Muzică

De la Wikipedia, enciclopedia liberă.
Salt la navigare Salt la căutare
Notă despre dezambiguizare.svg Dezambiguizare - Dacă sunteți în căutarea altor semnificații, consultați Muzică (dezambiguizare) .
Evaristo Baschenis , Instrumente muzicale .

Muzica (de la substantivul grecesc μουσική, mousike; „arta muzelor ”) este produsul artei de a concepe și produce, prin utilizarea instrumentelor sau a vocii, o succesiune de sunete care tind să fie plăcute de ascultat. Mai tehnic, muzica constă în concepția și realizarea sunetelor, timbrelor și tăcerilor în timp și în spațiu.

Este arta ca un complex de reguli practice adecvate pentru realizarea anumitor efecte sonore, care sunt capabile să exprime interioritatea individului care produce muzica și a ascultătorului. Generarea sunetelor are loc prin cântat sau prin utilizarea instrumentelor muzicale care, prin principiile acusticii , determină percepția auditivă și experiența emoțională dorită de artist .

Cu toate acestea, semnificația termenului de muzică nu este unică și este mult dezbătută în rândul cărturarilor datorită diferitelor semnificații utilizate în diferite perioade istorice. Etimologic, termenul muzică derivă din adjectivul grecesc μουσικός / musikòs, referitor la muze , figuri ale mitologiei grecești și romane , referite în mod implicit la tehnică , derivând tot din grecescul τέχνη / techne . Inițial termenul nu indica o anumită artă , ci toate artele muzelor și se referea la ceva „perfect”. Macrocategoriile de cult , ușor și etnic sunt împărțite în diferite genuri și forme muzicale care utilizează sisteme precum armonia , melodia , tonalitatea și polifonia .

Istorie

Pictogramă lupă mgx2.svg Același subiect în detaliu: Istoria muzicii .

Muzica în timpurile preistorice

Pictogramă lupă mgx2.svg Același subiect în detaliu: muzica preistorică .

Muzica în antichitate

Pictogramă lupă mgx2.svg Același subiect în detaliu: Muzica Greciei antice , Muzica în civilizația romană , Muzica Egiptului antic și Muzica antichității .

În Grecia antică, Pitagora a înțeles relația strânsă dintre muzică și matematică , datorită relației dintre relațiile fracționate și sunet .

Platon a declarat că, la fel cum gimnastica a servit la întărirea corpului, muzica a trebuit să îmbogățească sufletul. El a atribuit o funcție educațională muzicii, cum ar fi matematica. Potrivit lui, era necesar să știm să alegem între mult și puțin, între mai mult sau mai puțin, între bine sau rău, pentru a atinge scopul final [1] .

Muzică sacră medievală

Pictogramă lupă mgx2.svg Același subiect în detaliu: cântarea gregoriană .

În creștinism , cântatul era răspândit, deoarece „Hristos” însuși a fost descris ca un cantor împreună cu ucenicii săi: „Și după ce au cântat imnul, au ieșit spre Muntele Măslinilor Mt 26,30 [2] . Muzica în creștinism s-a dezvoltat mult în locul respectiv de cult, biserica: a fost muzica pe care a fost realizată în liturgia celebrează masa .

Se poate ipoteza că forma inițială a muzicii liturgice a fost monodică (din cuvântul grecesc care înseamnă o singură voce, adică aceeași melodie a fost cântată de unul sau mai mulți cântăreți) și bazată pe variații ale tonului în jurul unei note fundamentale (numită recita) , o variație care a fost dictată de prozodia (sau accentuarea) cuvintelor textului sacru, în stilul muzical numit silabic. De-a lungul timpului, un al doilea stil a fost suprapus acestui stil, care a dominat cea mai mare parte a masei, rezervat inițial pentru momente de accentuare mai mare, cum ar fi ofertoriul, în care un solist a intonat textul variind liber intonația într-o silabă într-un stil. numit melismatic .

Transmiterea muzicii a avut loc în acest moment prin tradiție orală și prin școli de canto, a căror prezență în marile centre de cult este atestată încă din secolul al IV-lea. În plus față de școala de origine, este probabil că improvizația și îndemânarea cantorului individual au determinat în mare măsură și muzica de utilizare liturgică.

La începutul secolului al VI-lea , existau mai multe zone liturgice europene în Occident, fiecare cu ritul său consolidat, asociat cu un cantus planus specific, sau un tip de cântec liturgic monodic (printre cele principale, ne amintim de Vechiul Ritul roman, ritul ambrozian la Milano , ritul visigotico-mozarabic în Spania , ritul celtic în insulele britanice, ritul galican în Franța , ritul aquileian în estul Italiei, ritul Benevento în sudul Italiei). Tradiția spune că, la sfârșitul acestui secol, sub papalitatea lui Grigorie cel Mare ( 590 - 604 ) a existat împingerea decisivă spre unificarea riturilor și a muzicii care le stătea la baza.

În realitate există motive să credem că unificarea a avut loc aproape două secole mai târziu, de către Carol cel Mare și sub impulsul unificării politice care a dus la nașterea Sfântului Imperiu Roman . Atribuția lui Grigorie cel Mare ar fi fost introdusă pentru a depăși rezistența la schimbare în diferitele medii ecleziastice, forțați să renunțe la propriile tradiții. Produsul unirii a două dintre principalele rituri, vechiul-roman și galicanul, a fost codificat în așa-numitul antifonar gregorian, care conținea toate cântările permise în liturghia unificată. Această unificare a clasificat piesele de muzică sacră utilizate în funcție de un sistem de moduri, inspirat - cel puțin în nume - de căile tradiției grecești (doric, hipodoric, frigian, hipofrigian, lidian, hipolidian, misolidian, hipomisolid).

Repertoriul cântării gregoriene este foarte vast și se diferențiază în funcție de vârsta compoziției, regiunea de origine, forma și stilul. Se compune din cântările Oficiului (așa-numita „Liturghie a orelor” recitate zilnic de clerici) și cântările Liturghiei .

  • Următoarele forme liturgico-muzicale se găsesc în cântările Oficiului: Antifonele, Responsorii (care pot fi scurți sau detaliați), „cantica” (cu un caracter mai liric) și Imnurile (recitate exclusiv în mănăstiri pentru frică, din partea Bisericii, de răspândirea ereziilor, având în vedere aprobarea lor puternică și populară);
  • În cântările Liturghiei există forme legate de părțile Ordinary sau Ordinarium Missæ (adică textele care nu se schimbă niciodată: Kyrie , Gloria , Credo , Sanctus și Agnus Dei ) și ale Proprio sau Proprium Missæ (adică textele care variază în funcție de diferitele festivități: Introitul , Gradualul , aleluia - înlocuit cu Tract în timpul Postului -, Aducerea Darurilor și Communio ).

Atât în ​​cântările Oficiului, cât și în cele ale Liturghiei, găsim toate genurile-stiluri compoziționale ale repertoriului gregorian; pot fi clasificate în trei familii numeroase:

  • Cântece silabice ( când fiecare silabă a textului corespunde, de obicei, unei singure note ), cum ar fi Antifoanele mai simple ale Oficiului, melodiile simple ale Ordinului și recitativele Celebrantului;
  • Cântările semi-silabice sau neumatice ( când grupuri mici de note corespund fiecărei silabe unice ale textului ), cum ar fi Introiti și Communio of the Mass sau unele antifoane mai largi ale Oficiului;
  • Cântecele unui gen melismatic ( când fiecare silabă a textului este înflorită cu multe note ), cum ar fi unii Graduali și Ofertori sau răspunsurile verbose ale Oficiului sau cel mai important jubilul Aliluia.
Neuma plurisonică.

Reforma gregoriană a înlocuit studiul textelor pentru transmiterea orală a școlilor originale de canto, sacrificând, pe lângă particularitățile regionale (dintre care unele, în special cele de derivare mozarabă, deosebit de bogate) și la intonația micro-tonală (care încă exista în ritul antico-roman) și rolul improvizației. În același timp a fost necesară „adnotarea” textelor scrise pentru a-i ajuta pe cântăreți să interpreteze mereu muzica în același mod, cu o linie melodică care să-i indice direcția, ascendentă sau descendentă. Această nevoie a dat naștere unor semne particulare ( neume , aparent născute din gesturile directorului corului) care, notate între liniile codurilor, au reprezentat progresul melodiei, așa cum s-a menționat deja, (dar lăsând intonația și ritmul liber ). Scrierea neumatică a devenit astfel prima „notație”, de unde și cuvântul „notă”, muzică modernă.

Nașterea notației

Pictogramă lupă mgx2.svg Același subiect în detaliu: Guido Monaco .

Scrierea neumatică a lăsat mult imaginației cititorului și, tocmai din acest motiv, nu a fost potrivită pentru transcrierea compozițiilor cu o complexitate mai mare, care au pus o presiune pe memoria cântăreților. În lucrarea lui Guido d'Arezzo (992 ca.-1050 ca.) a fost stabilit primul sistem de scriere diastematică , adică o scriere care a permis ca diferite tonuri ale notelor să fie intonate să fie indicate. Guido și-a numit sistemul tetragrammaton deoarece a inserat semne (care mai târziu vor deveni note moderne) într-o grilă formată (adesea) din patru linii paralele. Acesta a fost începutul utilizării notelor în care scrierea duratelor a fost obținută proporțional (durata unei note a fost indicată proporțional cu celelalte). Notele care erau poziționate în spații și pe linii, Guido a atribuit nume aproape toate corespunzătoare silabelor inițiale ale primelor șase versete ale unui imn dedicat Sfântului Ioan Botezătorul ca memorandum pentru studenți:

( LA )

" Ut queant laxis
Re sonare fibris
Mi ra gestorum
Face muli tuorum
Sol ve polluti
Reatum BII
S ancte I ohannes "

( IT )

«Ca să poată cu gratis
vocile cântă
minunile acțiunii
slugile tale (ale tale),
ștergeți cei întinați
păcatul buzelor,
sau Sf. Ioan "

( Imnul Sf. Ioan )

Adevărata inovație a lui Guido a fost că primele silabe ale imnului nu au fost folosite doar pentru a da un nume notelor, ci și pentru a da intonația lor relativă. În acest fel, un cantor putea intona la prima vedere un cântec nemaiauzit până atunci, pur și simplu referindu-se la silaba imnului cu aceeași intonație ca și prima notă la care a început cântecul, pentru a avea o idee imediată a rădăcinii. Guido a dat acestui proces de memorare numele de solmizare . În anii care au urmat, tetragrama lui Guido d'Arezzo, dotată inițial cu un număr variabil de linii, s-ar stabiliza pe cinci linii (asumând numele de pentagramă ), iar nota Ut și-ar schimba numele în C, punând bazele modernului notație muzicală.

Trubadorii

Pictogramă lupă mgx2.svg Același subiect în detaliu: Troubadours .
Trubadorul Bernard de Ventadorn .

Din punct de vedere al conservării sale, muzica era de două ori dezavantajată. Pe de o parte, până la inventarea tiparului, acesta a suferit de soarta comună a întregului material care trebuia predat în scris, adică de la raritatea materialului, mijloacele și capacitatea de a-l transmite pe. La aceasta s-a adăugat lipsa unei notații care să permită scrierea muzicii într-un mod univoc (care a fost atins doar în jurul anului 1500 ).

În aceste circumstanțe practice, au existat și prejudecăți de natură culturală (datând de la concepția greacă) care au identificat în practica muzicală o parte nobilă, legată de cuvânt și o parte artizanală, conectată la sunetul instrumental. Al doilea a fost retrogradat în plan secund și, în funcția sa de serviciu, lăsat muzicienilor profesioniști (întotdeauna de origine non-nobilă): acest lucru echivalează cu a spune că muzica populară a fost încredințată exclusiv transmisiei orale și este complet pierdută pentru noi. Câteva melodii care au ajuns până la noi au făcut-o adesea strecurându-se în compoziții considerate demne de a fi predate (adesea în părți ale masei): acesta este cazul melodiei numite L'homme armé și (mai târziu) a melodie numită La Follia . Doar în era modernă, muzica populară va începe să fie considerată demnă de a fi transmisă.

Se știe totuși că în Evul Mediu au produs o mulțime de muzică non-sacră: un martor important (profan, deși nu tocmai popular) provine din compozițiile trubadurilor , trouvères și Minnesanger , cântăreți și poeți rătăcitori, ale căror prime înregistrări datează din secolul al XI-lea . Cu o origine lingvistică diferită ( langue d'oc sau occitană pentru troubadour , langue d'oïl pentru trouvères , germană pentru Minnesanger sau menestrele ), aceștia erau uniți de argumentul cântecelor lor, de „ dragostea curtenească și de prezența lor, tocmai de curțile, unde această formă ritualizată de dragoste fusese dezvoltată. Răspândirea compozițiilor trubadurice a însoțit și răspândirea ideii că educația muzicală (strict neprofesională) ar trebui să facă parte din educația unui nobil. În ceea ce privește restul compozițiilor populare, totuși, partea muzicală a compozițiilor trobadourilor a fost aproape complet pierdută, datorită distrugerii provocate de cruciada împotriva albigienilor .

Compozițiile care au ajuns până la noi (în mai multe versiuni, indicând marea circulație a melodiilor și a compozitorilor înșiși) sunt colectate în Canzoniere, în care numele și viețile trubadurilor celebri sunt menționate în „vidas”. Printre numele care apar cel mai mult: Arnaut Daniel (menționat și de Dante în Purgatoriu); Jaufre Rudel; Bernard de Ventadorn; Bertran de Born. Datorită cărților de cântece suntem conștienți și de genurile, atât literare, cât și muzicale, compuse și cântate de menestrele, care nu se ocupă doar de tema iubirii. Compoziția prin excelență este canso pentru trubaduri, chanson pentru trubaduri, mințit pentru minnesanger; alături găsim zorii (separarea a doi îndrăgostiți în zorii zilei, după ce au petrecut noaptea împreună), ciobaneasa (întâlnire între un cavaler și o ciobană); tensiunea și Sirventesi de gen satiric.

Ars Antiqua și Ars Nova

Pictogramă lupă mgx2.svg Același subiect în detaliu: Ars antiqua și Ars nova .

Ars antiqua a fost un fenomen muzical care s-a format la Paris în 1150 și s-a încheiat în 1320 . S-a născut în opoziție cu Ars nova , care va fi o altă mare mișcare polifonică care se va naște în secolul al XIV-lea . Din punct de vedere al notației muzicale, Școala Notre Dame a introdus tehnica de a indica cu precizie tonul notelor (care în opera lui Guido d'Arezzo era încă înțeles într-un mod relativ) într-un mod similar cu ceea ce se întâmplă în scris, muzical modern și prima idee de împărțire a duratelor: fiecare notă ar putea fi împărțită în trei note de durată mai scurtă. Ars nova a dezvoltat în continuare conceptul de notație mensurală , adăugând alte durate celor utilizate până atunci și extinzând aplicabilitatea diviziunii binare a valorilor; el a accentuat și aspectele muzicale ale compozițiilor (multiplicatoare vocile cântăreților și introducerea , de exemplu , forma polytextual a motet ) , în ceea ce privește aspectele textuale. Aceste inovații au pus-o curând în controversă cu exponenții Ars antiqua (o controversă care a preluat tonuri atât de violente încât a trebuit să fie stinsă printr-o intervenție regală).

Muzica în umanism și Renaștere

Pictogramă lupă mgx2.svg Același subiect în detaliu: muzica renascentistă .

În secolul al XV-lea s-a dezvoltat un stil nou, inițial inspirat de compozitorii englezi (în special John Dunstaple ), iar mai târziu de școala franco-flamandă , care a inovat foarte mult formele preexistente de masă , motet și chanson . Plasând consonanțele pentru treimi (încă cunoscute urechii occidentale astăzi) și forma imitativă a canonului la baza procedurilor lor compoziționale, franco-burgundienii (printre care ne amintim de liderul școlii Guillaume Dufay și Josquin Des Prez ) au revoluționat practica polifoniei moștenite de la Ars nova . Opera acestor compozitori a pus bazele dezvoltării a ceea ce ar fi teoria armoniei .

În secolul al XVI-lea avem nașterea madrigalului (o formă cântată cu mai multe voci, în care sensul textului comunica caracterul expresiv muzicii) de către francezul Philippe Verdelot și flamandul Jacques Arcadelt . Datorită invenției presei, s-a născut publicarea muzicală, care în Italia se îndrepta mai ales către o elită, în timp ce în Franța și nordul Europei a vizat o extindere a pieței.

Reforma a influențat radical modul de concepere a muzicii: în timp ce în zonele calviniste muzica a fost redusă la singura funcție liturgică, în cele luterane s-a răspândit pe scară largă la niveluri populare, îndeplinind rolul lipiciului național grație limbajului și credinței. S-au pus bazele unei noi sensibilități germanice față de această artă care va produce efecte epocale.

În context catolic, însă, limitările impuse muzicii sacre de Conciliul de la Trent , care au descurajat complexitatea excesivă, au provocat o reacție la complexitatea școlii flamande din secolul anterior. Giovanni Pierluigi da Palestrina , la rândul său, a produs compoziții în care un contrapunct fluid alternează în mod gros consonanțe și disonanțe cu un efect de suspensie sugestiv. În a doua jumătate a secolului avem nașterea melodramei , realizată de Camerata florentină : în deceniile următoare, genul va fi adus la modă în principal datorită lui Claudio Monteverdi .

Barocul și sistemul tonal

Pictogramă lupă mgx2.svg Același subiect în detaliu: muzică barocă și Tonalitate (muzică) .

În secolul al XVII-lea, muzica instrumentală din Occident a devenit autonomă și a luat o fizionomie conturată în genuri precum sonata , simfonia , marele concert . Muzica occidentală s-a dezvoltat cu o rapiditate extraordinară în secolele următoare, chiar și prin perfecționarea sistemului său tonal : o etapă de referință este constituită de compozițiile lui Johann Sebastian Bach din Clavitul bine temperat (I carte 1722 , II carte 1744 , colecție de 48 de preludii și fugi în toate nuanțele). În prima jumătate a secolului al XVIII-lea, au apărut clienți indirecți, adică utilizarea artei de către un public plătitor.

Clasicism și muzică romantică

Pictogramă lupă mgx2.svg Același subiect în detaliu: Clasicism (muzică) , muzică romantică și Istoria simfoniei .

În epoca de aur a muzicii clasice occidentale, de ani , de la 1750 pentru a anul 1850 , acesta este exprimat în forme tot mai bogate și mai elaborate, atât în domeniul instrumental (o dezvoltare extraordinară a avut forma de simfonie ) , cât și în operatica domeniu, exploatând tot mai multe posibilități expresive oferite de sistemul armonic și tonal construit în secolele trecute.

În această perioadă, pentru prima dată, s-a manifestat un sentiment istoric al experienței muzicale; muzica a dobândit o conștientizare istorică ca și celelalte arte datorită studiilor și publicațiilor referitoare la trecut; printre tratatele notabile, ne amintim de maestrul Ant. Reicha , autorul unui Tratat de melodie , a unui Tratat de armonie și a unei noi metode pentru fugă, precum și a numeroase (dar celebre) lucrări minore. Acest nou fenomen a făcut posibilă crearea unei legături între prezent și trecut și pentru a da continuitate parcursului muzical evolutiv.

În secolul al XVIII-lea a existat o mare prezență a lui Mozart . Fără îndoială, a fost unul dintre cei mari și sunt mulți; și datorită lui evoluția muzicii s-a bazat pe un mare stâlp creat, care s-a extins în toate domeniile, simfonie, operă, muzică de cameră , serenade și care a reprezentat legătura, putem spune, între muzica secolului al XVIII-lea (calmul și simfonii senine, care reflectă perfect schemele muzicale ale lui Haydn ) și cea romantică a secolului al XIX-lea.

La începutul secolului al XIX-lea a apărut figura lui Ludwig van Beethoven , pornind de la moștenirea compozitorilor clasici Mozart și contemporani pentru a transfigura formele muzicale canonice, în special simfonia și sonata , creând în același timp conceptul de muzică absolută , adică , eliberat de funcțiile sociale cărora le fusese subordonat până acum. Cu Beethoven am fost martori la nașterea compozitorului / artistului, spre deosebire de cea, predominantă anterior, a muzicianului / meșterului. Împreună cu el, artiști precum Johannes Brahms , Anton Bruckner și Gustav Mahler au obținut rezultate excelente mai ales în domeniul simfonic, motiv pentru care vorbim de „Sezonul marii simfonii germane”.

În Beethoven găsim primele manifestări ale romantismului muzical, dintre care mulți dintre protagoniști erau din zonele germanice și austriece, precum Weber , Schubert , Mendelssohn , Schumann . În Franța, în schimb, operează Berlioz și polonezul Chopin .

Muzică modernă și contemporană

Pictogramă lupă mgx2.svg Același subiect în detaliu: muzică modernă , muzică contemporană , atonalitate și dodecafonie .

Aceste inovații tonale au fost contestate radical de muzica secolului XX , care a explorat noi forme de atonalitate . Cu această tehnică, compozitorul unic a definit în mod autonom regulile pentru realizarea piesei, acordând o importanță mai mare efectului produs de sunete, mai degrabă decât apartenenței lor la un sistem tonal atribuit: să aprecieze o piesă de muzică compusă conform acestor canoane, cu toate acestea, ascultarea justă nu este suficientă, ci trebuie completată de un studiu atent al scorului .

În special, în al doilea deceniu Arnold Schönberg , împreună cu studenții săi, inclusiv Alban Berg și Anton Webern , au ajuns să contureze un nou sistem , dodecafonia , bazat pe o serie de 12 note. Unii au considerat acest lucru începutul muzicii contemporane , adesea identificat cu muzica de avangardă : alții nu au fost de acord, căutând alte căi. Il concetto di serie, inizialmente legato ai soli intervalli musicali, si svilupperà nel corso del secondo Novecento sino a coinvolgere tutti i parametri del suono. Fu questa la fase del serialismo , il cui vertice fu raggiunto negli anni cinquanta con musicisti come Pierre Boulez e John Cage .

Altri musicisti - fra cui anche Igor' Fëdorovič Stravinskij , Béla Bartók e Maurice Ravel - scelsero di cercare nuova ispirazione nelle tradizioni folkloriche e nella musica extraeuropea, mantenendo un legame con il sistema tonale, ma innovandone profondamente l'organizzazione e sperimentando nuove scale, ritmi e timbri.

A causa della larga gamma di definizioni, lo studio della musica è effettuato in una grande varietà di forme e metodi: lo studio del suono e delle vibrazioni (detto acustica ), lo studio della teoria musicale , lo studio pratico, la musicologia , l' etnomusicologia , lo studio della storia della musica .

Canto e musica nella tradizione folclorica

Con musica popolare o musica folk (letteralmente musica del/dal popolo ) e canto popolare si indicano quei generi musicali che affondano le proprie radici nelle tradizioni di una determinata etnia , popolazione , ambito geografico o culturale .

Questo concetto deve essere distinto da quello di musica pop legato a quello di canzone popolare . La musica, ma soprattutto il Canto popolare risveglia all'orecchio degli appassionati di etnomusicologia un interesse particolare. Questa musica nasce insieme alla civiltà umana e con essa si sviluppa nel corso dei secoli tramandata di generazione in generazione oralmente.

La canzone popolare

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Musica popolare .

Diverso dal concetto folklorico di canto popolare, ma da esso originata, la canzone attraverso i suoi interpreti raccontò, a partire dalla seconda metà dell'Ottocento, la storia, le vicende, e le trasformazioni delle città italiane e straniere. Si diffuse nei salotti borghesi dove si organizzavano incontri di società; questa volta come dice lo slogan <non sono canzoni del popolo ma sono per il popolo> tale slogan esemplificò la matrice del successo generalizzato ottenuto grazie allo sviluppo di tematiche vicine ai sentimenti comuni. Spesso si trattò di canzoni dialettali che parteciparono a festival come quello celeberrimo di Piedigrotta e che rapidamente trascesero le frontiere dei vari stati e le incomprensioni linguistiche. Con l'introduzione di rapporti innovativi tra gli autori e gli editori , con una gestione regolamentata internazionalmente dei diritti degli autori e con la prospettiva di poter usufruire di un pubblico sempre più vasto, gli uffici della Siae dell'epoca vennero presi d'assalto da un nugolo di nuovi autori, di tutte le estrazioni sociali e culturali.

Jazz e Blues

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Musica jazz e Blues .

All'inizio del 1900, negli Stati Uniti d'America , iniziarono a diffondersi tra la popolazione urbana diversi generi musicali derivati dalle tradizioni popolari degli africani portati come schiavi sul continente, e dalle loro contaminazioni con le tradizioni musicali bianche.

Nacquero e acquisirono notorietà in questo modo il ragtime , il blues urbano (derivato dal cosiddetto blues primitivo che veniva cantato nelle campagne), e da ultimo, il jazz, che combinava la musica bandistica e da parata, che veniva suonata soprattutto a New Orleans , con forti dosi d' improvvisazione e con particolari caratteristiche ritmiche e stilistiche.

L'invenzione del fonografo e della radio, permise una diffusione senza precedenti di questi nuovi generi musicali, che erano spesso interpretati da musicisti autodidatti molto più legati ad una tradizione musicale orale che non alla letteratura musicale. Le origini non europee degli interpreti, e il citato ricorso all'improvvisazione, contribuirono a creare musiche di grande freschezza e vitalità. Al contrario di quello che era successo tante volte nella storia della musica, la tecnologia offriva ora a un genere musicale popolare, fondato più sulla pratica che sulla scrittura, di essere diffuso e tramandato.

Gerry Mulligan , tra le figure più rappresentative del Cool jazz

La musica jazz continuò a svilupparsi per tutto il XX secolo , diventando prima musica di larghissimo consumo durante gli anni venti/anni trenta (detti gli anni dello swing ), intrecciandosi con altri generi per dare vita a forme di espressione musicale ancora diverse ed evolvendosi poi gradatamente in una "musica per musicisti" e per appassionati, espandendosi fuori dall'America e trovando seguaci prima in Europa (dove fu spesso apprezzata più che nel sua terra d'origine) e poi in tutto il mondo, e diventando uno dei contributi musicali più importanti del Nuovo Continente. La musica Jazz si può considerare come un nuovo varco verso altri mondi musicali: un genere che, partendo da un substrato che comprendeva le forme popolari del blues, degli spiritual , del gospel del dixieland , incorporando via via altre forme di musica nera (come il ragtime degli anni venti ) arrivò ad utilizzare una base di standard usati come punto di partenza per modificarne di continuo ogni modulo armonico , melodico , e ritmico .

La musica jazz, con le varie influenze che ne sono derivate, è stata definita colta , anche grazie all'avvicinamento e all'approfondimento della musica classica . Lo stesso non può dirsi per il blues iniziale. Il passaggio di qualità è probabilmente attribuibile a George Gershwin , musicista di grande valore, figlio di emigranti russi, morto giovanissimo ma che ebbe dei maestri importanti e fu ispirato da autori come Debussy e Ravel . La sua produzione è incredibilmente vasta, con notevole esposieione delle opere definite minori (circa 700), utilizzate anche ora come standard inesauribili. Ricordiamo che lo stesso Debussy venne influenzato dal jazz, come si può ben udire in "Golliwogg's Cakewalk", brano posto alla fine del " Children's Corner ", una delle sue più celebri suite per pianoforte.

Il jazz "musica colta" si sviluppò a partire dagli anni quaranta , grazie al Cool jazz , al Be bop , all' Hard bop e agli stili più recenti del Free jazz e della Fusion . [3]

La popular music del XX secolo

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Musica pop e Rock and roll .

All'inizio del XX secolo la musica occidentale cambiò profondamente, e fu scossa fin dalle fondamenta. Non solo, ma cambiarono anche, grazie alle invenzioni relativamente recenti della radio e del fonografo , i modi ei tempi di ascolto della musica stessa, prima limitati a concerti in locali appositamente adibiti, come teatri , locali, club o case private. Da una parte iniziò a crearsi un pubblico potenziale più vasto e meno acculturato, che apprezzava strutture melodiche e armoniche più semplici, dall'altra mai come in questo periodo storico fu facile, per chi volesse suonare, procurarsi uno strumento e imparare a usarlo.

A questo si deve aggiungere una seconda rivoluzione, anche questa tecnologica: l'invenzione dell' altoparlante e dell'amplificazione audio, che permise di far suonare assieme strumenti che non potrebbero farlo altrimenti (come per esempio una chitarra , una batteria di tamburi e un pianoforte ), perché il suono di alcuni di essi prevaricherebbe completamente gli altri.

Queste nuove possibilità tecniche crearono l'occasione per nuovi veicoli espressivi che la musica colta tardò a cogliere e che la nuova musica popolare non ebbe alcun problema ad adottare, creando, tra il 1920 fino al 1980 e in misura minore negli anni successivi, una grande fioritura di nuovi stili e generi (quali jazz , blues , rock , soul , pop , funky , metal e fusion , ognuno dei quali si è suddiviso in ulteriori sottogeneri). In ambito pop nacquero personaggi che diventano autentici fenomeni mediatici raggiungendo una popolarità senza precedenti. Fra questi si possono citare Frank Sinatra , Elvis Presley , James Brown , Jimi Hendrix , Bob Dylan , Beatles , Elton John , Bruce Springsteen , U2 per arrivare ai più recenti George Michael , Michael Jackson , Bon Jovi , Oasis , Madonna , Cher , Britney Spears , Adele .

Altro genere popolare sorto nel XX secolo è stato il rock , dizione abbreviata di "rock and roll" o "rock'n'roll" (da quando si affermò questa espressione abbreviata si svilupparono vari sottogeneri che enfatizzavano gli aspetti più aggressivi del rock'n'roll e la parola rock si iniziò a leggere come "roccia", specie riferendosi all' Hard Rock ). Il rock'n'roll nacque negli anni cinquanta come musica da ballare, derivata dal boogie-woogie , ballo afro-americano del dopo guerra (che si potrebbe tradurre con "ondeggia e ruota"). Quando rock e rock'n'roll si differenziarono, la seconda espressione venne intesa come forma originaria di questo genere di musica. Storicamente un gruppo, o una band è formata da una voce, una o più chitarre , il basso e la batteria , in alcuni casi con l'inserimento di altri strumenti (ad esempio pianoforte o sassofono ).

Negli anni sessanta , soprattutto in Inghilterra, si formarono gruppi come The Who , Pink Floyd , Led Zeppelin , Deep Purple , King Crimson e Soft Machine pronti a spaziare ea raggiungere nuove strutture musicalmente più complesse rispetto a quelle del rock primitivo, traendo spesso ispirazione dalla musica classica e dal jazz, per iniziare a dare vita a una rivoluzione. In questa rivoluzione fu coinvolta anche la tecnologia, che con il sintetizzatore , il moog , il mellotron iniziò a dare vita nella metà degli anni sessanta al genere progressive . Alla fine degli anni settanta nacque un nuovo stile musicale che azzerò completamente il progressive, il punk , che vide il ritorno a sonorità hard e violente spinte a volte verso estremismi anti-musicali e legate a tematiche di contestazione politica [4] .

Negli anni ottanta le due correnti principali del rock erano il punk e le sue propaggini ( Post-punk , Hardcore punk , New wave (musica) , No Wave , Industrial ecc.) e il Metal (un'evoluzione particolarmente pesante dell'hard rock, più elaborata del punk dal punto di vista musicale). I primi anni novanta videro l'esplosione del fenomeno Grunge che riportò per qualche tempo il rock all'attenzione delle masse popolari. Il gruppo più rappresentativo di questo genere furono i Nirvana , che con Il loro secondo album Nevermind portarono il grunge nel mainstream rimanendoci fino alla fine degli anni novanta. Nella seconda metà degli anni novanta la ripresa di istanze progressive, filtrate dall'esperienza punk, diedero vita a quello che sarà poi definito Post-rock [5] . All'interno dell'universo post-rock può essere incluso il Math rock (una forma particolarmente fredda, complessa ed anti-melodica di rock) e certe forme di neopsichedelia (si veda Roy Montgomery e la scena Neozelandese ). Altra corrente che si sviluppa nel corso del decennio è lo Stoner rock , mentre il metal si avvia ai suoi sviluppi più estremi e parossistici: Death metal , Black metal , Doom metal , Power metal , Thrash metal e Speed metal si allontanano nettamente dagli schemi della canzone hard rock / heavy metal tendendo anch'essi a rivolgersi a nicchie di pubblico più ristrette, mentre le tematiche diventano sempre più oscure e decadenti (si vedano le suggestioni esoteriche ed anti-moderne di certo Black metal , passato all'attenzione dei media nei primi anni novanta anche per gli atteggiamenti estremamente provocatori e violenti di alcune band). Parallelamente, la musica nera troverà il suo nuovo genere di riferimento nel rap .

In linea generale, ad esclusione del pop-rock e del metal classico, lo sviluppo di questi generi ha finito per caratterizzare il rock degli ultimi decenni come genere "di nicchia", lontano tanto dalla tradizione colta quanto dalle regole della musica leggera di ampio consumo.

Generi musicali

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Generi musicali .

I generi musicali sono categorie entro le quali vengono raggruppate, indipendentemente dalla loro forma , composizioni musicali aventi caratteristiche generali comuni, quali l'organico strumentale , il destinatario e il contesto in cui sono eseguite. Il grado di omogeneità formale e stilistica di tali raggruppamenti è molto variabile e diviene addirittura nullo nel caso di generi con alle spalle una lunga storia, quali la musica sinfonica o l' opera lirica . La loro identità si fonda piuttosto sul contesto sociale e ambientale a cui le composizioni sono destinate (il teatro , la sala da concerto , la discoteca , la strada , la sala da ballo , la chiesa , il salotto ) e sulle diverse modalità con cui la musica si coniuga di volta in volta ad altre forme di spettacolo , arte o letteratura , quali la danza , il teatro, l' immagine , la poesia , il racconto .

Strumenti musicali

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Strumento musicale .

Uno strumento musicale è un oggetto che è stato costruito o modificato con lo scopo di produrre della musica. In principio, qualsiasi cosa producesse suoni , poteva essere usato come strumento musicale, ma questo termine definisce solo gli oggetti che hanno il suddetto scopo.

Gli strumenti musicali si possono suddividere secondo la classificazione Hornbostel-Sachs in cinque famiglie, l'ultima delle quali aggiunta solo in seguito:

  1. Idiofoni : il suono è prodotto dalla vibrazione del corpo dello strumento stesso, sollecitato in vari modi, percuotendolo, pizzicandolo, strofinandolo, sfregandolo, muovendolo o deformandolo per mezzo di pressioni o soffi d'aria.
  2. Membranofoni : il suono è prodotto dalle vibrazioni di membrane tese, che possono essere sollecitate da azioni di percussione, sfregamento, pizzico, fin anche alle sollecitazioni dovute all'emissione della voce dell'esecutore (nel caso dei mirlitons).
  3. Cordofoni : il suono è emesso dalla vibrazione di corde tese; le corde possono essere sollecitate dal pizzicarle, percuoterle, o dallo sfregarle con appositi archetti; ancora, corde tese esposte all'azione del vento che le lambisce, come nel caso delle arpe eoliche, induce in esse vibrazioni sonore.
  4. Aerofoni : in essi è l'aria stessa che entra in vibrazione. L'aria può essere contenuta dallo strumento, come nel caso di tubi o globi, ma può anche circondare lo strumento che la colpisce ad alte velocità (frullo, frusta, lama affilata, rombo…).
  5. Elettrofoni : il suono viene generato per mezzo di una circuitazione elettrica o per induzione elettromagnetica.

Lo studio

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Teoria musicale .
Caravaggio : Il suonatore di liuto .

Le nozioni ed i concetti sono riassumibili nella teoria musicale , che è un insieme di metodi per analizzare, classificare e comporre la musica ei suoi elementi. Essa, ad esempio, tratta la "grammatica" della musica, cioè il pentagramma , le chiavi musicali e in generale il modo di scrivere ( semiografia ) la musica. Pertanto, può essere definita come la descrizione in parole degli elementi della musica, e delle relazioni tra la semiografia (o comunemente detta: notazione musicale) e la sua esecuzione.

Lo studio accademico della musica è chiamato musicologia , mentre i problemi filosofici legati alla musica sono analizzati dalla filosofia della musica .

Termini comuni

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Glossario musicale .

La terminologia musicale è molto ampia.

I termini usati per parlare di un particolare brano musicale includono:

  • la nota che è il simbolo utilizzato per indicare una specifica intonazione (ed anche il suono stesso);
  • la melodia che è una successione di suoni percepita come un percorso coerente;
  • l' accordo nella musica tonale che è il risultato della combinazione simultanea di più suoni, sottoposta a vincoli e regole tradizionali;
  • l' armonia che è lo studio della classificazione e delle concatenazioni di accordi;
  • il contrappunto , dal lat. punctum contra punctum , punto contro punto, nota contro nota, è la simultanea organizzazione di differenti melodie;
  • il ritmo che è l'organizzazione dalla metrica (pause, note, durate,..) in un brano;
  • il tempo , che determina la durata di ogni battuta in unità musicali;
  • gli armonici , ovvero l'insieme delle note che, unite, compongono una stessa nota (come l'ottava, la quinta, la terza, ecc..). Gli armonici possono essere naturali o artificiali, a seconda di come vengono ottenuti mediante lo strumento.
  • il timbro è la caratteristica che differenzia ogni strumento, e dipende dalla forma dell'onda sonora prodotta dallo stesso. Solo nel Romanticismo si cominciarono ad intuire ed utilizzare le diverse potenzialità espressive di ogni strumento, le quali dipendono appunto dal timbro;
  • la pausa è l'intervallo che si interpone tra una nota ed un'altra.

Le figure principali

Musicisti

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Musicista .
Immagine di un trombettista ).

Un musicista è una persona che esegue o che compone musica per professione. Si possono classificare secondo questo schema, che li suddivide in base al loro ruolo nella categoria professionale:

Direttori d'orchestra

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Direttore d'orchestra .

Il direttore d'orchestra, spesso chiamato anche maestro d'orchiestra , è la figura di riferimento in un coro, un' orchestra o in generale in un gruppo di musicisti.

La sua direzione è innanzitutto di aiuto per la coordinazione dei musicisti fra loro, indicando il tempo , i diversi ingressi e le dinamiche. Egli inoltre chiarisce a cantanti , Solisti e strumentisti il contenuto e l'impostazione generale del componimento musicale.

Le sue funzioni sono anche quelle di guidare le prove e prendere tutte le decisioni necessarie da un punto di vista musicale, interpretando l'opera musicale. In assenza di un comitato artistico, il direttore sceglie anche il repertorio da eseguire. Il ruolo del direttore, come lo conosciamo oggi, si è formato intorno al XIX secolo .

Compositori

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Compositore .

Un compositore è un artista che crea opere musicali, dette composizioni musicali . Il termine perciò è usato indipendentemente dal genere o stile musicale e indica una persona che costruisce con i suoni un risultato (oggetto sonoro) destinato ad essere ascoltato.

La composizione, al fine di poterne agevolare la riproduzione, è generalmente trascritta su uno spartito tramite un sistema di simboli chiamato notazione musicale, che appunto utilizza le cosiddette note musicali : l'opera del compositore è eseguita dagli interpreti ( musicisti , cantanti ), ma, ovviamente, può essere eseguita anche dall'autore stesso.

Il mestiere del compositore non è una professione protetta. Anche autodidatti si possono chiamare in questo modo, ma gli studi di composizione si eseguono in Italia presso i Conservatori .

Il rapporto col canto

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Canto .

«Come è nobile chi, col cuore triste, vuol cantare ugualmente un canto felice, tra cuori felici»

( Khalil Gibran )
Coristi.

Il canto è la produzione di suoni musicali mediante la voce , ovvero l'uso della voce umana come strumento musicale.

Un gruppo musicale composto principalmente da cantanti (che in questo caso si dicono più propriamente "cantori") viene definito coro; quando il coro esegue musica senza accompagnamento strumentale si parla di canto a cappella .

Tipi di emissione

La voce umana nasce dalla vibrazione delle due corde vocali in adduzione tra loro dovuta al flusso creato dall' aria espirata dai polmoni . Nell'uso canoro il suono della voce è caratterizzato dalle risonanze della trachea , della faringe e della bocca , ed eventualmente delle altre cavità (seni) facciali e craniali; i timbri vocali che si ottengono dipendono anche dal meccanismo di produzione della voce.

A seconda del modo in cui la voce viene prodotta si possono distinguere tre tipi di emissione: la voce ingolata , la voce impostata e il falsetto .

Tecnica del canto

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Tecnica del canto .

La tecnica del canto è quell'insieme di accorgimenti, appresi con l'allenamento e lo studio, necessari ai cantanti professionisti per evitare gravi danni alla laringe e alle corde vocali e per ottenere una voce timbricamente gradevole, potente e con un'ampia gamma cantabile , cioè una estensione dalla nota più bassa alla più alta in cui il timbro è omogeneo e l'intonazione è corretta e stabile.

Tutti, più o meno, possono cantare una canzone. Molti di meno invece riescono a cantare più canzoni di seguito, anche semplici: dopo qualche minuto un cantante improvvisato comincia a sentire mal di gola, e la sua voce comincia a farsi roca e sfiatata: se nonostante tutto continua a cantare, di lì a poco si ritrova afono, e corre il rischio di procurarsi un edema alle corde vocali.

Questo accade perché, istintivamente, il cantore di cui sopra usa la sua voce come se parlasse. Ma l'uso della voce che si fa normalmente, sebbene sufficiente allo scopo di parlare, impone alle corde vocali delle sollecitazioni troppo forti nel caso del canto: per poter cantare per ore senza danni, senza sforzo e con una voce sempre gradevole, il cantante deve reimparare ad usare la sua voce in modo nuovo, attraverso lo studio, l'allenamento e l'autoosservazione.

Coro

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Coro (musica) .
Coro polifonico Vox Cordis

Il coro è un insieme di persone che, sotto la guida di un direttore , si esprime artisticamente attraverso il canto. I suoi componenti sono detti cantori (o coristi). Il termine coro può denominare, in modo generico, anche una composizione musicale scritta per tale organico.

La musica corale

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Musica corale .

Per musica corale si intende l'insieme delle discipline artistiche (composizione, esecuzione, direzione ecc.) che riguardano quell'importantissimo "strumento musicale" che si chiama coro.

Opera lirica

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Opera lirica e Opere liriche .

L'opera lirica è uno dei generi teatrali nonché musicali in cui l'azione scenica è abbinata alla musica e al canto . Tra i numerosi sinonimi , più o meno appropriati, basti ricordare il melodramma e le opere in musica .

Oggetto della rappresentazione è un'azione drammatica presentata, come nel teatro di prosa , con l'ausilio di scenografie, costumi e attraverso la recitazione. Il testo letterario che contiene il dialogo appositamente predisposto e le didascalie è chiamato libretto . I cantanti sono accompagnati da un complesso strumentale che può allargarsi fino a formare una grande orchestra sinfonica .

I suoi soggetti possono essere di vario tipo, cui corrispondono altrettanti sottogeneri: serio , buffo , giocoso , semiserio , farsesco .

L'opera lirica si articola convenzionalmente in vari "numeri musicali", che includono sia momenti d'assieme ( duetti , terzetti , concertati , cori) che assoli ( arie , ariosi , romanze , cavatine ).

Fin dal suo primo apparire, l'opera accese appassionate dispute tra gli intellettuali, tese a stabilire se l'elemento più importante fosse la musica o il testo poetico.

In realtà oggi il successo di un'opera deriva - secondo un criterio comunemente accettato - da un insieme di fattori alla cui base, oltre alla qualità della musica (che dovrebbe andare incontro al gusto prevalente ma che talvolta presenta tratti di forte innovazione), vi è l'efficacia drammaturgica del libretto e di tutti gli elementi di cui si compone lo spettacolo teatrale.

Un'importanza fondamentale rivestono dunque anche la messinscena ( scenografia , regia , costumi ed eventuale coreografie ), la recitazione ma, soprattutto, la qualità vocale dei cantanti .

Cantanti lirici

I cantanti, ei ruoli che essi interpretano, sono distinti in rapporto al registro vocale.

Le voci maschili sono denominate, dalla più grave alla più acuta, basso , baritono , tenore . A essi si possono aggiungere le voci di controtenore , sopranista o contraltista , che utilizzano un'impostazione in falsetto o falsettone, cioè senza appoggiatura. Esse eseguono ruoli un tempo affidati ai castrati .

Le voci femminili sono classificate, dalla più grave alla più acuta, come contralto , mezzosoprano e soprano . Anch'esse eseguono oggi, molto di più frequente delle corrispondenti voci maschili, i ruoli sopranili e/o contraltili scritti per le voci dei castrati.

Rapporti con altre discipline

Produzioni e classificazioni

Note

  1. ^ [1]
  2. ^ Mt 26,30 , su laparola.net .
  3. ^ Corrado Barbieri, Gli strumenti del jazz , su jazznellastoria.it , Jazz nella storia. URL consultato il 17 maggio 2021 .
  4. ^ The History of Rock Music. Storia della Musica Rock
  5. ^ Storia del Rock - Anni ottanta

Bibliografia

  • Marcello Sorce Keller , “Che cosa è la musica (e perché, forse, non dovremmo più chiamarla 'musica')”, Musica/Realtà , 2012/1, pp. 33-56.
  • Marcello Sorce Keller , “Do We Still Need To Think Musically? (Musings about an Old Friend, Fishing Nets, Templates, and Much More)”, Ethnomusicology Ireland , No. 5, 2017: http://www.ictm.ie/?p=2090
  • Carlo Pasceri , Tecnologia Musicale. La rivelazione della musica , Aracne, 2011.
  • Susanna Pasticci (cur.), Parlare di musica , Meltemi 2008.

Voci correlate

Altri progetti

Collegamenti esterni

Controllo di autorità Thesaurus BNCF 1676 · LCCN ( EN ) sh85088762 · GND ( DE ) 4040802-4 · BNF ( FR ) cb133183660 (data) · BNE ( ES ) XX525209 (data) · NDL ( EN , JA ) 00568825