Școala din Paris

Această intrare sau secțiune despre subiectul mișcărilor artistice nu citează sursele necesare sau cei prezenți sunt insuficienți . Puteți îmbunătăți această intrare adăugând citate din surse de încredere în conformitate cu liniile directoare privind utilizarea surselor .

Amedeo Modigliani , Portretul lui Paul Guillaume , 1916

Termenul Școală din Paris (în franceză École de Paris ) este folosit pentru a indica toți artiștii, inclusiv mulți străini, prezenți la Paris de la începutul secolului XX până la deceniile care au urmat celui de- al doilea război mondial .

Este în esență o expresie care nu desemnează un anumit grup sau curent și care nu se referă la o școală reală, dar care evocă pluralitatea artiștilor care au trăit la Paris și care și-au găsit acolo locul de reședință al experiențelor lor artistice, contribuind la dezvoltarea diferitelor faze ale artei moderne . În acest sens, expresia École de Paris are ca scop reunirea artiștilor care au contribuit la transformarea Parisului în teatrul creației artistice. ^[1]

Se obișnuiește să se distingă, în cadrul general al secolului al XX-lea, trei mari perioade de creativitate și reînnoire în panorama artistică pariziană. Primul care merge din 1900 până în 1920 , al doilea care se întinde între cele două războaie mondiale și ultimul care corespunde experiențelor artistice de după cel de-al doilea război mondial.

În timpul celui de-al doilea război mondial, în plină ocupație germană a Parisului, în 1941 și 1943, două expoziții au dat startul unui moment extraordinar al Școlii din Paris. Artiștii care au participat la aceasta au fost de fapt considerați, în ciuda diferențelor estetice considerabile, reprezentanții unei „ Nouvelle École de Paris ”.

Din 1900 până în 1920: perioada interbelică

Expresia École de Paris a fost folosită ocazional deja înainte de izbucnirea primului război mondial pentru a evidenția experiențele opuse expresionismului german . Dar ideea unei metropole de artă, Paris, a amintit arhipelagul artiștilor care au trăit și au lucrat acolo în perioada premergătoare izbucnirii primului război mondial și care au dat naștere postimpresionismului , cubismului , fauvismului .

Parisul a devenit simbolul internaționalismului cultural. ^[2]

De fapt, începând din 1900, o întreagă constelație de artiști din Franța și din cele mai diverse regiuni europene s-au adunat la Paris. S-au stabilit mai ales la Montparnasse . ^[3] Acest district devine focarul noilor idei artistice și culturale în general. ^[4]

Printre artiștii care s-au stabilit la Paris la acea vreme cu atelierele lor, trebuie să ne amintim de artiști francezi precum Pierre Bonnard , Henri Matisse , Fernand Léger , André Derain și artiști străini precum Pablo Picasso , Marc Chagall , Amedeo Modigliani , Moïse Kisling , Kees van Dongen , Oleksandr Archypenko , Ossip Zadkine , pentru a numi doar cei mai cunoscuți.

Termenul École de Paris a reunit acea lume multifacetică a artiștilor și a început să se răspândească în 1925. ^[5]

Mulți dintre acești artiști au continuat să funcționeze la Paris chiar și în perioada postbelică și li s-au alăturat Hans Arp , Robert Delaunay , Sonia Terk Delaunay , Joan Miró , Constantin Brâncuși , Raoul Dufy , René Iché , Tsuguharu Foujita și Chaïm Soutine și care a născut noi stiluri, inclusiv suprarealismul și dadaismul .

Prin urmare, Montparnasse luase locul Montmartre . Punctele de întâlnire preferate pentru participanții la Școala de Paris și comercianții de artă erau cafenelele-braserie cu vedere la Bulevardul Montparnasse , cele mai vechi La Rotonde și Le Dôme și apoi La Coupole , care se va deschide în 1927 și pe care le va cunoaște. un succes extraordinar și pentru intervenția artiștilor ca decoratori ai spațiului care le simboliza creativitatea.

Momente semnificative de întâlnire și transmitere a experiențelor estetice ale artiștilor de la École de Paris au fost Premier Salon des Jeunes Artistes (organizat la Palais des Beaux-Arts), în februarie-martie 1937 și Deuxième Salon des jeunes Artistes (organizat în Faubourg Saint Honoré), de la sfârșitul lunii iunie până la începutul lunii iulie 1938.

Dar tabla de șah geopolitică europeană din perioada interbelică promitea un orizont sumbru. A continuat să stimuleze afluxul de artiști către Paris, adesea cu un caracter în anumite privințe de exilați politici pentru alții de fugari, gândiți-vă doar la cei din regiunile fostului Imperiu Rus , precum pictorii André Lanskoy și Serge Poliakoff , sau din Europa centrală devastată de ascensiunea nazistă, precum polonezii Jacob Markiel și Jesekiel David Kirszenbaum .

La nivel artistic, au apărut noi tendințe stilistice, în primul rând spre arta abstractă .

În timpul celui de-al doilea război mondial

Cu Parisul sub ocupație germană, două expoziții au fost esențiale în afirmarea independenței artei franceze față de ideologia artistică nazistă și, la fel cum nazismul și-a înmulțit condamnările la „arta degenerată”.

În 1941, expoziția intitulată Vingt jeunes peintres de Tradition Française , inaugurată pe 10 mai la Galerie Braun, a reunit lucrările lui Jean Bazaine , André Beaudin , Paul Berçot , Jean Bertholle , Francisco Bores , Lucien Coutaud , Charles Desnoyer , Léon Gischia , Charles Lapicque , Lucien Lautrec , Raymond Legueult , Jean Le Moal , Alfred Manessier , André Marchand , Édouard Pignon , Suzanne Roger , Gustave Singier , Pierre Tal-Coat și Charles Walch . Numele lui Maurice Estève a apărut și el în catalog, dar niciuna dintre lucrările sale nu a fost expusă.

Printre aceste nume, cel al lui Charles Lapicque era fundamental: el a devenit unul dintre adevărații teoreticieni ai grupului Jeunes Peintres de Tradition Française , exercitând o influență profundă asupra generației sale. Această expoziție a reunit majoritatea artiștilor care, după mai puțin de zece ani, ar fi dezvoltat curentul picturii non-figurative: se va afirma de la sfârșitul anilor 1940, ajungând la o mare recunoaștere în anii 1950.

În 1943, expoziția intitulată Douze peintres d'aujourd'hui , care a avut loc la Galerie de France, și care a reunit, într-o expoziție colectivă, Bazaine , Bores , Estève , Fougeron, Gischia , Lapicque, Le Moal, Manessier, Pignon, Singier, de asemenea Gabriel Robin și Jacques Villon . A fost demonstrația posibilității de a persista în arta franceză de atunci în timpul ocupației germane, prin opera acestor artiști care s-ar fi angajat, până la Eliberare și în momentul imediat următor, să afirme existența unui " tradition française "și, în același timp, o concepție a modernității. Artiștii care au participat la el ar fi fost desemnați, în ciuda diferențelor estetice considerabile, reprezentanții unei „ Nouvelle École de Paris ”. ^[6]

Acest termen ar fi fost folosit, după război, de exemplu de către criticul de artă André Warnod. ^[7]

Mulți dintre pictorii menționați mai sus, în urma criticului de artă Gaston Diehl, ar fi colaborat la nașterea Salonului Mai , în 1943, evenimentul anual de artă pentru deceniile viitoare. De asemenea, fondat în deplină ocupație, a fost conceput ca un act de rezistență la nazism și pentru apărarea unei arte moderne libere să se exprime.

A doua perioadă postbelică

După Eliberare, Nouvelle École de Paris a găsit spațiu, precum și în tânărul dar dinamic Salon de Mai , în diferite galerii din Paris, inclusiv în Galerie de Paris și, de asemenea, la Salon des Indépendants cu întâlnirile sale anuale. ^[8]

Salonul de Mai trebuie să primească o atenție specială, deoarece a avut o funcție notabilă de catalizator pentru dezvoltarea și cunoașterea Nouvelle École de Paris.

Vernisajul primului Salon de Mai a avut loc pe 29 mai 1945. Comitetul de Onoare a reunit personalități legate de experiența din timpul ocupării și eliberării Parisului și de credința în libertatea artei: Germain Bazin , Jacques Dupont, René Huyghe, Bernard Dorival, Michel Florisoone, Pierre Ladoué și Marc Thiboutet. Catalogul a primit o prefață de Gaston Diehl, cu texte de René Bertelé și André Rolland de Renéville, precum și poezii de Jacques Prévert , Lucien Becker, André Frénaud , Jean Follain și poetul Guillevic. Sunt nume importante de reținut pentru semnificația lor în cultura franceză a vremii și pentru înțelegerea atmosferei în care s-a născut această nouă instituție artistică pariziană.

Expozițiile anuale ale Salonului Mai au fost organizate inițial la galeria de artă „Pierre Maurs” de pe bulevardul Matignon și apoi la „Galerie Arts” din Faubourg Saint-Honoré. Ulterior, după câțiva ani complexi, ar fi transferat la Muzeul Artei Moderne de la Ville de Paris.

Artiștii care au orbitat această instituție pentru promovarea culturii și a creației estetice au fost în esență independenți de puterea politică sau au luptat împotriva rigorii, sistematismului realismului socialist , cu excepția cazurilor rare care au fost susținute de sistemul cultural al Partidului Comunist Francez , precum Édouard Pignon, campion al mitului muncitorului-artist, a cărui soție Helène Parmelin, scriitoare și eseistă, se alăturase deja partidului înainte de sfârșitul războiului, a devenit apoi un mare reporter pentru istoricul ziar L'Humanité (socialist ziar până în 1920, apoi organ al Partidului Comunist) și a fost inserat intim în anturajul lui Picasso .

Printre pictorii figurativi ai Nouvelle École de Paris se întâlnesc numele René Aberlenc, Guy Bardone, François Baron-Renouard, Jean Baudet, Michel Bertrand, Roland Bierge, Bernard Buffet , Maurice Boitel , Yves Brayer, Paul Collomb, Jean-Michel Coulon , Maurice Verdier, André Mignaux, Gaëtan de Rosnay, Françoise Adnet, Belias, Cara-Costea, Geoffroy Dauvergne, Jean Dries , Roger Forissier, Daniel du Janerand, Michel de Gallard, Jansem, Jean Joyet, François Heaulmé, Gabriel Dauchot, René Margotton, Yvonne Mottet , ORAZI , Danièle Perré , Pierre-Henry, Raoul Pradier, Claude Schürr, Paul Schuss, Gaston Sébire, Éliane Thiollier, Michel Thompson, Jean Vinay, Louis Vuillermoz.

O minoritate dintre aceștia se va îndrepta spre arta abstractă, la fel ca și baronul-Renouard, care a participat la tendințele picturale din Noua Școală de Paris din „paysagisme abstrait” și „naturalisme imaginaire abstrait” -în anii 1950-1960-, ca și Pignon , și apoi ORIZEAZĂ-TE . După o scurtă fază de artă abstractă, aceasta din urmă - spre deosebire de primele două - s-ar fi angajat, folosind tehnici inovatoare, de la sfârșitul anilor 1950 până în anii 1960, la o expresie artistică care combina pictura și sculptura: această experiență a revenit în experimentare a ceea ce a fost numit „Peinture en Relief” în cercul parizian. ^[9]

Notă

Bibliografie

• Anne Bony, Les Années 40 , Éditions du Regard, Paris, 1985
• Jean-Paul Caracalla, Les exilés de Montparnasse , Gallimard, Paris, 2006
• L. Carluccio, J. Leymarie, R. Negri, F. Russoli, Y. Brunhammer, École de Paris , Fabbri, Milano, 1967-1975
• Galerie Broomhead Junker, Jeunes peintres de tradition française: https://web.archive.org/web/20170103061906/http://www.bj-fineart.com/info/lapicque-charles/1941-20-jeunes-peintres- de-tradiție-fran% C3% A7aise
• Gaston Diehl, La Peinture en France dans les années noires, 1935-1945 , Z'éditions, Nice, 1999
• Lydia Harambourg, L'École de Paris 1945-1965. Dictionnaire des peintres , Ides et Calendes, Neuchâtel, 1993 (ediția actualizată 2010)
• Billy Klüver, Julie Martin, Kiki et Montparnasse , Flammarion, Paris, 1989
• ORAZI, Peintures en Relief , Galerie du Passeur, Paris, 15 Mars-15 Avril, 1966
• Jean-Louis Ferrier, Pignon , biografie d'Hélène Parmelin, Éditions Les Presses de la Connaissance, Paris, 1976
• Salon de Mai : http://www.salondemai.com
• Dora Vallier, L'art abstrait , Pluriel, Paris, 1980
• Jeanine Warnod, Les Artistes de Montparnasse , Éditions Mayer, Paris, 1988
• Jeanine Warnod, L'École de Paris , Arcadia Éditions, Musée du Montparnasse, Paris, 2004

• Wikimedia Commons conține imagini sau alte fișiere despre școala din Paris

linkuri externe

• ( EN ) School of Paris , on Encyclopedia Britannica , Encyclopædia Britannica, Inc.

Portal de artă

Portalul Parisului