Giulio Paolini

Giulio Paolini ( Genova , 5 noiembrie 1940 ) este un artist , pictor și sculptor italian , a cărui producție face parte dintr-un câmp interesant de matrice conceptuală de cercetare. Trăiește și lucrează la Torino .

Biografie

După copilăria sa la Bergamo , în 1952 s-a mutat cu familia la Torino . A urmat Institutul Tehnic Industrial de Stat pentru Arte Grafice și Fotografice, absolvind în 1959 la secțiunea Grafică . De la o vârstă fragedă s-a interesat de artă, mai întâi frecventând muzee și galerii și consultând periodice de artă, apoi, spre sfârșitul anilor cincizeci , experimentând primele teste picturale. Descoperirea graficii moderne în timpul studiilor sale și prezența în casă a revistelor de arhitectură - fratele său mai mare, Cesare ( Genova, 1937 - Torino, 1983 ), este arhitect, autor al celebrei lucrări de design radical Sacco - contribuie la direcționarea ei la o linie de căutare care vizează reducerea la zero a imaginii. În 1960 și-a făcut debutul, Geometrical Design , constând în pătrarea în cerneală a suprafeței unei pânze pictate în tempera albă. Acest gest preliminar al oricărei reprezentări va rămâne punctul „eternei întoarceri” a universului gândirii pauline: un moment actual și original care îi dezvăluie artistului însuși, reprezintă fundamentul conceptual al întregii sale lucrări viitoare.

La începutul anilor 1960, Paolini și-a dezvoltat cercetarea concentrând atenția asupra componentelor picturii în sine, asupra instrumentelor pictorului și asupra spațiului de reprezentare. În prima sa expoziție solo, în 1964 la Roma la Galleria La Salita în regia lui Gian Tommaso Liverani, el prezintă o serie de panouri din lemn brut sprijinite de perete, care sugerează ideea unei expoziții în construcție. Expoziția este vizitată de Carla Lonzi și Marisa Volpi , care vor scrie în scurt timp primele texte critice asupra tânărului artist. În 1965, Paolini a introdus fotografia , ceea ce i-a permis să-și extindă investigația asupra relației dintre autor și operă ( Delfo , 1965; 1421965 , 1965). În același an, datorită lui Carla Lonzi, l-a întâlnit pe Luciano Pistoi, proprietarul Galleria Notizie din Torino, care l-a apropiat de un nou cerc de prieteni și colecționari și a devenit principalul său dealer până la începutul anilor șaptezeci .

Între 1967 și 1972 , criticul Germano Celant l-a invitat să participe la expozițiile despre Arte Povera , care au sancționat asocierea numelui său cu această tendință. De fapt, poziția lui Paolini se distinge clar de climatul vitalist și de „fenomenologia existențială” care distinge propunerile artiștilor susținute de Celant. Paolini își declară în repetate rânduri apartenența sa intimă la istoria artei și se identifică programatic cu sinele colectiv al artiștilor care l-au precedat. Unele dintre cele mai cunoscute lucrări ale sale pot fi urmărite înapoi la această intenție, străină de scena militantă de la sfârșitul anilor șaizeci: Tânăr care îl urmărește pe Lorenzo Lotto (1967), „autoportretele” de Poussin și Rousseau (1968) și picturile în care reproduce detalii ale picturilor antice ( Ultima pictură de Diego Velázquez , 1968; Studioul , 1968). Printre principalele referințe pauline din acești ani se numără Jorge Luis Borges , căruia îi aduce un omagiu de mai multe ori, și Giorgio De Chirico , de la care împrumută fraza constitutivă a operei Et.quid.amabo.nisi.quod.ænigma est (1969 ).

Anii șaptezeci coincid cu primele recunoașteri oficiale: de la expoziții în străinătate care îl înscriu în circuitul galeriilor internaționale de avangardă, până la primele expoziții din muzee. În 1970 a participat la Bienala de la Veneția cu lucrarea Elegia (1969), în care a folosit pentru prima dată o piesă de ipsos a unui subiect antic: este o piesă a ochiului lui David Michelangelo cu un fragment de oglindă aplicat pe elev. Printre temele importante din acest deceniu se află privirea retrospectivă asupra operei sale: din citatul literal al picturilor ilustre ajunge la autocitație, propunând o istoricizare în perspectiva lucrărilor sale. Lucrezi așa cum este Viziunea simetrică? (1972) sau Teoria aparențelor (1972) fac aluzie la ideea picturii ca un potențial container pentru toate lucrările trecute și viitoare. Motivul perspectivei este plasat, de asemenea, în aceeași linie de intenție ( La Doublure , 1972-73): viziunea în perspectivă atrage un spațiu iluzoriu, care creează o distanță fundamentală de operă. O altă temă investigată cu un interes deosebit în această perioadă este cea a dublei și a copiei, care își găsește expresia mai presus de toate în grupul de lucrări intitulat Mimesi (1975-76), format din două piese de ipsos ale unei statui antice plasate una în fața cealaltă., să pună la îndoială însăși conceptul de reproducere și reprezentare.

Anii optzeci au fost perioada cea mai densă de expoziții și retrospective, însoțită de importante publicații monografice. În prima jumătate a deceniului a început să se afirme o dimensiune explicit teatrală , marcată de lucrări și instalații articulate în spațiu și caracterizate prin fragmentare și dispersie ( The Fall of Icaro , 1982; Hermetic Melancholy , 1983), precum și prin introducerea a figurilor teatrale, precum valetele de cameră din secolul al XVIII-lea și alte cascadorii ale autorului, îmbrăcăminte și obiecte ( Place des Martyrs , 1983; Triumph of représentation , 1984; Les instruments de la passion , 1986). Poetica lui Pauline se îmbogățește considerabil cu atribute literare și referințe mitologice ; repertoriul iconografic se extinde pentru a include imagini cosmice. În ultimii optzeci, reflecția paulină se concentrează în principal pe chiar actul de expunere. Începând de la expoziția personală de la Muzeul de Arte Frumoase din Nantes în 1987, conceptul de expoziție prinde contur treptat ca o „operă de lucrări”: afișajele favorizează o viziune asociativă și dialogică a lucrărilor expuse.

În anii nouăzeci, aprofundarea ideii de expoziție este declinată în alte moduri și noi: instalațiile, din ce în ce mai complexe, observă adesea o tipologie aditivă (serialitate, juxtapunere) sau centrifugă (dispersie sau diseminare pornind de la un nucleu central) sau centripet (concentrare și suprapunere implozivă). Locul expoziției devine scena prin excelență a "operei", adică a operei în realizarea și dezlegarea sa: locul care definește însăși eventualitatea întâmplării sale ( Expoziție universală , 1992; Teatrul Operei , 1993; To fie sau nu să fie , 1995). Finalizarea lucrării este, însă, în mod constant amânată, lăsând privitorul într-o așteptare perenă: același lucru pe care artistul îl experimentează întotdeauna de la început la masa sa de lucru, așteptând ca lucrarea să se manifeste.

În anii 2000, o altă temă deosebit de dragă lui Paolini capătă o importanță deosebită - atât în ​​operele sale, cât și în scrierile sale: identitatea autorului, condiția sa de spectator, lipsa de contact cu opera, care îl precedă și depășește întotdeauna.

Poetica și practica artistică a lui Paolini sunt caracterizate, în ansamblu, ca o meditație autoreflexivă asupra dimensiunii artei, a „clasicismului” său atemporal și a perspectivei sale fără un punct de dispariție. Prin fotografie, colaj , turnare și desen, intenția este mereu să investigheze, cu mare rigoare conceptuală, natura tautologică și în același timp „ metafizică ” a practicii artistice.

Activitate expozițională

Începând cu prima sa expoziție solo din 1964, la Roma, Paolini a expus în galerii și muzee din întreaga lume.

Colaborarea cu galeriile avangardiste italiene din anii șaizeci și șaptezeci (La Salita, Roma ; Galleria Notizie, Torino ; Galleria dell'Ariete, Milano ; Galleria del Leone, Veneția ; La Tartaruga, Roma; L'Attico , Roma; Studio Marconi, Milano; Modern Art Agency, Napoli ) este rapid integrat de prezența regulată în importante galerii străine (din 1971 Paul Maenz, Köln ; din 1972 Sonnabend, New York ; din 1973 Annemarie Verna, Zurich ; din 1976 Yvon Lambert, Paris ; din 1977 Lisson Gallery, Londra ).

Din anii 1980, Paolini a fost reprezentată în principal de galeriile Christian Stein, Milano; Massimo Minini, Brescia ; Alfonso Artiaco, Napoli; Yvon Lambert, Paris și Marian Goodman, New York.

Marile antologii din muzee au început spre sfârșitul anilor șaptezeci (Institutul de Istorie a Artei al Universității din Parma, Parma , 1976 ; Städtisches Museum, Mönchengladbach , 1977 ; Mannheimer Kunstverein, Mannheim , 1977; Diego Aragona Pignatelli Cortes Museum, Napoli, 1978 ; Muzeul Stedelijk, Amsterdam / The Museum of Modern Art, Oxford , 1980 ) pentru a culmina în a doua jumătate a anilor 1980 (Le Nouveau Musée, Villeurbanne , 1984 , călătorind la Montréal , Vancouver și Charleroi ; Staatsgalerie Stuttgart, Stuttgart , 1986 ; Castello di Rivoli , Rivoli, 1986; Galeria Națională de Artă Modernă , Roma, 1988 ; Galeria Municipală de Artă Modernă, Villa delle Rose, Bologna , 1990 ). Printre cele mai recente expoziții solo se numără cele ale lui Graz (Neue Galerie im Landesmuseum Joanneum, 1998 ), Torino (Galeria civică de artă modernă și contemporană, 1999 ), Verona (Galeria de artă modernă și contemporană Palazzo Forti, 2001 ), Milano ( Fondazione Prada , 2003 ), Winterthur (Kunstmuseum, 2005 ) și Münster (Westfälisches Landesmuseum für Kunst und Kulturgeschichte, 2005).

Expozițiile colective, nenumărate începând de la participarea la Premiul Lissone în 1961 , includ expoziții legate de Arte Povera (1967-1971, 1984-85, 1997, 2001-02), principalele expoziții internaționale de artă italiană și numeroase expoziții mai semnificative dedicat dezvoltărilor artistice din a doua jumătate a secolului al XX-lea (ca exemplu: Vitalitatea negativului , Roma 1970; Contemporanea , Roma 1973; Projekt '74 , Köln 1974; Europa în anii șaptezeci , Chicago și itinerant în Statele Unite) States 1977- 78; Westkunst , Köln 1981; '60 -'80 : Attitudes / concepts / images , Amsterdam 1982; An International Survey of Recent Painting and Sculpture , New York 1984; The European Iceberg , Toronto 1985; Transformations in Sculpture , New York 1985; Bilderstreit , Köln 1989; 1965-1975: Reconsiderarea obiectului de artă , Los Angeles 1995; The Last Picture Show: Artists Using Photography, 1960-82 , Minneapolis and itinerant 2003-05). Paolini a participat de mai multe ori la Documenta din Kassel (1972, 1977, 1982, 1992) și la Bienala de la Veneția (1970, 1976, 1978, 1980, 1984, 1986, 1993, 1995, 1997).

Colaborări teatrale

De-a lungul carierei sale, Paolini a creat, de asemenea, diverse decoruri teatrale : începând de la decorurile și costumele pentru Bruto II de Vittorio Alfieri în regia lui Gualtiero Rizzi în 1969 , până la colaborări cu Carlo Quartucci și Raft of Babel în anii optzeci. Printre cele mai recente proiecte se remarcă scenele concepute pentru Valkyries (2005) și Parsifal (2007) de Richard Wagner la Teatrul San Carlo din Napoli sub conducerea lui Federico Tiezzi .

Giulio Paolini în muzee

• Centrul de artă contemporană Luigi Pecci din Prato
• Galeria Națională de Artă Modernă și Contemporană din Roma
• MAMbo - Muzeul de Artă Modernă din Bologna
• Muzeul de Artă Contemporană Rivoli ( TO )
• Donnaregina (MADRE) Muzeul de Artă Contemporană din Napoli
• Centrul de Studii și Arhivă al Comunicării , Universitatea din Parma

Bibliografie

Încă de la început, Paolini și-a însoțit producția cu reflecții scrise și note de comentarii, considerate elemente complementare și paralele cu imaginea.

Prima sa colecție de texte, Idem , a fost publicată de Einaudi în 1975 cu un eseu de Italo Calvino .

Colecțiile recente includ: trilogia Lecția de pictură , Black out și Giro di boa publicate între 1994 și 1998 (Exit Edizioni, Ravenna ), Quattro passi. În muzeul fără muze (Einaudi, Torino 2006), De la Atlas la gol. În ordine alfabetică (Mondadori Electa, Milano 2010) și Autorul care credea că există (Johan & Levi, Milano 2012). În 1995 Maddalena Disch a editat o ediție integrală a scrierilor și interviurilor ( Giulio Paolini: vocea pictorului. Scrieri și interviuri 1965-1995 , Editura ADV, Lugano ).

Prima monografie despre artist, editată de Germano Celant , a fost publicată în 1972 la New York la Sonnabend Press. Cele mai semnificative publicații dedicate lui Giulio Paolini, inclusiv antologii critice și documentație bogată, constau în volumele produse pentru expozițiile personale din Parma (1976), Ravenna (1985, Giulio Paolini. Toate aici , Edizioni Essegi, Ravenna), Stuttgart (1986) ), Roma (1988), Graz (1998) și Milano (2003). În 1990 Francesco Poli a editat la Torino o monografie pentru Edizioni Lindau. În 1992, Marco Noire a publicat Impressions graphiques. Opera grafică a lui Giulio Paolini 1967-1992 , un catalog general de ediții grafice.

În 2008, Catalogul raionat al lucrărilor din 1960 până în 1999, editat de Maddalena Disch, a fost publicat în două volume de editorul Skira din Milano.

linkuri externe

• Site-ul oficial al artistului , pe fondapaolini.it .
• Giulio Paolini, pe portalul RAI Arte , pe arte.rai.it.

Portal Biografii

Sculptură portal