Al doilea concert pentru orchestră (Petrassi)

Al doilea concert pentru orchestră este o compoziție de Goffredo Petrassi scrisă în 1951

Istoria compoziției

După primul concert pentru orchestră , ar fi trecut șaptesprezece ani pentru a asista la nașterea celui de-al doilea concert al lui Petrassi. În această lungă perioadă de timp, limbajul muzical al maestrului roman va suferi un proces de transformare, începând în special din perioada care a urmat tragediei celui de- al doilea război mondial . De fapt, multe dintre noutățile muzicale și sintactice care erau în aer și care au început să apară în opera compozitorilor de cele mai variate tendințe, au ajuns să fie ușor înțelese și asimilate de Petrassi, totuși totuși într-un context absolut personal în structură substanțială a operelor sale. Este perioada în care muzicianul se confruntă cu repertoriul teatral în anii 1949-1950 scriind Il Cordovano , pe baza unui text de Eugenio Montale inspirat de o operă de Miguel Cervantes , care va fi urmată de Moarte în aer pe un text de Toti Scialoia . În aceiași ani ^{s-au născut} baletele Le portait de Don Quichotte și La follia di Orlando ^[1] , precum și muzica pentru filmul Riso amaro și cantata Noche oscura bazată pe poezia lui San Juan de la Cruz . Noua muzică a lui Petrassi, observă Massimo Mila , „surprinde acel punct magic în care opusurile coincid și se unesc unul în altul. Muzica nu este descrierea, evocarea, colorarea faptelor sau sentimentelor externe. Își face toate faptele. Este ușor de înțeles cât de multă importanță a avut teatrul și, în special, baletul, în descărcarea muzicii lui Petrassi de responsabilități descriptive, expresivă în sensul elocinței și investirea ei cu sarcina unei reprezentări directe, imediate, care nu se referă la nimic din afara . ei ".

După lungul interludiu departe de muzica orchestrală, Petrassi s-a întors acolo în 1951 nu fără o solicitare externă; de fapt, dirijorul elvețian Hans Rosbaud a cerut maestrului să compună un nou concert pentru Orchestra de Cameră din Basel ^[2] . Când Petrassi finalizează compoziția, este perioada în care muzica din Europa a intrat deja în faza care este de obicei definită ca „Muzică nouă”; din nou în cel de-al doilea Concert găsim utilizarea complet personală a virtuozității orchestrale (gustul pentru „aventura sunetului”), precum și alegerea unui atematism într-o coajă care respinge repetarea, ca și cum ar declara criza muzicală de astăzi ca o limbaj semnificativ ^[3] .

Structura compoziției

Al doilea concert, notează Giacomo Manzoni , este o operă în care limbajul muzical al lui Petrassi a ajuns acum la o maturitate completă în comparație cu perioada dinainte de război; fără îndoială personale sunt cercetarea polifonică , fizionomia temelor, identificarea celulelor ritmice care sunt decisive pentru întreaga lucrare. Concertul se desfășoară în deplină libertate inventivă, configurându-se ca un tot inseparabil, unde trecerea episoadelor cu o tendință dramatică alternând cu altele de relaxare melodică senină ^{[4] are o importanță considerabilă} .

Roman Vlad remarcă modul în care, spre deosebire de climatul expresiv din Noche oscura, al doilea Concert se prezintă ca „o operă solară, impregnată de bucurie pământească care se menține în climatul abstract de primăvară indicat în subtitlul său - faptul este că Petrassi, ca s-a întâmplat după Corul morților , el trebuie să fi simțit chiar și după angajamentul spiritual extrem al La Noche care ascunde nevoia unei paranteze de relaxare și evadare ... În al doilea concert, chiar și legăturile cu douăsprezece tonuri sunt slăbite sau dispar. complet " ^[5] .

Concertul, care prezintă ancorarea la tonic (nota E, în prima și ultima mișcare), a stârnit comentariile diferiților cărturari ai operei lui Petrassi, care au ținut cont de ansamblul orchestral ușor, în sulcus de Joseph Haydn , cuprinzând corzi , perechi de vânturi din lemn , două trâmbițe și timpane . Giuliano Zosi a scris despre o „încercare perfect reușită de a emula o viziune din secolul al XVIII-lea” ^[6] , dar Mila crede că alegerea orchestrației nu a fost deliberată de Petrassi, ci o consecință a ansamblului Orchestrei de Cameră din Basel ^[2] .

Concertul este în patru tempo-uri, precedat de un scurt preludiu în Calmo e Sereno tempo care definește atmosfera întregii compoziții.

Cu sprijinul unei lovituri energetice de timbal, instrumentele de suflat proclamă cu autoritate nota E care constituie baza tonală a primei și ultimei mișcări. Dar imediat după aceea, solemnitatea începutului dispare, dând loc șirurilor care încep un discurs fluent, continuu, din care unele sectoare scurte sunt izolate și supuse unui proces dens de elaborări tematice, cu creșteri, inversiuni și un continuu " Variația motivică internă și expansiunea melodică " ^[7] . O referire la Béla Bartók se găsește în caracterul modal accentuat al melodiei, care se obține, observă Zosi, revenind frecvent la aceleași note alternându-le cu semiton ^[6] .

Prevalența corzilor este înlocuită de o temă lungă a oboiului , la care răspunde „ironia amabilă a cornului”. Un principiu constant al fluidității în egalitatea valorilor ritmice distinge acest sector modal al calmului și al seninului ; Cu toate acestea, propriul impuls ritmic al lui Petrassi nu durează mult să apară, aici momentan amortizat în favoarea unui cantus plan instrumental care se înfășoară în jurul său și se dezvăluie cu schimbări continue de bare, deși ascultătorul nu primește altceva decât continuitatea inalterabilă a texturii sonore. O lovitură dinamică scurtă și moderată, susținută de timpane, introduce un embrion de diferențiere ritmică în vorbire, cu un ritm punctual discret.

Prevalența timbrală a corzilor și a pădurilor este întreruptă de ecourile trompetelor stinse care sugerează fanfară îndepărtată. Ritmul muzicii se transformă în Foarte mișcat cu vioiciune, unde cantus planus dă loc ritmului unei scanări ritmice uniforme care amintește de Stravinsky din anii 1930 (Jeu de cartes, Dumbarton Oaks) care, după cum se spunea, se redusese " ciocnirile telurice ale Sacre du printemps la zumzetul domestic al unei mașini de scris ». „Cârligul” caracteristic din trei note apare cu cel de-al doilea cel mai scăzut pe care sute de Concerte, Partitas, Gagliarde și Toccate în stil neoclasic îl împrumutaseră între 1920 și 1940 din al treilea Concert pentru Brandenburg al lui Johann Sebastian Bach . Neoclasic ritmic și polifonie germinală fluidă alternează disputând scena și, de asemenea, motivele circulare care se învârt în jurul lor își aduc sprijinul la o scanare ritmică continuă și regulată, oricât de moderată și de fundal ar fi. Fanfare îndepărtate alternează cu momente în care cantus planus reapare și neuma cu trei note dă naștere unui episod la care participă și trâmbițele. Urmează încă notele contrapunctului germinal, dar este cârligul cu trei note care se aude la sfârșitul primei reprize.

În cea de-a doua mișcare Allegretto liniștit continuă ceea ce Boris Porena a definit ca „clipește neoclasic” ^[8] . Tema este anunțată de flaut pe un fundal ritmic discontinuu. Cheia dominantă este cea a bemol și materialul primei mișcări își face reapariția. Alternanța contrapunctelor circulare continuă și cârligul cu trei note revine, de asemenea

Persistența materialului de bază se extinde de-a lungul aproape întregului Concerto, conform unei concepții care ar putea fi definită ca fiind ciclică. Very Calmo este parțial o excepție , aproape adagio care, fără a compromite omogenitatea stilistică a compoziției, introduce idei noi începând cu o figură lentă descendentă a clarinetelor pentru cincimi. Sunetele orchestrei devin mai dense și mai groase decât în ​​vremurile anterioare și diferitele episoade se succed în continuă fluctuații de timp; există un indiciu de sicilian în pădure, atracții moi de departe de alamă (mai întâi coarnele , apoi trâmbițele), figuri circulare ale corzilor sub dialogul pădurilor.

Presto concludent are funcția de recapitulare a întregului Concert. Există revenirea cheii fundamentale a lui E, afirmată la sfârșitul mișcării anterioare cu un inel prelungit ca la începutul lucrării. Urmează o mișcare foarte rapidă a arcurilor, „ca o furișare de umbre care fug”, observă Massimo Mila. Muzica revine la un ritm regulat ritmic, pe care cârligul cu trei note se rotește cu eleganță de dans. Urmează, întotdeauna deasupra scanării ritmice obișnuite, un episod agitat peste o figură de trei note descendente cu accent șchiop. Este o ficțiune de emoție și dramă, scrisă pe vârful unui stilou cu o mână foarte ușoară. Chiar și scurta perorație care precede închiderea este redusă; apoi, apare o lovitură puternică a timpanelor pe nota E care încheie Concertul ^[2] .

Discografie parțială

• BBC Symphony Orchestra , Zoltán Peskó (Warner Fonit)
• Orchestra Simfonică Radio Olandeză , Arturo Tamayo (Stradivarius)

Notă

Bibliografie

• Marea Enciclopedie a muzicii clasice - Curcio Editore
• Giacomo Manzoni: Ghid pentru ascultarea muzicii simfonice, ediția XVII (Feltrinelli, 1987)
• Roman Vlad: Goffredo Petrassi; Spre și dincolo de dodecafonie, în Muzica modernă, vol. V - Difuzarea atonalismului (Fratelli Fabbri Editori, 1967)
• Giuliano Zosi: Cercetare și sinteză a operei lui Goffredo Petrassi - Ediții de istorie și literatură, Roma 1978
• John Weissmann: Goffredo Petrassi - Ediții Suvini Zerboni, Milano 1980
• Boris Porena: Concertele lui Petrassi și criza muzicii ca limbaj, în Nuova Rivista Musicale Italiana I, n. 1 (mai-iunie 1967)