VII Trienala din Milano

Cea de-a VII-a Triennale di Milano a avut loc în 1940, în plin al doilea război mondial și, prin urmare, într-un climat de criză politică, economică și socială. Trienala - după apariția fascismului - a avut o sarcină bine definită în viața Italiei fasciste . Triennale s-a străduit să pună în valoare casa muncitorilor, coloniile marine, cinematograful, arta, gara, aeroportul, obiectele de uz zilnic. Palazzo dell'Arte, Pavilionul, parcul și galeria laterală găzduiesc instalațiile designerilor, pictorilor și sculptorilor care au participat la expoziția de la Milano .

Introducere

Trienala a avut întotdeauna o sarcină fundamentală în Italia fascistă și a rezolvat nenumărate probleme inerente vieții moderne. Cea de-a VII-a Trienală lucrează pentru a spori bărbații și materialele, estetica și autarhia, mergând spre oameni cu proiecte, lucrări artizanale și industriale, cu îmbunătățiri tehnice și propuneri estetice. Întreaga secțiune de arhitectură, mobilierul hotelului, biroul și nava, secțiunile școlilor de artă sunt aspecte ale vieții moderne pe care Triennale le recenzează pentru a le reînnoi și perfecționa. Expoziția vechii cărți italiene de arhitectură semnifică imaginația artiștilor italieni. Revista dantelei italiene antice, expusă lângă sala dantelei și broderiilor moderne, mărturisește munca femeilor din istoria artei italiene. Producția italiană a fost din nou reînnoită în gust și tehnică, fără a uita mijloacele și costurile minime. Magazinele de artă decorativă prezintă o producție de obiecte și mobilier din care Triennali se laudă cu paternitatea. A șaptea Trienală îndrumă artiștii și publicul spre cunoașterea și dragostea operei de artă în sine, reafirmând prestigiul artei italiene în toate sectoarele, fidel unei misiuni de civilizație și frumusețe, fructuoasă de utilitate pentru muncă și splendoare pentru italieni. . Faima de care se bucură Trienala este mărturisită de participarea națiunilor străine precum Franța, Germania, România, Ungaria, Suedia, Elveția. Triennale îi găzduiește și îi întâmpină.

Secțiunile care au alcătuit a VII-a Trienală

Expoziția este împărțită topografic în trei sectoare majore: Palazzo dell'arte, Pavilion în parc, galerie laterală și în zonele adiacente parcului nordic.

În clădire sunt colectate: secțiunile străine, expoziția internațională de cinema, expozițiile italiene de arhitectură, sticlă, metale și meșteșuguri și mobilier.

În pavilion sunt expuse: expoziții de artă sacră și expoziții temporare.

În galeria laterală există: expoziția internațională de producție în masă, mobilier pentru nave de război, hoteluri și birouri, expoziția de grădină și în cele din urmă cea de artă grafică.

Art Palace: parter

Afișați ferestrele

Cele mai disparate companii au participat la această secțiune dedicată vitrinelor, de la Nestlé pentru produse alimentare până la Olivetti pentru mașini de scris . În decor, caracterizat printr-o atmosferă eterogenă, scopul este de a prezenta o idee ordonată de artă capabilă să pună în valoare produsul în ciuda varietății de „articole” disociate. Expoziția este de fapt împărțită în diferite compartimente, amenajate de artiști aparținând fiecărui tip de „artă” imaginabilă (mâncare, modă, scriere, lectură ...).

Expoziție de cinema

În aprilie 1940, Comencini și Lattuada au organizat, ca parte a celei de-a VII-a Triennale di Milano, Expoziția de cinema de la Palazzo dell'Arte al Parco, unde au conceput și creat recenzia retrospectivă a cinematografiei, în care au fost proiectate filme niciodată văzute în Italia ., precum The Great Illusion (1937) al lui Jean Renoir . Expoziția de cinema înființată în Trienala din Milano în 1940 este fără precedent pentru aspectul său particular și intenția sa polemică, nici în Italia, nici în străinătate ^[1] . Această punere în scenă, de fapt, nu urmărește să reprezinte fenomenul cinematografic în aspectele sale tehnice și estetice, nu are intenția de a glorifica noutatea cinematografiei în sine, ci mai degrabă de a analiza formarea sa, de a încerca să-și identifice originile în sus până la anul expoziției, mișcările care răspund curentelor istorice ale secolului al XX-lea ^[1] Astfel interesul nu vizează atât capodoperele ecranului sau cei mai renumiți artiști, cât și caracteristicile generale ale producției observate istoric în viața fiecărei țări. Pentru a expune mai bine calea istorică a lumii cinematografiei, a fost necesar ca organizatorii expoziției să facă o distincție clară între cinematograful american și cinematograful european : de fapt, acesta din urmă arată o succesiune continuă de diferite tendințe și experiențe care sunt o consecință a fermentului revoluționar, artistic și filosofic; în timp ce în cel american se simte un curs direct, preocupat în mod constant de examinarea, prin această nouă formă de documentare, a actualității vieții de zi cu zi. În Europa , cinematografia, în prima perioadă a istoriei sale, nu are nici un caracter artistic, nici documentar și este pur și simplu un mijloc magic de a crea vrăji fabuloase în mulțimi. Posibilitățile tehnice ale cinematografiei sunt, de fapt, de natură să stimuleze imaginația: acest prim moment de entuziasm plin de viață, care este dominat de figura lui Georges Méliès , dă cu adevărat cinematografiei, aproape inconștient, lucrări de o valoare poetică incontestabilă. Intrat în faza reflexivă, cinematografia este recunoscută ca o nouă modalitate de artă și, prin urmare, este influențată de scriitori și artiști.

Lucrări expuse:

• Desene pentru felinare magice , precum și forme de proiecție a imaginilor pictate pe sticlă într-o cameră întunecată, printr-o cutie închisă care conține o lumânare, a cărei lumină este filtrată printr-o gaură pe care se aplică un obiectiv. Lanterna magică este un punct fundamental în istoria cinematografiei, deoarece este dispozitivul precinemului cel mai apropiat de spectacolul de film propriu-zis.
• Colecție de schițe de scene care evidențiază importanța contribuției scenografilor. Astfel, pe lângă recenziile cinematografiei italiene și ale expresionismului german și ale avangardei franceze, expoziția găzduiește o documentație importantă a operei lui Lazare Meerson, marele scenograf rus care a adus cinematograful european în realismul poetic din anii 40. Meerson a fost principalul colaborator al lui René Clair și Jacques Feyder . El a contribuit la definirea atmosferei realismului poetic francez din anii 1930, influențând o întreagă generație de scenografi, inclusiv Alexander Trauner și André Barsacq. Poetica sa este plasată la antipodele expresionismului german. Schițele expuse vizează următoarele lucrări cinematografice: „The Schaks”, „ Fire Over England ”, „Le 14 Juillet”, „Les Beaux Jours”, „La Kermesse Héroique”, „Knight Without Armour” . Expoziția retrospectivă a scenografului Lazare Meerson a fost înființată grație doamnei Mary Meerson care a fost de acord cu împrumutul desenelor și schițelor originale.
• Proiecția unora dintre cele mai interesante filme retrospective pentru a documenta istoria artei cinematografice. Un film din 1932 a fost prezentat pentru vizionare privată: La Chienne de Renoir. Modul în care este spusă povestea este inovator și acesta este unul dintre aspectele pe care expoziția vrea să le evidențieze: modul de comunicare în cinematografie. La Chienne a apărut în primii ani ai „ vorbitului ”, dar Renoir nu s-a lăsat dus de eveniment, folosind în schimb sunetul pentru a crea efecte frumoase. Pe lângă La Chienne , Teatro della Triennale le-a oferit amatorilor Tabu din Murnau , Renoir Marea Iluzie, Vampirul Dreyer, Entr'acte Clair, Blue Angel Sternberg , Simfonia lui Stroheim nupțial , Ioana de Arcul Ucicki, Șoarecii Cenușii din Ghione, Lost în întunericul lui Mertoglio.
• Proiecția filmului Douăzeci de ani de artă tăcută , o antologie a cinematografiei italiene din 1904 până în 1928 elaborată de Franco Mazzotti Biancinelli cu colaborarea lui Emilio Scarpa. De la La Presa di Roma la Kif Tebbi al lui Camerini, sunt proiectate secțiuni din principalele filme mute produse în Italia la acea vreme.

Restaurant, bar și diverse servicii

La parter, cu fațada principală orientată spre parc, existau un restaurant și un bar, administrate de frații Ferrario. Cu ocazia expoziției, tavanul cu grinzi transversale al restaurantului a fost decorat de pictorul Enzo Ciuti cu motive care amintesc de mâncare. În plus, exista un vestibul decorat cu vitralii gravate de Ferruccio Morandini și tancuri de pește de către compania Wagner . Din aceste două camere era posibil să ieșiți în parc în fața palatului dell'Arte, în timp ce în dreapta se afla Pavilionul din parc, care găzduia „Expoziția de artă sacră și expozițiile temporare organizate de Triennale. structura a fost construită de arhitectul Luciano Baldessari în 1933, cu ocazia Expoziției Presei din Triennala a V. A prezentat basoreliefuri de Mario Sironi și Leone Lodi , plasate în cadrul care înconjura fațada principală. Printre copaci în parc stătea în schimb statuia de lemn a unei Madonne, sculptată de Ludwig Moroder și Rudolf Vallazza. ^[2]

Palazzo dell'Arte: primul etaj

Secțiuni străine

Secțiunea Elveției

Pentru cea de-a șaptea ediție a trienalei, spațiul pus la dispoziția Elveției a fost redus în comparație cu multitudinea de produse aparținând diferitelor sectoare care ar putea fi expuse aici. Prin urmare, sa decis alegerea unei teme principale care să reprezinte cel mai bine industria și meșteșugul elvețian. Alegerea a căzut pe ceas, care reprezintă cea mai importantă și cea mai veche industrie din Elveția, într-o combinație de tradiție și tehnologie. Importat la Geneva în secolul al XVI-lea de imigranți francezi, s-a dezvoltat în centrele Le Locle și La Chaux-de-Fonds. ^[3] Nu trebuie confundată cu arta aurarului, industria ceasurilor întruchipează abilități tehnice, simț științific, precizie manuală și gust artistic ^[3] care îl fac un produs splendid pentru a fi prezentat într-o expoziție de design precum Triennale. Nu întâmplător motto-ul ales pentru această secțiune a fost „Munca elvețiană este munca de precizie”. Există șase părți în care secțiunea este împărțită în funcție de modul în care este utilizat ceasul: de la timpul liber la sport, în joc, în timpul studiului, acasă etc. Setările sunt pregătite în așa fel încât să reconstruiască mediul în care este utilizat ceasul. Acest lucru a făcut posibilă expunerea obiectelor mici care pot fi găsite în fiecare mediu: de la produsele din industria textilă la cele din ceramică și metal. Expoziția este împărțită în două părți. Partea dreaptă a camerei este ocupată de un element pătrat, un spalier care conține fotografii și vitrine în interior. Tema prezentată aici este cea a preciziei. Partea stângă este ocupată în schimb de o structură curbată: peretele este curbat și alungit, mai întâi concav și apoi convex. Tema este cea a diferitelor sectoare de utilizare a ceasului.

Secțiunea României

O mare parte din expoziție este dedicată produselor meșteșugărești care fac din arta românească veche rezultatul unei vechi tradiții. Multe dintre obiectele găsite aici fac parte din viața de zi cu zi a unui țăran român normal: găsim țesături și broderii, obiecte din ceramică și alte materiale. Formele artei românești, materialele și tehnicile transmise sunt o sursă de inspirație pentru artiști, dar și pentru arhitecții de astăzi. S-a încercat crearea unui stil real inspirat de aceste producții tradiționale pentru crearea de arhitectură, mobilier și spații interioare. De fapt, expoziția cuprinde diverse lucrări ale unor artiști care s-au inspirat din arta țărănească: sculpturi din lemn, mobilier, țesături și obiecte din ceramică. ^[4]

Secțiunea Suediei

Prezentarea secțiunii suedeze este limitată la un singur sector, cel al cristalelor gravate, care a fost întotdeauna recunoscut ca o excelență a țării scandinave. De-a lungul pereților laterali ai expoziției, la aproximativ jumătate de metru înălțime, două plase de sârmă sunt întinse mărginite de rame de lemn. Aici sunt afișate vaze care sunt așezate pe rafturi de cristal fixate pe plase. Alte vaze sunt afișate pe rafturile aceleiași plase de sârmă. Suspendate de tavan există trei vitrine de sticlă care conțin colecțiile de vaze de artă proiectate de artiștii scandinavi Edward Hald, Vicke Lindstrand și Edvin Oehrstrom. Particularitatea acestor vaze constă în faptul că acestea constau din două straturi de cristal, făcute să se potrivească și să se contopească, după ce au fost gravate și decorate. Rezultatul este vaze cu suprafețe exterioare complet netede, dar cu gravuri și culori în interiorul lor. ^[5] Artiștii care au colaborat la celelalte piese expuse sunt: ​​Gate, Landberg și Palmqvist.

Secția Protectoratului Boemiei și Moraviei

Amenajarea acestei secțiuni a fost organizată de arhitectul și profesorul Frantisek Troester. Aici sunt prezentate câteva producții ale artei decorării sticlei, obiecte din sticlă și metal și câteva schițe și schițe pentru scenografii. Deși aparțin tradiției meșteșugului boem, aceste obiecte au fost expuse într-o atmosferă complet modernă și contemporană. În cameră se află și un tablou al artistului Karel Svolinsky destinat unei vitralii în Catedrala San Vito din Praga .

Secțiunea Ungariei

Ungaria , cu ocazia celei de-a VII-a Trienale, iese în evidență din alte națiuni: nu prezintă obiecte aparținând artelor decorative ci produse ale artelor industriale maghiare. Producția este prezentată în tendințele sale moderne și chiar dacă uneori amintește obiecte ale culturii populare, acestea nu sunt niciodată o imitație folclorică flagrantă. În expoziții există numeroase sculpturi care înfățișează sfinți și patroni naționali, care mărturisesc rădăcinile creștin-romanice ale poporului maghiar. Majoritatea acestor lucrări sacre nu sunt semnate de niciun artist, ci mai degrabă realizate de anonimi. În special, un cap de bronz al Regentului Harthy domină intrarea, în timp ce o sculptură din lemn care înfățișează Madonna „Patrona Hungariae” este plasată într-una dintre camerele laterale care se ramifică din sala centrală a expoziției. O bună parte din secțiune este dedicată industriei ceramice, care a revenit la lumină după perioada de influență a Secesiunii vieneze care a ascuns această artă. Trei artiști sunt prezenți: Geza Gorica, Stefano Gador și Margherita Kovacs. Obiectele din porțelan sunt decorate în relief și colorate și descriu imagini sacre. Există, de asemenea, o expoziție a producțiilor din industria aurarului maghiar. Majoritatea obiectelor au un caracter liturgic, precum potirul și ciboriul profesorului Antonio Megyer Meyer. Partea dedicată artei scenice a propus scenografia unor opere de teatru care au avut o oarecare relație cu Italia. Scenografia operei „Tragedia omului” a fost concepută de doi tineri sculptori: Desiderio Erdey și Ernesto Ialics. În ceea ce privește arta grafică și scenografică, Ungaria a expus câteva volume tipografice ale Universității din Budapesta, volumul dedicat monumentelor istorice din Ungaria și gravurile pe lemn ale lui Paolo Molnàr.

Secțiunea Franței

Comitetul de organizare al Triennale a neglijat orice tip de punere în scenă și, prin urmare, nu este prezent niciun tip de punere în scenă. Secțiunea franceză este deci doar expoziția unor obiecte și lucrări. Camera principală are un perimetru curbat și conține două mese de cristal pe care sunt așezate unele obiecte și o canapea gri. Pe prima masă cu fundal roșu sunt câteva obiecte din abanos de Alexandre Noll. Al doilea tabel are fundul albastru și conține alte obiecte din lemn ale aceluiași autor. Pe pereți, pe de altă parte, sunt expuse în vitrinele de țesături, în special în mătase brodată și colorată. Între vitrine, în total șase, sunt așezate rafturi cu oglinzi care tăie două mici obeliscuri create de Fabrica de la Sèvres.

Secțiunea Germaniei

Germania a recomandat expozanților săi pentru această ediție să renunțe la noutățile excentrice și controversate, ci mai degrabă să se concentreze asupra realizării proiectelor finalizate, testate de experiență și de o lungă cale de dezvoltare. Germania vizează produse care, deși sunt destinate utilizării practice și de zi cu zi, au încă o formă frumoasă și adecvată. Prin urmare, Germania a acceptat pentru această ediție inițiativa de a expune obiecte și produse de artă aplicată, cum ar fi mobilier și mobilier. Comitetul Deutsche Heimatwerk a ales mobilier și mobilier care nu au fost proiectate de vreun artist anume, dar sunt rodul îndelungatei tradiții rurale care caracterizează fiecare regiune a Germaniei. Pe de altă parte, sunt expuse și mobilierul care aparține unei producții mai moderne și dezvoltat pentru viața de zi cu zi. Temele cele mai dragi designerilor germani sunt munca, casa și bucuria mesei. Există numeroase mobilier proiectat de doctorul Hermann Gretsch, care este organizatorul și curatorul secțiunii germane în sine. Un dormitor, o cameră pentru ascultarea muzicii și o sală de mese au fost reconstruite conform desenelor profesorului și conțin numeroase obiecte de mobilier produse de industria germană. Sectoarele prezente variază de la ceramică la tâmplărie, de la industria textilă la cea a metalelor.

Vestibul și impluvium

Vestibulul este decorat cu patru statui mari ale sculptorului Fausto Melotti , care simbolizează artele plastice: Arhitectură, Sculptură, Pictură și Decorare. Din vestibul și din dreapta, intri în Impluvium. Impluvium a fost amenajat de arhitect. Renato Camus. Majolicele au fost realizate de pictorul Enrico Ciuti, din departamentul Derutanova, al Consorțiului italian de majolică artistică din Perugia . Bazinul pătrat central are o decorație de majolică reprezentând trei capete de cabaline. Bordura care mărginește cada avea un decor orizontal de țiglă, motivul reprezentat fiind balustradele. Pardoseala este realizată din dale de gneis dispuse în opus incertum și înlocuite liber cu dale de maiolică colorate care prezintă insecte fantastice mari. Ieșind pe partea opusă a intrării, intri în curte. Ușa arcuită din peretele din spate duce la Expoziția Internațională de Arhitectură. În lunetă , deasupra ușii de intrare, se afla o sculptură a lui Fausto Melotti care îl reprezenta pe Sfântul Apostol Toma ca hramul arhitecților. Pasajul de-a lungul pereților consta din opt panouri cu basorelief de Fausto Melotti. Fac aluzie la cele opt secțiuni ale expoziției.

Expoziție de carte de arhitectură italiană antică

Expoziția intenționează să reafirme primatul tratatelor de arhitectură care îl însoțește pe cel al arhitecturii italiene. Colecția are puține lucrări datorită dificultății de a scoate din locurile în care sunt păstrate codurile și cărțile rare. Există tratate de arhitectură și estetică arhitecturală, lucrări scrise de arhitecți, câteva cărți tehnice și unele despre arhitectură militară. Au fost colectate texte scrise care aveau afinități din punct de vedere creativ și stilistic. Revizuirea începe cu Vitruvius, în ultimul secol al erei antice, și se încheie la mijlocul secolului al XIX-lea. O bibliografie vastă și completă a fost însă publicată, la casa Hoepli, de Agnoldomenico Pica, organizatorul expoziției. Ne amintim de participarea librăriei de antichități Hoepli care a colaborat cu ordonatorul de credite și a organizat departamentul de vânzări.

Galeria Renașterii

Galeria Renașterii , pe peretele înclinat, are o compoziție fotopictorică de Diego Santambrogio și Niccolò Segota care evocă elementele grafice ale tratatelor italiene. Pe pereți, pe laturile lungi, o serie de fotografii ale paginilor codice și volumelor tipărite își propune să răspândească cunoștințele paginilor volumelor expuse. Cadrele includ reproduceri de Piero della Francesca , LB Alberti, Giuliano da Sangallo , Filarete , Vignola , Palladio , Borromino etc. În vitrine există coduri, incunabule și volume din diverse epoci.

Palatul de artă: etajul al doilea

Scară și vestibul superior

Mural tempera (detaliu) - vestibul superior VII Triennale - Filiberto Sbardella

Din atriul de la primul etaj, urcați în vestibulul superior prin scara amenajată de arhitect. Giovanni Muzio și ing. Bruno Negri. De pe scară, pentru cei care urcă, marea tempera de Filiberto Sbardella este vizibilă „Imnul civilizației fasciste” în care au colaborat și pictorii Angles, Bergozon, Maccaferri și Viriglio. ^[6] În vestibulul superior sunt expuse importante opere de artă cu care Triennale vrea să-și accentueze interesul pentru elementele decorative. Decorul se bazează pe cea mai înaltă formă de manifestare artistică, cea care are sarcina de a exprima idealurile, simțurile și civilizația unui popor. În centrul vestibulului pe un piedestal de cărămidă, lângă balustradă, se află „Capul Medusei”, modelat de Lucio Fontana și executat de firma Giorgio Grapputo din Milano. Acest cap este acoperit cu plăci de mozaic negru și auriu. În dreapta, spre Aula Massima, pe un perete etanș vertical, se află un mozaic de marmură de Massimo Campigli realizat de Padoan de la Veneția. Campigli tratează tema lui Mussolini despre „pacea cu dreptatea”: în timp ce figura Păcii protejează un copac mic, cealaltă - dreptatea - rupe un fruct în părți egale. În fața operei lui Campigli și simetric față de Vestibul, există un al doilea mozaic de sticlă de Aldo Salvadori realizat de Institutul de Artă din Ravenna sub îndrumarea maestrului Tuti. Pe laturile ferestrei cu vedere la Impluvium sunt amplasate două sculpturi fără cap de Mario Raimondi; între cele două statui se află o mică sculptură în bronz de Angelo Biancini înfățișând un cavaler. Pe laturile „Medusei” sunt două vaze de Leono Fraquelli. Lângă mozaicul Salvadori se află o ceașcă mare de Lucio Fontana din Milano. Din vestibul, traversând galeria de sticlă și metal, ajungeți la Aula Massima.

Clasa maximă

Aranjamentul arcului. Agnoldomenico Pica, 1939

Sala maximă este destinată ceremoniilor, mitingurilor și congreselor care au avut loc în timpul celei de-a VII-a Trienale. Este, după sala Alessi din Palazzo Marino, mediul reprezentativ din Milano. Sala de clasă este acoperită cu pătrate din lemn aurit, textura este evidențiată de benzi de lemn roșii. Podeaua este din marmură verde cipollino. Peretele din spate este acoperit cu marmură. Tribuna este protejată de un baldachin acoperit cu mozaic de aur. Arengo tribunei este conceput ca un scaun care iese spre vaza scării. Este în marmură gri, pluteusul. Marmura poartă benzi orizontale sculptate de Fausto Melotti. Pe fundalul tribunei, un panou țesut cu fire de cânepă roșie și violet, aur, argint și oțel realizate de pictorul Anita Pittoni . Motivul heraldic al vulturului imperial se repetă ritmic în panou. Pe tavan este reprodus cu aceeași imagine mărită. În fața tribunei se deschide loggia muzicienilor. Mai jos este o fâșie lungă de marmură gri în care Melotti ciopleste blazonele orașului, ale domnilor și ale cartierelor istorice din Milano. Deasupra sunt stemele Porta Ticinese, Porta Vercellina, Porta Nuova, a municipiului, Porta Comasina, Porta Romana, Porta Orientale. Sub crucea municipiului Milano este reprodusă de trei ori ca o stemă a municipalității libere, a republicii ambroziene și a actualului municipiu. Stemele familiilor Torriani, Visconti și Sforza se succed printre crucile municipale. Placarea din lemn a fost realizată de compania Giuseppe Carcano din Palazzolo Milanese, piesele de marmură de compania Renato Camuzzi din Bergamo și panoul de Anita Pittoni de către atelierul meșteresc din Trieste regizat chiar de pictor. Din holul principal puteți accesa terasa în aer liber și barul. A fost înființat de secția de mobilă a Institutului Superior pentru Industrii Artistice din Monza << Costanzo Ciano >>.

Expoziție de dantelă veche

Pregătire de Gabriele Mucchi (1899-2002).

Expoziția de dantelă antică își propune să atragă atenția publicului asupra unei industrii de artă care este în general puțin cunoscută, dar a cărei importanță a fost foarte semnificativă în secolele trecute, din secolul al XV - lea până în secolul al XIX-lea . Vrem să ne amintim de originea italiană a acestei arte, care în curând a trebuit să se răspândească în toate țările Europei, în special în Flandra și Franța , unde a ajuns la acea splendoare dictată de stilul vremii. Dintre multe varietăți, expoziția intenționează să prezinte o alegere care oferă un exemplu semnificativ pentru fiecare epocă și loc. Problema spațiului limitat a fost rezolvată dând expoziției un caracter rotativ, astfel încât materialul expus să poată fi reînnoit continuu. Pentru colectarea materialului, s-au folosit muzee, biserici, corpuri ecleziastice și colecții private. Sarcina acestei secțiuni a fost de a expune obiecte prețioase de mare valoare artistică și istorică. Șireturile antice sunt, de asemenea, foarte delicate și foarte mici, pentru a fi examinate îndeaproape într-un mediu liniștit și pentru a le profita la maximum. Toate ideile expoziționiste au fost respinse, încercând să dea un ton uniform și clasic mediului, pentru a scoate în evidență caracterul nobil și prețios al lucrurilor expuse. Toate aranjamentele erau din lemn. Putto-ul din tencuială aurie care atârnă de tavan este opera lui Jenny Wiegmann Mucchi, soția lui Gabriele. Au fost expuse 28 de vitrine.

Astfel, Mucchi, în autobiografia sa, descrie expoziția care i-a fost încredințată:

„Mi-am imaginat o fâșie de perete negru, formată din panouri puțin desprinse de peretele real [...]: asta pentru a face loc, în spatele lor, unei serii de vitrine care se deschideau spre cameră și conțineau dantele antice foarte prețioase, [...] închis [...] cu o serie de cristale puternice care străbăteau de-a lungul întregii fâșii de perete fără întrerupere. Camera înaltă, colorată într-o culoare albastru-gri închis, era aproape în întuneric. vitrine [...] a coborât [...] O lumină strălucitoare. Pe tavan îmi imaginasem un nor de dantelă falsă [...]. Erau straturi de tarlatan fixate, în straturi agățate, de tavan. Un înger auriu - opera lui Genni - părea să zboare în interiorul acelui nor albicios ". ^[7]

Expoziție de țesături și broderii

Expoziția de țesături și broderii, care a fost prefața dantelei antice, include camerele: ale LInificio și Canapificio Nazionale, ale Ital-Viscosa, ale Vittorio Ferrari și ale Gonfalone, ale stolelor din Croff, secțiunea de țesături iar cea a dantelei și broderii.

Sala del Linificio și Canapificio Nazionale

Linificio e Canapificio Nazionale prezintă o scurtă expoziție a producțiilor sale. Holul este mobilat ca o simplă cameră de lucru. Pe pereți sunt expuse țesături de cânepă imprimate pe modele de Carminati și Berzeviczy-Pallavicini și țesături simple pentru mobilier; există, de asemenea, exemple de tapițerie și tapițerie de mobilă.

Sala dell'Ital-Viscosa

Camera este concepută exclusiv ca o sală de expoziții, de fapt nu există un tip de decor. Țesăturile expuse sunt exclusiv din italic-viscoză. Entrando dalla sala del Linificio e Canapificio si ha sulla sinistra un grande tendaggio composto da teli di stoffe per abbigliamento, davanti a ciò c'è un elemento composto da un vetro dipinto unito ad uno specchio curvo. Al centro vi è una nicchia da pavimento a soffitto con un pannello bianco e nero. Sulla parete di destra c'è un telaio di legno con delle stoffe. Le stoffe sono inserite in dei telai staccati dal muro, che incorniciano perfettamente i particolari. La grande nicchia centrale è a sezione orizzontale più che semicircolare, la curva è ripresa in basso da un divano ricoperto di stoffa. Il divano si chiude con un tavolo tondo coperto da tessuti sul quale è riposta una lastra di cristallo unito ad esso. Il soffitto è traforato da coni illuminati di varie dimensioni.

Sala di Vittorio Ferrari e del Gonfalone

Su una mensola di legno che percorre tutte le pareti, sono esposti i tessuti lavorati a mano. Questi tessuti italiani di gran pregio sono onorati da Vittorio Ferrari che ne sottolinea il primato nel tessuto di alta classe. La collezione comprende sia tessuti antichi, ma anche collezioni nuove. Nel centro della sala c'è un grande bancone che fa da vetrina per le stoffe, inoltre alcuni mobili sono stati ricoperti, come nell'allestimento precedente, con stoffe per dimostrare l'aderenza ad esse. In questa sala è esposta un'opera eccezionale di ricamo, il Gonfalone dell'Ospedale Maggiore di Milano ; l'ideazione di quest'opera è dovuta a Gio Ponti . Il Gonfalone rappresenta l' Annunciazione , immagine simbolica dell'ospedale; questa è ricamata a rilievo in oro su fondo di seta ed è ornata in perle. Sono inoltre ricamati a colori gli stemmi che costituiscono l'emblematica dell'Opera dell'Ospedale.

Sala delle stoffe di Croff

Questa sezione presenta un numero cospicuo di stoffe da arredamento, tende e tappeti. La sala è divisa in due parti: nella prima sono disposte su sostegni stoffe nuove di vari tipi; nella seconda figurano le applicazioni delle stoffe e dei tendaggi. Davanti alla grande finestra c'è un tendaggio dimostrativo, composto di varie stoffe sia opache che trasparenti. Una parte della sala è tappezzata con raso bianco trapuntato, l'altra con una stoffa a grandi fiori. Su due pedane sono posizionati due mobili: uno, un mobile-mescita e scrivania coperto da una stoffa ricchissima, l'altro un divano rivestito di raso bianco, con zoccolo di cristallo trasparente bianco e viola ametista.

Sezione dei merletti e dei ricami

Tutti i lavori esposti sono stati creati per presentare alla VII Triennale le varie tecniche di ricamo nella loro espressione più moderna. La sala è stata per mostrare al pubblico in quanti modi possono venire esposti e di conseguenza apprezzati i merletti. Sono state create composizioni sotto campane di vetro, in nicchie a forma di strumenti musicali. Nell'atrio d'accesso è esposto un arazzo . Davanti alla porta, che è nel mezzo della parete dipinta, che raffigura “le donne italiane al lavoro” è esposto lo stendardo dell' Università di Padova . I tre manichini indossano tre abbigliamenti femminili con applicazioni di trine e ricami:

• Il vestito da sposa
• Il vestito da sera
• La veste da camera

Sezione dei tessuti

In questa sezione si sono raccolti i migliori prodotti che l'industria tessile italiana è in grado di offrire. Ogni stoffa è stata appositamente creata per la presentazione al pubblico della VII Triennale. Gli artisti che hanno coadiuvato con i disegni sono: Enrico, Fabrizio Clerici ; Piero Fornasetti .

La Galleria dei vetri e dei metalli

Allestimento dell'Arch. Ignazio Gardella

L'ordinamento della mostra è stato fatto dall'architetto Ignazio Gardella e dal Comitato Esecutivo al quale è andata la scelta dei pezzi. La prima parte della galleria è adiacente alla mostra delle ceramiche è riservato a Paolo Venini di Murano . Venini ha provveduto alla sistemazione dei suoi prodotti ed ha presentato anche dei pezzi d'eccezione. La seconda parte della galleria è stata divisa in quattro spazi e la scenografia riguarda un'interpretazione fantastica di un canale veneziano da parte del pittore Bramante Buffoni . In questi spazi ci sono i vetri di Seguso, Barovier, delle Cristallerie e Conterie, della Salir di Murano. Ci sono dei pezzi più eccezionali di altri prodotti dalle società Alluminio SA e Lavorazione Leghe Leggere SA, tra cui una scultura sospesa in anticorodal e un camino isolato circolare con una cappa conica in lastre di alluminio sbalzato; l'autrice è la scultrice Genni . Sono esposti i grandi vasi di zama della Montecatini Piombo e Zinco, e gli smalti di De Poli di Padova , fra cui un pannello con mattonelle smaltate su progetto di Giò Ponti , che ha rappresentato un Arlecchino . I tavoli su cui sono esposte le opere sono in abete leggermente cerato. La parete dove si aprono le finestre verso il parco, è ricoperta da un rivestimento in Arelle sul quale c'è un rampicante dipinto su zone di intonaco. Il Velario è costituito da strisce di tela bianca, staccate le une dalle altre in modo che formino parabole in campate uguali. Hanno fornito gli oggetti esposti i seguenti artisti: Franco Albini , Gian Luigi Banfi , E. Barovier, Ludovico B. Belgiojoso, Luigi Caccia Dominioni , Ugo Carà , i fratelli Achille e Castiglioni , DA Corradi, Piero Fornasetti , Ignazio Gardella , Enrico Peressutti , Giò Ponti . In una sezione a parte Luigi Fontana propone la collezione "Fontanarte". ^[8]

ENAPI

Il pittore e architetto Giovanni Guerrini allestisce la mostra dell'ENAPI

L'ENAPI è l'Ente Internazionale Artigianato e Piccole Industrie, che per la settima volta prende parte alla Triennale. L'Ente nasce al fine di sostenere le piccole imprese locali e per promuovere la costituzione di cooperative di consumo e consorzi per l'acquisto di materie prime, produzione e vendita, elevando la produzione d'arte italiana. In questa rassegna infatti si pone particolare attenzione alla mano dell'artigiano, in quanto sono esposti tendaggi, merletti e mobili minuziosamente decorati, ricamati e intarsiati. Oltre a tutto questo sono utilizzati anche i materiali classici dell'artigiano come ceramica, cuoio, legno, vetro e paglia. La mostra si trova all'interno di una galleria composta da 19 finestre coperte da altrettante tende, ricamate in bianco su pizzo bianco, mentre gli oggetti si trovano nelle 10 vetrine al centro della sala.

Mostra delle cornici

Ordinamento e allestimento dell'arch. Renato G. Angeli

In questa sezione si è svolto l'interessante tema della cornice . Essa è considerata in funzione del quadro o comunque dell'opera incorniciata che rimane la protagonista. L'incorniciatura è qui proposta in relazione all'oggetto da incorniciare e di forma e materia della cornice stessa. Sono esposte cornici nuove come quella rhodoid o di sughero, vicine a cornici elastiche di legno intagliato e dorato ea qualche pezzo autentico. A un criterio di selezione così ampio corrisponde una scelta altrettanto vasta degli oggetti da incorniciare in modo che alcuni di questi hanno fornito un buon motivo per qualche cornice di fantasia altrettanto eccezionale. Le cornici esposte sono in: metallo, smalto, legno intagliato, legno dorato, pergamena, pelle, stoffa, filigrana, midollino, vetro, mosaico, cristallo, specchio, aste dorate, sughero, rhodoid ed altro; è presente anche una cornice luminosa. Le opere incorniciate sono pitture e disegni dell'Ottocento, caricature, fotografie, ricami, curiosità, incisioni, stampe e smalti. Sulla parete destra di chi entra si trovano dipinti che vanno dal XIII al XVIII secolo , con cornici intagliate. Alla parete di fronte ci sono quadri della galleria Dedalo. Nella vetrina centrale sono presenti preziose cornici che custodiscono acqueforti , miniature e caricature. Nel soffitto figura un ingrandimento fotografico che allude alle tele incassate e incorniciate nei soffitti lignei cinquecenteschi come Palazzo Ducale a Venezia . Alla parete centrale ci sono alcune cornici inedite tra cui una in cristalli che la isola dal resto della parete oppure creando luminosità per la cornice di una specchiera . Un'altra ha una sagoma libera e ottenuta nel modo più estroso. Alla parte curva un pannello del pittore Enrico Ciuti. Dietro la curva un quadro isolato su cavalletto. Alle altre pareti ci sono i quadri della galleria Barbaroux realizzati da venti pittori diversi. Esempi di incorniciature e completamento delle vetrine. Si presenta una possibile soluzione nell'accostamento tra cornice e parete: un muro con stoffe e carte da parati fa da sfondo a cornici che con la loro collocazione inquadrano le varie posizione di parete. Sulla parete che fiancheggia l'uscita è esposta una natura morta del pittore Enrico Ciuti.

VII Triennale di Milano

Ordinamento del prof. Ferruccio Pasqui e dell'arch. Renato Camus. Allestimento dell'arch. Renato Camus

L'esposizione attesta l'alto grado di efficienza e qualità delle scuole d'arte applicate attraverso le quali l'Italia prepara gli esecutori ei maestri d'arte. Essi sono una garanzia per il raffinamento della produzione. La partecipazione delle Scuole d'Arte alla VII Triennale, voluta dal ministero dell'educazione nazionale e organizzata dalla direzione nazionale delle arti, intende dimostrare il concreto indirizzo professionale, al lavoro e alla produzione nazionale nel campo delle arti applicate. Marino Lazzari, direttore generale delle arti, dichiarò: "Come lavoratore e produttore di valori, l'artista è chiamato a partecipare alla missione di civiltà che lo Stato esplica nel mondo. Rivalutando il Lavoro e riportando in ogni tipo di scuola d'arte l'esperienza artigiana si ubbidisce non solo a un principio teorico che vuole la tecnica adesiva alla necessità espressiva, ma si attua nella scuola una preparazione politica, dato che si abilita il giovane a una serietà di vita e di lavoro che è l'unica condizione di vita socialmente e politicamente utile". ^[8] Gli ulteriori sviluppi dell'azione educativa dello Stato, confermeranno la necessaria coincidenza della moralità di un serio operare con la qualità estetica della produzione d'arte. Alla mostra partecipano i Regi Istituti ei Regi Istituti d'Arte italiani, l'Istituto Superiore per le Industrie Artistiche di Monza, la Scuola del libro dell'Umanitaria, gli Istituti di Ravenna e di Siena e la Scuola d'Arte di Tunisi.

Esempio di parete per una casa del Fascio

Presso la stessa area, è visibile una tempera di Filiberto Sbardella chiamata "Inno alla civiltà fascista", davanti alla porta è collocato un tavolo di scagliola eseguito da Felice Squassi su disegno di Piero Fornasetti . Nella breve galleria sono collocate scaffalature di alluminio realizzate da Lips-Vago di Milano. La scaffalatura contiene volumi della casa editrice Ulrico Hoepli . Tra loro si ricorda la serie degli scritti e dei discorsi del Duce.

Galleria dell'arredamento

Sala delle applicazioni del cuoio

Progetto dell'arch. Guido Frette in collaborazione del prof. Mario Del Fabbro

Ambiente di soggiorno per un collezionista

Progetto del pittore Enrico Ciuti

Sala da pranzo

Progetto dell'arch. Luigi Carlo Daneri

Cabina navale

Progetto dello studio d'architettura Stuard di Trieste.

Sala dell'antico nel moderno

Progetto e ordinamento dell'arch. Luigi M. Brunelli

Stanza da studio e soggiorno per un'attrice

Progetto dell'Arch. Enrico De Angeli

Soggiorno e sala da pranzo

Progetto degli architetti Maria Asnago e Claudio Vender

Stanza di soggiorno d una villa

vista stanza

Mostra dell'attrezzatura coloniale

Ordinamento e allestimento dell'arch. Carlo Enrico Rava

L'esposizione ha lo scopo di dimostrare l'alta qualità e l'efficienza delle forniture messe in campo dall'impero italiano per il viaggio verso i possedimenti in Africa. Tali mezzi avrebbero dovuto soddisfare ogni richiesta ed essere all'altezza della medesima produzione estera. Questa sezione tiene conto di ciò che nella vita in colonia può servire. La mostra è rivolta verso un'esigenza di spostamento costante ma soprattutto il nomadismo è conseguenza della vastità degli spazi in africani. Le realizzazioni dei progettisti si sono dirette verso l'attendamento piuttosto che l'arredamento di villini di funzionari residenti nelle città dell'impero. Nella prima sala c'è un pavimento rialzato di maiolica azzurra con disegni bianchi e neri di Enrico Ciuti. Sulla parete a sinistra una composizione della pittrice Felicita Fray Lustig. Nella seconda sala, alla parete destra, composizione del pittore Fabio Mauro. Le tinte dei tre ambienti sono giocate sul bianco e su zone verde-palma e giallo limone. Gli oggetti esposti sono: mobili (es.: camera da letto smontabile di faesite decolorata e rovere sabbiato di GG Sichirollo), accessori di arredamento (es.: lanterna di rame dell'arch. Paolo Malchiodi), attrezzatura per la tavola (es.: caffettiera, due tazzine da caffè, una teiera, due tazze da tè in argento, una scatola per sigarette e due piatti di rame argentato dell'arch. Giovanni Pellegrini), attrezzature per il viaggio (es.: apparecchio radio-portatile dell'arch. Guido Frette) e attrezzatura per la caccia e la carovana (es.: selle e finimenti in cuoio della ditta Rejna di Milano).

Mostra della Ceramica

Allestimento e ordinamento degli architetti Luigi Mattioni e Gian Luigi Reggio.

Nella mostra sono presenti solo opere di artigiani italiani. Nella scelta delle opere gli autori hanno seguito un criterio rappresentativo, in modo che lo spettatore potesse avere una visione quanto più possibile attuale e completa sulla produzione della ceramica nell'epoca di riferimento. La maggior parte degli oggetti esposti, pur essendo artigianali, sono di normale produzione nelle varie industrie. La mostra, che si svolge nell'ambiente 37, comprende la sezione della Richard-Ginori diretta da Gio Ponti , la sezione della Laveno con le ceramiche di Guido Andloviz , le mostre personali degli scultori-ceramisti Melandri e Morozzi, nonché le mostre rappresentative di altri 37 artisti. Le ceramiche risultano disposte, in parte, su ripiani mobili di cristallo applicati mediante mensole di legno sporgenti dai fori della muratura, alle paratine di mattoni o transenne, poste lungo il lato maggiore della sala, di fronte all'ingresso. Altre ceramiche sono collocate frontalmente, sulla parete rivestita di stuoie, rette da masselli di legno naturale, o racchiuse in cassette, aperte anteriormente e dipinte all'interno. Alcuni tipi di piastrelle per rivestimenti sono applicate direttamente alle pareti o disposte su tavoli quadrati di legno o di mattoni imbiancati. Due colori fondamentali fanno da cornice alla mostra: il bianco dei muretti di mattoni e il colore delle stuoie e dei legni; su tale chiarezza spiccano le iridescenze delle patine, dei colori e degli smalti. Nella Sala della Ceramica sono anche esposte alcune sculture in pietra e in cotto di Lina Arpesani . Dall'ultima saletta della Mostra della Ceramica si accede nel vestibolo superiore, dove al primo piano è ubicato l'ufficio postale (ambiente 38) mentre al pian terreno si trovano la Mostra delle Vetrine, la Mostra del Cinema, il ristorante, la mescita, il teatro ei vari servizi.

Padiglione nel Parco

Mostra d'Arte Sacra

Ordinatori e progettisti di questa mostra sono Ottavio Cabiati , Bruno Moretti e gli architetti Antonio Cassi Ramelli , Enrico Ratti e Luigi Brambilla. Essi hanno operato secondo il principio di fare bene e onestamente, in modo da ritrovare la buona strada e raggiungere un'arte dignitosa. L'esposizione era ornata del minimo indispensabile, in modo da rispondere alle effettive necessità del culto. Gli allestitori hanno cercato di risuscitare simboli sacri come le croci dipinte, hanno tentato di ridare onore a tecniche e materiali andati in disuso e nondimeno a restituire importanza agli oggetti più piccoli come medaglie, stampe ed immagini. All'interno della mostra si possono ammirare diverse opere, come il grande crocefisso della Scuola dei Fabbri di Milano, quello di Dante Marozzi, Luigi Piazza e Vittorio Moroder, o ancora quello in legno colorato e patinato di Salvatore Saponaro . Inoltre erano presenti vetrate su disegno, come “Sant'Eustachio” e “Deposizione della Croce” rispettivamente di Piero Monti e Luigi Brambilla e ancora degli altari, come quello di legno dipinto e decorato disegnato da Enrico Ratti o quello in marmo pregiato di Ottavio Cabiati.

Galleria laterale

Sezione del Giardino

Nella sezione del giardino del 1940 sono state mostrate le varie possibilità dell'arte dell'arredamento esterno scaturite da una collaborazione tra un architetto costruttore e arredatore e un architetto di giardini e paesaggi. Vengono dunque presentati alcuni esempi di verande e terrazze arredate (da Lio Carminati e Maurizio Tempestini ) e due esempi di sistemazione di giardino. Il primo viene progettato dall'architetto Giordano Forti, che sistema un tratto di giardino nelle immediate vicinanze della residenza che si affaccia all'aperto. Del secondo invece si occupa il prof. Pietro Porcinai , progettando uno spazio limitato, una sorta di cortile chiuso da fabbricati, porticati e pergole. Per quanto riguarda l'ornamentazione, si è pensato di affiancare ad opere d'arte decorativa e produzioni artigiane di note industrie ceramiche, alcuni materiali poveri e lavorazioni di inconsueto utilizzo, che normalmente non troverebbero posto nelle esposizioni di arte decorativa. Questa sezione è stata suddivisa in tre zone, la prima comprende il passaggio coperto con le terrazze arredate, nella seconda zona è presente il giardino d'inverno con il giardino antistante, mentre nella terza zona si trova il giardino chiuso fra i pilastri, il porticato, la pergola e il ristorante ungherese in riva all'acqua.

Prima zona

Progetto del Prof. Maurizio Tempestini

Passaggio La pavimentazione è costituita da ciottoli di fiume e lastroni di granito , realizzata dal Servizio Giardini del Comune di Milano. Il soffitto è rivestito con intonaco della SA Ital. Intonaci ("Terranova"), i due pilastri centrali sono rivestiti con quarzite della SA Quarzite, gli altri con intonaco "Terranova". La serra invece è stata messa in opera dalla ditta Fratelli Geppi di Donato. Il drappeggio di cinz della ditta Haas è stato realizzato da P. Bigoni. Le piante tropicali appartengono al R. Istituto Tecnico Agrario di Firenze . I mobili e gli accessori sono di "Casa e Giardino" SA di Milano. Infine la "bancarella del giardiniere" è della ditta Vincenzo Fustinoni di Milano.

Terrazza sul mare Il pavimento di piastrelle ceramiche è della ditta D'Agostino di Salerno. Il soffitto, formato da un tendone di canapa del Linificio e Canapificio Nazionale, è eseguito dalla ditta P. Bigoni di Milano. L'arredamento è stato progettato su modelli di "Casa e Giardino" disegnati da Lio Carminati, la mescita da terrazza è della ditta Angelo De Baggis di Cantù , i riflettori sono della ditta Arteluce, i lavori da tappezziere sono stati realizzati da P. Bigoni di Milano ei tappeti di canapa sono della Scuola del Real Castello di Racconigi . Il giardino di mare è invece del floricultore Mario Beretta.

Terrazza di montagna Il pavimento è in parte a lastroni di ardesia della ditta Biagini di Genova e nella pedana a elementi di cotto provenienti dalle Fornaci Chini di Firenze. Le pareti, rivestite di abete sabbiato, ei mobili sono della ditta Pecorini di Firenze. Il soffitto è rivestito con perline di larice . Gli alari e gli arnesi da camino sono della ditta Contri di Firenze. Il tappeto di canapa è della Scuola del R. Catello di Racconigi, anche il tendaggio è di canapa, ma del Linificio e Canapificio Nazionale, eseguito da P. Bigoni. I lumi sono di Contri di Firenze e di Arteluce di Milano. Il giardino di montagna è del floricoltore Guido Bo.

Terrazza di campagna La pavimentazione all'interno è a pietre da selciato , mentre all'esterno di beola . Le pareti sono rivestite con elementi di cotto delle Fornaci Chini di Firenze, che si occupano anche della realizzazione della vasca. Il soffitto è rivestito con una stuoia. I mobili e il tappeto di betulla e rafia sono stati costruiti dalla ditta G. Pecorini di Firenze, i mobili all'esterno invece, di vimini e salice , sono di "Casa e Giardino" SA di Milano, il tendaggio di canapa stampata è del Linificio e Canapificio Nazionale, i lumi sono di Arteluce SA Il giardino di campagna (al lago) è della ditta Farina e Volpi.

Terrazza di città La balaustra è costituita da elementi di cotto, il pavimento interno è di ceramica, quello esterno è a mosaico di cotto. Le pareti dei portafiori e la riquadratura del soffitto sono composte da tegole di ceramica della ditta Fornaci Chini di Firenze. Il soffitto è a intonaco "Terranova" mentre le pareti sono a intonaco "Terranova lucente". L'esecuzione dei mobili è affidata alla ditta G. Pecorini di Firenze, la persianina "veneziana" brevettata è di Berni di Firenze. Il tendone di olona rigata , eseguito da Bigoni, è del Linificio e Canapificio Nazionale. Gli accessori sono forniti da "Casa e Giardino" SA Milano. Il giardino di città è della Floricoltura Mancini. La realizzazione dei giardinetti e delle sistemazioni floreali della prima zona sono a cura della Sezione dell'Ortofrutticoltura, Consorzio Provinciale fra i produttori dell'agricoltura.

Seconda zona

Nella seconda zona viene sistemato un tratto di giardino adiacente ad una residenza che si affaccia all'aperto, progetto dell'architetto Giordano Forti. Le pavimentazioni intorno alla vasca e nel piazzaletto sono a lastre di marmo di Candoglia . Il pannello decorativo, caratterizzato da graffiti di vari colori, è degli allievi dell'Istituto d'Arte applicata all'Industria del Castello di Milano. Nella vasca "La gara interrotta" è posizionato un gruppo scultoreo, opera di Antonio Maiocchi, costituito da una sirena e un nuotatore. Il fondo della vasca è di cotto, i particolari decorativi sono sempre degli allievi del Castello. I diaframmi isolati sono costruiti con pomice della Liparpomice. I vasi e gli orci sono di Persico e Rebattini di Briosco e di Zaccagnini di Firenze. La messa in opera del giardino e delle sistemazioni floreali è stata eseguita dal Servizio Giardini del Comune di Milano.

Giardino d'inverno Il progetto, sempre di Forti, presenta un pavimento di Litoceramica Piccinelli, di cui è rivestita anche una parete, un'altra è rivestita di cotto normale, mentre le altre con pietra a vista. Il soffitto è a stuoie, il pilastro è decorato con un mosaico di sassolini, realizzato dagli allievi della Scuola Superiore d'Arte Applicata all'industria del Castello. I mobili di ferro e corda sono stati pensati dall'architetto Luigi Vietti di Genova.

Terza zona

Nella terza zona è collocato il progetto del prof. Pietro Porcinai : la sistemazione di un tratto di giardino chiuso tra fabbricati. La pergola è caratterizzata da una pavimentazione di quarzite della SA Quarzite di Torino . Le composizioni decorative sono rappresentate da: un mosaico di marmo di Berzeviczi Pallavicini , eseguito dalla città di Milano; un graffito su lavagna di Sernesi , eseguito dalla ditta Zannoni di Recco; una panca e diverse fontanine di ceramica di Fantoni di Firenze e un affresco su eternit , eseguito da Aldo Ajò di Gubbio. Il portico, costituito da: tetto, banchina verniciata, controsoffittatura di stuoie, pilastri laterizi, muretti di pietra a secco, pavimentazione a pietre e mattoni, è stato realizzato dal "Servizio Giardini" del Comune di Milano. I vasi e gli orci di cotto e di ceramiche sono stati forniti da "Ceramica Zaccagnini" di Firenze, "Fornaci Persico e Rebattini" di Briosco, "Ceramiche Fantoni" di Firenze, "Terrecotte Impruneta" di Franco Pecchioli di Firenze, "Fornaci Chini" di Firenze e Fratelli Sannini.

Mostra dell'apparecchio radio

Ordinamento e allestimento degli arch. Luigi Caccia Dominioni, Livio e Pier Giacomo Castiglioni

La mostra illustra le forme e le disposizioni molto più adatte e belle di quelle finora mostrate dall'industria radiofonica. I mobili che contengono i telai radiofonici devono rispondere alla loro funzione di custodia della radio. Sono stati raccolti numerosi modelli che sono in grado di ottenere un'ottima riproduzione sonora e una efficace protezione degli organi radioelettrici dai danni della polvere e dall'eccessiva curiosità dell'utente. Gli esempi mirano a raggiungere una forma tipica dell'apparecchio radio. Per ciascun apparecchio sono esposti graficamente i concetti acustici e le considerazioni riguarda la praticità e la comodità nella casa. Si considera la disposizione della radio anche in appartamenti, camere, in mobili, ecc. Sono esposti anche apparecchi speciali, dal portatile ad alimentazione con piccole batterie di pile che funziona mentre il suo possessore si trova a passeggio, al grosso ricevitore di requisiti musicali. Anche con grafici e vecchi esemplari si è allestita una retrospettiva della radio nella casa. La mostra è divisa in due sezioni: una dedicata agli apparecchi normali e l'altra agli apparecchi speciali e agli impianti radiofonici. La prima sezione comprende apparecchi destinati alle case private i cui residenti abbiano interesse verso la sensibilità, la qualità musicale, il prezzo del radio-ricevitore. Sono apparecchi costruiti appositamente per la mostra e fuori dal commercio. La seconda sezione comprende i radio amplificatori centralizzati per scuole e abitazioni, radio militari, ricevitori per professionisti e radioamatori e radio ad alimentazione autonoma. I presenti prodotti sono in commercio. Le custodie degli apparecchi normali per le abitazioni sono costruiti per la Triennale dai disegni degli architetti ordinatori. I telai contenuti nelle custodie sono nella maggior parte costruiti dalle ditte: Phonola , Magnadyne , Imca Radio , Irradio , Geloso , Watt Radio , Gallo Condor , Allocchio Bacchini . Le ditte Attilio Scaltrini di Paderno Dugnano, Mario Gianninone, Faustino Odetti e Fratelli Zari di Milano hanno offerto opera e materiale; così pure le ditte Arosio e Scotti di Milano. Le due ditte hanno offerto modelli di custodie di pelle e tela. Alle custodie esposte sono state eliminate, nei limiti possibili, le risonanze o microfonicità che si verificano tra altoparlanti e parte in alta frequenza. A tale scopo i due elementi in tutti i modelli esposti sono in due custodie separate. Perciò tutti gli apparecchi normali sono divi si in due gruppi a seconda della potenza d'uscita: fino a 3 o 4 Watt con altoparlante e ricevitore in alta frequenza in una custodia unica. Oltre i 3 o 4 Watt con altoparlante in una custodia e alta frequenza in un'altra. Le due custodie sono separate tra loro in modo da poter dislocare i due elementi a notevole distanza l'uno dall'altro, in altri casi uniti in modo anti risonante. Le disposizioni illustrate portano un cambiamento nella forme e nell'estetica del radio-ricevitore che assume un aspetto più tecnico e razionale, orientandosi verso uno stile proprio. Un altro principio adottato è di portare l'altoparlante più in alto possibile in modo da avere la sorgente del suono prossima all'orecchio umano ed evitare che il suono arrivi per mezzo di riflessioni e rifrazioni. Altri principi di comodità d'uso e nella manovra del radioricevitore sono stati sviluppati nelle custodie: manopole facilmente impugnabili a indice con indicazione dei comandi, migliore collocazione dei comandi a seconda dell'uso e della funzione, manopole protette dagli urti, arretrare e incassate su un unico pannello, ecc. Tali accorgimenti rispondono a principi di sobrietà, razionalità e praticità che hanno avuto pieno sviluppo nella costruzione di questi prodotti tecnologici.

Mostra dell'arte grafica

La mostra grafica alla VII Triennale vuol essere il bilancio di una polemica modernista e la documentazione aggiornata della tipografia italiana coerente con il gusto dell'epoca. Ma si pone come obbiettivo quello di avvicinare il pubblico agli aspetti intimi della grafica: alle sue tecniche, alle fonti di una tipografia viva, agli artisti che hanno saputo tradurre in termini grafici il gusto moderno, e infine, a una pagina della tipografia e della editoria italiana: le edizioni a tiratura limitata. VII Triennale di Milano. ^[9]

Per l'allestimento ambientale della Mostra grafica si è voluto raggiungere quell'atmosfera estetica che accomuna la tipografia viva alla tecnica più aggiornata delle mostre. Si è arrivato alla fine alla ricerca di forme strutturali dove una plastica geometrica facesse partecipare l'architettura della mostra alle forme e ai ritmi espressi dal materiale esposto. Per tale motivo sono state ignorate le pareti per stabilire tanti elementi quante sono le sezioni, dalla struttura più aderente, alla natura del materiale destinato a ciascuna sezione. In tal modo il salone si è popolato di forme vibranti, differenti tra loro ma tutte immerse in un'atmosfera comune in modo tale da esaltare i prodotti grafici e togliere ogni monotonia alla presentazione.

La mostra è stata suddivisa in sette sezioni:

Sezione prima

Allestimento e ordinamento di Luigi Veronesi .

Nella prima sono mostrate le tecniche grafiche dal manoscritto , o dallo schizzo, fino alla pagina stampata; è evidenziato il rapporto tra tipografia e gusto nelle varie epoche; e per quanto riguarda l'economia nazionale è spiegata l'importanza dell'industria della carta e della stampa.

a) La tecnica grafica e la sua efficienza industriale in Italia.

Sono illustrati in sintesi i principali procedimenti tecnici della grafica: tipografia , rotocalco , offset nelle loro successive lavorazioni. Il materiale esposto: caratteri, zincografie, negativi ritoccati, prove di stampa e di impaginazione, è completato da fotografie e scritte didascaliche, in modo tale da dare anche al più affrettato visitatore un'idea chiara delle tecniche grafiche. L'efficienza dell'industria grafica in Italia è espressa da essenziali dati statistici.

b) La grafica nella coerenza del gusto.

Per introdurla è stata esposta una veloce panoramica di opere grafiche tipiche, dall'epoca dell'invenzione della stampa fino ai nostri giorni, poste in confronto ad altre contemporanee manifestazioni dell'arte e della vita: per documentare quella coerenza del gusto che conferisce unità storica a tutte le esposizioni dello spirito.

Sezione seconda

Allestimento di Bruno Munari .

Nella seconda vengono indicate le correnti plastiche ( Futurismo , Surrealismo , Astrattismo ) o le nuove tecniche (Fotografia d'oggi) dalle quali la grafica ne ha tratto ispirazione.

Le fonti del gusto moderno della grafica.

In questa sezione sono chiariti gli aspetti di una grafica coerente con i tempi attuali, in modo da avvicinare il pubblico alla comprensione delle sue migliori attuazioni. Si evidenziano quindi i rapporti con le nuove espressioni artistiche ( Futurismo , Surrealismo , Astrattismo ) e le dirette derivazioni di costruzioni grafiche dalle manifestazioni più tipiche di quelle tendenze artistiche.

Nella terza e quarta, è esposta la produzione di propaganda migliore del periodo dal 1933 al 1940. La scelta della prima data sta nel fatto l'ultima manifestazione grafica alla Triennale è appunto del 1933, e soprattutto perché in quell'anno la frattura fra tipografia di tendenze classiche e tipografia attuale, diventò netta.

Sezione terza

Ordinamento di Guido Modiano .

La produzione esemplare del periodo 1933/1939.

In questa sezione è esposta la produzione esemplare del periodo 1933/1939, ovvero, posteriore all'ultima manifestazione grafica della Triennale: la Mostra della Stampa della V Triennale 1933. Si intende presentare quella parte della produzione che nel carattere complesso, per impaginazione e per massa di materiale, stabilisce la realtà della grafica d'oggi. Il materiale è stato diviso in categorie: gli opuscoli tipici di gusto moderno; la produzione dal contenuto politico o sociale; il ripiegabile, prodotto grafico caratteristico d'oggi; i cataloghi tecnici; la produzione minore (copertine, piccoli stampati, etichette e cancelleria); saggi di stampe policrome e in particolare della nuova conquista tecnica: le riproduzioni a colori naturali.

Sezione quarta

La propaganda di massa.

In questa sezione sono raccolte le attuazioni grafiche destinate alla propaganda di massa. Tale caratteristica impone espressioni diverse da quelle richieste negli stampati di più complessa elaborazione. Il materiale è ordinato nelle due fondamentali categorie:

• il manifesto murale , in cui la grafica si avvale delle espressioni pittoriche moderne.
• l' annuncio pubblicitario sui quotidiani e sulle riviste.

Sezione quinta

Dalla presentazione quasi anonima della produzione trae spunto la quinta sezione, in cui è sottolineato l'apporto che tipografia d'avanguardia e artisti figurativi hanno dato a una produzione coerente con il gusto delle altre arti.

Gli artisti grafici moderni più significativi.

Qui si sono riunite alcune "personali" di tecnici o artisti grafici italiani che hanno operato nel periodo tra il 1933-39 secondo la direzione documentata dalla sezione 3.

Una di esse è dedicata a Edoardo Persico , l'esposizione delle opere scelte sottolineano l'orientamento verso il gusto nuovo, sono esposte: un marchio; una busta; pagine pubblicitarie; esempi di impaginazioni di rivista; un volumetto stampato su celluloide; tre documenti fotografici di grafica applicata all'architettura in una mostra; una costruzione pubblicitaria in un negozio.

Nelle altre personali sono rappresentati:

• Raffaello Bertieri , espone una dimostrazione delle attività essenziali di un tipografo "completo", le quattro facce dell'elemento riservatogli sono dedicate alle seguenti sintesi: produzione al servizio della propaganda; produzione del libro d'arte; studi per nuovi caratteri; della sua opera di pubblicista tecnico.
• Renzo Bianchi espone alcune impaginazioni di opuscoli politici.
• Bramante Bruffoni espone progetti di manifesti inediti.
• Erberto Carboni espone delle "fantasie grafiche", ovvero sovrapposizioni e accostamenti impensati che avvengono nei fogli di accostamenti di macchina quando su scarti di tirature precedenti si inizia la tiratura di colori successivi.
• Ezio D'Errico espone lavori diversi come collage e riproduzione dei suoi quadri astratti.
• Dradi - Rossi espongono un progetto di cartello, una pagina e un pieghevole pubblicitari.
• Guido Modiano espone la prima attuazione dello schema "due pagine in una", copie della prima rivista grafica moderna italiana, proposte di stampe e riviste grafiche.
• Bruno Munari espone delle "fantasie grafiche".
• Remo Muratore espone alcuni tipici lavori grafici.
• Marcello Nizzoli espone una bozza per manifesto, due bozzetti per copertine e uno schizzo per manifesto.
• RICAS (Riccardo Castagneti) espone un bozzetto di copertina, una tavola per annuncio a colori, una tavola per pagina di rivista, una documentazione della genesi di un bozzetto e la realizzazione dello stesso.
• Luigi Veronesi espone progetti per un manifesto, un campionario di caratteri, una copertina pubblicitaria, una pagina pubblicitaria.

Sezione sesta

Ordinamento di Ezio D'Errico .

La sesta sezione espone pagine e copertine di riviste, esempi in cui la nuova tipografia ha avuto la possibilità di affermarsi, da un punto di vista sia cronologico che quantitativo.

La rivista.

Questa sezione è dedicata alla rivista, espressione significativa fra le manifestazioni della stampa moderna, come attuazioni di forme grafiche e come esemplificazione dell'universalità e dell'importanza dello stampato.

Sezione settima

Ordinamento di Raffaello Bertieri .

Nella settima sezione è raccolta la produzione editoriale di eccezione dove, cioè, il tipografo ha la possibilità di forme elaborate e curate. Tuttavia non sono stati dimenticati quei prodotti della editoria normale, i quali vantino pregi di decoro e di studio.

La Editoria nel ventennio della Vittoria .

a) L'editoria eccezionale.

Qui viene esposta una scelta di libri d'arte e una di edizione a copie limitate. A questa serie di libri eccezionali è stata accostata una breve mostra della rilegatura per amatore, con pezzi espressamente eseguiti per la Mostra Grafica.

b) L'editoria normale.

Sono esposti alcuni tra i più importanti volumi di edizione dal prezzo corrente ma di nobile fattura.

Note

Bibliografia

• Guida VII Triennale 1940 .
• VII Triennale di Milano- relazione del presidente , Milano, SAME 1940.
• L'attrezzatura coloniale alla VII Triennale di Milano , Triennale di Milano e Alfieri e Lacroix, 1940.
• Catalogo VII Triennale di Milano , Cronache e Commenti all'interno della rivista bergamasca Emporium .

Altri progetti

• Wikimedia Commons contiene immagini o altri file su VII Triennale di Milano

Collegamenti esterni

• il sito della fondazione , su triennale.org .
• La pagina dedicata al Palazzo dell'Arte sul portale lombardo dedicato ai beni culturali , su lombardiabeniculturali.it .

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