Dirijor

Dezambiguizare - Dacă sunteți în căutarea altor utilizări, consultați Conductor (dezambiguizare) .

Hector Berlioz , un pionier al managementului, conduce un cor. Design Gustave Doré

În muzică , direcția este practica cu care un grup de muzicieni este coordonat de o figură profesională în executarea unei compoziții . Această funcție este asumată de către director, a declarat , de asemenea , dirijor atunci când se ocupă cu o " orchestră , cor sau choirmaster cu un cor si director trupa cu o bandă .

Regizorul în primul rând un rol interpretativ, adică alegerile muzicale fundamentale ( interpretare , timp , dinamică ) care explică cântăreților solo , cântăreților de cor și instrumentiștilor abordarea generală a compoziției muzicale care urmează să fie interpretată. În plus, are o funcție de consultare și ajută la coordonarea muzicienilor în repetiție și interpretare, indicând ora și intrările vocilor.

Denumiri

Instituțiile de versuri, muzica simfonică și de cameră dau nume diferite rolului unui dirijor, inclusiv director muzical, director muzical, dirijor principal , dirijor principal invitat. Ca și în cazul altor figuri muzicale proeminente și autoritate, regizorii acordă titlul de Maestru referențial . Maestrul de presă pregătește corul, mai ales dacă este afiliat unui corp liric. Dirijorul Maestro, formulă mai rară, pregătește orchestra. În germană se folosește și termenul Kapellmeister (care corespunde italian Kapellmeister ). În funcție de poziția ocupată, dirijorul decide sau influențează programarea panoului publicitar sau sezonul concertelor.

Istorie

Din Evul Mediu până în secolul al XVII-lea

Portretul lui Jean-Baptiste Lully , a cărui tragedie este o mărturie cunoscută a practicilor de dirijare din timpul său.

O primă întruchipare a direcției poate fi considerată chironomie , și anume utilizarea mai ales medievală a gesturilor de mână pentru a indica tendința melodiilor . În tradiția Bisericii creștine , persoana care i-a dat semne atât de mari și vizibile a folosit un băț care trebuia să-i reprezinte rolul. Odată cu creșterea importanței ritmului în muzică, stick-ul a început să fie mutat în sus și în jos pentru a indica pulsul metric, luând locul a ceea ce avea să devină direcția baghetei .

Rolul regizorului, așa cum se știe astăzi, în realitate nu apare imediat (va trebui să așteptăm până în a doua jumătate a secolului al XIX-lea), ci se dezvoltă foarte încet de-a lungul secolelor și apoi suferă un lung proces de schimbări și adaptări la repertoriul practicii obișnuite. În secolele al șaisprezecelea și al șaptesprezecelea , cu excepția unui toiag, li s-au introdus alte instrumente pentru a marca timpul, după cum reiese din ilustrațiile de epocă: coli în mișcare de hârtie rulate, bețe subțiri sau pur și simplu propriile mâini. În timp ce Jean-Baptiste Lully și-a regizat Te Deum-ul pentru vindecarea Regelui Soare , 8 ianuarie 1687, el a lovit piciorul cu vârful bățului lung din direcția care bătea pe podeaua din lemn a scenei. Rana a apărut gangrenoasă , dar Lully a refuzat să opereze amputarea recomandată de medici, infecția se va răspândi pe tot membrul afectat, iar muzicianul a murit două luni mai târziu. ^{[1] [2]} .

Secolul al XVIII-lea

În muzica de cameră și orchestra din secolul al XVIII-lea , a fost membru al ansamblului pentru a lua locul regizorului. Uneori a fost primul violonist , concertist în limba germană , el a folosit arcul ca o baghetă sau un lutenist care s-a mutat la gâtul lung cu pulsația. Pentru piesele care făceau parte din basso continuu , care trebuia să indice practicarea clavecinului . În teatrul muzical erau de obicei două figuri de frunte, tastaturistul care se ocupa de cântăreți și prima vioară care se ocupa de orchestră. În prezența compozitorului care a susținut cântecul, el a fost el însuși autorul de coordonare și regie, de obicei așezat la clavecin. Pe cine avea această misiune, în orice caz, obișnuia să aibă pe lutru un mic scor condensat în care erau indicate melodiile principale și acompaniamentul. Odată cu creșterea complexității compozițiilor și a numărului de muzicieni implicați, a fost necesar să se introducă figura unui interpret special fără un instrument care să se ocupe doar de concertarea și coordonarea dintre interpreți, citind dintr-un scor complet și oferind indicații verbale. , auditiv și gestual.

Prima persoană care a antrenat ca un conductor în jurul timpului preclasice (1730-1750) a fost Johann Stamitz , dirijor permanent al Mannheim , considerat cel mai bun concert acea perioadă, astfel încât Wolfgang Amadeus Mozart a trăit în oraș în mai multe rânduri pentru a învăța tehnici de performanță orchestră ^[3] . Succesorul lui Stamitz, regia orchestrei a fost Christian Cannabich între 1774 și 1798 .

Secolul al XIX-lea

Giuseppe Verdi a regizat premiera Aidei sale la Opéra din Paris , 22 martie 1880. Ilustrația lui Adrien Marie a fost publicată la 3 noiembrie 1881 în revista La Musique populaire.

În prima secolului al XIX-lea , se stabilea acum că multe execuții cereau un director care nu se angajase să cânte la un instrument, ci dedicat în totalitate orchestrației. Ansamblul orchestral a fost mărit, iar bagheta a înlocuit folosirea mâinilor sau a foilor înfășurate, deoarece era mai vizibilă. În figura compozitorului, pianist capabil în mod tradițional, identifică o identitate regizorală eficientă printre primii anchetatori ai rolului, de fapt amintim compozitorul Louis Spohr , Carl Maria von Weber , Louis-Antoine Jullien și Felix Mendelssohn . Unii consideră că Mendelssohn este primul dirijor care folosește un băț de lemn pentru a păstra timpul, o practică răspândită astăzi.

Compozitorii Hector Berlioz și Richard Wagner au câștigat o mare faimă grație dirijării orchestrale și au scris două dintre primele eseuri pe această temă. Berlioz este considerat primul virtuos în dirijat. Wagner, dimpotrivă, îi datorăm ideea dirijorului care își impune propria viziune asupra piesei de interpretat, spre deosebire de simplificarea dirijorului responsabil numai de atacuri și de un puls unificat. François Habeneck , fondatorul „ Orchestre de la Société des Concerts du Conservatoire (1828), ocupase anterior metodele și stabilirea dirijării ca practică, deși Berlioz fusese dezamăgit de nivelul repetițiilor sale de orchestră.

Hans von Bülow (1830-1894), adesea asociat cu figura lui Wagner din cauza vieții personale și profesionale, a avut un mare succes ca regizor, menținându-se în același timp paralel cu cariera sa timpurie de pianist de concert, în care a excelat la nivel internațional. Student al lui Franz Liszt și foarte apreciat de el, s-a căsătorit cu fiica sa Cosima , care ar fi abandonat ulterior din cauza lui Wagner. Liszt însuși a fost o piatră de hotar în istoria dirijării, prezidând spectacole foarte apreciate.

Bülow a ridicat standardele tehnice ale managementului la un nivel atins până acum. Printre inovațiile pe care le-a introdus amintim secțiunile de evidență, în care sectoarele individuale ale orchestrei au pregătit separat și în detaliu părțile sale. Ocupat de ceea ce avea să devină „ Opera de Stat Bavareză , de Orchestra „ Curții din Meiningen și de Berliner Philharmoniker a realizat o interpretare de o asemenea precizie și subtilitate, încât a fost auzită anterior doar în solo. Această activitate a avut un mare impact asupra generațiilor de tineri artiști ai vremii, printre care Richard Strauss , asistentul său la vârsta de douăzeci de ani, și Felix Weingartner , care a criticat interpretările lui Bülow, luând în același timp în considerare noile canoane aplicate organizării balanțe orchestrale. Ca Bülow în Germania, Italia Angelo Mariani (1821-1873) a fost unul dintre primii și cei mai populari dirijori profesioniști.

Secolul al XX-lea

Arturo Toscanini fotografiat în 1908.

Portret Wilhelm Furtwängler în 1928.

Herbert von Karajan dirijează Filarmonica din Viena în 1941.

Leonard Bernstein fotografiat de Jack Mitchell .

Sergiu Celibidache fotografiat în 1961.

Următoarea generație de directori stabilește noi comisioane de administrare. Exponentul probabil cel mai important al acestei reînnoiri a fost Arthur Nikisch (1855-1922), ungur de naștere, care l-a succedat lui Bülow ca director muzical al Filarmonicii din Berlin în 1895. Anterior a fost șeful Operei „ Leipzig , al Orchestrei Simfonice din Boston și „ Leipzig Gewandhaus Orchestra și va deveni în curând dirijor principal al Orchestrei Simfonice din Londra . Nikisch a regizat o premieră importantă a lui Anton Bruckner și a lui Pyotr Ilici Ceaikovski , care i-au apreciat foarte mult tehnica; Johannes Brahms , după ce a ascultat direcția lui Nikisch a celei de -a patra simfonii , a numit-o „exemplară, imposibil de egalat”.

Nikisch a luat London Symphony Orchestra în turneu în Statele Unite ale Americii în aprilie 1912, primul turneu intercontinental al unei orchestre europene. De asemenea, a produs prima înregistrare sonoră completată cu o simfonie: Fifth of Beethoven cu Filarmonica din Berlin în noiembrie 1913. Nikisch a fost și primul regizor care a fost dus la cinema în arta sa, desigur, într-un film mut. Filmul confirmă poveștile despre utilizarea deosebit de magnetică pe care a făcut-o din privirea sa pentru a se exprima mai bine în comunicarea cu orchestra. Într-adevăr, dirijori precum Fritz Reiner au susținut ani la rând după ce au fost influențați în direcția lor de aspectele menționate anterior ale tehnicii Nikisch. Un pic mai tânăr decât Nikisch a fost compozitorul Gustav Mahler (1860-1911), care a fost larg sărbătorit ca dirijor.

Generația de dirijori care au urmat Nikisch au început să lase urme evidente ale artei lor cu o utilizare extinsă a înregistrării discurilor. Două figuri dintre care există numeroase înregistrări foarte importante sunt italianul Arturo Toscanini (1867-1957) și germanul Wilhelm Furtwängler (1886-1954). Adesea și uneori tratate inexact ca exemple ale opusului polar al interpretării, acestea difereau substanțial în tehnica practică și teoretică a direcției. Toscanini a cântat deseori în orchestre regizate de Giuseppe Verdi și a debutat ca regizor cu Aida în 1886, înlocuind în ultimul moment un dirijor bolnav. Acum este considerat de autorități ca James Levine drept cel mai mare interpret al lui Verdi din toate timpurile. Cu toate acestea, repertoriul lui Toscanini a fost vast și el însuși a fost destul de apreciat pentru interpretările simfoniștilor germani precum Beethoven și Brahms, preferând tempo-urile mai rapide și mai marcate decât cele, de exemplu, ale lui Bülow sau, înainte de el, ale lui Wagner. În ciuda acestui fapt, stilul său arată mai multă flexibilitate decât ar putea sugera reputația sa, ceea ce i-a permis să obțină o analiză a detaliilor muzicale și a unui sunet cantabil de la orchestre.

Furtwängler este considerat de mulți drept cel mai bun interpret al lui Wagner, deși Toscanini a fost admirat și în acest moment și al lui Bruckner. El a dirijat Beethoven și Brahms cu un tempo destul de flexibil - dar, în general, într-un mod care a dezvăluit structura și direcția muzicii deosebit de clare. A fost, de asemenea, un compozitor și pianist stimat și student al teoreticianului Heinrich Schenker , care a subliniat problema armoniilor tensiunilor și rezoluțiilor „ascunse” într-o piesă, cal de lucru al direcției lui Furtwängler. Împreună cu interesul său pentru viziunea macroscopică a unei piese, Furtwängler a modelat într-un mod exact și expresiv chiar și cele mai detaliate reliefuri ale fenomenului compozițional.

Cei doi dirijori aveau două tehnici complet diferite: cea a lui Toscanini era evident de tradiție italiană, cu un băț lung și lat și pulsații clare, adesea fără a folosi mâna stângă. Furtwängler bătea timpul aparent cu mai puțină precizie, deoarece își dorea un sunet mai rotunjit, în ciuda mitului tehnicii sale vagi și de neînțeles: mulți muzicieni au mărturisit că a fost ușor să-l urmeze în direcțiile sale. Luând oricare dintre performanțele lor, este un prim exemplu al modului în care tehnica de dirijare nu a fost nici reglementată, nici standardizată în prima jumătate a secolului al XX-lea. De fapt, mari dirijori de la mijlocul secolului al XX-lea precum Leopold Stokowski (1882–1977), Otto Klemperer (1885–1973), Herbert von Karajan (1908–1989) și Leonard Bernstein (1918–1990) - printre altele, primul dirijor american care s-a bucurat de succes și faimă internațională - aveau moduri foarte diferite de gestionare.

Karajan și Bernstein au format un alt aparent antipod de interpretare între anii șaizeci și optzeci : dirijorul principal Karajan al Berliner Philharmoniker în perioada '55 -'89 și Bernstein, pentru o parte din aceiași ani, cu Filarmonica din New York (' 57 - '69), iar mai târziu un dirijor invitat frecvent în Europa. Tehnica lui Karajan era bine controlată, permițându-i să direcționeze cu ochii închiși; Bernstein, pe de altă parte, era foarte vizibil în expresiile sale faciale și expresiv cu mișcările corpului. Karajan putea dirija ore întregi fără să-și miște picioarele, în timp ce Bernstein era cunoscut pentru salturile sale în aer la sosirea unui mare punct culminant. În calitate de director al berlinezilor, Karajan a cultivat o frumusețe caldă și moale a sunetului, uneori criticată pentru că este aplicată prea uniform în diferite domenii. Pe de altă parte, în singurul concert al lui Bernstein cu berlinezii - în 1979, cu Mahler's Ninth - dirijorul a încercat să facă orchestra să producă o calitate sonoră explicit neplăcută în anumite pasaje, care, în opinia interpretului, erau puternic expresive din punct de vedere muzical. O anecdotă spune că primul corn a refuzat să urmeze instrucțiunile, atât de mult încât, în cele din urmă, a acceptat că un înlocuitor își va juca rolul în acel moment al scorului.

Atât Karajan, cât și Bernstein au folosit foarte mult progresul tehnologic al mass-media pentru a-și transmite arta, dar în moduri vizibil diferite. Bernstein a pus în scenă primul mare serial de televiziune de primă oră care a atins un public mare, în special tinerii, în educația de muzică clasică. Karajan a făcut mai multe filme la bătrânețe, dar nu a vorbit în ele. Ambii regizori au înregistrat copios, dar atitudinea lor față de industria discurilor diferă prin faptul că Karajan se afla în fruntea exploatării avansurilor unor astfel de tehnologii pentru noile înregistrări de studio, care l-au fascinat - el a jucat și un rol în alegerea specificului CD- ului de astăzi. - în timp ce Bernstein, în zilele sale cu Filarmonica din New York, a vrut să insiste mai presus de toate asupra înregistrărilor live de concerte, conform convingerii sale despre indispensabilitatea unui public în interpretarea muzicală.

În ultimii treizeci de ani ai secolului XX, tehnicile dirijorilor - în special bagheta din mâna dreaptă - au devenit în mare parte standardizate. Regizori precum Willem Mengelberg din Amsterdam până la sfârșitul celui de-al doilea război mondial au avut adesea șansa de a face teste extinse cu orchestrele, au abandonat cu precizie sunetul, pătrunzând în tehnicile idiosincrazice. Dirijorii moderni, pe de altă parte, care au mai puțin timp de petrecut cu orchestra pentru a dirija, trebuie să obțină rezultate bune într-un timp de repetiție foarte scurt. Prin urmare, o tehnică standardizată de dirijare favorizează o comunicare mult mai rapidă cu orchestra. În ciuda acestui fapt, aceste moduri de direcție arată încă o mare varietate de stiluri, în special în alegerea utilizării mâinii stângi, a expresiilor faciale și vizuale și a limbajului corpului.

Această întreagă serie de circumstanțe și concatenări de generații de muzicieni a contribuit la formarea figurii contemporane a dirijorului, care, începând din ultimele decenii ale secolului al XIX-lea , este artistul de referință fundamentală atât în ​​reprezentările operice, cât și în cele exclusiv instrumentale.

Regizori celebri

Colaborări celebre între dirijori și orchestre

Dirijorul poate exercita o influență asupra echipei orchestrale încredințate acestuia, formând un stil real al orchestrei. Această influență este adesea subordonată duratei colaborării.

• Willem Mengelberg cu Orchestra Royal Concertgebouw
• Eugene Ormandy cu ' Orchestra din Philadelphia
• George Szell și Orchestra Cleveland
• Seiji Ozawa la Boston Symphony Orchestra
• Herbert von Karajan cu Filarmonica din Berlin
• Arturo Toscanini cu Orchestra Simfonică NBC
• Sergiu Celibidache cu Filarmonica din München
• Frederick Stock , Fritz Reiner și Georg Solti și Chicago Symphony Orchestra
• Riccardo Muti cu ' Orchestra Teatrului alla Scala
• Wolfgang Sawallisch cu Orchestra de Stat Bavareză
• James Levine cu Metropolitan Opera Orchestra
• Ennio Morricone cu Orchestra Roma Sinfonietta

Tehnică

Kurt Masur în 2007 în timp ce regiza (fără baghetă)

Arta de a dirija o orchestră constă în comunicarea intențiilor artistice și tehnice muzicienilor în timpul interpretării unei piese. Nu există reguli definite pentru regie, dar, desigur, responsabilitățile de bază ale unui regizor sunt stabilirea timpului și dinamicii , interacționând cu muzicienii pentru a structura sunetul de ansamblu armonios.

Abilitatea de a comunica și interacționa cu muzicienii este o caracteristică cheie a fiecărui regizor și este de obicei personală, instinctivă și este de obicei însoțită de o expresie a feței și gesturi coregrafice, adesea prin utilizarea unei baghete .

Timpul este de obicei marcat de dirijorul care ține o baghetă. Pentru unii regizori, stick-ul nu este necesar: printre mulți regizori care au evitat utilizarea, îi găsim pe Vasily Ilici Safonov , Leopold Stokowski , Pierre Boulez , Dimitri Mitropoulos , Kurt Masur , James Conlon , Yuri Temirkanov , Nikolaus Harnoncourt și, pentru o perioadă, Eugene Ormandy ^{[4] [5]} . În general, puteți distinge stilul unui dirijor de directorul unui cor , al unei orchestre de jazz sau al unei formații, deoarece adesea aceștia din urmă își folosesc mâinile și rareori bagheta.

Mâinile urmăresc în aer formele care variază în funcție de metru și care se repetă în fiecare bont (similar tehnicii clasice a sol-fa ). Miscarile descendente reprezinta accentele puternice ale barei (beat) in timp ce miscarile ascendente reprezinta accentele slabe (optimiste). Dinamica (moale, puternică) este indicată în general de amplitudinea mișcărilor și cu expresii gestuale ale mâinii libere.

Mișcări tipice ale baghetei în raport cu contorul muzical
Baghetă și scor	2/4, 2/2 sau 6/8 rapid	3/4 sau 3/8	4/4	6/8 lent

Notă

Bibliografie

• Ennio Nicotra , Introducere în tehnica dirijării conform școlii lui Ilya Musin, Curci, 2008, ISBN 978-88-485-0766-0
• (RU) Ilya Musin, Техника дирижирования (Tehnica direcției), Editura Muzyka, Moscova, 1967
• Adriano Lualdi , Arta de a dirija orchestra, Hoepli Milano 1949 Proiectul Adriano Lualdi
• (EN) Norman Lebrecht, The Maestro Myth: Great Conductors in Pursuit of Power, Citadel Press 2001
• (EN) Brock McElheran, Conducting Technique
• (EN) Ben Proudfoot, Conducting as a Art
• (EN) Frederik Prausnitz, Score and Podium
• (EN) Max Rudolf, The Grammar of Conducting
• (EN) Larry G. Curtis și David L. Kuehn, Un ghid pentru dirijarea instrumentală de succes.
• (DE) H.Scherchen, B.Schott, Mainz Lehrbuch des Dirigierens
• Fabrizio Dorsi , Elements of Conducting , Monza, Casa Musicale Eco , 2018

Elemente conexe

• Orchestră
• Scor

Alte proiecte

• Wikicitată conține citate despre dirijor
• Wikimedia Commons conține imagini sau alte fișiere pe conductor

linkuri externe

• (EN) Conductor , Enciclopedia Britanică , Encyclopædia Britannica, Inc.
• Directorii Dictatorilor pe www.cultweek.com
• Manual de Andrea Landriscina Direcția pe landriscina.it.
• (RO) Introducere în dirijare , pe theconcertband.com. Adus la 16 decembrie 2008 (depus de 'url original 19 noiembrie 2008).
• (RO) La ce să te gândești atunci când conduci pe thinkingapplied.com.
• (EN) Choral Technique , pe hartenshield.com. Adus la 16 decembrie 2008 (depus de 'url original 10 februarie 2009).
• (EN) Learning to Sight-Sing: The Mental Mechanics of Aural Imagery (PDF) pe thinkingapplied.com. Adus la 16 decembrie 2008 (depus de 'url original 17 decembrie 2008).
• (RO) Dirijorul australian Benjamin Northey vorbește despre experiența sa (Arts Hub Australia, 2007)

Portal de locuri de muncă

Portal de muzică clasică