Goticul internațional în Europa
Goticul internațional (sau flamboyant sau gotic târziu) este un stil de artă vizuală datând din 1370 aproximativ și, în funcție de zonă, prima jumătate a secolului al XV-lea sau începutul secolului al XVI-lea.
După cum subliniază numele, această fază stilistică a avut o extensie internațională, cu caractere comune, dar și cu multe variabile locale. Stilul nu s-a răspândit dintr-un centru de radiații, așa cum a fost de exemplu pentru gotic și „ Ile-de-France” , ci a fost mai degrabă rezultatul unui dialog între curțile europene, favorizat de multe schimburi reciproce [1] . Cu toate acestea, printre aceste instanțe, el a avut un rol proeminent ca Papă, în special la Avignon , adevărat centru de adunare și schimburi pentru artiști de pe întregul continent [2] .
Dezvoltarea teritorială a goticului internațional în diferitele țări europene a generat numeroase variații regionale.
Franţa
Avignon și Provence
Centrul plin de viață de la sfârșitul secolului al XIV-lea a fost cu siguranță Avignon, unde curtea papală a locuit artiști din întreaga Europă (și împreună cu ei ambasadorii, negustorii, bancherii, pelerinii), care au răspândit o sursă nesfârșită de modele. Absența unei tradiții artistice locale înrădăcinate a însemnat că artiștii au lucrat fără condiționări și într-un mediu de schimburi culturale reciproce. Școala locală de pictură a fost caracterizată de îndrăzneală spațială, de la detalii naturaliste și o coexistență echilibrată între realism (în special la fețe) și abstractizare rafinată [3] .
Odată cu întoarcerea papei la Roma, el nu a oprit deloc producția artistică, ci a devenit mai puțin bogat și mai puțin îndrăzneț. Picturile care au ajuns până la noi sunt rare, dar există încă exemple notabile de sculptură funerară, cum ar fi monumentul funerar al cardinalului La Grange ( 1403 ) din biserica San Marziale , un exemplu de reapariție a temelor macabre. Pe placa frontală corpul decedatului este reprezentat într-o stare avansată de descompunere, dar și mai surprinzător au fost cei șapte șefi ai reprezentanților celor mai înalte niveluri sociale, dispăruți, în diferite etape ale putrefacției: aceasta este una dintre primele reprezentări ale genului , care avea ca iconografii din secolul al XIV-lea triumfurile morții , ale întâlnirii celor trei care trăiesc cu cei trei morți și ale dansurilor macabre [4] au o moștenire.
Dacă producția originală se estompase, orașul a fost mult timp o mină de modele, care s-au răspândit în toată Europa prin caietele de schițe și desene copiate și cumpărate de la magazinele de meșteșuguri din oraș [3] . În a doua jumătate a secolului al XV-lea, producția artistică, favorizată de căile de comunicare cu Burgundia , a fost orientată spre lucrările matriciale flamande. Printre cei mai importanți artiști din acest sezon am fost Maestrul Buna Vestire din Aix-in-Provence, identificat ca Barthélemy d'Eyck și Enguerrand Charonton [5] .
Enguerrand Charonton, Încoronarea Fecioarei (1453-1454), Muzeul Chartreusei , Villeneuve-lès-Avignon
Barthelemy d'Eyck (atribuire incertă), Le Livre du cœur d'amour épris , 1450, Österreichische Nationalbibliothek , Viena
Paris
O mare putere a radiațiilor de artă a avut-o atelierul de iluminare al curților franceze din Paris și ale curților legate de Bourges și Dijon , unde curgeau, adesea lucrând cot la cot, artiști din diverse medii, inclusiv flamande emergente și italieni. Punctul de plecare este evident în lucrările lui Jean Pucelle din prima jumătate a secolului al XIV-lea, franceza a amestecat tradiția liniară cu noua reprezentare toscană a spațiului. Acest lucru încurajează plăcile altoite pictate de Melchior Broederlam la Dijon pentru Certosa di Champmol cu desunții mari de la Avignon și Siena și miniaturi ale lui Jacquemart de Hesdin . Un autor necunoscut este furnirul Narbonnei , o pânză de mătase pictată în grisaille în 1375, destinată altarului suspendat cu scene din Patimile lui Hristos, legată și de experiențele derivate din Pucelle. [6] Printre cei mai importanți profesori se remarcă Maestrul Mareșalului Boucicaut (poate Jacques Coene , directorul șantierului naval pentru Domul din Milano în primul deceniu al secolului al XV-lea), care a dezvoltat soluții expresive avansate, îmbunătățind gama de culori. disponibile și făcându-le mai strălucitoare, transparente și exacte în reprezentarea detaliilor, prin descoperirea de noi substanțe aglutinante [3] . A fost printre primii care au folosit cerul cu culori mai orbite de orizont [3] . În lucrări precum miniaturile demandés à Charles VI se remarcă, pe lângă precizia optică în reproducerea realității (bobul lemnului, decorațiunile din podele ...) și fețele, o nouă perspectivă spațială care anticipează dezvoltarea ulterioară a Pictura flamandă : miniaturile ca episodul lui Pierre Salomon în conversație cu regele sunt delimitate de ambele părți de două coloane și o arhitravă, ca și cum ar fi o fereastră iluzionistă deschisă pe episod, acea pagină „gaură” (de fapt obiectele și personajele sunt adesea tăiate parțial din reprezentare) [7] .
Cei trei frați Limbourg , originari din Gelderland , erau activi în aceeași perioadă. După ce au fost în serviciul lui Filip cel îndrăzneț în 1404 , au intrat sub conducerea ducelui Jean de Berry , un om cu multe interese la curtea căruia locuiau mulți artiști, muzicieni și scriitori, creând una dintre cele mai vibrante zone ale Europei. Aici frații au putut să își folosească experiența, dezvoltând în continuare obiectivele celorlalți maeștri. În capodopera lor, Très Riches Heures du Duc de Berry , a creat, printre altele, miniaturile celor douăsprezece luni ale anului, descriind în fiecare dintre peisajele magnifice cu o expansiune spațială fără precedent înainte, datorită utilizării liniilor diagonale puterea și nuanțe delicate de adâncime atmosferică [7] . Și aici atenția la detalii este foarte mare, iar întreaga reprezentare este unificată de unele elemente stilistice comune: proporțiile subțiri, contururile cu linii sinuoase și ritmice, culorile moi și rafinate. Multe virtuozități, în redarea materialelor sau în cele mai evocatoare efecte de lumină.
Important era și fabricarea pariziană de tapiserii (pentru Arras ), în timp ce din ce în ce mai subminată de concurența flamandă. Chiar și în această formă de artă temele privilegiate erau cele legate de lumea politicoasă și de basm [8] . Din ultimele decenii ale secolului al XIV-lea este „ Apocalipsa Angersului” , o serie de șapte tapiserii realizate de Hennequin de Bruges și Nicolas Bataille dall'arazziere pentru castelul lui Ludovic I de Anjou.
În a doua jumătate a secolului al XV-lea, atmosfera pariziană era dominată de figura lui Jean Fouquet , care făcuse o lungă călătorie în Italia venind în contact cu potențiali artiști ( Angelico , venețian , Piero della Francesca ). În miniaturile sale a reușit să contopească moștenirea gotică cu un nou limbaj inspirat de „ Umanismul ” [8] .
Burgundia
Cu toate acestea, în Franța, producția artistică din această perioadă nu se poate desprinde de problemele de prestigiu politic, legate de revendicările dinastice ale ducilor de Berry și Burgundia [9] .
În Burgundia, sub Filip cel îndrăzneț , a dezvoltat o sculptură caracterizată printr-o schimbare de stil, datorită lucrării lui Claus Sluter [9] . Gustul plin de obiecte prețioase și cizelate a fost zdruncinat de lucrări noi, mai monumentale și dramatice, inspirate de un gigantism roman, care a pus bazele unui punct de cotitură în cultura figurativă europeană [9] .
Figurile monumentale nemișcate sunt acum izbitoare pentru volumul lor simplu, deși încă înfrumusețate cu puternice efecte de clarobscur și redarea minuțioasă a detaliilor. O capodoperă a acestei noi abordări este, de exemplu, Fântâna Profeților ( 1395 ) de Claus Sluter în Chartreuse of Champmol , fragment al unei crucificări complexe grav deteriorate în timpul Revoluției Franceze, unde sunt caracterizate figurile puternice (în special cei șase profeți). printr-un volum plastic solid și o remarcabilă identificare psihologică. Efectele clarobscurului sunt puternice și remarcabilă este atenția la aspectele reale, de asemenea întrerupte, cum ar fi bretele grele din piele care strâng cârpele de lână sau venele palpitante de pe fronturile chelii [7] .
În pictură înregistrați influențe multiple, ca în cazul lui Jean Malouel (unchiul fraților Limbourg ), pictor de curte din 1396 . Lucrările sale rezonează în modelarea fețelor și a mâinilor școlii italiene și monumentalitatea figurilor lucrarea lui Sluter (era Malouel cura de aur și statuile policrome ale lui Champmol ) [10] . După moartea sa, ia luat locul lui Henri Bellechose , care era mai fidel tradiției locale, abundând în aurire, în reprezentarea țesăturilor prețioase și a detaliilor preluate din tradiția gotică târzie franceză. Deși a fost pictor de curte între 1415 și 1445 , după un început foarte promițător, a primit întotdeauna mai puține comisioane ducale [11] .
Cu Filip cel Bun , ducatul s-a extins pentru a cuprinde Flandra , Artois , Brabant , Hainaut , Limburg , Olanda și Zeelandă . În acea perioadă influențele artistice s-au extins, cu contribuții în principal flamande.
Din toate aceste elemente (spațialitatea nouă a miniaturilor pariziene, eleganța și fizicitatea sculpturilor Sluter etc.), s-a dezvoltat ca rezultat al școlii flamande, cu spiritul său original de atenție la realism [7] .
Anglia
În Anglia , artele de pe vremea lui Richard al II-lea erau influențate în principal de Franța și Boemia , prin intermediul artiștilor care au venit la curte cu soția sa Anna , dovadă fiind puținele mărturii care au supraviețuit, datorită iconoclasmului puritan care a urmat executării lui Carol. Eu . Cel mai bun exemplu este poate dipticul Wilton al National Gallery din Londra , unde o serie de probleme politice și dinastice sunt implicate de reprezentarea sacră, al cărei stil elegant amintește de producțiile similare ale curților franceze [12] .
Flandra
Flandra , supusă din 1477 la Ducatul de Burgundia , s-a bucurat de o dezvoltare economică de neegalat, cu o burghezie cosmopolită, bogată și cultă pentru prima dată pe deplin dobândită o importanță comparabilă cu cea a clasei aristocratice [13] .
Acest lucru a permis trecerea prematură a stilurilor gotice, dând naștere Renașterii flamande , care, la nivel cultural, rivalizează cu Florența recordul european. Stilul gotic a fost la modă mai mult în ceea ce privește sculptura, sculptura și mai ales arhitectura, dovadă fiind stilul „Brabant” [14] . Clădirile sunt îmbogățite cu turnuri foarte înalte, cu o prevalență a ferestrelor pe pereții de zidărie. Printre cele mai bune realizări, Primăria din Bruxelles (începută în 1402 [15] ) și Leuven , catedralele din Anvers și Gent , precum și numeroase clădiri din Bruges , capitala culturală a timpului [13] .
Producția de tapiserii a avut un summit în orașul Tournai .
Boemia
În Boemia, pe vremea lui Venceslas al IV-lea , în ciuda evenimentelor politice și religioase tulburi, a existat culmea stilului dulce. În pictură și sculptură a fost caracterizată printr-o atenție preeminentă la linie, cu mișcarea ritmică a pliurilor din draperie și printr-o idealizare spirituală și „purificată” a fizionomiilor. Frecventă este producția „ Frumoselor Madone ”, adesea din lemn, inspirată de modele gotice franceze elegante, dar marcate de o seninătate zâmbitoare (cum ar fi Madonna Krumlov ). De asemenea, au fost distribuite pe scară largă în toată regiunea alpină de est, din sudul Germaniei până în Italia din nord, prin Austria [3] . Important este rolul draperiei, care face pași mari de înfășurare, acum moi și fluide, acum ascuțiți și bătători, astfel încât să creeze clarobscur și mase vaporoase care ajung să absoarbă masa corpurilor [16] (ca în Sf. Bartolomeu Germanisches Nationalmuseum , un maestru boem din secolul al XV-lea).
În pictură a fost folosirea tipică a culorilor ușor umbrite, care subliniau formele rotunjite ușor [3] . Alături de acest stil, s-a dezvoltat un curent în principal interesat de grotesc, cu forțarea perspectivei și a culorilor în scopuri expresive: de exemplu în Învierea Maestrului Altarelor din Wittingau, un Hristos efebic se ridică din mormânt acoperit de un halat roșu obraznic, în timp ce soldații adormiți apar în ipostaze grotesc caricaturizate în jurul sarcofagului scurtat dintr-o perspectivă distorsionată.
Europa Centrală și de Nord
Orașe hanseatice
Germania , spre deosebire de Franța și Anglia , nu era o mare monarhie unificată, ci era segmentată în principate care depindeau doar nominal de puterea centrală imperială . Printre aceste teritorii s-au remarcat orașele „libere”, dotate cu concesii deosebite care garantau privilegii comerciale și autonomie administrativă amplă. Astfel s-a născut în secolul al XIV-lea, Liga Hanseatică , care a exprimat în curând o cultură arhitecturală și artistică comună în orașele participante [17] . Inima acestor centre ( Bremen , Lübeck , Rostock , Stralsund , Gdansk , Riga , Tallinn ) era piața, unde primăria cu vedere la clădire era un simbol al prestigiului și bogăției locale. Catedrala gotică a fost adesea găsită în apropiere. Arhitectura a fost caracterizată de o vedere exterioară din cărămidă, chiar și în clădiri private, în timp ce interiorul este de obicei un'intonacatura var [17] .
Un mare protagonist, în care recunoașteți unele dintre cele mai tipice trăsături gotice internaționale, a fost Meister Francke (Maestrul Franco), care a pictat figuri foarte originale, proporțiile figurilor din primul și al doilea etaj inversat: gândiți-vă la celebre povești despre Santa Barbara , unde într-o scenă a cavalerilor apar ca uriași deasupra tufișului, în timp ce țăranii din prim-plan sunt mult mai mici [1] . În arta sa există, de asemenea, o marcare puternică a elementelor mai dramatice și înspăimântătoare, ca în figurile lui Hristos după patimă, slăbit, deformat de durere și cu sânge realist care picură încă din răni, sau în scene de martiriu, ca aceea a lui Thomas Becket , unde detaliile nu sunt scutite de cele mai groaznice, precum haina episcopului bogat colorat de pe rana care țâșnește sânge [4] .
În ceea ce privește sculptura, crearea de altare cu compartimente a fost remarcabilă, chiar dacă ceea ce a ajuns la noi este doar o mică parte a producției originale. Printre cei mai buni profesori s-a numărat Bernt Notke , autor, de exemplu, complexul monumental Sf. Gheorghe, balaurul și prințesa ( 1489 ) din Catedrala din Stockholm [18] .
Meister Francke, Hristos suferind , Hamburg
Bernt Notke, Sf. Gheorghe, balaurul și prințesa, Stockholm
Zona renană
Zona Rinului, de la Lacul Constanța până la Pădurea Neagră , s-a întâlnit în secolul al XV-lea o fază de mare dinamism, dovadă fiind consiliile Constanța ( 1414 - 1418 ) și Basel ( 1431 - 1439 ).
În domeniul artei, el a dezvoltat în această zonă un stil fermecat și încântător numit „stil moale”, în contrast cu stilul dramatic și expresiv al artei germane în general. Cel mai activ centru a fost orașul Köln , unde exista o clientelă puternică și dinamică atât laică, cât și religioasă. Sculptura, pictura, orfevreria, miniaturile au înflorit. Reprezentările erau adesea centrate pe figuri feminine sinuoase și elegante, coborâte în atmosfera de basm [19] . O pictură simbolică a dezvoltării gotice germane târzii este paradiesgärtlein , pictată de un artist anonim spre 1410 . În această reprezentare personajele sunt aranjate într-un spațiu care nu este dominat de un cadru logico-geometric; toată atenția pictorului este dedicată detaliilor minuțioase ale speciilor botanice, instrumentelor muzicale, păsărilor colorate.
Cei mai buni artiști au fost Conrad von Soest și, mai presus de toate, Stephan Lochner , poate cel mai mare pictor german dinaintea lui Dürer [20] .
Probabil în zona Renaniei sau în nordul Franței, el a fost atelierul profesorului Rimini , specializat în producția de sculpturi în alabastru în prima jumătate a secolului al XV-lea, apoi exportat în toată Europa [21] .
Conrad von Soest, Buna Vestire, din altarul Patimii ( 1403 ), biserica Sf. Nicolae , Bad Wildungen
Stăpânul Rimini , altarul Răstignirii , detaliu, 1430, Liebieghaus , Frankfurt
Nürnberg
Nürnberg , datorită privilegiilor în plină desfășurare a prelucrării metalelor și a cumpărăturilor, s-a bucurat de o înflorire artistică extraordinară, care a culminat cu opera lui Albrecht Dürer . Bogat în monumente gotice , parțial șters de ultimul conflict, avea o clasă de negustori educați și bogați, care puteau promova o producție extraordinară de opere de artă, o virtuozitate extraordinară, precum Cupa în formă de oraș fortificat al Germanisches Nationalmuseum (Aproximativ 1495 ) [22] .
Cracovia
În secolul al XV-lea Cracovia a fost capitala regatului Jagiellonian și un punct de întâlnire privilegiat între lumea Europei de Vest și statele slave. Din acea perioadă rămâne Catedrala și Castelul Regal , sediul simbolurilor națiunii pe vârful dealului Wawel . Sala de Pânză este o structură gotică masivă, în timp ce „ Universitatea Jagielloniană , fondată în 1460 , a devenit un punct de referință cultural nord-estic [23] .
În a doua jumătate a secolului al XV-lea, prezența unor artiști germani precum Veit Stoss (Wit Stwosz în poloneză) din Nürnberg garantează noi contribuții. Capodopere ale vremii sunt spectaculosul altar al morții Fecioarei Maria din Bazilica Santa Maria sau mormântul de marmură al lui Casimir IV Jagiello , din Catedrala Wawel , care a deschis sezonul mormintelor regale din Cracovia [23] . Odată cu sosirea artiștilor italieni la începutul secolului al XVI-lea ( Francesco Fiorentino și Bartolomeo Berrecci ), sa răspândit în schimb stilul renascentist [23] .
Piața textilelor
Biserica Treimii
Veit Stoss, mormântul lui Casimir al IV-lea (1492)
Alsacia
Alsacia s-a întâlnit în secolul al XV-lea o dezvoltare considerabilă, cu o producție artistică autonomă, născută din convergența artiștilor de diferite naționalități. Corpul în creștere al Catedralei din Strasbourg este cea mai importantă realizare a secolului, în timp ce sculptura este dominată de olandezul Nikolaus Gerhaert din Leiden și de influențele artei renale germane, dovadă fiind lucrările artistului local Nicolas d'Hagenau (altarul de bani din Isenheim ) [24] .
În pictură au predominat influențele flamande, burgundiene și germane (de exemplu în panoul îndoielii lui Joseph , de către un autor anonim din 1410 - 1420 ), până când școala locală nu a fost reînnoită de Martin Schongaurer din Colmar , ale cărui gravuri erau celebre și copiatisime în Europa, probabil de mare influență pe maeștri precum Dürer și Michelangelo [25] .
Tirol
Tirolul a fost cartierul general al Habsburgilor , din care și-a iradiat puterea asupra întregii Europe. Pe vremea lui Maximilian, am început un program intens de sărbători și propagandă prin imaginile artistice, cu deschideri atât tradiției germane, cât și noul umanism italian. Această dualitate este evidentă și în lucrările artiștilor locali, cum ar fi Michael Pacher , încercând un fel de mediere inteligentă între cele două stiluri. Printre cele mai bune realizări altare din Sankt Wolfgang Kefemarkt , dell ' Abbey of Neustift și biserica San Francesco din Salzburg (ultimele două sunt acum separate între diferite muzee), în echilibru perfect între părțile sculptate și pictate, inclusiv perspectiva spațială și caracterizarea personajele [26] .
Zona mediteraneană
Italia
Italia , divizată politic, a fost străbătută de artiști care au răspândit stilul internațional în mișcare continuă (în special Pisanello , Michelino da Besozzo și Gentile da Fabriano ) și a născut, de asemenea, multe variații regionale. Limba gotică „internațională” a însemnat întinerirea tradiției gotice (încă legată la sfârșitul secolului al XIV-lea de limba giottescă ), dar doar unele zone au oferit contribuții originale și „protagoniști” în panorama europeană, în timp ce altele au dobândit doar parțial și într-un fel trăsăturile stilistice individuale sunt mai superficiale. Printre cele mai notabile s-au numărat zonele cu cea mai mare grosime, cu siguranță Lombardia și, în diferite grade, Veneția și Verona . La Florența , stilul gotic internațional a venit devreme în competiție cu stilul renascentist emergent, dar a întâmpinat totuși favoarea unei clientele bogate și cultivate, atât religioase, cât și private [27] .
Castilia și Aragon
Peninsula Iberică din secolul al XV-lea era încă fragmentată în mai multe regate, fiecare cu propriile centre artistice. Comisiile ecleziastice erau încă strâns legate de un stil gotic, care în această perioadă a produs opere de opulență somptuoasă. Celebre sunt marile altarele ale catedralelor, adesea compuse din ordine mai complexe și grandioase, mult pentru a concura cu arhitectura reală a clădirilor care le conțin [28] .
Școala locală din Castilia și Aragon se lăuda cu multiple influențe, legate de comerțul maritim și terestru cu Flandra și cu Italia , în special Regatul Napoli . Odată cu unificarea regatelor ( 1469 ) și cucerirea musulmanilor din Granada ( 1492 ) a început un nou sezon pentru pictură, cu mulți dintre profesorii care efectuează călătorii educaționale în străinătate: Jaume Baco Jacomart în Napoli și Roma , Bertolomé Bermejo în Flandra și Teritoriul spaniol, Pedro Berruguete din Urbino , unde a devenit unul dintre protagoniștii curții Federico da Montefeltro [28] .
Catalonia și Valencia
Regiunea Barcelona , împreună cu tot Aragonul din 1469 , a avut o producție artistică largă, influențată în principal de școala flamandă a lui Jan van Eyck , colectată de Alfonso de Aragon . La aceasta i s-a adăugat influența italiană, după capturarea Regatului Napoli ( 1441 ). Era vorba de influențe reciproce: sudul Italiei se mândrește cu numeroase mărturii despre goticul catalan. Printre cei mai importanți profesori se numără Jaume Baco Jacomart , Bartolomé Bermejo , Jaime Huguet , Bernat Martorell [29] .
O Valencia era în stil opulent la modă, cu o utilizare extinsă a fundalurilor aurii, cu artiști precum Gonzalo Pérez . Figurile sale de sfinți sunt acum profanizate ca nobili aristocrați ai vremii, bogat îmbrăcați [30] . Un pod între Valencia și Florența a fost șederea lui Gherardo Starnina în orașul spaniol, la curtea lui Ioan I din Castilia în jurul anului 1380 : înapoi acasă a actualizat limbajul artistic al multor pictori florentini, care la sfârșitul secolului al XIV-lea erau încă ancorat într-un giottism târziu; pentru el au fost inspirați de lucrările timpurii ale unor pictori precum Lorenzo Monaco și Masolino da Panicale [31] .
Gonzalo Pérez , Altarpiece of Saints Ursula, Martin and Anthony (detaliu, în jurul anului 1420), Muzeul de Arte Frumoase , Valencia
Jaume Baco Jacomart, Cina cea de Taină (1450), Muzeul Catedralei , Segorbe
Portugalia
În Portugalia și a dezvoltat o ramură extremă a stilului gotic în arhitectură, așa-numitul stil manuelin , a înflorit sub domnia lui Manuel I (1495-1521) și se caracterizează printr-o bogăție de detalii deosebit de elaborată, adesea luată de la marin și marinar. lume.
Notă
- ^ A b De Vecchi-Cerchiari, 1999 , p. 2 .
- ^ Zuffi, 2004 , p. 14 .
- ^ A b c d și f De Vecchi-Cerchiari, 1999 , p. 6 .
- ^ A b De Vecchi-Cerchiari, 1999 , p. 4 .
- ^ Zuffi, 2004 , p. 164 .
- ^ Sricchia Santoro , pp. 91-95.
- ^ A b c d De Vecchi-Cerchiari, 1999 , p. 7 .
- ^ A b Zuffi, 2004 , p. 148 .
- ^ A b c Zuffi, 2004 , p. 142.
- ^ Zuffi, 2004 , p. 143 .
- ^ Zuffi, 2004 , p. 144 .
- ^ ( EN ) Laurence Shafe, History of Art: The Wilton Diptych , su history-of-art.blogspot.com . URL consultato il 14 novembre 2013 .
- ^ a b Zuffi, 2004 , p. 127 .
- ^ Zuffi, 2004 , p. 134 .
- ^ Zuffi, 2004 , p. 132 .
- ^ De Vecchi-Cerchiari, 1999 , p. 5 .
- ^ a b Zuffi, 2004 , p. 103 .
- ^ Zuffi, 2004 , p. 106 .
- ^ Zuffi, 2004 , p. 110 .
- ^ Zuffi, 2004 , p. 112 .
- ^ Nanni , pp.27-42 .
- ^ Zuffi, 2004 , p. 116 .
- ^ a b c Zuffi, 2004 , p. 118 .
- ^ Zuffi, 2004 , p. 120 .
- ^ Zuffi, 2004 , p. 121 .
- ^ Zuffi, 2004 , p. 122 .
- ^ De Vecchi-Carchiari, cit., pag. 8
- ^ a b Zuffi, 2004 , p. 155 .
- ^ Zuffi, 2004 , p. 160 .
- ^ De Vecchi-Cerchiari, 1999 , p. 3 .
- ^ Jeanne Van Waadenoyen, Starnina e il gotico internazionale a Firenze , Firenze, Istituto Universitario Olandese di Storia dell'Arte, 1983.
Bibliografia
- Fiorella Sricchia Santoro, Arte italiana e arte straniera , in Giovanni Previtali (a cura di), L'esperienza dell'antico, dell'Europa, della religiosità , Storia dell'arte italiana , vol. 1.3, Torino, Einaudi, 1979, ISBN 88-06-17749-4 .
- Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte , vol. 2, Milano, Bompiani, 1999, ISBN 88-451-7212-0 .
- Francesca Nanni, Il Maestro di Rimini: una traccia , in Romagna, arte e storia , n. 80, 2007.
- Stefano Zuffi , Il Quattrocento , Milano, Electa, 2004, ISBN 88-370-2315-4 .
Collegamenti esterni
- Gotico internazionale , su centroarte.com .
