Gotic târziu

De la Wikipedia, enciclopedia liberă.
Salt la navigare Salt la căutare

Goticul târziu este o fază în istoria artei europene, care poate fi plasată între 1370 și o bună parte a secolului al XV-lea , cu unele zone în care a continuat la nesfârșit până în secolul al XVI-lea . Este una dintre limbile figurative fundamentale, împreună cu florentine și Flamand Renașterii , care a caracterizat secolul al XV -lea . A fost un fenomen legat mai presus de toate de curțile Renașterii și a avut o difuzie destul de uniformă în toată Europa , favorizat de schimburile frecvente de obiecte de artă și de artiști înșiși între centre, în special în nordul Italiei , Franța și Germania , apoi radiază în mare măsură o parte din restul continentului.

Frații Limbourg , ispitele lui Hristos , pagină iluminată dinTrès riches heures du Duc de Berry , 1412-1415. Tema sacră este doar un pretext pentru a pune în scenă un castel orbitor într-un peisaj încadrat „cu ochi de pasăre”.

Gotic târziu , a menținut un rol dominant și o difuzie importantă de-a lungul prima jumătate a secolului al 15 - lea ; de fapt, arta Renașterii , care s-a dezvoltat la Florența începând cu anii 1920, a luptat să se stabilească în Italia până în a doua jumătate a secolului și nu a fost primită curând în alte țări europene; în aceste contexte goticul târziu a rămas principalul punct de referință pentru majoritatea clienților.

În această perioadă, mai mult ca oricând, artele figurative nu au fost o reflectare a fenomenelor istorice sau sociale, dar a jucat rolul de compensare fantastica prin evocarea unei lumi perfecte și aristocratică.

Printre cei mai cunoscuți artiști ai goticului târziu s-au numărat Pisanello și Gentile da Fabriano în Italia, Claus Sluter și frații Limbourg din Franța, Stephan Lochner în Germania și alții.

Context istoric

Societatea de la începutul secolului al XIV -lea și primele decenii ale secolului al XV -lea a fost un eterogenă și multiformă complex, tulburat de o instabilitate economică progresivă și prin scăderea treptată a marilor puteri medievale papalitate și Imperiul . Chiar și instituții de prestigiu, cum ar fi cavaleria și feudalismul, deși au servit încă ca model de viață și comportament, au fost golite de mult de rolul lor activ. Printre efectele bolii răspândite s-au numărat revoltele țărănești și salariale (ale Ciompi din Florența , ale Lollardilor , ale țesătorilor flamande), reprimate în sânge. Între dezordine și dezorientare, totuși, au început să apară și semne de recuperare, cum ar fi redresarea economică treptată datorită burgheziei, care a început să aibă o pondere culturală în creștere.

Din punct de vedere cultural, criticile filozofiei scolastice , conduse de William de Ockham , și o mai mare difuzare a averroismului au generat treptat o nouă atitudine față de realitate și cunoaștere, care a văzut o redimensionare a interpunerii Bisericii, în favoarea a unei relații mai intime și directe cu Dumnezeu. A te elibera de domeniul teologic a însemnat și redescoperirea unei abordări practice a cunoașterii și cunoașterii.

Aceste fenomene s-au reflectat în producția artistică, pe de o parte, oferind o compensare fantastică și ideală lumii reale, inspirată de modelele lumii vechi politicoase, pe de altă parte, prin propunerea unor reprezentări precise ale naturii pentru a satisface interesul empiric în manifestări multiple. Reprezentările macabre și sângeroase aveau un scop ascuns de a exorciza cele mai profunde frici de moarte și suferință.

Terminologie

Această perioadă este, de asemenea, numită cu alți termeni echivalenți care evidențiază unele caracteristici:

Gotic „târziu”

Termenul „gotic târziu“ accentuează aspectul cronologic , prin plasarea acestui stil în continuitate cu goticul si ca sa epilog , în acest sens , ea implică , de asemenea , un „autumnal“ , ceea ce înseamnă, ca ultimul capitol al lumii medievale; în Italia goticul târziu indică arta primelor decenii ale secolului al XV-lea, în timp ce „Spätgotik” corespunzător din zona germană indică expresiile extreme ale acestui stil până acum în pragul secolului al XVI-lea.

Gotic „internațional”

„Internaționalul” gotic evidențiază răspândirea extinsă pe care această fază stilistică a avut-o în multe țări din Europa printr-un dialog semnificativ și o largă răspândire de produse favorizate de preferința pentru obiecte mici sau altele ușor de transportat (manuscrise iluminate, fildeșuri, bijuterii, laptopuri de altar, tapiserii ); circulația a fost cauzată de cele mai variate canale: de la comerț la cadouri de nuntă sau de logodnă, de la cadouri pentru diplomație până la mișcările artiștilor itineranți. Notebook - urile artiștilor, bogate în schițe, au fost folosite și copiate ca modele în atelierele , actualizarea repertoriul iconografic și stilistic. Probabil că termenul „gotic internațional” este cel care reprezintă cel mai bine această perioadă și este cel mai folosit termen pentru contextul italian [1] ; de exemplu, există picturi care sunt adevărate puzzle-uri pentru istorici, deoarece caracterul comun al trăsăturilor stilistice în zone geografice atât de vaste poate face ca acestea să fie atribuite din când în când artiștilor francezi, italieni sau englezi (ca în celebrul Wilton Diptych ). Transnaționalitate nu sa datorat fenomenelor de iradiere pornind de la un centru, așa cum sa întâmplat , de exemplu , cu goticului francez ; a fost în schimb un schimb reciproc între mai multe centre, printre care nimeni nu poate pretinde o supremație. Cu toate acestea, cele mai active zone au fost mai întâi Avignon și curtea papală, apoi Catalonia , Burgundia , Lombardia și Boemia [2] .

Gotic „înflorit”

Goticul „înflorit” este un termen care se referă la dragostea pentru lux și rafinamentul decorativ care caracterizează această perioadă; Este interesant de observat cum trăsăturile stilistice ale acestui tip de artă pot fi urmărite în multe forme de artă, cu schimburi continue de soluții și motive între pictură, miniatură, aurărie, tapiserie, țesături, mobilier etc.

Gotic „curtenitor”

Goticul „ curtenitor ” este în schimb un termen care evidențiază răspândirea acestei arte în mediul social care a făcut-o să aibă succes: un semn de distincție între aristocrație și avansul burgheziei, caracterizat printr-o perfecțiune formală impecabilă; prin urmare, instanțele, în primul rând cea papală, au jucat mai întâi un rol de atracție față de artiști și apoi de fuziune și difuzare a stilului; fiecare instanță a angajat un anumit număr de artiști, fiecare specializat în anumite discipline ( literatură , muzică , arte figurative ); crearea de opere de artă permanente ( portrete , catapetesme , manuscrise iluminate , etc.), alternate cu o intreaga activitate pentru lucrări efemere, cum ar fi aranjamente pentru petreceri și turnee, crearea de steaguri și ornamentale perdele, rochii, costume, scuturi , armura , cărți de joc și diverse obiecte. Mai mult, artiștii au fost chemați să creeze daruri somptuoase pentru a fi trimise la alte instanțe, pentru a trezi admirație și invidie. Gama largă de cunoștințe tehnice cerute unui artist al vremii a făcut necesară lucrul în echipă și organizarea de ateliere polivalente în care orice cerere ar putea fi satisfăcută.

Gotic „Flaming”

„Flamboyant“ gotic (sau Flamboyant gotic) este un termen care evidențiază tendința sinuoasă a liniilor arhitecturale, în cazul în care impulsurile devin similare cu pâlpâirea flăcări și complexele structurale ale coastelor și zboară contraforturi ce în ce mai subțire și accentuat. Structurile de perete fără sarcină, precum și înlocuirea lor cu ferestre, sunt umplute cu tuneluri extrem de lucrate. Panouri extrem de subțiri și exagerate sunt introduse pe acoperișuri, în vârfurile și marginile superioare ale fațadelor, făcând înălțimea structurilor să pară și mai mare. În Italia , această artă este înțeles într - un mod mult mai atenuate (cu excepția Domului din Milano și alte câteva monument rar).

Stil dulce

Stilul dulce ( stil adouci în franceză sau weicher Stil în germană) scoate în evidență în sfârșit dragostea pentru pictura extrem de rafinată și delicată, cu nuanțe moi și redactare modulată, care s-a răspândit în principal în Köln , Boemia și zona Lombardiei cu autori precum Michelino din Besozzo .

Caracteristici

Goticul târziu a fost caracterizat de câțiva factori, comuni diferitelor manifestări ale acestui stil:

  • Dragostea pentru lux, pentru prețiozitatea obiectelor și pentru eleganța formală a reprezentării artistice; prin urmare, utilizarea de aur, materiale pretioase (ca in ex voto capodopera Carol VI ), culori luminoase și emailurilor abundau.
  • Exaltarea figurii feminine din punct de vedere etimologic curtenesc și renascentist, așa cum a demonstrat-o picturile sale de celebrul pictor Jan Van Eyck, cel mai mare exponent al acestei mișcări cultural-artistice;
  • Profanizarea personajelor sacre, atât în ​​sens aristocratic, cu sfinții înfățișați sau ca nobili îmbrăcați bogat ( Retablo dei santi Orsola, Martino și Antonio di Gonzalo Pérez ), cât și în sens popular, cu o interpretare într-o cheie cotidiană a texte sacre ( Dubbio de Iosif de Strasbourg ). Mai mult decât atât, în această perioadă asistăm la răspândirea subiecților profane, luate din lumea curtenitor, de la romane cavalerești și din viața de zi cu zi, probabil , ca un fel de mâncare parte în imagini sacre.
  • O mare atenție la minutul realism al reprezentărilor: fiecare obiect a fost reprodus în detaliu, chiar și cel mai epidermic. Obiectele erau adesea descrise juxtapuse ca într-un catalog, trecând peste locația spațială coerentă și compoziția naturalistă (ca în vânătoarea lui Pisanello a Viziunii Sant'Eustachio , unde este documentat un număr mare de animale, sau în Madonna și sfinții din grădina Paradiso del Maestro del Giardinetto , unde există un cont botanic și de pasăre detaliat).
  • Cea mai rafinată idealizare lirică a coexistat adesea cu realismul și exasperarea grotescă, de exemplu în figurile personajelor nobile, de o mare calmă formală și fără conotații psihologice specifice. Aceste antiteze pot fi, de asemenea, citite ca un fel de satisfacție aristocratică în comparația dintre lumea lucioasă a curților și opusul ei umil și mizerabil: de exemplu în predela Prezentării la Templul Adorației Magilor de Gentile da Fabriano pentru două nobile femei aristocratice de la celălalt capăt al scenei, doi cerșetori mizerabili îmbrăcați în cârpe acționează ca un contrapunct.
  • Atenție secundară pentru o unificare spațială (așa cum s-a întâmplat în Renaștere cu perspectivă ), prin care elementele dintr-o operă de artă apăreau izolate în spațiu sau plasate liber cu dimensiuni chiar antinaturaliste (ca în Polipticul din Santa Barbara de Maestrul Francke unde cifrele din prim-plan sunt mult mai minute decât cele din fundal).
  • Prevalența formală a liniei în reprezentări, acum moale și sinuoasă, acum unghiulară și zvârcolitoare, cu culori intense care subliniază tendința, cu draperii cu pași largi și arabescuri complicate care vin să absoarbă anatomia umană ( San Bartolomeo del Germanisches Nationalmuseum di Nuremberg ).
  • Viziunea asupra lumii exprimată de „stilul internațional” este puternic influențată de repercusiunile religioase, politice și sociale ale gândirii Sfântului Toma de Aquino care, cu fundamentul său aristotelic , reafirmă experiența naturii create de Dumnezeu și de conformitatea societății cu natura. Cunoașterea „sensibilă” este doar mijlocul unei cunoștințe intelectuale, care se întoarce de la efecte la cauze și de la acestea la prima cauză. Varietate de aspecte și unitate a armoniei care le leagă: principiul esteticii gotice târzii este, prin urmare, varietate în unitate . Fundația este naturalistă, obiectivul este spiritual. [3]

Dezvoltarea teritorială în Europa

Pictogramă lupă mgx2.svg Același subiect în detaliu: goticul internațional în Europa .

Franţa

Maestru de Boucicaut , pagina din Demandes Charles al VI - lea , despre 1412, Geneva , Geneva Biblioteca

Printre cele mai vii centre ale secolului au fost cu siguranță Avignon , care , după întoarcerea Papei la Roma a devenit o sursă inepuizabilă de modele. Producția artistică nu s-a oprit complet, dar a devenit mai puțin bogată și mai puțin îndrăzneață. Picturile care au ajuns până la noi sunt rare, dar există încă exemple notabile de sculptură funerară, cum ar fi monumentul funerar al cardinalului La Grange ( 1403 ) din biserica San Marziale , un exemplu de reapariție a temelor macabre.

În Franța, cu toate acestea, producția artistică a acestei perioade poate să nu se elibereze de problemele politice, legate de pretențiile dinastice ale Ducelui de Berry și Burgundia .

Mare putere de iradiere artistice au avut Atelierelor iluminatoare diferitelor instanțe franceze, printre care și cea din Paris , unde flamandă și artiști italieni adesea convers. Printre cei mai importanți maeștri se remarcă Maestrul lui Boucicaut , care a folosit o gamă mai bună de culori și a experimentat cu noi soluții spațiale „deschise”, iar Frații Limbourg , originari din Gelderland , renumiți pentru vastele lor peisaje de farmec de basm, culori rafinate și efecte.de lumină și realismul foarte atent al celor mai mici detalii.

Charterhouse din Champmol (Dijon), Fântâna profeților

În Burgundia , probabil cel mai regiune cospopolitan sub Filip Bold , o sculptura a fost dezvoltat caracterizat prin imobil monumentala si figuri monumentale, în cazul în care simple prevalează de volum peste cadențele sinuoase ale goticului internațional, deși animat de efecte chiaroscuro puternice și redarea meticuloasă a Detalii. Comandantul acestui stil a fost Claus Sluter , care a părăsit capodopera sa la Fântâna Profeților ( 1395 ) în Certosa di Champmol : figuri puternice (șase profeți și șase îngeri) sunt caracterizate printr - un nou realism grandios și o individualizare psihologică remarcabilă.

Boemia

În Boemia , la momentul Wenceslaus IV a fost vârful stilului dulce. În pictură și sculptură a fost caracterizată printr-o atenție preeminentă la linie, cu mișcarea ritmică a pliurilor din draperie și printr-o idealizare a fizionomiilor. În pictură, folosirea nuanțelor ușor umbrite era tipică, ceea ce sublinia delicat rotunjimea formelor.

Faimoasă este producția așa-numitelor Madone frumoase (cum ar fi Madonna de Krumlov ), derivate din modelele gotice franceze, dar cu un ten foarte clar și o expresie zâmbitoare. Adesea lucrări din lemn, au avut, de asemenea, o largă difuzie în Alpii de est, din sudul Germaniei până în nordul Italiei, trecând prin Austria.

În pictura sa dezvoltat un curent curios spre grotesc, cu forțarea perspectivei și a culorilor în scopuri expresive: căci în Învierea Maestrului altarului din Třeboň, un Hristos efebic se ridică din mormânt acoperit de un halat roșu obraznic, în timp ce soldații sunt adormit apar în ipostaze caricaturizate.

Germania

În zona Rinului, în special în Köln , s-a dezvoltat așa-numitul „stil tandru”, fermecat și încântător, spre deosebire de stilul dramatic și expresiv al artei germane în general. O pictură emblematică este Madonna și Sfinții din grădina paradisului , pictată de un maestru anonim în jurul anului 1410 . În această reprezentare toată atenția pictorului este dedicată detaliilor minuțioase ale speciilor botanice, ale instrumentelor muzicale, ale păsărilor colorate.

În hanseatic zona, Maestro Francke a fost protagonistul, în care recunoaștem unele dintre cele mai multe caracteristici tipice ale gotic internaționale. A pictat figuri foarte originale, chiar și cu proporțiile dintre figurile din prim-plan și fundal inversate: gândiți-vă la faimoasele Povestiri din Santa Barbara unde într-o scenă cavalerii apar ca uriași dincolo de tufiș, în timp ce țăranii din prim-plan sunt mult mai mici. În arta sa există, de asemenea, o marcare puternică a elementelor cele mai dramatice și truculente, ca în figurile lui Hristos după patimă, slăbit, deformat de durere și cu sângele realist care încă picură din rănile sale ( Hristos în durere ), sau în scenele martiriei., ca și cea a lui Tommaso Becket , unde nu sunt cruțate cele mai macabre detalii, precum haina bogată a episcopului pătată de țâșnirile de sânge din răni. Printre lopețile comandate , de asemenea , putem nota cele ale Master of Legend of Catherine , care a lucrat pe teritoriul Central Europeană , la rândul său , din secolele XV - XVI.

Dezvoltarea teritorială în Italia

Michelino da Besozzo, Offiziolo Bodmer (carte de ore), prima jumătate a secolului al 15 - lea, New York, Pierpoint Morgan Library
Pictogramă lupă mgx2.svg Același subiect în detaliu: goticul internațional în Italia .

Lombardia

Lombardia a fost, fără îndoială, regiunea de frunte a goticului internațional din Italia. cu Gian Galeazzo Visconti un program politic a început ca scop unificarea nordul Italiei într - o monarhie ca cel francez, cu care a menținut schimburi culturale continue.

Cel mai prestigios in miniatura școlii din regiune sa născut în Pavia , celebru în toată Europa pentru realism și fin decoratii cu numele ouvraige de Lombardie. Cea mai importantă lucrare a fost începutul Catedralei din Milano , pentru care Visconti a atras francezi și germani arhitecți, care au construit clădirii cel mai apropiat de Transalpine gotic din Italia.

Cel mai reprezentativ artist al timpului a fost Michelino da Besozzo , iluminator, pictor si arhitect. În Offiziolo Bodmer reînnoit stilul paisprezecea-lea , în favoarea unei mai mari fluiditate în culori discrete și prețioase. La aplatizarea spațială, el a răspuns cu un decorativism ritmic mai mare, subliniat de exemplu de cadrele rafinate de flori reproduse expert cu mare veridicitate în fața unor studii specifice: culoarea petalelor face întotdeauna un contrapunct delicat culorilor dominante ale scenei. reprezentat.

Un alt mare maestru, deja activ pe șantierul catedralei milaneze, a fost Giovannino de 'Grassi , care a pictat un somptuos Offiziolo pentru Gian Galeazzo Visconti , acum la BNCF , cu pagini mari acoperite cu picturi animate cu un contur mai puțin clar, ca dacă se estompează de o lumină mai moale. Alți maeștri erau mai legați de culori puternice contrastante, cu gesturi excesiv de expresive și figuri imobile și solemne, ca în miniaturile lui Belbello da Pavia .

Veneția

Veneția, Ca „d'Oro , 1420-1440

La începutul secolului al 15 - lea, Veneția a început un punct de cotitură epocală, concentrându -se interesele sale pe continent și , treptat , se detașează de influența bizantină, inserarea se mai activ în contextul occidental. În pictură, sculptură și arhitectură a existat o altoire contemporană de motive gotice târzii, care s-au amestecat bine cu substratul bizantin.

Palazzo Ducale a fost acoperit cu fresce între 1409 și 1414 , cu artiști externi de mare faimă, precum Pisanello , Michelino da Besozzo și Gentile da Fabriano , lucrări care sunt acum aproape total pierdute.

În arhitectură, Bazilica San Marco a fost încoronată și s-a decis, în 1422, extinderea Palatului Dogilor pe latura pieței, până la San Marco, continuând stilul părții precedente, din secolul al XIV-lea. Astfel sa născut un stil venețian liber de moda europene ale momentului. Ferestrele elegante cu mai multe lancete cu arcade fin decorate ale Ca 'Foscari , Palazzo Giustinian și Ca' d'Oro aparțin acestui stil, unde odată fațada a fost, de asemenea, decorată cu aurire orbitoare și efecte policrome.

Verona

Verona , deși supus la Veneția începând cu 1406 , a menținut propria școală artistică pentru o lungă perioadă de timp, mai aproape de Lombardia ( Michelino da Besozzo a lucrat , de asemenea , acolo pentru o lungă perioadă de timp). Important a fost pictorul Stefano da Verona , fiul unui pictor francez ( Jean d'Arbois aflat deja în slujba lui Filippo l'Ardito și a lui Gian Galeazzo Visconti ).

În Adorația Magilor (semnat și datat 1435 ), a construit una dintre cele mai bune lucrări ale goticului internațional cu linii moi și linii sinuoase, acordând o atenție deosebită detaliilor, redării materialelor și țesăturilor prețioase, calibrării compoziție aglomerată.

Dar cel mai important artist activ din Verona a fost Pisanello , care a adus arta figurativa de Nord la vârf. În Capela Pellegrini a bisericii Santa Anastasia se află lucrarea sa târzie, dar cea mai cunoscută, Sf. Gheorghe și prințesa , unde într-un mod foarte personal a amestecat eleganța detaliilor și tensiunea narațiunii, atingând culmile „realismului idealizat”. . Mai târziu s-a mutat în alte instanțe italiene ( Pavia , Ferrara , Mantua , Roma ), unde și-a răspândit realizările artistice, fiind la rândul său influențat de școlile locale, cu o atenție deosebită la redescoperirea lumii antice deja promovată de Petrarh , căruia i-a a votat copiind numeroase reliefuri romane în desene care au ajuns parțial la noi. Producția sa de desene este, de asemenea, studii extraordinare, reale din viață, printre primele din istoria artei care au dobândit o valoare independentă de lucrările terminate pe lemn.

Florenţa

După criza din a doua jumătate a secolului al XIV-lea (care se manifestase și în artă cu lucrări schematice, turtite și cu puțină inventivitate), panorama artistică a secolului al XV-lea florentin s-a deschis în numele a două orizonturi diferite: aderarea la Gotic sau o recuperare mai riguroasă a artei clasice.

O sinteză extraordinară a celor două școli de gândire este oferită de cele două panouri supraviețuitoare ale concursului pentru construcția ușii de nord a baptisteriului din Florența , turnată în bronz respectiv de Lorenzo Ghiberti și Filippo Brunelleschi și astăzi la Muzeul Național al Bargello. . Dovada a constat în a descrie o Sacrificiul lui Isaac într - un quadrilobe , cum ar fi cele deja folosite de Andrea Pisano în cea mai veche ușă, pe care cei doi artiști rezolvat într - un mod foarte diferit.

Tigla lui Ghiberti pentru competiția Baptisteriului ( 1401 )
Tigla lui Brunelleschi pentru competiția Baptisteriului ( 1401 )

Ghiberti a împărțit scena în două zone verticale armonizate de un pinten stâncos, cu o narațiune echilibrată, cifre proporționale actualizate la cadențele gotice. De asemenea, el a folosit citate din elenismul antic în nudul puternic al lui Isaac, făcând astfel o selecție dintre cei mai variați stimuli disponibili la acea vreme.

Foarte diferită a fost relieful creat de Brunelleschi, care a împărțit scena în două benzi orizontale, fundalul este plat și figurile ies violent. Punctul culminant al scenei este extrem de expresiv, unde liniile perpendiculare creează scena puternică a cuțitului ascuțit oprit de înger, care ține ferm brațul lui Avraam: ciocnirea dintre cele trei voințe diferite (ale lui Avraam, Isaac și înger) este redată cu o expresivitate care să facă ca țigla lui Ghiberti să pară o recitare calmă prin comparație. Acest stil derivă dintr-o meditație asupra operei lui Giovanni Pisano și a artei antice, după cum a demonstrat și citarea cultă a spinario-ului . Victoria a revenit lui Ghiberti, un semn al modului în care Florența nu era încă pregătită pentru clasicismul inovator care se afla la originea Renașterii , tocmai în sculptură înainte de pictură.

În Florența Gentile da Fabriano a părăsit capodopera sa, Adoratia Magilor , iar poliptic Quaratesi , în cazul în care , probabil , a fost deja influențat de Masaccio lui monumentalitate.

Un alt exponent important al goticului târziu florentin a fost Lorenzo Monaco , un pictor și iluminator din Camaldoli , care a pictat figuri alungite, acoperite de draperii mari, în formă de semilună, cu culori rafinate și nefiresc de strălucitoare. Totuși, el nu a aderat la cultura seculară curtoasă, ba dimpotrivă a risipit în operele sale o spiritualitate puternică accentuată de detașarea figurilor de realitate și de gesturile aristocratice tocmai menționate.

Napoli

În Regatul Napoli , stilul gotic s-a impus în secolul al XIII-lea alături de normani , cu toate acestea, cu Frederic al II-lea al Suabiei , stilul s-a impus în prima sa formă, și anume goticul clasic. Tranziția de la gotic clasic la cel francez a avut loc cu Angevinii în timpul secolului al 13 - lea târziu. Regele Robert de Anjou i-a numit pe cei mai populari artiști francezi ai perioadei și a făcut ca Biserica Sant'Eligio să fie construită în stil gotic complet al perioadei, având o structură similară cu Saint-Chapelle . Biserica este construită cu alternanța de tuf alb și tuf galben, ferestrele sunt foarte decorate. Până în secolul al XVI-lea catedrala a fost îmbogățită cu pinacole demolate în timpul dominației spaniole.

Interiorul este caracterizat de bolta clasică de cruce gotică. Un alt exemplu de stil gotic a fost mănăstirea Santa Chiara, care arată tranziția dintre stilul gotic clasic și cel francez. Di stile Gotico Internazionale è il Duomo di Napoli (compromesso tra il Gotico Internazionale Francese e Il Gotico Fiorito più tipicamente Italiano), la sua storia proprio come Santa Chiara conobbe la modifica degli interni e della facciata in stile barocco durante la dominazione spagnola. Tuttavia nel 1875 l'esterno venne restaurato secondo il gusto trecentesco. Mentre per il monastero di Santa Chiara saranno le bombe a far crollare la facciata e gli interni seicenteschi ea far riportare alla luce il complesso trecentesco. Per quanto riguarda l'edilizia civile l'esempio più famoso nel regno di Napoli fu il Maschio Angioino che realizzato nel trecento in stile gotico internazionale francese, fu arricchito da Alfonso I d'Aragona dai torrioni rotondi in pietra lavica (inizialmente il castello tuttavia appariva di colore bianco) e la corte d'onore fu modificata con elementi del gotico catalano . Tuttavia anche qui quando a metà del '500 il castello venne trasformata in prigione gran parte dei suoi ornamenti furono smantellati e la corte d'onore fu rifatta nel seicento trasformandosi nel cortile carcerario. Per quanto riguarda l'arte della miniatura Napoli conobbe un periodo particolarmente fiorente sotto gli Angioini . Già con Roberto D'Angiò . Tuttavia Fu con la Regina Giovanna e poi con Renato d'Angiò che l'arte raggiunse il culmine. Uno degli esempi più famosi realizzati sotto Renato I fu il Livre du Coer D'Amour D'Epris iniziato negli ultimi anni di governo del Re a Napoli e continuato poi nel suo ritiro in Tarrascona . In stile gotico internazionale è anche la Divina Commedia di Alfonso I cominciata nel 1442 e realizzata da artisti napoletani e fiorentini.

Affresco realizzato nel Duomo di Napoli

Note

  1. ^ De Vecchi-Cerchiari, 1999 , p. 2 .
  2. ^ Zuffi, 2004 , p. 14 .
  3. ^ Giulio Carlo Argan , Storia dell'arte italiana , vol. 2, pag. 62, ed. Sansoni, Firenze, 1978.

Bibliografia

  • Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte , vol. 2, Milano, Bompiani, 1999, ISBN 88-451-7212-0 .
  • Stefano Zuffi , Il Quattrocento , Milano, Electa, 2004.

Voci correlate

Altri progetti

Collegamenti esterni