Triptic San Giovenale

Triptic San Giovenale

Autor	Masaccio
Data	1422
Tehnică	tempera pe lemn cu fundal auriu
Dimensiuni	108 × 65 cm
Locație	Muzeul Masaccio , Cascia di Reggello

Tripticul din San Giovenale este o pictură de tempera și aur pe lemn (panou central 108x65 cm, panouri laterale 88x44 cm) de Masaccio , datată 23 aprilie 1422 și păstrată în Muzeul Masaccio din Cascia di Reggello (Florența). Aceasta este prima lucrare atribuită lui Masaccio, precum și cel mai vechi eseu cunoscut în pictură folosind perspectiva geometrică renascentistă.

Istorie

În ianuarie 1422 Masaccio s-a înscris la Arta Medicilor și Apotecarilor, care i-a întâmpinat pe pictori, preluând taxele substanțiale de înregistrare și de reînnoire periodică. Aceasta mărturisește cum pictorul trebuie să se fi simțit suficient acoperit de veniturile din comisioane. Data de la baza picturii, la doar 4 luni de la inscripția sa, sugerează că Masaccio a pictat probabil lucrarea la Florența. Aici detaliile stilistice demonstrează contactul său cu cel mai avangardist cerc al artiștilor florentini, în special Filippo Brunelleschi și Donatello .

Retaul a fost pictat pentru mica biserică de țară San Giovenale , la acea vreme sub patronajul lui Vanni Castellani ^[1] , într-un sat mic la aproximativ 2 km de Reggello (provincia Florența) și la câțiva kilometri de San Giovanni Valdarno , loc de origine a lui Masaccio.

Tripticul a rămas în San Giovenale secole, până la descoperirea sa în 1961. Lucrarea a fost într-o stare proastă de conservare și primul care s-a ocupat de ea, simțind autograful marelui maestru, tată al picturii renascentiste , a fost Luciano Berti . Odată cu restaurarea picturii, a ieșit la iveală o inscripție pe bază cu data de 23 aprilie 1422 , care a confirmat ipoteza atribuirii: la acea dată Masaccio era singurul pictor din panorama florentină care, pe lângă respingerea decorativismului din atunci goticul internațional dominant, a fost capabil să cunoască și să aplice perspectiva centrală la un singur punct de fugă, așa cum se vede în tronul Madonnei. Această procedură a fost concepută și elaborată de Filippo Brunelleschi între 1416 și 1420 aproximativ. Dacă excludem relieful Sfântului Gheorghe care o eliberează pe prințesa lui Donatello (în jurul anului 1417 ), aceasta este cea mai veche lucrare picturală în care apare acest principiu, care a devenit ulterior una dintre cele mai caracteristice mărci ale Renașterii florentine .

Lucrarea a fost restaurată și plasată în 1988 în biserica parohială San Pietro in Cascia di Reggello , mai potrivită pentru primirea ei. Abia în 2002 a fost mutat într-un muzeu de artă sacră special creat, Muzeul Masaccio , la aproximativ 1 km distanță de destinația originală.

Descriere

Înger drept

Lucrarea constă din trei tabele. Cel central, de dimensiuni mai mari, este decorat cu o Majestate , adică o Madonă cu Pruncul întronată , cu doi îngeri îngenuncheați la picioarele ei. Deja în alegerea tronului se dezvăluie o respingere a stilului gotic, prezentând forme romanice solide, cu singura decorare a incrustărilor în maniera Cosmati . Copilul ține în mâna stângă un ciorchine de struguri (astăzi aproape complet decolorat), un simbol al Euharistiei , pe care tocmai l-a mâncat, așa cum arată cele două degete mici din gură. Tot spațiul, chiar și în panourile laterale, este unificat în conformitate cu un singur punct central de fugă, care se află în spatele feței Fecioarei. Liniile tronului voluminos tind spre acesta, dar și acele grinzi care formează podeaua. Numai Brunelleschi ar fi putut preda tehnica perspectivei în acei ani, din moment ce experimentele sale de pionierat erau doar finalizate și încă puțin cunoscute.

Madona are o prezență fizică puternică, evidențiată de pelerina care cade cu plasticitate , mai degrabă decât să se piardă în liniile sinuoase ale ornamentului gotic târziu .

În mesele laterale există doi sfinți fiecare: în stânga Bartolomeo și Biagio , în dreapta Giovenale și Antonio Abate . Alegerea Sfântului Juvenal este legată în mod firesc de biserica căreia i-a fost destinat Tripticul și îl prezintă îmbrăcat în obiceiul episcopului și cu cartea deschisă la Psalmul 109. Lângă el se află Sfântul Antonie Abatele , ocrotitorul țării și adesea descris. în lucrările bisericilor de țară. În stânga Sfântul Bartolomeu , recunoscut din Evanghelia după Sfântul Matei , care, potrivit legendei sale, a adus cu el în predicare în India și cuțitul cu care a fost aruncat și martirizat și Sfântul Biagio martir , cu obiceiul episcopului, mai crosier și instrumentul carderilor cu care a fost martirizat. S-au făcut mai multe ipoteze cu privire la motivele care au determinat alegerea celor doi sfinți din sectorul stâng, cele mai recente tind să le lege de numele recurente ale familiilor celor mai importanți proprietari de terenuri din zonă, Carnesecchi și Castellani.

Datorită analizelor recente și aprofundate, autograful lui Masaccio a fost confirmat definitiv, derivând din comparația scrisului de mână al artistului vizibil în cartea păstrată deschisă de S. Giovenale cu cea a declarației sale fiscale în cartea funciară din Florența din 1427, întocmită de el însuși mână de Masaccio.

Stil

Compartiment central

La prima vedere lucrarea nu pare deosebit de inovatoare, de fapt nu a fost observată timp de secole. Stilul de bază amintește lucrările lui Giovanni del Biondo și Niccolò di Pietro Gerini , care au încercat să atenueze stilizările gotice de la sfârșitul secolului al XIV-lea, încercând să reînnoiască inspirația în modelele Giottesque originale. Figurile sfinților, afabile și fără o locație fermă pe pământ, amintesc pictura florentină actuală a vremii.

Mai original este panoul central, în care autorul pare să continue o redescoperire autonomă a lui Giotto , în numele clarității spațiale și a forței plastice, cu adăugarea unora dintre cele mai avangardiste tendințe artistice ale vremii. Madonna, introspectivă și atentă, și Copilul, imobile și sculpturale, demonstrează dezinteresul artistului față de stilurile goticului internațional . La îngerii îngenuncheați în adorație putem citi efortul de a depăși ipostazele convenționale din trecut, cu fețe puternic scurtate și întoarse împotriva privitorului, renunțând la grația tradițională a acestor subiecți. Unele defecte estetice par să apară tocmai din efortul de a da soliditate figurilor cu orice preț, precum Copilul care arată ca o statuie de marmură care a prins viață în brațele mamei sale. Influența lui Donatello poate fi înțeleasă în acest efort, așa cum ar sugera detaliile degetelor mici din gură, preluate din viața de zi cu zi din care și-a extras marele sculptor.

Chipul Fecioarei ascunde punctul de fugă al întregii compoziții spațiale, direcționând privirea privitorului către punctul culminant al scenei.