Offiziolo pentru Gian Galeazzo Visconti , acum la BNCF , cu pagini mari acoperite cu picturi animate cu un contur mai puțin clar, ca dacă se estompează de o lumină mai moale. Alți maeștri erau mai legați de culori puternice contrastante, cu gesturi excesiv de expresive și figuri imobile și solemne, ca în miniaturile lui Belbello da Pavia .
Veneția
La începutul secolului al XV-lea, Veneția a început o cotitură epocală, concentrându-și interesele pe continent și detașându-se treptat de influența bizantină, inserându-se mai activ în contextul occidental. În pictură, sculptură și arhitectură a existat o altoire contemporană de motive gotice târzii, care s-au amestecat bine cu substratul bizantin.
Palazzo Ducale a fost acoperit cu fresce între 1409 și 1414 , cu artiști externi de mare faimă, precum Pisanello , Michelino da Besozzo și Gentile da Fabriano , lucrări care sunt acum aproape total pierdute.
În arhitectură, Bazilica San Marco a fost încoronată și s-a decis, în 1422, extinderea Palatului Dogilor pe latura pieței, până la San Marco, continuând stilul părții precedente, din secolul al XIV-lea. Astfel s-a născut un stil venețian liber de moda europeană a momentului. Ferestrele elegante cu mai multe lancete cu arcade fin decorate ale Ca 'Foscari , Palazzo Giustinian și Ca' d'Oro aparțin acestui stil, unde odată fațada a fost, de asemenea, decorată cu aurire orbitoare și efecte policrome.
Verona
Verona , deși supusă Veneției din 1406 , și-a menținut propria școală artistică mult timp, mai aproape de Lombardia ( Michelino da Besozzo a lucrat și acolo mult timp). Important a fost pictorul Stefano da Verona , fiul unui pictor francez ( Jean d'Arbois aflat deja în slujba lui Filippo l'Ardito și a lui Gian Galeazzo Visconti ).
În Adorația Magilor (semnat și datat 1435 ), a construit una dintre cele mai bune lucrări ale goticului internațional cu linii moi și linii sinuoase, acordând o atenție deosebită detaliilor, redării materialelor și țesăturilor prețioase, calibrării compoziție aglomerată.
Dar cel mai important artist activ în Verona a fost Pisanello , care a adus arta figurativă nordică la vârf. În Capela Pellegrini a bisericii Santa Anastasia se află lucrarea sa târzie, dar cea mai cunoscută, Sf. Gheorghe și Prințesa , unde într-un mod foarte personal a amestecat eleganța detaliilor și tensiunea narațiunii, atingând culmile „realismului idealizat”. . Mai târziu s-a mutat în alte instanțe italiene ( Pavia , Ferrara , Mantua , Roma ), unde și-a răspândit realizările artistice, fiind la rândul său influențat de școlile locale, cu o atenție deosebită la redescoperirea lumii antice deja promovată de Petrarh , căruia i-a a votat copiind numeroase reliefuri romane în desene care au ajuns parțial la noi. Producția sa de desene este, de asemenea, studii extraordinare, reale din viață, printre primele din istoria artei care au dobândit o valoare independentă de lucrările terminate pe lemn.
Florenţa
După criza din a doua jumătate a secolului al XIV-lea (care se manifestase și în artă cu lucrări schematice, turtite și cu puțină inventivitate), panorama artistică a secolului al XV-lea florentin s-a deschis în numele a două orizonturi diferite: aderarea la Gotic sau o recuperare mai riguroasă a artei clasice.
O sinteză extraordinară a celor două școli de gândire este oferită de cele două panouri supraviețuitoare ale concursului pentru construcția ușii de nord a baptisteriului din Florența , turnată în bronz respectiv de Lorenzo Ghiberti și Filippo Brunelleschi și astăzi la Muzeul Național al Bargello. . Dovada a constat în descrierea unei jertfe a lui Isaac într-un patrulob , precum cele folosite deja de Andrea Pisano în cea mai veche ușă, pe care cei doi artiști au rezolvat-o într-un mod foarte diferit.
Ghiberti a împărțit scena în două zone verticale armonizate de un pinten stâncos, cu o narațiune echilibrată, cifre proporționale actualizate la cadențele gotice. De asemenea, el a folosit citate din elenismul antic în nudul puternic al lui Isaac, făcând astfel o selecție dintre cei mai variați stimuli disponibili la acea vreme.
Foarte diferită a fost relieful creat de Brunelleschi, care a împărțit scena în două benzi orizontale, fundalul este plat și figurile ies violent. Punctul culminant al scenei este extrem de expresiv, unde liniile perpendiculare creează scena puternică a cuțitului ascuțit oprit de înger, care ține ferm brațul lui Avraam: ciocnirea dintre cele trei voințe diferite (ale lui Avraam, Isaac și înger) este redată cu o expresivitate care să facă ca țigla lui Ghiberti să pară o recitare calmă prin comparație. Acest stil derivă dintr-o meditație asupra operei lui Giovanni Pisano și a artei antice, după cum a demonstrat și citarea cultă a spinario-ului . Victoria a revenit lui Ghiberti, un semn al modului în care Florența nu era încă pregătită pentru clasicismul inovator care se afla la originea Renașterii , tocmai în sculptură înainte de pictură.
În Florența, Gentile da Fabriano și-a lăsat capodopera, Adorația Magilor și Polipticul Quaratesi , unde poate că a fost deja influențat de monumentalitatea lui Masaccio .
Un alt exponent important al goticului târziu florentin a fost Lorenzo Monaco , un pictor și iluminator din Camaldoli , care a pictat figuri alungite, acoperite de draperii mari, în formă de semilună, cu culori rafinate și nefiresc de strălucitoare. Totuși, el nu a aderat la cultura seculară curtoasă, ba dimpotrivă a risipit în operele sale o spiritualitate puternică accentuată de detașarea figurilor de realitate și de gesturile aristocratice tocmai menționate.
Napoli
În Regatul Napoli , stilul gotic s-a impus în secolul al XIII-lea alături de normani , cu toate acestea, cu Frederic al II-lea al Suabiei , stilul s-a impus în prima sa formă, și anume goticul clasic. Trecerea de la goticul clasic la cel francez a avut loc cu angevinii la sfârșitul secolului al XIII-lea. Regele Robert de Anjou i-a numit pe cei mai populari artiști francezi ai perioadei și a făcut ca Biserica Sant'Eligio să fie construită în stil gotic complet al perioadei, având o structură similară cu Saint-Chapelle . Biserica este construită cu alternanța de tuf alb și tuf galben, ferestrele sunt foarte decorate. Până în secolul al XVI-lea catedrala a fost îmbogățită cu pinacole demolate în timpul dominației spaniole.
Interiorul este caracterizat de bolta clasică de cruce gotică. Un alt exemplu de stil gotic a fost mănăstirea Santa Chiara, care arată tranziția dintre stilul gotic clasic și cel francez. Di stile Gotico Internazionale è il Duomo di Napoli (compromesso tra il Gotico Internazionale Francese e Il Gotico Fiorito più tipicamente Italiano), la sua storia proprio come Santa Chiara conobbe la modifica degli interni e della facciata in stile barocco durante la dominazione spagnola. Tuttavia nel 1875 l'esterno venne restaurato secondo il gusto trecentesco. Mentre per il monastero di Santa Chiara saranno le bombe a far crollare la facciata e gli interni seicenteschi ea far riportare alla luce il complesso trecentesco. Per quanto riguarda l'edilizia civile l'esempio più famoso nel regno di Napoli fu il Maschio Angioino che realizzato nel trecento in stile gotico internazionale francese, fu arricchito da Alfonso I d'Aragona dai torrioni rotondi in pietra lavica (inizialmente il castello tuttavia appariva di colore bianco) e la corte d'onore fu modificata con elementi del gotico catalano . Tuttavia anche qui quando a metà del '500 il castello venne trasformata in prigione gran parte dei suoi ornamenti furono smantellati e la corte d'onore fu rifatta nel seicento trasformandosi nel cortile carcerario. Per quanto riguarda l'arte della miniatura Napoli conobbe un periodo particolarmente fiorente sotto gli Angioini . Già con Roberto D'Angiò . Tuttavia Fu con la Regina Giovanna e poi con Renato d'Angiò che l'arte raggiunse il culmine. Uno degli esempi più famosi realizzati sotto Renato I fu il Livre du Coer D'Amour D'Epris iniziato negli ultimi anni di governo del Re a Napoli e continuato poi nel suo ritiro in Tarrascona . In stile gotico internazionale è anche la Divina Commedia di Alfonso I cominciata nel 1442 e realizzata da artisti napoletani e fiorentini.
Note
- ^ De Vecchi-Cerchiari, 1999 , p. 2 .
- ^ Zuffi, 2004 , p. 14 .
- ^ Giulio Carlo Argan , Storia dell'arte italiana , vol. 2, pag. 62, ed. Sansoni, Firenze, 1978.
Bibliografia
- Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte , vol. 2, Milano, Bompiani, 1999, ISBN 88-451-7212-0 .
- Stefano Zuffi , Il Quattrocento , Milano, Electa, 2004.
Voci correlate
Altri progetti
-
Wikimedia Commons contiene immagini o altri file su tardo gotico
Collegamenti esterni
- ( EN ) Tardo gotico , su Enciclopedia Britannica , Encyclopædia Britannica, Inc.
