Muzică clasică italiană
Această intrare sau secțiune despre muzica clasică nu citează sursele necesare sau cei prezenți sunt insuficienți . |
De la muzica antică până în secolul al XX-lea
Cântarea gregoriană
Cântarea la pian, cunoscută și sub numele de cântare continuă, și mai specific cântarea gregoriană , ambroziană și galicană , se referă, în general, la un stil monofonic neînsoțit de cântare creștină timpurie , interpretat de călugări și dezvoltat în Biserica Romano-Catolică, în principal în perioada 800 - 1000. Diferențele pot fi marginale sau chiar excepționale în unele cazuri. Aceste diferențe reflectă marea diversitate etnică, culturală și lingvistică care a existat după căderea Imperiului Roman pe peninsula italiană. Diferite tradiții monahale au apărut în cadrul Bisericii Romano-Catolice din toată Italia, dar în locuri diferite și în momente diferite. Chiar și un specialist fără muzică poate auzi diferența, de exemplu, între producția de tonuri simple din cântările ambosiene ale lui Milano și cântările Benevento , care prezintă un tremur ornamental distinct „oriental” în voce, reflectând tradițiile vocale ale Bisericii grecești. -Ortodox . Cu toate acestea, în ciuda diferențelor, asemănările sunt mari. În orice caz, cântarea gregoriană formală a fost impusă în toată Italia până în 1100, deși muzica riturilor grecești a continuat să se audă în diferite locuri ale peninsulei, în special în acele locuri care ocupaseră odinioară Bizanțul , precum Ravenna sau peninsula sudică. fusese un refugiu pentru acei greci care fugeau de marile controverse iconoclaste bizantine înainte de anul 1000. Evident, acolo unde se practicau riturile grecești, cântecele erau cântate în greacă și nu în latină , ca în liturghia romano-catolică.
Muzica secolului al XIV-lea
Secolul al XIV-lea , între 1300 și 1420, a fost o perioadă de activitate viguroasă în Italia în artă, inclusiv pictură, arhitectură, literatură și muzică. Muzica secolului al XIV-lea a deschis calea pentru noi forme de expresie, în special în cântecul laic și în utilizarea limbajului vulgar, italianul . În aceste privințe, muzica secolului al XIV-lea poate părea mai degrabă un fenomen al Renașterii ; cu toate acestea, limbajul muzical predominant a fost mai strâns legat de cel din Evul Mediu târziu , iar muzicologii clasifică în general secolul al XIV-lea drept sfârșitul epocii medievale. [1]
Muzica seculară
Muzica seculară înainte de 1500 a fost în mare parte opera bufonilor , trubadurilor și mimelor . Era vremea marii vulgarizări a limbii în Italia, într-adevăr, în toată Europa; adică oamenii au început să scrie și să cânte cântece în limba lor maternă, care nu era latină, dar în zona lor se vorbea orice fel de limbă neolatină medievală. Astfel, în 1300, Dante a arătat împreună cu Divina Comedie că limba comună (a sa a fost numită „ toscană ” și nu „italiană” până în secolul al XVIII-lea ) ar putea fi un vehicul pentru literatura fină. În mod logic, acest lucru s-a extins la versurile melodiilor pe care le cântau oamenii.
Două puncte merită menționate în acest sens: știm mult mai multe despre versurile pieselor decât știm despre sunetul propriu-zis al muzicii. Cuvintele au fost scrise mult mai ușor decât melodiile. (Vezi notația muzicală ). Deci, știm că a existat o tradiție vibrantă a trubadorilor în secolul al XII-lea în Provence în limba lor și știm că chiar și la 1000 de mile depărtare în Sicilia a existat o tradiție vibrantă a trubadorilor la curtea lui Hohenstaufen a lui Frederic al II-lea , cântece cântate în dialectul oamenii (puternic influențați, de exemplu, de arabă), dar este o presupunere cu privire exact la modul în care unul dintre cei doi suna mai asemănător. Știm doar că muzica populară din sudul Franței astăzi sună puțin diferită de muzica populară siciliană. Întrucât muzica populară este relativ conservatoare prin faptul că rezistă schimbărilor rapide, putem presupune că cel puțin unele dintre diferențele evidente în melodie, scale și abordare vocalizare au existat atunci. Natura apelului și a răspunsului unui cântec coral foarte popular în Evul Mediu, adică un solist care cântă o replică care apoi este rezolvată de un grup, și-a găsit drumul în muzica sacră medievală ca o modalitate de a implica toți membrii congregației.
Polifoniile complicate ale ceea ce se numește Ars Nova au început să fie auzite în secolele XIV și XV; mediile populare, cum ar fi madrigalele, foloseau straturi din ce în ce mai dense de melodii cântate în același timp, scopul era să creeze o textură a sunetului împletită și euforică; acest lucru NU este același cu armonia , sunetul multor note împreună pentru a forma o coardă: aceasta este o invenție ulterioară. Cu toate acestea, tranziția de la sunetele monofonice ale cântărilor la numeroasele melodii simultane de polifonie reprezintă o revoluție în percepțiile noastre muzicale: pentru a fi clar, este posibil să avem mai mult de un lucru care sună în același timp și încă îi este plăcut să asculta.
Renasterea
Majoritatea oamenilor nu se gândesc la muzică atunci când aud termenul Renaștere . Totuși, în același sens în care arhitecții, pictorii și sculptorii din secolul al XVI-lea au omagiat valorile recent redescoperite ale Greciei clasice , poeții și muzicienii din acea perioadă au încercat să facă același lucru. Anii între 1500 și 1600 sunt perioada cea mai revoluționară din istoria muzicală europeană; este secolul în care s-a dezvoltat armonia și secolul care a dat naștere operei .
Aceste două evoluții sunt legate. Cititorii vor fi observat trecerea de la monofonia cântărilor gregoriene la polifonia complexă a madrigalelor și a altor muzici din secolele anterioare anului 1500. Următoarea modificare a percepției muzicale se referă la un termen mai puțin comun: homofonie ; adică sunetul unei coarde armonice sau progresia acordurilor, care nu sunt destinate să iasă în evidență, dar care susțin o melodie evidentă în vârful armoniei.
Dorința, probabil, necesară pentru muzică homofonică apare din mai mulți factori. În primul rând, a existat o respingere a polifoniei excesiv de complicate a multor melodii diferite care rulează simultan: în al doilea rând, o nouă estetică muzicală generală a perioadei, rezumată cel mai bine în cuvintele lui Leonardo da Vinci din anii 1500, care susținea că muzica era „ conjuncția simultană a părților proporționale ", adică setul sonor de note bazat pe fracții aritmetice simple precum 2: 1 (care produce sunetul unei octave), 3: 2 (care produce sunetul celei de-a cincea) și 5: 4 (care produce sunetul unei treimi majore). Deci, dacă generați note la 400, 600, 800 și 1000 de cicluri pe secundă, aveți toate notele celui mai simplu și mai armonios sunet din muzica noastră, acordul principal. Este chiar atât de simplu. În al treilea rând, lista factorilor care fac atât de important secolul al XVI-lea este dorința Renașterii de a spune o poveste, de a pune oamenii pe o scenă mică și de a cânta cântece despre mitologia greacă: povestea lui Orfeu , de exemplu. Este greu de făcut dacă toată lumea cântă o melodie în același timp; astfel polifonia a dat loc omofoniei și prima lucrare a constat în melodii relativ simple cu texte despre mitologia greacă, cântate în italiană și susținute de armonii simple. Orașul important din Italia în această dezvoltare a muzicii în secolul al XVI-lea a fost Florența . (Vezi și: Camerata florentină , Vincenzo Galilei , Jacopo Peri , Claudio Monteverdi , Palestrina , Arcangelo Corelli .)
În afară de Florența, alte două orașe italiene sunt deosebit de demne de menționat în perioada din jurul anului 1600. Există un fel de rivalitate prietenoasă între susținătorii celor două orașe, care este mai importantă în istoria dezvoltării muzicii din Italia. Veneția își revendică pe bună dreptate locul de naștere al operei comerciale; Napoli indică propria sa istorie a conservatoarelor de muzică sponsorizate de biserici, instituții care s-au transformat în „sisteme de creștere”, oferind compozitori și interpreți pentru o mare parte a vieții muzicale în Italia și, într-adevăr, în întreaga Europă.
secolul al 17-lea
Perioada cuprinsă între 1600 și 1750 include epoca barocă a muzicii . Multe lucruri importante s-au întâmplat în acest timp. Una a fost o revenire la complexitățile melodice ale polifoniei; cu toate acestea, melodiile curgeau într-un sistem modern de armonie bazat pe acorduri și scale majore și minore. Acest din urmă element este o extensie a conceptului de muzică homofonică și a permis complexității melodice a fiecărei varianțe să crească la dominanță asupra importanței textului. Lupta pentru dominația dintre text și muzică datează din muzica grecilor și continuă până în prezent în toate formele de muzică artistică europeană și muzică populară. Această nouă dominație a melodiei în armonie în detrimentul textului a dus la mari schimbări, inclusiv extinderea și inventarea resurselor instrumentale ale orchestrei; tastatura a fost extinsă în ambele direcții; realizarea de instrumente precum cele ale lui Stradivari a devenit o mare industrie în Cremona și muzica instrumentală a început să se dezvolte ca o „piesă” separată, dincolo de rolul tradițional de acompaniament al vocii umane. Formele instrumentale includ lucruri precum sonata și fuga. Printre personajele muzicale celebre și influente din această perioadă în Italia se numără Alessandro și Domenico Scarlatti , Antonio Vivaldi și Benedetto Marcello , care reprezintă importanța Napoli și, respectiv, a Veneției, în această perioadă.
Al XVIII-lea
De la începutul secolului al XVIII-lea până la sfârșitul acelui secol înțelegem ceea ce istoricii numesc „muzică clasică”. Rețineți că această utilizare a termenului „clasic” nu corespunde cu ceea ce înseamnă non-istoricii când spun „muzică clasică”, adică toată opera și muzica simfonică, spre deosebire de „muzică populară”.
Termenul „clasic” este potrivit pentru această perioadă de muzică, deoarece marchează standardizarea unor forme muzicale precum simfonia și concertul . Prin urmare, termenul „clasic” este folosit în sensul renascentist al filosofiei clasice grecești; forma platonică , ideea că lucruri precum frumusețea există veșnic ca idealuri și că opera artistului, în acest caz opera compozitorului, este pusă în formă acel ideal. Deci avem, de exemplu, o simfonie formalizată ca o operă standard în patru mișcări pentru orchestră și așa mai departe.
Configurarea fizică pentru compoziția și interpretarea muzicii în Italia a avansat considerabil în acest secol. Aceasta este perioada în care au fost construite marile teatre de operă din Napoli și Milano: San Carlo și, respectiv, La Scala . Este, de asemenea, momentul nașterii preeminenței operei napolitane și apoi italian-comice . De asemenea, este importantă restabilirea unui anumit sentiment de echilibru între text și muzică în operă, în mare parte prin libretele lui Metastasio .
Compozitori italieni importanți ai acestui secol sunt: Giovanni Battista Pergolesi , Niccolò Piccinni , Giovanni Paisiello , Luigi Boccherini , Domenico Cimarosa , Muzio Clementi , Luigi Cherubini , Giovanni Battista Viotti și Niccolò Paganini . Este și momentul în care „ muzica italiană ” devine internațională, ca să spunem așa, mulți dintre acești compozitori italieni încep să lucreze în străinătate.
secol al XIX-lea
Acesta este secolul romantismului în literatura, arta și muzica europeană. Romanticismul în muzică este caracterizat de multe dintre aceleași caracteristici care definesc literatura și pictura secolului: mai puțină atenție la formalitățile clasicismului, mai multă implicare a pasiunilor umane precum dragostea, eroismul, curajul, libertatea etc., toate acestea sunt o consecință directă a umanismului iluminismului francez. Opera italiană tinde să abandoneze ușurința operei comice pentru propunerea mai serioasă a operei italiene. Deși renumitul Rossini este cu siguranță o excepție, muzica italiană din secolul al XIX-lea este dominată la început de cei de la Bellini , Donizetti și apoi, desigur, în ultimii cincizeci de ani ai secolului de Giuseppe Verdi , cea mai faimoasă icoană muzicală din istoria Italiei. . Este, de asemenea, momentul primei cariere a lui Giacomo Puccini , poate cel mai mare compozitor de melodie pură din istoria muzicii italiene și cu siguranță ultimul. Puccini este podul către era muzicii noi din secolul al XX-lea .
Secolului 20
Romantismul în toată muzica europeană a persistat cu siguranță până la începutul secolului. În Italia, muzica lui Verdi și Puccini a continuat să domine timp de câțiva ani. Printre alți compozitori romantici italieni, cel puțin printre acei compozitori care au continuat să compună în tradițiile tonale ale muzicii occidentale, (spre deosebire de noua atonalitate și disonanță a compozitorilor europeni de după cel de-al doilea război mondial), care „au aparținut” secolului al XX-lea sunt Arrigo Boito , Ruggero Leoncavallo , Pietro Mascagni , Francesco Cilea și Ottorino Respighi .
Cu toate acestea, era inevitabil ca compozitorii italieni să răspundă valorilor dispărute ale romantismului și cinismului provocat în multe cercuri artistice europene de lucruri precum Primul Război Mondial și fenomene culturale / științifice precum psihanaliza în care, cel puțin conform lui Robert Louis Stevenson , „toți oamenii au gânduri secrete care ar rușina iadul”. Romanticismul, în ciuda popularității sale de durată în rândul participanților la operă, a dispărut în timpul primului război mondial. Cu toate acestea, nu se poate spune că muzica romantică din Italia a murit sub propria greutate, așa cum s-ar putea spune despre lucrările prea lungi și prea orchestrate ale muzicii romanice târzii din Germania, care au dat locul muzicii minimaliste . Dar abstractizarea și atonalitatea și, pur și simplu, muzica „dificilă” au ajuns în Italia după moartea lui Puccini. Printre cele mai importante nume italiene din muzica secolului XX se numără Luciano Berio , Luigi Dallapiccola , Goffredo Petrassi și Luigi Nono .
Notă
- ^ Richard H. Hoppin, Medieval Music (New York, WW Norton & Co., 1978), pp. 433ff.
