Balet
Baletul este un tip particular de reprezentare coregrafică care apare din Renașterea timpurie din compozițiile maeștrilor de dans de la curțile nobiliare italiene și franceze.
Cu evoluțiile ulterioare, termenul de balet cuprinde astăzi o mare varietate de reprezentări scenice ale unei drame vizuale jucate prin dans și pantomimă , adesea însoțită de muzică și interpretată de dansatori conform unei coregrafii prestabilite. În mod obișnuit cu termenul generic de balet sau balet clasic, ne referim și la baletul modern care a evoluat de la școala din Sankt Petersburg , în special prin experiența baletului rus până la apăsare într-un sens mai „formal” al lui George Balanchine și în în orice caz formelor de dans teatral care folosesc mișcări ale corpului legate de tehnica academică a dansului clasic .
Istoria baletului
Renașterea: nașterea baletului
Înflorirea comerțului, rafinarea tehnicilor, noul interes pentru cultură care rezultă din umanism a provocat în Italia la începutul anilor 1400 o înflorire a artelor la curțile nobiliare. În timp ce în curțile medievale prestigiul era dictat de puterea și posesiunile militare, acum a devenit important ca clasa conducătoare să-și demonstreze excelența și să transforme curtea într-un teatru unde să-și pună în scenă splendoarea.
În special, partidele de la curte au devenit din ce în ce mai somptuoase și mai imaginative, incluzând deseori și spectacole de dans în care, totuși, dansatorii nu erau profesioniști, ci nobili de curte care dansau din plăcere și datorie socială.
În acești ani, caracterizat printr-o codificare masivă a tuturor artelor, un nou personaj a apărut în curțile italiene: profesorul de dans și teoreticianul. Unele nume au ajuns la noi datorită scrierilor păstrate în biblioteci, precum Domenico da Piacenza , și elevii săi Antonio Cornazano (activ și între Piacenza și Ferrara) și Guglielmo Ebreo da Pesaro (cunoscut și ca Giovanni Ambrogio ), împărtășind aceeași viziune teoretic și din aceeași terminologie, atât de mult încât putem vorbi despre o școală italiană primitivă („școala lombardă”) care a fost prima care a stabilit regulile tehnice, estetica, etica dansatorului:
«Dansul frumos care se dobândește cu virtute |
| ( Guglielmo Ebreo da Pesaro , De scuola seu arte tripudii [1] ) |
Ne confruntăm cu tratate care sunt cu siguranță prea complexe pentru un public aristocratic și, probabil, destinate pregătirii profesorilor de dans, o profesie, prin urmare, deja puternic solicitată de instanțele Renașterii timpurii.
De la dans nobil la dans teatral
Domenico în tratatul său De arte saltandi și choreas ducendi a făcut o primă distincție între dansul jos și dansul , primul (care se distinge în bassadanza propriu-zisă și cuaternară ) efectuat cu o tehnică care evită săriturile, în contact cu solul și caracterizată printr-un mers serios și cu o purtare nobilă, a doua (rapidă și identificată prin saltarello și piva ) cu salturi și variații mai dinamice. Această distincție va fi apoi reluată, subliniată și clarificată de Cornazano:
„Mă voi duce la acele dansuri și bassedançe care sunt perforate de vulgarul făcut pentru camere impunătoare și să fiu sol dançati pentru cei mai vrednici madoni și nu pentru plebei” |
| ( Antonio Cornazano , Carte despre arta dansului [2] ) |
Interpretată din secolul al XIII-lea și a rămas în vogă până la mijlocul secolului al XVI-lea în Franța, bassadanza este considerată de tratatele din secolul al XV-lea ca fiind un termen de comparație pentru orice alt dans. Și este probabil dintr-un pasaj derivat din bassadanza, brando , împreună cu maura - un dans războinic de derivare spaniolă -, ambele citate de Baldassarre Castiglione în Il Cortegiano despre interludiile unui spectacol susținut la curtea din Urbino în 1513 , că dansul a început să se elibereze din sfera dansului nobil pentru a deveni o artă spectaculoasă.
Termenul de balet a început să fie folosit în Italia în loc să danseze la începutul secolului al XVI-lea. O primă mărturie a montării unui spectacol de dans legat de o temă unitară se găsește și în Italia, organizat în timpul banchetului de nuntă dintre Gian Galeazzo Maria Sforza și Isabella d'Aragona în 1489 la Tortona . Reprezentarea alegorică, creată de Bergonzio Botta și dedicată exaltării iubirii conjugale, ia numele de balet convivial și va fi imitată în multe alte curți în anii următori.
Originile baletului în Franța sunt legate de nașterea baletului de cur de către italianul Baldassarre Baltazarini din Belgioioso. Principalele dansuri folosite în secolul al XVI-lea în Franța și alte țări europene au fost descrise cu acuratețe în 1589 de Thoinot Arbeau (pseudonimul lui Jean Tabourot ) în tratatul său Orchésographie . Bal des ardents organizat de Carol al VI-lea în 1393 aparține genului mascaradelor , un anumit tip de procesiune organizat de nobili deghizați în personaje istorice sau mitologice. Cronicile relatează că, cu ocazia nunții ducelui de Vermandois , regele însuși a organizat o minge, împreună cu patru prieteni deghizați toți în „bărbați sălbatici”, purtând costume acoperite cu fulgi de in cardat; apropiindu-se prea mult de focul unei făclii, dansatorii s-au transformat instantaneu în făclii umane și numai regele a fost salvat de pe rug, grație intervenției prompte a unei doamne care a stins flăcările cu fusta ei.
În Anglia, dezvoltarea dansului teatral pare să fie legată de Masca , dansuri mascate care au avut loc în timpul dansurilor regale cu participarea suveranilor înșiși și care au inclus dansuri, cântece și recitarea de poezii conform programelor și textelor predefinite ( Ben Johnson la începutul secolului al XVII-lea a fost autorul unor Masque).
În același timp, în domeniul muzical asistăm la o eliberare treptată a muzicii instrumentale de cântat, iar această transformare influențează și nu puțin modalitățile de dans care nu mai sunt ghidate de cuvinte pot deveni ritmice și pot dezvolta o poetică independentă și o expresivitate nouă. cu corpul în primul rând etaj.
Un semn evident al marii transformări care are loc în reprezentările de dans în această perioadă este nașterea primelor „școli de dans nobile”, care rezultă și din răspândirea pe scară largă a primelor tratate de tehnică menționate mai sus și din cererea inițial venită din aceleași principii și domni pentru a nu desfigura la curte. Prima mare școală pentru dansatori a fost fondată la începutul secolului al XVI-lea de Pompeo Diobono : de aici au ieșit Ludovico Paluello , Bernardo Tetoni , Baldassarre Baltazarini da Belgioioso, Cesare Negri . Din școlile italiene au început apoi să se răspândească în toată Europa maeștrii dansului nobil care s-au stabilit în principalele curți europene, începând o iradiere a cunoștințelor tehnice și teoretice despre dans care nu s-au oprit în următoarele patru secole.
În 1602 Cesare Negri, acum un bărbat în vârstă, a publicat în Le Gratie d'amore (republicată ulterior în 1604 sub titlul Noile invenții ale lui Balli ) primele reguli stilistice care se repetă încă în tehnica academică, inclusiv baza celor cinci poziții. și „setarea cu picioarele afară .
Baletul de curte ( Ballet de cour )
Caterina de Medici , membră a domniei de la Florența, a devenit regină a Franței în 1547 prin căsătoria cu regele Henric al II-lea și a introdus aceleași spectacole pe care le știa în Italia Franței. Aceste spectacole au fost puse în scenă de Baldassarre Baltazarini da Belgioioso (( FR ) Baltasar de Beaujoyeulx ) un muzician foarte talentat. Fusese chemat din Italia pentru a deveni profesorul de muzică al fiilor regelui în Franța.
Istoricii baletului consideră unul dintre spectacolele lui Belgioioso, Ballet Comique de la Reine (orig. Balet comique de la Royne ), ca primul balet adevărat. A fost un spectacol somptuos care a durat aproximativ cinci ore și jumătate, realizat pentru prima dată la 15 octombrie 1581 în cinstea căsătoriei dintre ducele de Joyeuse [3] și Marguerite de Vaudemont, sora reginei. Baletul a povestit despre mitul antic al lui Circe, care avea puterea de a transforma oamenii în fiare și a inclus muzică instrumentală, cântat, citire de versuri, dans și la care au participat ei înșiși nobilii curții. Deoarece tehnica de dans a fost extrem de limitată, Baltazarini a trebuit să se retragă pe costumele spectaculoase și pe scenele mari pentru a impresiona publicul. Pentru a se asigura că oamenii înțeleg povestea, el a distribuit copii ale versurilor folosite în balet. Baletul a avut un succes imens și a fost mult imitat în alte instanțe europene.
Spectacole coregrafice au fost, de asemenea, frecvent efectuate la curtea lui Henric al III-lea al Franței , care fusese printre spectatorii montării lui Baltazarini, dar o formă mai ușoară, mascarada de balet , de obicei o parodie, a fost adesea preferată temei mitologice sau alegorice. evenimentele curente. Se pare că unele creații au fost realizate ulterior în scopuri propagandistice chiar de cardinalul Richelieu , precum Ballet de quatre monarchies chrétiennes ( 1635 ) și Ballet de la prosperité des armes de France ( 1641 ), care mărturisește popularitatea deja atinsă atunci de la baletul.
În Italia, Curtea Medici era destul de activă la acea vreme, sub îndrumarea coregrafului Angelo Ricci . Printre spectacole, inspirate în general de acele teme ale umanismului care fuseseră sursa de inspirație pentru origini, baletele cu cai pe scenă au început să fie găsite tot mai des, o moștenire probabilă a turneelor medievale. Acest gen ecvestru spre sfârșitul secolului al XVI-lea a găsit tot mai mult succes în special în Franța și Viena, precum și în Florența. Cel mai izbitor exemplu a fost punerea în scenă la Viena, în 1667, a Contenției aerului și apei , de italianul Alessandro Carducci .
Alături de Florența, Torino a fost, de asemenea, activ în mod deosebit la mijlocul secolului al XVII-lea , sub îndrumarea contelui Filippo d'Agliè di San Martino , autor al baletelor și caruselelor foarte apreciate și în Franța.
Secolul al XVII-lea: splendoarea și splendoarea
Scena baletului baroc
Peisajul splendid pe care arhitecți precum Bernini și Borromini l-au amenajat pentru scenografia Romei papale a corespuns unui gust dominant pentru spectaculos chiar și în reprezentările teatrale. Florența era încă unul dintre principalele centre de creativitate și experimentare și aici, la mijlocul secolului al XVI-lea , au fost experimentate primele scenografii mobile, care au fost în curând îmbunătățite și utilizate cu mare succes, determinând o exaltare a scenei în detrimentul reprezentării. Scenografii italieni de teatru au triumfat în toată Europa: Ferdinando Bibiena a vrăjit Viena, Giacomo Torelli mai întâi și Gaspare Vigarani apoi au ghidat gustul parizian, dar înaintea lor Ludovico Burnacini cu fantastice mașini de teatru amenajate pentru operele Monteverdi și costumele somptuoase care evocă țările îndepărtate și de iaduri de avertizare inaugurase epoca barocă la teatru. Prin urmare, dansul în Italia a rămas limitat la rolul său de interludiu, în special în melodramă, nereușind să se impună independent.
Franța, pe de altă parte, părea să prefere propria cale legată încă de un dans lent și solemn. Maeștrii italieni, după ce Milano, centrul italian al dansului, a fost cucerit în 1515 de trupele lui Francesco I , au început să se mute în nordul Europei. La cererea regelui, Pompeo Diobono însuși a părăsit Milano în 1554 pentru a călători în Franța la curtea lui Henric al II-lea , Carol al IX-lea și Henric al III-lea mai târziu.
Ludovic al XIV-lea: baletul regal
Ballet Comique de la Reine a stabilit Parisul drept capitala lumii baletului. Așadar, baletul, deși născut în Italia, a devenit ulterior o artă deosebit de franceză.
Marele susținător al acestei arte a fost regele Ludovic al XIV-lea ( 1638 - 1715 ) numit Regele Soare. I-a plăcut să danseze și a participat la baletele date de curtea sa, dar sa oprit când fizicianul l-a împiedicat să continue să danseze. Chiar și astăzi în tehnica academică există un pas pe care l-a făcut numit Entrechat Royal în cinstea sa.
În 1661, Ludovic al XIV-lea a înființat Academia Regală de Dans cu scopul de a pregăti dansatorii să concerteze pentru el și curtea sa, începând astfel prima academie de dans dedicată pregătirii profesionale a dansatorilor. Urmând exemplul lui Ludovic al XIV-lea, companii similare au început să se dezvolte în toată Europa. Una dintre acestea a fost Academia Imperială de Balet din Sankt Petersburg , a cărei școală a fost fondată în 1738 și care va deveni capitala mondială a baletului clasic în secolul al XIX-lea datorită unor maeștri precum Enrico Cecchetti și Marius Petipa . Dansatorii francezi au devenit atât de buni încât au început să cânte public în teatre. La început, toți dansatorii erau bărbați, iar părțile feminine erau interpretate în trevesti. Dansatorii din secolul al XVIII-lea erau acoperiți cu măști, purtau peruci mari și pantofi cu toc înalt. Femeile purtau fuste largi și lungi, strânse în corset. Cei mai buni doi dansatori francezi ai vremii, Marie Camargo și Marie Sallé au revoluționat lumea dansului, introducând pantofi fără tocuri, scurtând fustele făcându-le mai puțin voluminoase și abandonând măștile.
Reforma baletului: „acțiunea baletului”
În a doua jumătate a secolului al XVIII-lea, francezii Jean-Georges Noverre și italianul Gasparo Angiolini au elaborat și teoretizat o reformă profundă a baletului, menită să emancipeze dansul din alte forme scenice (cântarea și declamarea), de care a fost întotdeauna conectat ( și subordonat) în spectacole de teatru și să încredințeze baletelor sarcina de a povesti în mod autonom evenimente dramatice, cu expresivitatea gesturilor dansate și utilizarea pantomimei.
Baletul romantic
Romantismul a fost un curent artistic-literar care s-a răspândit în întreaga Europă într-un mod uniform începând din Regatul Unit și Germania . Cei care s-au recunoscut în mișcarea romantică au declarat o rebeliune la regulile clasicismului antic, în special ca reacție la manierismul caracteristic al secolului al XVIII-lea , declarându-și intenția de a investiga mai profund în sufletul uman. De aici o mare concentrare asupra ocultului, magiei, supranaturalului, exoticului, îndepărtării în timp și spațiu. Franța și, în special, Teatrul Operei din Paris , au devenit locul de excelență pentru balet, servind ca exemplu pentru restul Europei. De fapt, în Franța a fost creat baletul considerat punctul de plecare al romantismului în dans: La Sylphide dansată de Maria Taglioni în coregrafia tatălui său Filippo Taglioni ( 1832 ). Intriga reflectă pe deplin temele dragi romantismului: iubirea imposibilă dintre un om și un spirit, decorul din Scoția, magia și spiritele dansante (silfele de fapt). La Sylphide a devenit prototipul multor alte balete bazate pe aceeași temă, printre care cea mai celebrată a fost Giselle ( 1841 ), care a imortalizat o altă mare dansatoare, Carlotta Grisi , și s-a remarcat pentru libretul creat de Théophile Gautier și compozițiile lui Adolphe Adam .
Publicul a venit la aceste balete datorită și curiozității generate de noile costume de teatru și de noile tehnici de dans .
Fustele au devenit mai ușoare și mai scurte, pantofii pointe au fost folosiți pentru a sublinia detașarea dansatorului de lumea pământească și a apărut tutu (inventat de Eugéne Lamy tocmai pentru La Sylphide ).
Dansul masculin și-a pierdut treptat supremația. Au fost create roluri centrate în jurul dansatorului eteric și romantic, femeile au dominat scena, bărbații au fost umbriți și retrogradați în rolul partenerilor, devenind simplu portor . Deseori rolurile masculine erau interpretate de dansatori în travesti , așa cum sa întâmplat, de exemplu, pentru rolul lui Franz în prima reprezentație din Coppélia ( 1870 ).
La sfârșitul secolului al XIX-lea , rolul Operei din Paris și-a pierdut dominația și baletul romantic a renăscut și în toată splendoarea sa în creațiile marilor balete narative ale lui Marius Petipa , coregraf al Baletelor Imperiale de la curtea rusă. Aceste balete, pietre de temelie ale dansului care au ajuns până în prezent, se ocupă de basme, fantastice sau exotice, precum Lacul lebedelor , Frumoasa adormită , Spărgătorul de nuci (toate cu muzica lui Pëtr Il'ič Čajkovskij) sau La Bayadère (muzică de Ludwig Minkus ).
Baletul Imperial Rus
Nașterea baletului rus coincide cu înființarea Academiei de dans la Teatrul Mariinsky din Sankt Petersburg în 1738 , în regia maestrului francez Jean-Baptiste Landé în timpul tarinei Anna a Rusiei ( 1693 - 1740 ). Când Caterina cea Mare a urcat pe tron în 1762 , petrecerea ei de încoronare a fost un spectacol de dans masiv pentru care au fost angajați aproximativ 4.000 de oameni. Maeștrii de balet din Italia și Franța au fost invitați să organizeze evenimentul. Ecaterina a II-a a contribuit semnificativ la dezvoltarea dansului în Rusia. El i-a chemat pe cei mai buni coregrafi din Europa pentru a preda în academie. Primul dintre aceștia a fost Charles Didelot , născut în Suedia, dar educat în Franța . A predat la Sankt Petersburg din 1801 până în 1811 și din 1816 până în 1837 . Apoi a venit rândul lui Jules Perrot din Paris care a rămas în Rusia între 1851 și 1858 . El a fost succedat de Arthur Saint-Léon între 1859 și 1869 . A venit apoi rândul maestrului de maeștri, francezul Marius Petipa, care a regizat baletele imperiale timp de aproximativ treizeci de ani, creând cele mai mari capodopere din istoria baletului, inclusiv: Frumoasa adormită ( 1890 ), Lacul lebedelor ( 1895 , în colaborare cu Lev Ivanov ) și Spărgătorul de nuci ( 1892 ), a căror coregrafie se datorează totuși lui Lev Ivanov. Fiica tuturor acestora este, de asemenea, una dintre cele mai prestigioase școli de balet din Rusia: școala Teatrului Bolshoi din Moscova.
Baletul în secolul al XX-lea
Petipa a creat peste 50 de coregrafii pentru baletele imperiale. În cele din urmă, formula lui era în pericol să se termine și să devină un container gol pentru a demonstra abilitatea balerinei sau a dansatorului. În 1909 , un impresar rus care nu știa nimic despre dans, dar multe despre modul în care a fost produs un spectacol de succes, Sergej Djagilev , a fondat Ballets Russes în care uniunea picturii, muzicii și dansului a fost coloana vertebrală.
Baletele Ruse s-au depopulat în Europa și au scos la lumină personalități foarte importante ale dansului precum: Anna Pavlova (dansatoare), Vaslav Nijinsky (dansatoare și coregraf), Michel Fokine (primul coregraf al companiei), George Balanchine care va influența într-un mod decisiv felul dansului clasic american.
Compania s-a despărțit la moartea lui Djagilev în 1929 . Dansatori și coregrafi s-au alăturat altor companii din multe părți ale lumii și au influențat baletul într-un mod decisiv oriunde s-au dus.
Terminologie
Pas de adio
În tradiția italiană a baletului, Passo d 'addio este numit eseul final pentru elevii care părăsesc școala de dans sau pentru dansatorii concediați dintr-un teatru mare.
Notă
- ^ Guglielmo Ebreo da Pesaro, De scuola seu arte tripudii - On the Practice or Art of Dancing , transcriere în engleză și traducere de Barbara Sparti , Oxford, Clarendon Press, 1993, p. 122
- ^ Citat în Calendoli, Luigi, Istoria universală a dansului , Verona, Arnoldo Mondadori, 1985.
- ^ Fratele lui Henric al II-lea după Luigi Rossi ( Luigi Rossi, Storia del Balletto , Bologna, Universale Cappelli, 1972. ) este mai degrabă Anne de Joyeuse , primul duce de Joyeuse, care se va căsători cu Marguerite de Lorraine la 18 septembrie 1581 . La Muzeul Luvru se află un tablou, realizat de un artist necunoscut, reprezentând o scenă de dans, care indică data de 24 septembrie. Trebuie menționat, totuși, că nunțile nobile de la acea vreme ar putea dura câteva zile, cu spectacole de banchet de peste 15 cursuri care au durat până în noapte.
Elemente conexe
Alte proiecte
-
Wikimedia Commons conține imagini sau alte fișiere despre balet
linkuri externe
- Resurse în limba italiană
- ( IT , DE , FR ) Balet , pe hls-dhs-dss.ch , Dicționar istoric al Elveției .
- ( EN ) Ballet , în Encyclopedia Britannica , Encyclopædia Britannica, Inc.
- Carmela Lombardi, Dans și bune maniere în societatea vechiului regim - Tratate și alte texte italiene între 1580 și 1780 (PDF) ( PDF ), pe unisi.it . Adus la 23 februarie 2008 (arhivat din original la 24 septembrie 2014) .
| Controlul autorității | Tezaur BNCF 2250 · LCCN (EN) sh85011275 · GND (DE) 4004351-4 · BNF (FR) cb11934698n (data) · NDL (EN, JA) 00.560.522 |
|---|
