Vasily Vasilyevich Kandinsky

De la Wikipedia, enciclopedia liberă.
Salt la navigare Salt la căutare

"Arta depășește limitele în care timpul ar dori să o comprime și indică conținutul viitorului."

( Vasily Kandinsky, Punct, linie, suprafață )
Vasily Kandinsky în 1913
Semnătura lui Vasily Vasil'evič Kandinsky

Wassily Kandinsky (în limba rusă : Василий Васильевич Кандинский ? , Moscova , de 16 luna decembrie 1866 a - Neuilly-sur-Seine , 13 luna decembrie 1944 ) a fost un pictor rus , naturalizat francez , de asemenea , ca germanizat , Wassily Kandinsky, un pionier și fondator al picturii abstracte .

Biografie

Primii ani: stil și idei

Vasily Kandinsky, 1898 - Portul Odessa

Născut la 16 decembrie 1866 la Moscova, este fiul lui Lidija Tičeeva (1840-1910) și al lui Vasily Sil'vestrovič Kandinskij (1832-1926), un bogat comerciant de ceai. În 1870 familia s-a mutat la München . În anul următor părinții săi au divorțat și micuțul Vasily s-a mutat la Odessa , acasă la mătușa sa Elizaveta Tičeeva unde a primit primele sale noțiuni de desen, după ce s-a îndrăgostit de lumini în copilărie, în timpul unei călătorii la Veneția cu părinții săi. viața de noapte a orașului. Cu ea învață, de asemenea, să cânte la violoncel, cu care cântă în orchestra școlii, și își continuă lecțiile de pictură alături de un profesor de desen. Din 1886 până în 1889 a studiat dreptul la Moscova . În 1892 a absolvit și în același an a decis să se căsătorească cu verișoara sa Anna Čimjakina, pe care o cunoscuse la Universitatea din Moscova și cu care stabilise o relație de mare înțelegere și afinitate intelectuală. În 1896 a refuzat o funcție didactică la Universitatea Dorpat din Estonia, pentru a studia artă la Akademie der Bildenden Künste din München, unde a fost student al lui Franz von Stuck . El se stabilește în cartierul Schwabing , într-o mare comunitate de artiști , revoluționari ruși, muzicieni, scriitori și oameni creativi în general.

Orașul de atunci abandonează moda simbolistă pentru a deveni una dintre capitalele Jugendstilului . În 1901, Kandinsky a fondat grupul Falange acolo și, printre grupul studenților săi, l-a întâlnit pe viitorul său partener de viață, Gabriele Münter . Cu scopul principal de a introduce avangarda franceză în mediul artistic tradiționalist din München, el deschide o școală unde predă. Picturile sale din primii ani ai secolului sunt peisaje cu cuțite, la început umbrite, apoi cu o intensitate aproape întunecată; pictează și teme fantastice derivate din tradiția rusă sau din legendele evului mediu german; această perioadă este caracterizată de experimentarea tehnică, în special utilizarea tempera pe hârtie întunecată, pentru a da iluzia unei suprafețe iluminate din spate în transparență.

Consistența tonală a clarobscurului evidențiază modelul, ștergând distincția dintre figuri și fundal și rezultând o compoziție aproape abstractă. În 1902 a expus pentru prima dată cu The Berlin Secession și a realizat primele sale xilografii . În 1903 s-a mutat în Italia la Torino, în Africa de Sud (unde va expune mai târziu unele dintre lucrările sale) și în Rusia . În 1904 a expus în salonul de toamnă din Paris . Împreună cu Gabriele Münter a cumpărat o casă mică în Murnau, în Bavaria de Sus, în 1908: numită „Russenhaus” („casa rușilor”), a devenit un loc de întâlnire pentru nenumărați artiști și muzicieni din întreaga lume. În Murnau Kandinskij își creează primele lucrări în care, folosind culori strălucitoare și antinaturaliste, pictează imagini lipsite de volum și experimentează forme și culori, dând astfel loc abstractizării de la real și de la normal.

Primele experimente din 1908, inspirate de Fauves (postimpresioniști)

Prima expoziție a grupului, numită NKVM (Neue Künstlervereinigung München, Asociația Noilor Artiști din München), a avut loc în 1909 în Galeria Heinrich Thannhauser din München. Până la sfârșitul deceniului, picturile lui Kandinsky arată o mare tendință de aplatizare datorită intensității echivalente a zonelor de culoare și a suprafeței sclipitoare care distruge orice iluzie de profunzime. Seria de imagini cu jockeys concurenți începe în 1909 și în ea linia orizontului se eradică treptat, ca orice altă referință spațială. În 1910 a produs prima sa acuarelă abstractă , unde predomină două culori în petele mai întunecate, roșu și albastru , pe care, evident, le consideră legate, deoarece sunt întotdeauna găsite împreună. «Roșul este o culoare caldă și tinde să se extindă; albastrul este rece și tinde să se contracte. Kandinsky nu aplică legea contrastelor simultane, ci o verifică; folosește două culori ca două forțe controlabile care pot fi adăugate sau scăzute și, în funcție de caz, adică, în funcție de impulsurile pe care le primește, le folosește pe ambele pentru a se limita sau a spori reciproc. Există, de asemenea, semne liniare, asemănătoare firului; sunt, într-un anumit fel, indicații ale unor posibile mișcări, sunt trăsături care sugerează direcția și ritmul petelor care rătăcesc pe hârtie. Ele dau mișcare întregii acuarele »( Argan ). În Compoziția IV din 1911 , figurile sunt atât de simplificate, culoarea este atât de arbitrară și spațiul atât de confuz încât este imposibil să se distingă subiectul fără a face referire la picturile anterioare din serie.

Privitorul este deosebit de dezorientat de modul în care folosește linia: atât ca element independent, cât și ca limită pentru culoare. Artistul abordează pictura abstractă prin trei grupuri de lucrări, care, de asemenea, în numele lor indică legătura artei lui Kandinsky cu muzica: „impresii”, „improvizații” și „compoziții”. Impresiile sunt picturile în care impresia directă a naturii externe este încă vizibilă; improvizații, cei născuți brusc din interior și inconștient; compoziții acelea la a căror construcție participă conștientul, definite printr-o serie de studii. După acest pas, Kandinsky nu se va mai întoarce niciodată la pictura figurativă.

Succesul

Fără titlu Prima acuarelă abstractă din 1910
Prima pictură în ulei abstractă cu titlul: Pictură cu cerc din 1911

În 1911 Kandinsky și Franz Marc s-au retras din NKVM și au pus bazele Blaue Reiter , publicând un almanah în 1912. Numele provine din titlul unui tablou de Kandinsky. Prima expoziție are loc în decembrie, în galeria Thannhauser din München . În același an a publicat Lo Spirituale nell'Arte , celebra și decisivă carte a lui Kandinsky, nu un manifest artistic, ci un text care amintește o scriere filosofică, anunțând apariția unei ere care va suplini materialismul epocii moderne [1] . În carte, el teoretizează ceea ce experimentează în pictura sa, adică relația dintre formă și culoare, la baza abstractizării. În 1912 este publicat almanahul cu lucrările lui Kandinsky și Marc, iar a doua expoziție a Blaue Reiter are loc în galeria Hans Goltz din Rusia

În același an, prima expoziție solo a lui Kandinsky a avut loc în galeria Der Sturm din Berlin . Temele preferate ale lui Kandinsky în această perioadă sunt violente și apocaliptice și provin din imaginile religioase populare din Germania și Rusia. Înainte de 1912 opera sa a suferit deja mai multe evoluții productive. În 1913, când a pictat Linii Negre, nu se mai poate vorbi de abstractizare pornind de la un subiect; culoarea și linia au luat o expresivitate atât de autonomă încât nu mai urmează un model prestabilit. Lucrări ca aceasta sunt primele care sunt cu adevărat abstracte.

Calea lui Kandinsky către abstractizare găsește o justificare teoretică în Abstracția și empatia lui Wilhelm Worringer , publicată în 1908 . Worringer susține că ierarhia obișnuită a valorilor, bazată pe legile Renașterii , nu este valabilă pentru luarea în considerare a artei altor culturi; mulți artiști creează din realitate, dar cu un impuls abstract, astfel încât cele mai recente tendințe în artă se găsesc în societăți mai puțin materialiste. Kandinsky era, de asemenea, interesat de teosofie , înțeleasă ca adevărul fundamental care stă la baza doctrinei și ritualurilor din toate religiile lumii; credința într-o realitate esențială ascunsă în spatele aparențelor oferă o raționalitate naturală artei abstracte .

Impression III (concert) , 1911, ulei pe pânză, 77,5 cm × 100 cm, Städtische Galerie im Lenbachhaus, München.

Participarea pictorului, la 2 ianuarie 1911, la un concert al compozitorului austriac Arnold Schönberg a fost decisivă: a fost profund impresionat de muzica pe care a putut să o asculte, dând formă impresiilor sale în tabloul Impression III: Concerto. Ulterior, Kandinskij i-a scris lui Schönberg, subliniind cercetările care i-au unit, dând viață unui interesant schimb de corespondență. [2]

În Lo Spirituale nell'Arte , ea vorbește despre o nouă eră de mare spiritualitate și despre contribuția pe care o dă pictura. Noua artă trebuie să se bazeze pe limbajul culorii și Kandinsky oferă indicații cu privire la proprietățile emoționale ale fiecărui ton și ale fiecărei culori, spre deosebire de teoriile anterioare despre culoare, el nu este interesat de spectru, ci doar de răspunsul sufletului. În 1913 participă cu una dintre lucrările sale la Armory Show din New York și, la izbucnirea primului război mondial , se întoarce în Rusia lăsându-l pe partenerul său Gabriele Münter care va rămâne la Murnau în casa lor comună până la moartea sa, păstrând o vastă colecție de tablouri de Kandinskij, donată ulterior orașului München și păstrată în Lenbachhaus .

După Revoluția Rusă

Compoziție (1916) de Kandinskij expusă la Museo del Novecento din Milano

Kandinsky va rămâne la Moscova până în 1921 . De la Revoluția din octombrie , Kandinsky desfășoară activități administrative pentru Comisariatul Popular pentru Educație ; printre proiectele acestui organism se numără fundamentul diferitelor muzee și reforma sistemului școlar din cadrul școlilor de artă. În 1914 a fost înființată o expoziție personală la galeria Thannhauser din München și în „Kreis für Kunst” din Köln. Kandinsky pictează patru picturi murale mari pentru vila lui Edwin A. Campbell din New York . Primul Război Mondial a izbucnit la 1 august.

La 3 august, s-a refugiat în Elveția alături de Gabriele Münter. A petrecut lungi sejururi în Goldach am Bodensee, unde a lucrat la Punto, linea, surface și la compoziția pentru scena Purple curtain . În noiembrie, el se angajează singur într-o călătorie în Rusia, prin Zurich , pentru un sejur la Moscova . Între decembrie 1915 și martie 1916 se oprește la Stockholm , unde îl întâlnește pe Gabriele Münter pentru ultima dată cu ocazia unei expoziții la galeria Gummenson. În februarie 1917 s- a căsătorit cu Nina Andreevskaya, fiica unui general, cu care s-a angajat într-o lună de miere în Finlanda . În același an s-a născut fiul său Volodia, care a murit în 1920 .

Vasily Kandinsky, Portretul lui Nina Kandinsky , 1917

În 1921 s- a retras de la Institutul de Cultură de Artă din Moscova. El a fost însărcinat să creeze secția psihofizică a nou-înființatei Academii de științe artistice, din care a devenit director adjunct și al cărui director este laboratorul de reproduceri. În decembrie, însă, părăsește Rusia împreună cu soția sa și se mută la Berlin . Între 1922 și 1933 a lucrat ca profesor de decorare murală la Bauhaus , mai întâi la Weimar , apoi, după mutarea școlii, la Dessau . Anii Bauhausului se caracterizează prin prietenia cu Paul Klee și publicarea unui alt eseu fundamental: Punct și linie pe plan . Odată cu instaurarea dictaturii , acuzat de bolșevism , este obligat să părăsească țara și să se mute în Neuilly-sur-Seine , o suburbie a Parisului.

În 1937 a avut loc la München expoziția de artă degenerată , cu care Adolf Hitler și-a propus să condamne noile avangarde artistice . În expoziție apar aproximativ 50 de lucrări ale lui Kandinsky, care au fost apoi vândute la prețuri scăzute la licitație cumpărătorilor străini. În 1938 a participat la expoziția Abstracte Kunst de la Muzeul Stedelijk din Amsterdam. În același an a publicat patru poezii și xilografii în revista Transition . Eseul său L'Art Concert apare în primul număr din XXe Siècle . În 1942 a pictat ultima sa pânză mare, Tensions délicates . Ulterior, a realizat lucrări de format mic doar pe carton asfaltat. Expoziție personală la Galerie Jeanne Bucher din Paris. A murit în 1944 în casa din Neuilly-sur-Seine unde a trăit în ultimii zece ani din viața sa.

Mormântul său se află în cimitirul Neuilly-sur-Seine .

Spiritualul în artă

Uvertura muzicală din 1919, ulei pe pânză

Kandinskij, în lucrările sale, își expune teoriile despre utilizarea culorii, întrezărind o legătură foarte strânsă între o operă de artă și o dimensiune spirituală. Culoarea poate avea două efecte posibile asupra privitorului: un „efect fizic”, superficial și bazat pe senzații de moment, determinat de înregistrarea retinei a unei culori mai degrabă decât a alteia; un „efect psihic” datorat vibrației spirituale (produsă de forța psihică a omului) prin care culoarea ajunge la suflet. Poate fi direct sau poate apărea prin asociere cu celelalte simțuri. Efectul psihic al culorii este determinat de calitățile sale sensibile: culoarea are un miros, un gust, un sunet.

Prin urmare, roșul, de exemplu, trezește emoția durerii în noi, nu printr-o asociere de idei (roșu-sânge-durere), ci prin propriile sale caracteristici, prin „sunetul său interior”. Kandinsky folosește o metaforă muzicală pentru a explica acest efect: culoarea este cheia, ochiul este ciocanul, sufletul este un pian cu multe corzi. Culoarea poate fi caldă sau rece, deschisă sau închisă. Aceste patru „sunete” principale pot fi combinate între ele: cald-luminos, cald-întunecat, rece-luminos, rece-întunecat. Punctul de referință pentru culorile calde este galbenul, cel al culorilor reci este albastru.

Kandinsky atribuie o dublă mișcare polarităților cald-rece: una „orizontală” și una „radiantă”. Galbenul este înzestrat cu o mișcare radiantă care îl face să se deplaseze spre privitor în raport cu planul în care se află fizic, în plus, este înzestrat cu o mișcare excentric-centrifugă deoarece se lărgește spre exterior, orbeste, respinge. Albastrul are o mișcare orizontală care îl face pe privitor să se miște înapoi și este dotat cu o mișcare concentrică-centripetă, deoarece se înfășoară în jurul său, creând un efect de imersiune care atrage privitorul. Kandinsky, din nou pe baza teoriei conform căreia mișcarea culorii este o vibrație care atinge corzile interioare, descrie culorile pe baza senzațiilor și emoțiilor pe care le trezesc în privitor, comparându-le cu instrumentele muzicale.

El se ocupă de culorile primare (galben, albastru, roșu) și apoi de culorile secundare (portocaliu, verde, violet), fiecare dintre acestea fiind rezultatul amestecului dintre două elemente primare. De asemenea, va analiza proprietățile maro, gri, negru și alb.

  • Galbenul este înzestrat cu o nebunie vitală, irepresibilă, cu o iraționalitate oarbă; este comparat cu sunetul unei trâmbițe , o fanfară . Galbenul indică, de asemenea, emoție, deci poate fi adesea comparat cu roșu, dar diferă de acesta din urmă.
  • Azurul este albastrul care tinde spre tonuri mai deschise, este indiferent, distant, ca un cer artistic; este comparabil cu sunetul unui flaut . Mai mult, albastrul închis este comparat cu sunetul unui organ. Albastrul este culoarea cerului, este profund; când este intens sugerează liniște, când tinde spre negru este puternic dramatic, când tinde spre tonuri mai deschise calitățile sale sunt similare cu cele de albastru, dacă este amestecat cu galben îl face să fie malț și este ca și cum nebunia de galben devine „ ipohondrie ”. În general, este asociat cu sunetul violoncelului .
  • Roșu este cald, viu, plin de viață, neliniștit, dar diferit de galben, deoarece nu are superficialitatea sa. Energia roșie este conștientă, poate fi canalizată. Cu cât este mai clar și mai galben, cu atât are mai multă vitalitate și energie. Roșu mediu este profund, roșu închis este mai meditativ. Este comparat cu sunetul unei tuba .
  • Portocaliul exprimă energia, mișcarea și cu cât este mai aproape de nuanțele de galben, cu atât este mai superficial; este comparabil cu sunetul unui clopot sau al unui alto .
  • Verde este liniște absolută în liniște absolută, te plictisește, sugerează opulență, satisfacție, este o liniște satisfăcută, de îndată ce se întoarce spre galben capătă energie, jucăuș. Cu albastru devine atent, activ. Are tonurile largi, calde, semi-severe ale viorii .
Vassily Kandinsky, Galben, roșu, albastru , ulei pe pânză, 1925, Musée national d'art moderne, Paris
  • Violetul , la fel ca portocaliul, este instabil și foarte greu de utilizat în intervalul mediu dintre roșu și albastru. Este comparabil cu cornul englezesc , cimpoiul , fagotul .
  • Maro se obține prin amestecarea negru cu roșu, dar fiind energia acestuia din urmă puternic monitorizată, rezultă că este plictisitor, dur, nu foarte dinamic.
  • Gri este echivalentul verde, la fel de static, indică liniște, dar în timp ce în verde există, deși paralizată, energia galbenului care îl face să varieze spre nuanțe mai deschise sau mai reci, făcându-l să recupereze vibrațiile, în gri există o lipsă absolută de mișcare , fie că se întoarce spre alb sau spre negru.
  • Albul este dat de suma (convențională) a tuturor culorilor irisului, dar este o lume în care toate aceste culori au dispărut, de fapt este un perete al tăcerii absolute, intern îl simțim ca un non-sunet. Cu toate acestea, este o tăcere a nașterii, plină de potențial; este pauza dintre o măsură și alta a unui spectacol muzical, care este un preludiu la alte sunete.
  • Negrul este lipsa luminii, este o non-culoare, se stinge ca un miz complet ars. Este o tăcere de moarte; este pauza finală a unui spectacol muzical, cu toate acestea spre deosebire de alb (în care culoarea care este deja conținută în el este slabă), scoate în evidență orice culoare.

Compoziția picturală este formată din culoare, care, deși în mintea noastră este nelimitată, în realitate capătă și o formă. Culoarea și forma nu pot exista separat în compoziție. Combinația dintre formă și culoare se bazează pe relația privilegiată dintre formele unice și culorile unice. Dacă o culoare este asociată cu forma sa privilegiată, efectele și emoțiile care decurg din culori și formă sunt îmbunătățite. Galbenul are o relație specială cu triunghiul , albastru cu cercul și roșu cu pătratul .

Orientarea formelor pe suprafața picturală este de asemenea foarte importantă, de exemplu, pătratul de pe o parte este solid, conștient, static; pe un vârf ( pastilă ) este instabil și i se va asocia un roșu cald, nu unul rece și meditativ. Compoziția unei picturi nu trebuie să răspundă unor nevoi pur estetice și externe, ci mai degrabă trebuie să fie în concordanță cu principiul necesității interioare: ceea ce autorul numește onestitate. Frumusețea nu mai este ceea ce răspunde canoanelor obișnuite prestabilite. Frumusețea este ceea ce răspunde unei nevoi interioare, pe care artistul o simte ca atare.

«Artistul trebuie să încerce să schimbe situația recunoscând îndatoririle pe care le are față de artă și față de sine , considerându- se nu stăpân, ci slujitor al idealurilor precise, mari și sacre. El trebuie să se educe și să se adune în sufletul său, îngrijindu-l și îmbogățindu-l astfel încât să devină mantaua talentului său exterior și să nu fie ca mănușa pierdută a unei mâini necunoscute, o apariție goală și inutilă. Artistul trebuie să aibă ceva de spus, deoarece sarcina sa nu este să domine forma, ci să adapteze forma la conținut. [3] "

( Vasily Kandinsky, Spiritualul în artă )

„Punct, linie, suprafață”

detaliu al unei acuarele

Kandinskij în acest eseu se dedică părții grafice care poate exista chiar și fără culoare. Ideea este primul nucleu al semnificației unei compoziții, se naște atunci când pictorul atinge pânza; este static. Linia este urma lăsată de punctul de mișcare, motiv pentru care este dinamică. Poate fi orizontală, verticală, diagonală. Poate fi rupt, curbat, amestecat. Sunetele individuale pot fi amestecate împreună; cu cât linia este mai variată, cu atât mai mult se schimbă tensiunile spirituale pe care le trezește: dramatic dacă este rupt, mai liric dacă este curbat. Grosimea se schimbă, de asemenea: poate fi subțire, marcată, groasă, variabilă.

Suprafața este suportul material destinat să primească conținutul lucrării, este de obicei o pânză (dar Kandinskij a pictat și câteva vesele și farfurii). Prin urmare, lucrarea este limitată de două linii orizontale și două verticale sau de o linie curbată (pentru pânza eliptică). Autorul poate accentua formele prin rotirea pânzei și exploatarea diferitelor niveluri, dar nu poate face această acțiune a posteriori, așa cum a făcut Jackson Pollock , dar necesită claritate și conștientizare artistică chiar de la crearea operei.

Lucrările teatrale

O parte nu secundară a cercetării lui Kandinsky constă în operele de teatru, concepute într-o perspectivă a relațiilor profunde între diferitele componente expresive - formă, sunet, culoare, lumină, mișcare - ca funcție a unui nou tip de operă de artă, la multimedia caracter. Primele sale studii în acest sens au fost fragmentele de teatru Paradiesgarten și Daphnis und Chloe , din 1908-1909. Din anii imediat următori, 1909-1914, sunt textele „compozițiilor sale scenice”: Suono giallo , Suono verde , Bianco e Nero , Viola .

Doar primul dintre ele a fost publicat și niciunul nu a fost făcut de autorul său, în ciuda încercărilor sale de a face acest lucru. Este vorba de texte vizionare, în care personajele se mișcă într-o lume abstractă plină de evocări, imagini, culori. Singura piesă pe care Kandinsky a avut ocazia să o pună în scenă a fost Tablouri dintr-o expoziție , din poezia muzicală a lui Modest Petrovich Musorgsky , pe care artista a prezentat-o ​​în 1928, la Teatrul Friedrich din Dessau. Opera lui Musorgsky este structurată pe ideea de a vizita o expoziție de acuarele a pictorului Viktor Aleksandrovič Hartmann , prietenul său, și este împărțită în Promenade (mișcările vizitatorului în galerie) și Quadri (conținutul lucrărilor expuse).

Punerea în scenă a lui Kandinskij se referă la această structură, rezolvată cu o succesiune de scene formate din forme geometrice colorate, care traduc temele muzicale în imagini în mișcare abstracte. Un spectacol, deci, realizat în esență cu forme, culori și lumini, în timp ce prezența interpreților este complet marginală, fiind alcătuită din doi dansatori, folosiți în două scene scurte. Unele dintre compozițiile scenice ale lui Kandinskijane, care nu au fost realizate de autor, au fost puse în scenă de altele, deși în forme care diferă adesea de original.

Printre producțiile Suono giallo , se numără cele realizate de Jacques Polieri în 1975 (muzică de Alfred Schnittke , coregrafie de Maximilien Ducroux); de Ian Strasfogel în 1982 (scenografie de Robert Israel, iluminare de Richard Riddel, coregrafie de Hellmut Fricke-Gottschield); de compania Solari-Vanzi în 1985 (scene de Beatrice Scarpato, lumini de Stefano Pirandello) la Fabbricone di Prato; de Fabrizio Crisafulli în 2002 , la teatrul roman Amiternum dell'Aquila, cu muzică de Giancarlo Schiaffini, coregrafie de Diego Watzke, o lucrare video de Marco Amorini.

Viola își amintește de montarea gratuită a lui Giulio Turcato la Bienala de la Veneția din 1984 (muzică de Luciano Berio , regia Vana Caruso, coregrafia lui Min Tanaka) și cea creată (tot în film) de Kirsten Winter în 1996, la inițiativa Muzeului Sprengel și Verein Kunst und Bühne din Hanovra. Punerea în scenă a lui Kandinsky a Tablourilor dintr-o expoziție a fost reconstruită cu fidelitate în 1983 de Hochschule der Künste din Berlin. Diferite versiuni, dedicate artistului rus, au fost propuse de Fabrizio Crisafulli în 1994 și 2007 ).

Lucrări (parțiale)

Pata Roșie II (1921)
Compoziția X (1939)

Notă

  1. ^ Arta de a vedea 3, de la neoclasicism până astăzi , Pearson, p. 1127.
  2. ^ Arta ca muzică: întâlnirea dintre Vasilij Kandinskij și Arnold Schönberg , pe finestresullarte.info .
  3. ^ Kandinsky Vasily, The Spiritual in Art , SE, 2005, ISBN 9788877106216 ,OCLC 799269872 .

Bibliografie

  • Nadia Podzemskaia [ collegamento interrotto ] , Colore simbolo immagine: origine della teoria di Kandinsky , Alinea editrice , Firenze, 2000.
  • Alexander Kojève , Kandinsky , Quodlibet , Macerata, 2005
  • Vasilij Kandinskij, Lo spirituale nell'arte , SE, 2005, SE, 2005
  • Vasilij Kandinskij, Punto linea superficie , Milano, Adelphi Edizioni, 2012

Vasilij Vasil'evič Kandinskij nei musei italiani

Voci correlate

Altri progetti

Collegamenti esterni

Controllo di autorità VIAF ( EN ) 22143802 · ISNI ( EN ) 0000 0001 2123 5624 · SBN IT\ICCU\CFIV\047804 · Europeana agent/base/60316 · LCCN ( EN ) n79059310 · GND ( DE ) 118559737 · BNF ( FR ) cb11909375r (data) · BNE ( ES ) XX904806 (data) · ULAN ( EN ) 500021093 · NLA ( EN ) 35258558 · BAV ( EN ) 495/143504 · NDL ( EN , JA ) 00445112 · WorldCat Identities ( EN ) lccn-n79059310
Estratto da " https://it.wikipedia.org/w/index.php?title=Vasilij_Vasil%27evič_Kandinskij&oldid=121421204 "