Autoportrete de Paul Gauguin

Autoportretele lui Paul Gauguin sunt picturi de natură expresionistă pe care pictorul francez Paul Gauguin le-a realizat în timpul carierei sale artistice și care reproduc câteva perioade istorice și psihologice ale vieții sale. Pentru pictor, autoportretele devin o resursă importantă, o oportunitate de a privi adânc în propriul suflet în căutarea celei mai intime identități spirituale.

Mizerabilul (1888)

Paul Gauguin- Autoportret „Mizerabilul” - 1888-Ulei pe pânză 45X55cm-Muzeul Van Gogh - Amsterdam

Istorie

Autoportretul „Mizerabilii” este o pictură în ulei pe pânză (45x55 cm), databilă în 1888 și păstrată în Muzeul Van Gogh din Amsterdam . Lucrarea a fost pictată de Gauguin în timpul șederii sale în Pont-Aven , înainte de a merge la Arles , iar după realizarea ei a fost trimisă prietenului său Vincent Van Gogh care, la rândul său, a reciprocizat cu un alt autoportret. Este un schimb propus de Van Gogh însuși, conform unui obicei al artiștilor japonezi, prietenilor săi Émile Bernard și Gauguin ca semn al frăției și al muncii comune. Inițial, propunerea consta într-un schimb de portrete, dar rezistențele pe care Bernard și Gauguin le arată în interpretarea reciprocă transformă ideea într-un schimb de autoportrete. Schimburile constante între cei trei pictori au dat naștere la proiectul unui „Atelier al tropicelor” , iar același tablou se referă la parteneriat; în fundal există de fapt un mic portret al prietenului său Bernard, dar dedicația sub titlu este „prietenului său Vincent”.

Descriere

Pictura este plină de intenții extra-picturale: intonația galben-roșiatică și lovitura incisivă infuzează pictura cu o mare putere expresivă. Compoziția cromatică este împărțită în trei blocuri: blocul verde din extrema dreaptă cu portretul lui Bernard, blocul gălbui și solar în centru și blocul mai întunecat și roșiatic din stânga cu bustul lui Gauguin. Artistul se înfățișează cu fața incandescentă, ca pentru a indica „lava de foc care dă foc sufletelor pictorilor noștri” ^[1] și cu o privire sumbru, de parcă ar fi un „bandit prost îmbrăcat și puternic, care posedă o nobilime și o dulceață interioară " ^[1] . Așa se descrie Gauguin într-o scrisoare către Émile Schuffenecker , exprimând intenția de a personifica pictorul impresionist , artistul rebel și pur, neînțeles și victimă a societății. Florile reduse la elemente esențiale și în stil japonez, împrăștiate pe fundal simbolizează acea puritate care distinge artistul impresionist care nu este interesat de comercializarea operelor sale. Interesul pentru stilul simbolic este redat și de culorile luminoase și vii ale tapetului și de liniile bine marcate ale figurii. Asocierea dintre cei trei pictori este evidentă din jocul privirilor: Bernard se confruntă cu Gauguin care, la rândul său, se confruntă cu observatorul picturii sau cu Van Gogh, căruia îi era destinat tabloul.

Autoportret cu Halo (1889)

Paul Gauguin- "Autoportret cu Halo" - 1889-Ulei pe lemn 50x70cm-Galeria Națională de Artă-Washington

Istorie

După șederea sa în Pont-Aven Gauguin decide să accepte invitația insistentă a lui Van Gogh de a se alătura lui la Arles , în Provence . Decizia pare a fi influențată de mai mulți factori, inclusiv sprijinul financiar oferit de fratele lui Van Gogh, Theo van Gogh , care semnează un contract cu Gauguin în același an și îl invită să se alăture fratelui său Vincent, plătind șederea acestuia. În timp ce Van Gogh arată o mare admirație pentru însoțitorul său și își speră speranța de a putea în cele din urmă să înființeze o asociație de pictori, Gauguin îi scrie prietenului său Bernard că se simte complet dezorientat, că găsește totul mic și rău. Dezamăgirea inițială a fost urmată în curând de apariția unor diferențe care rezultă din coexistența dintre doi oameni de temperament foarte diferit, care până atunci avuseseră doar câteva contacte. Diferențele de caracter, de preferințe față de maeștrii trecuți și contemporani, de metode de lucru, duc la un fel de „duel pictural” între cei doi artiști ^[2] . Clima de tensiune determinată de contrastele continue de opinie face coexistența din ce în ce mai dificilă, până la epilogul dramatic: tentativa de agresiune, gestul auto-pedepsitor de tăiere a urechii, plecarea pripită a lui Gauguin, spitalizarea lui Van Gogh într-un azil. . După o lungă perioadă de absență, Gauguin se întoarce apoi la Paris , dar, ca de obicei, orașul nu este stimulant pentru munca sa și încă Bretania îi inspiră lucrări inovatoare. În acest timp Gauguin și-a făcut „Autoportretul cu Halo”, o pictură în ulei pe panou (50x70cm) expusă la National Gallery of Art din Washington . În 1889 , odată cu afirmarea crescândă a simbolismului literar, Gauguin a dobândit o poziție de lider în calitate de pictor, încărcându-și tablourile cu sacralitate și arhaism. Narcisismul său este satisfăcut în a se simți ales „om de geniu” ^[3] și acesta este probabil motivul care îl împinge să se retragă ca profet sau chiar mai mult ca mag , referindu-se la enorma putere creatoare pe care o posedă, capabilă să evoce prin semnificațiile sale de artă inerente diferitelor lumi.

Descriere

Pictura, în conformitate cu tendința simbolistă , este încărcată cu simboluri complexe și adesea semnificații obscure care par să se ocupe de concepte opuse precum binele și răul, cerul și iadul. Apropierea de artiștii care suferă de misticism și de iubitorii de religii orientale , precum Bernard, motivează tendința lui Gauguin de a încărca tabloul cu valori etice și sacre, de a transpune dispozițiile și preocupările personale și de a-și asuma atitudinile unui predicator . Frapant este suprafața roșie intensă distribuită uniform pe fund, spre deosebire de galbenul care încadrează capul plutitor al artistului, stilizat deasupra tulpinilor curbate și a florilor cu o formă neobișnuită. Gauguin abia își sugerează propriul aspect arătând doar capul și o mână în timp ce ține un șarpe în degete. Pictura este extrem de ambivalentă și din acest motiv oferă diverse idei de interpretare. Șarpele, de obicei asociat cu păcatul originar , ar putea simboliza răul și tentația, deoarece a convins-o pe Eva , un personaj biblic, să guste mărul interzis din Arborele Cunoașterii, dar ar putea reprezenta și cunoașterea binelui și a răului, cea care Adam și Eva au avut după aceea. Aureola de deasupra capului lui Gauguin sugerează divinitatea sau sfințenia personajului, făcând aluzie la îngeri și cer, ca pentru a informa observatorul că este parțial bun (halo) și parțial rău (șarpe). Întreaga pictură pare să se bazeze pe reprezentarea Grădinii Edenului și a păcatului originar. De fapt, apare mărul, un simbol prezent în povestea lui Adam și Eva și rodul interzis al pomului cunoașterii, care a fost obiectul neascultării Evei care a dus la expulzarea omenirii din Grădina Edenului. În cele din urmă, fundalul roșu ar putea aminti focul iadului, dar și simboliza energia creatoare pe care pictorul se mândrește să o posede.

Bună dimineața domnule Gauguin (1889)

Paul Gauguin - Autoportret "Bună dimineața, domnule Gauguin" - 1889-Ulei pe pânză 113x92cm-Galeria Národní-Praga

Istorie

Perioadelor de lucru din Bretania între 1889 și 1890 aparțin toate operele de amprentă simbolistă care reprezintă fundamentul noii arte, așa-numitul „ideist” , care rezumă în sine prerogativele artei simboliste , sintetiste și subiective . Motivele dominante din aceste picturi sunt sacralitatea și arhaismul, dar adevăratul protagonist este peisajul breton, care pentru Gauguin are „ceva sălbatic și primitiv” ^[4] . Acesta este cazul „Bonjour Monsieur Gauguin” , o pictură în ulei pe pânză (113x92cm) datând din 1889 și păstrată în prezent în galeria Národní , din Praga . Este o pictură specială în care Gauguin se portretizează simplu și grosolan într-o scenă de zi cu zi, oricum văzută prin sufletul său. Titlul este un omagiu realizat de Gauguin faimoasei opere de Gustave Courbet intitulată Bonjour monsieur Courbet (1854) care descrie întâlnirea dintre artist și prietenul său Alfred Bruyas. Ceea ce îl frapează pe observator este marea stare de rău existențială pe care o exprimă pictura și care își găsește motivația în perioada de criză economică gravă cu care se confrunta pictorul și care îi făcuse și mai dificil să se dedice unei pasiuni ale cărei roade nu erau apreciat.de la toată lumea. În 1889 Gauguin trăia deja în Bretania de un an într-o situație economică dezastruoasă, dar hotărâse, în ciuda unei serii de afaceri falimentare (colecționar de artă, agent financiar, reprezentant de vânzări etc.), să devină pictor cu orice preț. Acesta este momentul în care Gauguin lucrează persistent pentru a descrie disconfortul și marginalizarea artistului în societate.

Descriere

Pictura, așa cum sugerează titlul, îl are pe Gauguin însuși ca protagonist și ar sugera referința la începutul unei noi zile. O femeie bretonă, îmbrăcată într-o rochie tipic țărănească, se confruntă cu el și doar capul plecat în direcția pictorului sugerează un salut. Pe de altă parte, Gauguin este acoperit aproape în întregime de haina și pălăria sa, arătând doar câteva trăsături ale feței sale, în timp ce două treimi din tablou sunt ocupate de o natură rece și nu foarte liniștitoare. Este un peisaj realizat din copaci și arbuști goi, lipsit de flori și dominat de un cer albastru închis, care împreună cu expresia goală și ascunsă a protagonistului pare să dorească să reflecte adevăratele emoții resimțite de autor în timp ce o realizează. Contrastul cu titlul este puternic și dezamăgește așteptările unei „zile bune”. Observând pictura, este evidentă descrierea sfârșitului unei zile obositoare și melancolice și a întoarcerii acasă, poate într-o după-amiază rece, a unui om învins, cu greutatea muncii pe umeri. Pictura exprimă o mare stare de rău și senzațiile pe care le transmite sunt dovada acestui lucru: resemnarea unei zile lungi și impotența în fața unui peisaj, o natură dominantă care lasă puțin loc persoanei; nu există semne de speranță, ci un singur element consolator, salutul cuprinzător al unei persoane străine vieții sale. În acest scenariu, autoportretul pe care îl creează nu este altceva decât o mărturie melancolică despre sine.

Autoportret cu Hristos Galben (1890-91)

Paul Gauguin - "Autoportret cu Hristos galben" - 1890/1891-Ulei pe pânză 30 x 46cm-Musée d'Orsay-Paris

Istorie

Producția picturală realizată în Bretania nu pare să fie suficientă pentru Gauguin, care trebuie să-și îmbogățească opera cu conținuturi care să răspundă „dorinței sale de lucruri necunoscute” ^[5] și nevoii de a scoate la iveală un „colț încă necunoscut al său”. ^[5] . Acești stimuli îl determină să planifice o evadare în țări îndepărtate, chiar dacă pentru moment este doar un proiect mental; în multe lucrări apar trimiteri la est , artă indiană , stil javanez și japonez . În 1890 a fost pus în acțiune proiectul plecării, al marii evadări. Destinația se schimbă de mai multe ori, pe baza știrilor pe care le colectează Gauguin, dar planul rămâne să plece cu Bernard. În cele din urmă, alegerea artistului este Tahiti , insula descrisă de Pierre Loti , în romanul „Le mariage” , ca un loc privilegiat, un paradis tropical, mediul ideal pentru scufundarea într-o natură neatinsă de civilizație. A fost prima dată când Gauguin a plecat în Polinezia și decizia de a pleca a venit într-un moment de mare dificultate: era șomer, necunoscut, nu avea bani și soția l-a abandonat acum câteva săptămâni, întorcându-se în Danemarca cu copiii lor. . Cu toate acestea, hotărârea sa de a picta și de a fi recunoscut ca pictor a fost chiar mai puternică decât înainte. Între 1890 și 1891 , în timp ce se pregătea să părăsească Franța spre Tahiti, Gauguin s-a dedicat realizării Autoportretului cu Hristos Galben , o pictură în ulei pe pânză (30x46cm) păstrată la Muzeul d'Orsay , la Paris . Pictura constituie un adevărat manifest. Este de fapt un portret cu un aspect triplu, în care artistul dezvăluie diferitele fațete ale personalității sale, reprezentând două dintre lucrările sale create cu un an înainte ( Hristosul galben și vaza autoportretului sub forma unui cap grotesc ), pe care le compară din punct de vedere estetic și simbolic. Situat între spiritualitate și carnalitate, sinteză și primitivism , Gauguin anticipează importanța și greutatea aventurii artistice și umane pe care urmează să o trăiască, iar portretul său este ca anunțul metaforic al unei răscumpărări prin primitiv și sălbăticie.

Descriere

În prim-plan apare Gauguin, cu privirea fixată asupra privitorului și fața lui hotărâtă și serioasă, ca și când ar exprima greutatea dificultăților cu care se confrunta artistul în acea perioadă, dar și toată hotărârea de a-și continua bătălia artistică. În spatele său cele două picturi formează fundalul. Stânga Hristosul galben , imagine a suferinței sublimate, căreia Gauguin îi împrumută trăsăturile sale. Suferința lui Hristos este accentuată de scena în care unele femei, care nu sunt vizibile în acest tablou, dar în cel original, sunt îngenunchiate în rugăciune în timp ce brațul întins deasupra capului pictorului evocă un gest protector, de parcă ar fi fost o îmbrățișare. Contextul este rural și culoarea pielii lui Hristos răsună cu cea a grâului care înconjoară crucifixul. Galbenul acestui tablou contrastează cu roșul „vazei de autoportret sub forma unui cap grotesc” , așezat în dreapta pe un raft. Vaza, a cărei funcție era aceea de a deține un tutun, evocă una dintre numeroasele fațete ale personalității lui Gauguin, aceea a unui om incredibil de energic marcat de suferință. Cu masca contractată într-o grimasă și măiestria sa primitivă, vaza întruchipează caracterul sălbatic al artistului, atât de mult încât el însuși l-a descris ca „capul lui Gauguin sălbaticul” ^[6] . Cu toate acestea, în contextul hristologic al picturii, autoportretul de vază introduce o disonanță, reafirmată de nuanța strălucitoare a argilei coapte. Sensul atribuit de Gauguin măștii ar putea fi clarificat printr-o aluzie prezentă în scrisoarea trimisă lui Bernard în ianuarie 1890, în care își mărturisește identitatea de artist rebel, izolarea și suferința care derivă din aceasta. Pentru artist, cea mai bună soluție ar fi să se amorțească și să ignore greutatea stării de rău, însă îi dezvăluie prietenului său că, în ciuda eforturilor sale de a se amorți, natura sa nu o permite. Același lucru este valabil și pentru Gauguin al vazei „cu mâna care sufocă în cuptor strigătul care ar vrea să scape de el” ^[7] . Astfel Gauguin îi scrie prietenului său și, în această cheie de interpretare, vaza completează și întărește sentimentul resemnării lui Hristos, cu care ajunge să coincidă în condiția comună a unei inocențe și vulnerabilități originale, negată în așa-numitul proces al civilizaţie.

Autoportret cu pălărie (1893-94)

Paul Gauguin - "Autoportret cu pălărie" - 1893/1894-Ulei pe pânză pe două fețe 46 x 38 cm-Musée d'Orsay-Paris

Istorie

Șederea în Tahiti a durat doi ani și în aprilie 1893 Gauguin s-a întors la Paris , cu o multitudine de lucrări noi și un scop foarte specific: să le facă cunoscute și să-și consolideze reputația de șef al școlii, datorită creațiilor noi și niciodată văzute până acum . Cu toate acestea, în ciuda eforturilor sale, efectul nu este ceea ce spera: în noiembrie, artistul propune să dea o pictură muzeului luxemburghez , dar lucrarea este respinsă și apoi prezintă o expoziție cu principalele capodopere realizate în Tahiti, și aceasta. a ajuns la faliment. Gauguin este susținut doar de un număr mic de pictori și critici, în timp ce majoritatea colegilor săi sunt reticenți față de el. Sentimentul de ciudățenie stârnit de pânzele „barbare” și sculpturile „ultra-sălbatice” , combinate cu lipsa de feedback comercial, l-au determinat să faciliteze înțelegerea picturilor sale explicând realitatea care a inspirat creația lor. În armonie cu climatul cultural din Paris, pictorul se dedică unei scrieri autobiografice axate pe povestea șederii sale în Tahiti, descoperirea insulei, credințele acelui loc exotic. Volumul este intitulat „Noa Noa” („care parfumează”), deoarece face aluzie la parfumul dulce al insulei și conține însăși esența Tahiti „parfumatul”. În timpul iernii și primăverii, Gauguin lucrează din greu la manuscris, folosind diferite tehnici, dar din nou proiectul său se încheie nesatisfăcător. Din toamna anului 1894 , pictorul a dorit să se întoarcă la Tahiti, dezamăgit de evenimentele din ultima sa ședere în Bretania și încercat de sentimentul continuu de ciudățenie, dar înainte de a face acest lucru a încercat încă o dată să se stabilească. Din acest punct de vedere, „Autoportretul cu pălărie” este un manifest al modului său de a se prezenta și de a impune o legătură între realitatea pariziană și noua sa identitate. Este o pictură în ulei pe două fețe pe pânză (46x38cm), păstrată în prezent la Muzeul d'Orsay și pare să reprezinte o reacție împotriva numeroaselor hărțuiri suferite, o afirmare suplimentară a spiritului său rebel.

Descriere

Gauguin se înfățișează cu un aer serios și impenetrabil în contextul „tahitianizat” al noului său atelier, un fel de casă-studio amenajată ca un „atelier al Mării de Sud” ^[8] : pereții erau galbeni și verzi și camera era înfrumusețată cu obiecte exotice de tot felul, precum sarongul galben și albastru din dreapta, multe pânze „barbare” și lucrări ale impresioniștilor. Imaginea pe care pictorul vrea să o transmită este cea a unui artist sălbatic, cu trăsături „primitive”, a cărei rugozitate este accentuată de simplitatea pensei și materialul dur cu care este compusă pânza. În studioul artistului, au fost organizate deseori seri în care Gauguin s-a pozat ca profesor și a încercat să aducă Tahiti în cercul simbolist parizian, povestind călătoriile sale și citind pasaje din „Noa Noa” . Uneori au participat chiar scriitori simbolisti și personalități ilustre care la acea vreme au acționat pentru a face cunoscută opera lui Gauguin precum Stéphane Mallarmé , August Strindberg , Paco Durrio , William Molard ; acesta din urmă apare pe spatele tabloului, cu fața ușor distorsionată. În spatele figurii lui Gauguin, cu susul în jos ca și cum ar fi văzut într-o oglindă, artistul plasează faimosul „Manau Tupapaù” („ Spiritul morților veghează ”, un ulei pe pânză (73x92cm) realizat în 1892 și păstrat în Albright - Knox Art Gallery , din Buffalo ) care, potrivit artistului, reprezintă cea mai importantă și mai semnificativă lucrare creată în timpul șederii sale în Pacific. Pictura înfățișează o tânără femeie întinsă pe spate și goală în pat, în timp ce spiritele cu voal negru planează în spatele ei; femeia descrisă în pânză este Teha'amana, tânăra tovarășă a pictorului, iar Gauguin s-ar fi inspirat pentru pictură la întoarcerea de la Papeete într-o seară ploioasă între fulgere și tunete, a găsit-o pe femeie în întuneric în colibă, întinsă pe pat și îngrozit de întuneric și furtună. Pictorul adaugă în stânga tabloului o figură cu glugă, cu un aer amenințător, un fel de demon sau fantomă polineziană a morților („Tupapau”) care evocă frica fetei în noaptea ploioasă. Întreaga imagine, cu cele două fețe ale sale, oferă o sinteză exactă a iernii 1893-1894 pe care pictorul a petrecut-o la Paris .

Autoportret la Golgota (1896)

Paul Gauguin - „Autoportret la Golgota” - 1896-ulei pe pânză 76 x 64 cm-Museu de Arte-San Paolo

Istorie

În a doua sa ședere în Tahiti, Gauguin se angajează în căutarea unui dialog între cultura polineziană și cea franceză și poziția sa „ambivalentă” de artist și teoretician reflectă varianta sa personală a „primitivismului modern” : un set de elemente europene și polineziene, dobândite de la religia catolică și din tradițiile spirituale extra-europene. Aceasta este noua direcție pe care o ia și care se deschide odată cu seria de picturi începută la începutul anului 1896 , după o lungă perioadă de inactivitate din cauza sănătății precare și a reamenajării noii case din Punaauia , pe coasta de vest a orașului Tahiti. Starea lui de spirit negativă, parțial influențată de eșecurile pariziene, poate fi simțită în primul tablou pictat de Gauguin după întoarcerea sa la Tahiti: „Autoportretul de pe Golgota” (1896), ulei pe pânză (76x64cm), păstrat în Muzeul de Arte , San Paolo . Artistul se înfățișează în hainele lui Hristos, ca victimă a noii arte primitive și pure; pictura se caracterizează de fapt printr-o puternică semnificație simbolică și preia caracteristicile unei meditații personale. Pentru a susține această ipoteză este faptul că acest tablou nu a fost destinat pieței, deoarece Gauguin l-a păstrat întotdeauna la el ca o icoană a ultimei perioade a vieții sale și ca martor al meditațiilor sale: un „amintire”. A fost cumpărat abia după moartea sa de scriitorul și prietenul Victor Segalen , care călătorise în Insulele Marquesas pentru a-l întâlni pe Gauguin.

Descriere

Spre deosebire de celelalte picturi în care Gauguin, devenind capul unui mic grup de artiști, suprapune asupra sa imaginea lui Isus, cap și îndrumător al apostolilor, în „Autoportretul de pe Golgota” identificarea este mai puțin ostentativă: artista este îmbrăcată într-o tunică albă lungă, probabil o rochie de spital și cu părul mai lung decât cel real. Haina albă îl evocă pe Iisus Hristos în timp ce în fundalul întunecat Golgota (sau Golgota ), locul în care Isus a fost răstignit, pare să anunțe sfârșitul apropiat. Gauguin, scufundat în întuneric, se uită în ochii observatorului cu o privire plictisitoare, cu fața serioasă și tensionată, implicând o meditație dureroasă și suferințele fizice pe care i le-au provocat suferințele. Brațele abandonate în părți spun despre predarea unui om subminat acum de boli, în spital cu picioare dureroase și cu sifilis. Dacă, totuși, în „Hristos în grădină” privirea coborâtă a subliniat resemnarea celor cărora le-a plăcut să fie recunoscuți ca martir al credinței în artă, atitudinea acestei lucrări este diferită. Privirea încrezătoare devine o acuzare adresată nu numai societății franceze din acea vreme, care își disprețuise profetul , ci tuturor oamenilor, inclusiv celor care, în viitorul apropiat, nu au putut să recunoască valoarea mesajului său artistic. Gauguin este ca Hristos care moare, izolat moral și emoțional, pentru păcatele săvârșite de toți oamenii, chiar și cei care nu s-au născut încă, și el însuși va afirma că adevăratul calvar este „această societate înspăimântătoare care îi face pe cei mici să triumfe în cheltuielile cel mare și pe care trebuie să-l purtăm ” ^[9] .

Alte lucrări

Există numeroase picturi realizate de Gauguin, care atacă prezența unor ceramice ciudate de formă primitivă, inserate cu valoarea unei a doua semnături, care se referă la o nouă experiență de lucru începută de pictorul francez în timpul șederii sale la Pont-Aven .

Paul Gauguin- "Vaza-Autoportret sub forma unui cap grotesc" - 1889-Gresie geamată 28,4 cm-Musée d'Orsay-Paris

Sculpturi

Din 1873 Gauguin a intrat în contact cu diverși sculptori și sub îndrumarea lor a început să lucreze cu marmură, dedicându-se rapid subiectelor de costum modern modelat sau sculptat în lemn cu o tehnică impresionistă . Sculpturile sale dezvăluie vocația pentru măiestria artistică, un domeniu care se adaptează capacității sale de a manipula diferite materiale și în care amprenta personalității artistului este mai spontană și imediată. În 1886 Gauguin a avut ocazia să se întâlnească cu cunoscutul gravor Félix Bracquemond , expert în artă japoneză, și olarul Champlet . Începe să lucreze cu acesta din urmă ca decorator, dar demonstrează imediat o predispoziție în tratarea ceramicii și trece la crearea de piese originale, vaze din gresie vitrată cu forme ciudate, care amintesc de ceramica inca pe care artistul o văzuse în Peru în copilăria sa. : unele decorate cu figurine ale bretonilor sau ale dansatorilor Degas , în timp ce altele sunt modelate în formă de cap cu fața proprie, autoportrete sculpturale. Un exemplu este vaza de autoportret sub forma unui cap grotesc ( 1889 ), din gresie vitrată, păstrată la Muzeul d'Orsay din Paris . Conotația primitivistă a vazei reiese din procesele de transformare suferite de lutul în urma arderii în cuptor, ceea ce duce la o alterare a trăsăturilor modelate inițial, atât de mult încât Gauguin însuși definește vaza „unul dintre cele mai bune lucruri ale mele, deși nu foarte reușit din punct de vedere al gătitului " ^[6] ; de fapt, rezultatul este o mască cu relief întins, cu accent deformant, consecință a temperaturii de gătit excesive. Rezultatul, însă, capătă un caracter revelator, iar masca deformată îi amintește lui Gauguin de polaritatea „sălbatică” a personajului său, atât de mult încât opera, creată inițial ca tribut, este păstrată în schimb de artistul însuși și interpretată ca o realitate autoportret, un „cap al sălbaticului Gauguin”. Complicarea sensului „sălbatic” este un element curios al autoportretului de vază, degetul mare între buze: o trăsătură tipic infantilă care face aluzie la o inocență dezarmată. Este probabil ca echivalența strânsă dintre copilărie și starea primitivă sau sălbatică, citată în repetate rânduri ca o dată calificativă a artei japoneze, să fi devenit familiară pictorului în acest fel și să o fi luat ca mijloc de exprimare a nostalgiei o stare de acum pierdută. Aceste componente se adună în vază într-un efect grotesc format din trăsături evazive, ochi îndepărtați, subtil oblici și nasul snub. Când Gauguin a părăsit Franța în 1895, renunțând la idealul de a construi o punte între două culturi, el a sancționat ruptura cu societatea civilizată cu alte două capodopere create de el: sculptura „Oviri” („Wild”, 1894 ), parțial ceramică vitrată și păstrat în Muzeul d'Orsay din Paris și „autoportretul-Oviri” (1894-95), modelat în tencuială și supraviețuitor în turnarea de bronz . Gauguin a numit aceste lucrări „mici produse ale nebuniei mele sublime” ^[10] simțindu-le ca o proiecție imediată a sinelui său.

Notă

Bibliografie

• Doamna de onoare, Anna Maria. 1989. Gauguin . Florența-Milano, Giunti Editore, Art Series și Dossier.
• Doamna de onoare, Anna Maria. 2005. Gauguin în Tahiti . Florența-Milano, Giunti Editore, Art Series și Dossier.
• Messina, Maria Grazia. 2006. Paul Gauguin. Un exotism controversat . Florența, Firenze University Press, Monografii, Seria umanistă.
• Rigotto, Lidia. 2006-2007. PsychoArt. Psihologia artei din Bologna . Bologna, Universitatea din Bologna.

linkuri externe

• Paul Gauguin- „Autoportret cu Halo” , pe zebrart.it .
• Paul Gauguin- „Bună dimineața domnule Gauguin” , pe traccedistudio.it .
• Paul Gauguin-Autoportret cu Hristos galben și cu pălărie , pe musee-orsay.fr .

Portal de pictură : accesați intrările Wikipedia care se ocupă cu pictura