Goticul internațional în Europa
Goticul internațional (sau Flamboyant sau Late Gothic ) este un stil de artă figurativă datând din jurul anului 1370 și, în funcție de zonă, prima jumătate a secolului al XV-lea sau începutul secolului al XVI-lea.
După cum subliniază numele, această fază stilistică a avut o extensie internațională, cu caractere comune, dar și cu multe variabile locale. Stilul nu s-a răspândit dintr-un centru de radiații, așa cum fusese de exemplu pentru gotic și Île-de-France , ci a fost mai degrabă rezultatul unui dialog între instanțele europene, favorizat de numeroase schimburi reciproce [1] . Cu toate acestea, între aceste curți, cea papală a avut un rol preeminent, în special cel de la Avignon , un adevărat centru de agregare și schimb pentru artiști de pe tot continentul [2] .
Dezvoltarea teritorială a goticului internațional în diferitele țări europene a generat numeroase variații regionale.
Franţa
Avignon și Provence
Cel mai viu centru de la sfârșitul secolului al XIV-lea a fost cu siguranță Avignon , unde artiști din toată Europa (și alături de ei ambasadori, negustori, bancheri, pelerini) au stat la curtea papală, care au răspândit o sursă inepuizabilă de modele. Absența unei tradiții artistice locale înrădăcinate a însemnat că artiștii au lucrat fără condiționări și într-un mediu de schimburi culturale reciproce. Școala picturală locală se caracteriza prin îndrăzneală spațială, detalii naturaliste și o coexistență echilibrată între realism (în special în fizionomii) și abstractizare rafinată [3] .
Odată cu revenirea papei la Roma , producția artistică nu s-a oprit complet, dar a devenit mai puțin bogată și mai puțin îndrăzneață. Picturile care au ajuns până la noi sunt rare, dar există încă exemple notabile de sculptură funerară, cum ar fi monumentul funerar al cardinalului La Grange ( 1403 ) din biserica San Marziale , un exemplu de reapariție a temelor macabre. Pe placa frontală corpul decedatului este reprezentat într-o stare avansată de descompunere, dar și mai surprinzător au fost cei șapte șefi ai reprezentanților celor mai înalte niveluri sociale, dispăruți, în diferite etape ale putrefacției: aceasta este una dintre primele reprezentări ale genului , care avea ca iconografii din secolul al XIV-lea triumfurile morții , ale întâlnirii celor trei care trăiesc cu cei trei morți și ale dansurilor macabre [4] au o moștenire.
Dacă producția originală se estompase, orașul a rămas multă vreme o mină de modele, care s-au răspândit în toată Europa prin caietele de schițe și desene copiate și cumpărate de la magazinele artizanale din orașe [3] . În a doua jumătate a secolului al XV-lea, producția artistică, favorizată de căile de comunicare cu Burgundia , s-a îndreptat spre lucrări de origine flamandă. Printre cei mai reprezentativi artiști din acest sezon s-au numărat Maestrul Bunei Vestiri din Aix-in-Provence, identificat ca Barthélemy d'Eyck , și Enguerrand Charonton [5] .
Enguerrand Charonton, Încoronarea Fecioarei (1453-1454), Muzeul Chartreusei , Villeneuve-lès-Avignon
Barthelemy d'Eyck (atribuire incertă), Le Livre du cœur d'amour épris , c. 1450, Österreichische Nationalbibliothek , Viena
Paris
O mare putere de iradiere artistică a avut atelierele iluminatoarelor curților franceze, ale Parisului și ale curților conexe de la Bourges și Dijon , unde convergeau artiști de diferite origini, lucrând adesea cot la cot, printre care au apărut flamânii și italienii. Punctul de plecare poate fi văzut în lucrările lui Jean Pucelle care, în prima jumătate a secolului al XIV-lea, a îmbinat tradiția liniară franceză cu noua reprezentare toscană a spațiului. Panourile pictate de Melchior Broederlam la Dijon pentru Charterhouse din Champmol au fost altoite pe aceste premise, cu concluzii ample de la Avignon și Siena, și miniaturile de Jacquemart de Hesdin . Paramentul Narbonnei este al unui autor necunoscut, o cârpă de mătase pictată în grisaille în 1375, destinată ca o față de altar, cu scene din Patimile lui Hristos, legate în mod egal de experiențele derivate din Pucelle. [6] Printre cei mai importanți maeștri se remarcă Maestrul Mareșalului Boucicaut (posibil Jacques Coene , directorul șantierului pentru Catedrala din Milano în primul deceniu al secolului al XV-lea), care a dezvoltat soluții expresive avansate, îmbunătățind gama de culori. disponibile și făcându-le mai luminoase, transparente și precise în reprezentarea detaliilor, prin descoperirea de noi substanțe aglutinate [3] . El a fost printre primii care a folosit cerul de nuanțe mai deschise la orizont [3] . În lucrări precum miniaturile Demandes à Charles VI , pe lângă precizia optică în reproducerea realității (bobul lemnului, decorațiunile din pardoseli ...) și fizionomiile, o nouă perspectivă spațială care anticipează următoarea evoluțiile picturii flamande se remarcă.: miniaturile precum episodul lui Pierre Salomon în conversația cu regele sunt mărginite pe laturi de două coloane mici și o arhitravă, de parcă ar fi o fereastră deschisă în mod iluzionist în episod, care „străpunge” pagină (de fapt, obiectele și personajele sunt adesea parțial tăiate de la reprezentare) [7] .
Cei trei frați Limbourg , originari din Gelderland , erau activi în aceeași perioadă. După ce au fost în slujba lui Filip cel îndrăzneț în 1404 , au trecut sub ducele Jean de Berry , un om cu multiple interese la curtea căruia locuiau mulți artiști, muzicieni și scriitori, creând unul dintre cele mai vii medii din Europa. Aici frații au putut să își folosească experiența, dezvoltând în continuare obiectivele celorlalți maeștri. În capodopera lor, Très riches heures du Duc de Berry , au creat, printre altele, miniaturile celor douăsprezece luni ale anului, reprezentând în fiecare dintre peisajele magnifice cu o expansiune spațială nemaivăzută până acum, datorită și utilizării linii de diagonale de forță și nuanțe delicate de adâncime atmosferică [7] . Și aici atenția la detalii este foarte mare, iar întreaga reprezentare este unificată de unele elemente stilistice comune: proporțiile subțiri, contururile cu linii sinuoase și ritmice, culorile moi și rafinate. Multe virtuozități, în redarea materialelor sau în cele mai evocatoare efecte de lumină.
Fabricarea pariziană de tapiserii (în Arras ) a fost, de asemenea, importantă, deși tot mai mult subminată de concurența flamandă. De asemenea, în această formă de artă, temele privilegiate au fost cele legate de lumea curteană și de basm [8] . Din ultimele decenii ale secolului al XIV-lea este Apocalipsa Angers , o serie de șapte tapiserii realizate de Hennequin de Bruges și de fabricantul de tapiserii Nicolas Bataille pentru castelul lui Ludovic I din Anjou.
În a doua jumătate a secolului al XV-lea, mediul parizian era dominat de figura lui Jean Fouquet , care făcuse o lungă călătorie în Italia, intrând în contact cu artiști de perspectivă ( Angelico , Veneziano , Piero della Francesca ). În miniaturile sale a reușit să amestece moștenirea gotică cu un nou limbaj inspirat de umanism [8] .
Burgundia
În Franța, însă, producția artistică din această perioadă nu se poate elibera de problemele prestigiului politic, legate de revendicările dinastice ale ducilor de Berry și Burgundia [9] .
În Burgundia , sub Filip cel îndrăzneț , s-a dezvoltat o sculptură caracterizată printr-o schimbare stilistică, grație lucrării lui Claus Sluter [9] . Gustul satisfăcător pentru obiectele prețioase și cizelate a fost zdruncinat de lucrări noi, mai monumentale și dramatice, inspirate de un gigantism fără precedent, care a pus bazele unui punct decisiv de cotitură în cultura figurativă europeană [9] .
Figurile monumentale nemișcate sunt acum izbitoare pentru volumul lor simplu, deși încă înfrumusețate cu puternice efecte de clarobscur și redarea minuțioasă a detaliilor. O capodoperă a acestei noi abordări este, de exemplu, Fântâna Profeților ( 1395 ) de Claus Sluter în Chartreuse of Champmol , fragment al unei crucificări complexe grav deteriorate în timpul Revoluției Franceze, unde sunt caracterizate figurile puternice (în special cei șase profeți). printr-un volum plastic solid și o remarcabilă identificare psihologică. Efectele clarobscurului sunt puternice, iar atenția asupra aspectelor reale, chiar și dezafectate, este remarcabilă, precum curelele grele din piele care strâng pânzele de lână sau venele palpitante de pe frunțile chelii [7] .
În pictură există multe influențe, ca în cazul lui Jean Malouel (unchiul fraților Limbourg ), pictor de curte din 1396 . Lucrările sale ecouă în modelarea fețelor și mâinilor școlii italiene și în monumentalitatea figurilor lucrarea lui Sluter (de fapt, Malouel a fost cel care s-a ocupat de aurirea și policromia statuilor Champmol ) [10] . După moartea sa, ia luat locul Henri Bellechose , care era mai fidel tradiției locale, abundând în aurire, în reprezentarea țesăturilor prețioase și în detaliile preluate din tradiția gotică târzie franceză. Desi a ramas un pictor instanță judecătorească 1415 pentru a 1445 , după un început foarte promițătoare, el a primit mai puține și mai puține comisioane ducale [11] .
Cu Filip cel Bun , ducatul s-a extins pentru a include Flandra , Artois , Brabant , Hainaut , Limburg , Olanda și Zeeland . În acea perioadă influențele artistice s-au extins, cu contribuții în principal flamande.
Din toate aceste elemente (spațialitatea nouă a miniaturilor pariziene, eleganța și fizicitatea sculpturilor lui Sluter etc.), s-a dezvoltat ulterior școala flamandă, cu spiritul său original de atenție la realism [7] .
Anglia
În Anglia , artele de pe vremea lui Richard al II-lea erau influențate în principal de Franța și Boemia , prin intermediul artiștilor care au venit la curte cu soția sa Anna , dovadă fiind puținele mărturii care au supraviețuit, datorită iconoclasmului puritan care a urmat executării lui Carol. Eu . Cel mai bun exemplu este probabil Diptonul Wilton al National Gallery din Londra , unde o serie de teme politice și dinastice sunt implicate de reprezentarea sacră, al cărei stil elegant amintește producțiile analogice ale curților franceze [12] .
Flandra
Flandra , supusă Ducatului Burgundiei până în 1477 , s-a bucurat de o dezvoltare economică de neegalat, cu o burghezie cosmopolită, bogată și cultă, care a dobândit pentru prima dată o importanță pe deplin comparabilă cu cea a clasei aristocratice [13] .
Acest lucru a permis o depășire prematură a stilurilor gotice, dând naștere Renașterii flamande , care la nivel cultural se luptă cu Florența pentru primatul european. Stilul gotic a rămas la modă multă vreme în ceea ce privește sculptura, sculptura și, mai presus de toate, arhitectura, după cum dovedește stilul „brabantin” [14] . Clădirile sunt îmbogățite cu turnuri foarte înalte, cu o prevalență a ferestrelor pe pereții de zidărie. Printre cele mai bune realizări, Primăria din Bruxelles (începută în 1402 [15] ) și din Leuven , catedralele din Anvers și Gent , precum și numeroase clădiri din Bruges , capitala culturală a timpului [13] .
Producția de tapiserii a atins apogeul în orașul Tournai .
Boemia
În Boemia, pe vremea lui Venceslau al IV-lea , în ciuda evenimentelor politice și religioase tulburate, a existat vârful stilului dulce . În pictură și sculptură a fost caracterizată printr-o atenție preeminentă la linie, cu mișcarea ritmică a pliurilor din draperie și printr-o idealizare spirituală și „purificată” a fizionomiilor. Frecventă este producția „ Frumoselor Madone ”, adesea din lemn, inspirată de modele gotice franceze elegante, dar marcate de o seninătate mai zâmbitoare (cum ar fi Madonna din Krumlov ). De asemenea, s-au răspândit pe tot cuprinsul Alpilor de est, din sudul Germaniei până în nordul Italiei, trecând prin Austria [3] . Rolul draperiei este important, care compune pași mari sinuosi, acum moi și fluizi, acum ascuțiți și ruptori, cum ar fi să creeze piese de clarobscur și mase vaporoase care ajung să absoarbă masa corpurilor [16] (ca în Sf. Bartolomeu de Germanisches Nationalmuseum , de către un maestru boem din secolul al XV-lea).
În pictură, folosirea nuanțelor ușor umbrite era tipică, ceea ce sublinia delicat rotunjimea formelor [3] . Alături de acest stil, s-a dezvoltat un curent în principal interesat de grotesc, cu forțarea perspectivei și a culorilor în scopuri expresive: de exemplu în Învierea Maestrului Altarelor din Wittingau, un Hristos efebic se ridică din mormânt acoperit de un halat roșu obraznic, în timp ce soldații adormiți apar în ipostaze grotesc caricaturizate în jurul sarcofagului scurtat dintr-o perspectivă distorsionată.
Europa Centrală și de Nord
Orașe hanseatice
Germania , spre deosebire de Franța și Anglia , nu era o monarhie unitară mare, ci era segmentată în principate care depindeau doar nominal de puterea imperială centrală. Printre aceste teritorii s-au remarcat orașele „libere”, dotate cu concesii deosebite care garantau privilegii comerciale și autonomie administrativă amplă. Astfel s-a născut în secolul al XIV-lea Liga Hanseatică , care a manifestat în curând o cultură artistică și arhitecturală comună în orașele participante [17] . Inima acestor centre ( Bremen , Lübeck , Rostock , Stralsunda , Gdansk , Riga , Tallinn ) era piața, cu vedere spre primărie, care era simbolul prestigiului și bogăției locale. Catedrala gotică a fost adesea găsită în apropiere. Arhitectura a fost caracterizată de un exterior cu cărămidă expusă, chiar și în clădiri private, în timp ce interiorul are de obicei un tencuială de var [17] .
Un mare protagonist, în care recunoaștem unele dintre cele mai tipice trăsături ale goticului internațional, a fost Meister Francke ( Maestrul Franco ), care a pictat figuri foarte originale, cu proporțiile dintre figurile din prim-plan și fundal inversate: gândiți-vă la faimoasele Povești din Santa Barbara unde într-o scenă cavalerii apar ca uriași dincolo de tufiș în timp ce țăranii din prim-plan sunt mult mai mici [1] . În arta sa există, de asemenea, o marcare puternică a celor mai dramatice și truculente elemente, ca în figurile lui Hristos după patimă, slăbit, deformat de durere și cu sângele realist care încă picură din rănile sale sau în scenele martirice, precum ca cea a lui Tommaso Becket , unde nu sunt cruțate cele mai macabre detalii, cum ar fi haina episcopului bogat pătată de cursurile de sânge din rănile sale [4] .
În ceea ce privește sculptura, crearea de altare cu compartimente a fost remarcabilă, chiar dacă ceea ce a ajuns la noi este doar o mică parte a producției originale. Printre cei mai buni maeștri s-a numărat Bernt Notke , autor de exemplu al complexului monumental Sf. Gheorghe, Dragonul și Prințesa ( 1489 ) din catedrala din Stockholm [18] .
Meister Francke, Hristos al Durerilor , Hamburg
Bernt Notke, Sfântul Gheorghe, balaurul și prințesa , Stockholm
Zona renană
Zona Rinului, de la Lacul Constanța până la Pădurea Neagră , a cunoscut o fază de mare dinamism în secolul al XV-lea, dovadă fiind consiliile Constanța ( 1414 - 1418 ) și Basel ( 1431 - 1439 ).
În domeniul artistic, un stil încântător și încântător numit „stil tandru” s-a dezvoltat în această zonă, în contrast cu stilul dramatic și expresiv al artei germane în general. Cel mai activ centru a fost orașul Köln , unde exista o clientelă puternică și dinamică atât laică, cât și religioasă. Sculptura, pictura, orfevreria, miniaturile au înflorit. Reprezentările erau adesea centrate pe figuri feminine sinuoase și elegante, așezate în atmosfere de basm [19] . O pictură emblematică a dezvoltării goticului târziu german este Madonna și Sfinții din grădina paradisului , pictată de un maestru anonim în jurul anului 1410 . În această reprezentare personajele sunt aranjate într-un spațiu care nu este dominat de un cadru logico-geometric; toată atenția pictorului este dedicată detaliilor minuțioase ale speciilor botanice, instrumentelor muzicale, păsărilor colorate.
Cei mai buni artiști au fost Conrad von Soest și, mai presus de toate, Stephan Lochner , poate cel mai mare pictor german dinaintea lui Dürer [20] .
Probabil în zona renană, sau în nordul extrem al Franței, exista atelierul maestrului din Rimini , specializat în producția de sculpturi din alabastru în prima jumătate a secolului al XV-lea, apoi exportat în toată Europa [21] .
Conrad von Soest, Buna Vestire , din Altarul Patimilor ( 1403 ), Biserica Sf. Nicolae , Bad Wildungen
Maestrul Rimini , Altarul Crucificării , detaliu, în jurul anului 1430, Liebieghaus , Frankfurt pe Main
Nürnberg
Nürnberg , grație înfloritorilor privilegii de prelucrare a metalelor și comerciale, s-a bucurat de o înflorire artistică extraordinară, care a culminat cu activitatea lui Albrecht Dürer . Bogat în monumente gotice , parțial anulat de ultimul conflict, avea o clasă de negustori educați și bogați, care au putut promova o producție extraordinară de opere de artă, unele de virtuozitate extraordinară, cum ar fi Cupa în formă de fortificat orașul Germanisches Nationalmuseum (Aproximativ 1495 ) [22] .
Cracovia
În secolul al XV-lea Cracovia a fost capitala regatului Jagiellonian și un loc de întâlnire privilegiat între lumea Europei de Vest și cea slavă. Catedrala și Castelul Regal rămân din acea perioadă, simboluri ale națiunii așezate pe Dealul Wawel . Piața textilelor este o imensă structură gotică, în timp ce Universitatea Jagielloniană , înființată în 1460 , a devenit un reper cultural în nord-estul Europei [23] .
În a doua jumătate a secolului al XV-lea, prezența artiștilor germani precum Veit Stoss (în poloneză Wit Stwosz) din Nürnberg a garantat noi contribuții. Capodopere ale vremii sunt Altarul spectaculos al morții Fecioarei din Bazilica Santa Maria sau mormântul de marmură al lui Casimir IV Jagellone , din Catedrala Wawel , care a deschis sezonul mormintelor regale din Cracovia [23] . Odată cu sosirea artiștilor italieni la începutul secolului al XVI-lea ( Francesco Fiorentino și Bartolomeo Berrecci ), stilul renascentist s-a răspândit [23] .
Piața textilelor
Biserica Treimii
Veit Stoss, mormântul lui Casimir al IV-lea (1492)
Alsacia
Alsacia a cunoscut o dezvoltare notabilă în secolul al XV-lea, cu o producție artistică autonomă, născută din convergența artiștilor de diferite naționalități. Cea mai mare articulație a catedralei de la Strasbourg este cea mai importantă realizare a secolului, în timp ce sculptura este dominată de olandezul Nikolaus Gerhaert din Leiden și de influențele artei renale germane, dovadă fiind lucrările maestrului local Nicolas d'Hagenau (pieptul altarului Isenheim ) [24] .
În pictură, influențele flamande, burgundiene și germane au predominat (de exemplu, în panoul de îndoială de Giuseppe , de un autor anonim din 1410 - 1420 ), până când școala locală a fost renovată de Martin Schongaurer din Colmar , ale cărui gravuri erau celebre și copiate în Europa, ajungând probabil să influențeze maeștrii îndepărtați precum Dürer și Michelangelo [25] .
Tirol
Tirolul a fost sediul Habsburgilor , de unde puterea lor s-a răspândit în toată Europa. În vremea lui Maximilian I , a fost lansat un program intens de sărbători și propagandă prin imagini artistice, cu deschideri atât către tradiția germanică, cât și către noul umanism italian. Această duplicitate se manifestă și în lucrările artiștilor locali, precum Michael Pacher , care încearcă un fel de mediere inteligentă între cele două stiluri. Printre cele mai bune creații se numără altarele Sankt Wolfang Kefemarkt , ale mănăstirii Novacella și ale bisericii San Francesco din Salzburg (ultimele două sunt acum dezmembrate între diferite muzee), în perfect echilibru între părțile sculptate și cele pictate, între perspectiva spațială. și caracterizarea personajelor [26] .
Zona mediteraneană
Italia
Italia divizată politic a fost traversată de artiști care au răspândit stilul internațional prin mișcare continuă (în special Pisanello , Michelino da Besozzo și Gentile da Fabriano ) și au generat, de asemenea, numeroase variații regionale. Limba gotică „internațională” a însemnat întinerirea tradiției gotice (încă legată la sfârșitul secolului al XIV-lea de limba giottescă ), dar doar unele zone au oferit contribuții originale și „protagoniști” în panorama europeană, în timp ce altele au dobândit doar parțial iar într-o parte trăsăturile stilistice individuale sunt mai superficiale. Lombardia s-a remarcat cu siguranță printre cele mai groase zone și, în diferite grade, Veneția și Verona . La Florența , goticul internațional a intrat într-o competiție timpurie cu stilul renascentist născut, dar a întâmpinat totuși favoarea unui client bogat și cult, atât religios, cât și privat [27] .
Castilia și Aragon
Peninsula Iberică din secolul al XV-lea era încă fragmentată în mai multe regate, fiecare cu propriile centre artistice. Comisiile ecleziastice erau încă strâns legate de un stil gotic, care în această perioadă a produs lucrări de opulență somptuoasă. Sunt celebre marile altarele catedralei, adesea compuse din mai multe ordine articulate și grandioase, atât de mult încât să concureze cu arhitectura reală a clădirilor care le conțin [28] .
Școala locală din Castilia și Aragon se lăuda cu multiple influențe, legate de traficul maritim și terestru cu Flandra și cu Italia , în special Regatul Napoli . Odată cu unificarea regatelor ( 1469 ) și cucerirea Granada de către musulmani ( 1492 ), a început și un nou sezon pentru pictură, mulți dintre maeștri făcând călătorii formative în străinătate: Jaume Baço Jacomart în Napoli și Roma , Bertolomé Bermejo în Flandra și în centrele spaniole, Pedro Berruguete din Urbino , unde a devenit unul dintre protagoniștii curții lui Federico da Montefeltro [28] .
Catalonia și Valencia
Regiunea Barcelona , unită cu Aragon din 1469 , a avut o producție artistică amplă, influențată în principal de școala flamandă a lui Jan van Eyck , colectată de Alfonso de Aragon . La această influență s-a adăugat și cea italiană, după luarea Regatului Napoli ( 1441 ). Era vorba de influențe reciproce: sudul Italiei se mândrește cu numeroase mărturii despre goticul catalan. Printre cei mai importanți maeștri se numără Jaume Baço Jacomart , Bartolomé Bermejo , Jaime Huguet , Bernat Martorell [29] .
În Valencia a fost la modă un stil opulent, cu o utilizare extinsă a fundalurilor aurii, cu artiști precum Gonzalo Pérez . Figurile sale de sfinți sunt acum profanate ca nobili aristocrați ai vremii, îmbrăcați bogat [30] . Un pod între Valencia și Florența a fost șederea lui Gherardo Starnina în orașul spaniol, la curtea lui Ioan I de Castilia în jurul anului 1380 : înapoi acasă a actualizat limbajul artistic al multor pictori florentini, care la sfârșitul secolului al XIV-lea erau încă ancorat într-un giottism târziu; a fost inspirat de lucrările timpurii ale unor pictori precum Lorenzo Monaco și Masolino da Panicale [31] .
Gonzalo Pérez , Tabloul Sfinților Orsola, Martino și Antonio (detaliu, în jurul anului 1420), Muzeul de Arte Frumoase , Valencia
Jaume Baço Jacomart, Cina cea de Taină (c. 1450), Muzeul Catedralei , Segorbe
Portugalia
În Portugalia s-a dezvoltat ramura extremă a stilului gotic în arhitectură, așa - numitul stil manuelin , care a înflorit sub domnia lui Manuel I (1495-1521) și caracterizat printr-o bogăție deosebit de elaborată de detalii, deseori extrase din marin și marinar. lume.
Notă
- ^ a b De Vecchi-Cerchiari, 1999 , p. 2 .
- ^ Zuffi, 2004 , p. 14 .
- ^ a b c d e f De Vecchi-Cerchiari, 1999 , p. 6 .
- ^ a b De Vecchi-Cerchiari, 1999 , p. 4 .
- ^ Zuffi, 2004 , p. 164 .
- ^ Sricchia Santoro , pp. 91-95.
- ^ a b c d De Vecchi-Cerchiari, 1999 , p. 7 .
- ^ a b Zuffi, 2004 , p. 148 .
- ^ a b c Zuffi, 2004 , p. 142 .
- ^ Zuffi, 2004 , p. 143 .
- ^ Zuffi, 2004 , p. 144 .
- ^ ( EN ) Laurence Shafe, History of Art: The Wilton Diptych , su history-of-art.blogspot.com . URL consultato il 14 novembre 2013 .
- ^ a b Zuffi, 2004 , p. 127 .
- ^ Zuffi, 2004 , p. 134 .
- ^ Zuffi, 2004 , p. 132 .
- ^ De Vecchi-Cerchiari, 1999 , p. 5 .
- ^ a b Zuffi, 2004 , p. 103 .
- ^ Zuffi, 2004 , p. 106 .
- ^ Zuffi, 2004 , p. 110 .
- ^ Zuffi, 2004 , p. 112 .
- ^ Nanni , pp.27-42 .
- ^ Zuffi, 2004 , p. 116 .
- ^ a b c Zuffi, 2004 , p. 118 .
- ^ Zuffi, 2004 , p. 120 .
- ^ Zuffi, 2004 , p. 121 .
- ^ Zuffi, 2004 , p. 122 .
- ^ De Vecchi-Carchiari, cit., pag. 8
- ^ a b Zuffi, 2004 , p. 155 .
- ^ Zuffi, 2004 , p. 160 .
- ^ De Vecchi-Cerchiari, 1999 , p. 3 .
- ^ Jeanne Van Waadenoyen, Starnina e il gotico internazionale a Firenze , Firenze, Istituto Universitario Olandese di Storia dell'Arte, 1983.
Bibliografia
- Fiorella Sricchia Santoro, Arte italiana e arte straniera , in Giovanni Previtali (a cura di), L'esperienza dell'antico, dell'Europa, della religiosità , Storia dell'arte italiana , vol. 1.3, Torino, Einaudi, 1979, ISBN 88-06-17749-4 .
- Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte , vol. 2, Milano, Bompiani, 1999, ISBN 88-451-7212-0 .
- Francesca Nanni, Il Maestro di Rimini: una traccia , in Romagna, arte e storia , n. 80, 2007.
- Stefano Zuffi , Il Quattrocento , Milano, Electa, 2004, ISBN 88-370-2315-4 .
Collegamenti esterni
- Gotico internazionale , su centroarte.com .
